Ein ehemaliges Filmtheater auf der Upper East Side wird zur Bühne für zeitgenössisches Design. Die dritte New Yorker Ausgabe von COLLECTIBLE verbindet experimentelle Gestaltung mit Bürofantasien und der räumlichen Welt der Mode.

Ein Kino ist darauf gebaut, unsere Aufmerksamkeit zu lenken. Hohe Räume, große Bilder, eine Welt, in die man für eine Weile eintaucht. Für ihre dritte New Yorker Ausgabe hat sich die Designmesse COLLECTIBLE einen solchen Ort ausgesucht: ein ehemaliges Filmtheater in der East 86th Street. Vom 6. bis 8. November 2026 werden dort Galerien und unabhängige Designstudios ihre Arbeiten präsentieren. Die Termine und das VIP-Preview am 5. November sind auf der offiziellen Website bestätigt.

Der Ortswechsel führt die Messe auf die Upper East Side, in die Nähe des Metropolitan Museum of Art, des Guggenheim und des Cooper Hewitt. Zeitgenössisches Design rückt damit in ein Viertel, dessen Museen, Galerien und Sammlungen seit Jahrzehnten mitprägen, wie Kunst betrachtet und eingeordnet wird. Das ehemalige Kino bietet dafür einen eigenen Rahmen: großzügige Raumvolumen und hohe Decken, die auch ausgreifenden gestalterischen Ideen Platz geben.

Objekte mit einer eigenen Geschichte

2018 in Brüssel von Clélie Debehault und Liv Vaisberg gegründet, konzentriert sich COLLECTIBLE auf Design des 21. Jahrhunderts. Im Mittelpunkt stehen Arbeiten, in denen sich handwerkliches Wissen, Materialexperimente und eine eigenständige gestalterische Sprache verbinden.

Der Begriff Collectible Design beschreibt dabei auch eine besondere Art, auf Dinge zu schauen. Neben ihrer Funktion interessieren ihre Entstehung, ihre Materialität und die Gedanken, die in ihnen stecken. Ein Objekt kann einen Raum einrichten und zugleich eine Frage aufwerfen: Wie wollen wir leben? Welche Formen sind uns vertraut? Und weshalb eigentlich?

Die Messe nähert sich diesen Fragen aus unterschiedlichen Richtungen. In der Main Section zeigen Galerien ihre Positionen zum zeitgenössischen Design. Die Bespoke Section bringt unabhängige Studios mit Menschen zusammen, die individuelle Arbeiten in Auftrag geben möchten – darunter Sammler:innen, Architekt:innen und Interior Designer:innen. Hier wird Gestaltung als Austausch sichtbar: zwischen einer Idee, einem konkreten Raum und den Menschen, die ihn nutzen.

Die seltsame Anziehungskraft des Büros

Einen besonders neugierigen Blick verspricht „Human Resources“, die von Alex Tieghi-Walker kuratierte Ausstellung innerhalb der Curated Section. Der Gründer von TIWA Select beschäftigt sich darin mit der Faszination für Büroräume im späten 20. Jahrhundert.

Das Büro erscheint als Schauplatz von Ehrgeiz, Arbeit und Repräsentation. Seine Einrichtung erzählt davon, wie Unternehmen sich sehen – und wie Menschen innerhalb dieser Strukturen gesehen werden möchten. Tieghi-Walker greift diese Welt auf und verwandelt sie in eine Landschaft unternehmerischer Fantasien.

Darin liegt eine reizvolle Verschiebung. Ein Umfeld, das im Alltag oft als selbstverständlich wahrgenommen wird, bekommt plötzlich Aufmerksamkeit. Was verraten Arbeitsräume über Status? Wie wird Erfolg räumlich dargestellt? Welchen Wert schreiben wir den Dingen zu, die uns während der Arbeit umgeben?

„Human Resources“ nimmt solche Fragen mit in das Feld des sammelbaren Designs. Gerade die vermeintliche Nüchternheit des Büros bietet dafür einen ergiebigen Ausgangspunkt.

Mode braucht Räume

Die Fashion Section richtet den Blick auf eine andere Welt der Inszenierung. Kuratiert wird sie 2026 von Lynette Nylander, Executive Digital Director von Harper’s Bazaar, Autorin und Creative Director, die zuvor unter anderem bei Dazed, i-D und Teen Vogue tätig war.

Ihr Schwerpunkt liegt auf Möbeln, Szenografien und Raumkonzepten für Stores und Laufstegpräsentationen. Denn die gestalterische Sprache einer Modemarke setzt sich über Kleidung hinaus fort: in der Art, wie ein Geschäft eingerichtet ist, wie eine Kollektion präsentiert wird und wie Menschen sich durch diese Räume bewegen.

COLLECTIBLE schafft hier Raum für Begegnungen und individuelle Auftragsarbeiten zwischen Designer:innen und Modeschaffenden. Die Fashion Section macht damit einen Bereich sichtbar, den man oft beiläufig wahrnimmt, obwohl er wesentlich daran beteiligt ist, wie Mode erlebt wird.

Ergänzt wird das Programm durch New Garde, eine Sektion für gemeinnützige Organisationen und Kollektive, die mit ungewöhnlichen Formaten arbeiten – vom Ladenlokal bis zur digitalen Plattform. Gespräche und Panels sowie das Fachprogramm Club COLLECTIBLE sollen weitere Verbindungen zwischen Gestalter:innen, Architektur und Interior Design schaffen.

Das ehemalige Kino passt zu dieser Ausgabe. Wo einst Filme den Blick auf andere Welten öffneten, übernehmen nun Objekte und Räume diese Aufgabe. Eine Bürolandschaft, ein Möbel für eine Modeinszenierung, eine individuelle Auftragsarbeit: Dinge, die zeigen, wie viel von unserem Leben in Gestaltung steckt.

COLLECTIBLE New York
6.–8. November 2026 · 210 East 86th Street, New York
VIP-Preview und Opening: 5. November
Weitere Informationen: collectible.design

Was macht ein Kleidungsstück wertvoll? Welche Vorstellungen von Männlichkeit trägt ein Anzug? Und wie viel Persönlichkeit kann eine Tasche aufnehmen? Im Rahmen der Austrian Fashion Awards 2026 werden Arbeiten von fünf Designerinnen, Designern und Labels gezeigt, die mit einem Startstipendium Mode gefördert wurden. Ihre Entwürfe geben sehr unterschiedliche Antworten.

Wer bestimmt den Wert?

Für Hao Wu und Alexander Georg Lehner von Sale Sale Studio beginnt diese Frage bei etwas Vertrautem: einem Hemd, einer Anzughose und drei Stoffen. In ihrer ersten Kollektion Copy Paste werden die Ausgangsstücke kopiert, verändert und neu zusammengesetzt. Das Ergebnis spielt mit der Grenze zwischen Original und Nachahmung – und mit der Vorstellung, dass Originalität allein über den Wert von Kleidung entscheidet.

Auch Miranda Matondo, das Label von Marie Matondo und Danaide Miranda, interessiert sich dafür, welche Geschichten Materialien und Techniken erzählen. Die Kollektion Mosaico entstand nach einem Aufenthalt in Agadir. Sie verbindet Einflüsse des Flamenco mit Amazigh-Schmuckkunst und setzt auf Bewegung, Handwerk und kulturellen Austausch. Die Kleidung ist dabei nicht an binäre Geschlechterkategorien gebunden; sie lässt Raum für die Person, die sie trägt.

Menswear mit Erinnerung

Oliver Kuzma blickt auf historische Formen der Männermode und übersetzt sie in eine robuste Garderobe für die Gegenwart. Seine aktuelle Kollektion, angeregt durch die frühen Filme Guy Ritchies, beschäftigt sich mit den Bildern von Aristokratie und Arbeiterklasse. Ihn interessieren Kleidungsstücke, die genutzt werden dürfen und mit der Zeit eine eigene Patina bekommen.

Bei Paul Alexander Reisinger liegt die Vergangenheit im Material selbst. Er arbeitet überwiegend mit Vintage-Beständen und gebrauchten Stoffen, verbindet alpine und florale Bezüge mit klassischen Menswear-Silhouetten. So entstehen Entwürfe, in denen persönliche Erinnerung ebenso Platz hat wie eine offenere Vorstellung von Männlichkeit.

Viola Kollár richtet den Blick auf ein Accessoire, das uns oft täglich begleitet. Ihre Taschen sollen funktionieren, lange halten und zugleich eine eigene Präsenz haben. Handnaht, sorgfältig verarbeitete Lederkanten und wiederverwendete Materialien gehören zu einer Arbeit, in der handwerkliche Qualität und persönliche Bedeutung zusammenfinden.

Die fünf Positionen sind am 5. November 2026 bei den Austrian Fashion Awards in der Kunsthalle Wien im MuseumsQuartier zu sehen. Die Veranstaltung der Austrian Fashion Association zeigt damit auch, was aus gezielter Förderung entstehen kann: eigenständige Arbeiten, die vertraute Formen aufnehmen und ihnen neue Fragen stellen. Die Gewinnerinnen und Gewinner der diesjährigen Modepreise werden erst an diesem Abend bekannt gegeben.

Mit Filmen, Stimmen und vielschichtigen Erzählungen verwandelt Amar Kanwar die Serpentine North in London in einen meditativen Denkraum. Im Zentrum der großen Einzelausstellung steht die neue Sieben-Kanal-Installation The Charcoal Man.

Dunkelheit ist in Amar Kanwars Werk niemals bloß die Abwesenheit von Licht. Sie ist ein Raum der Wahrnehmung, der Erinnerung und der Erkenntnis. Ein Zustand, in dem Gewissheiten verschwimmen und andere Bilder sichtbar werden. Für seine große Einzelausstellung bei Serpentine verwandelt der indische Künstler und Filmemacher die Galerien der Serpentine North in eine immersive visuelle und akustische Landschaft.

Vom 23. September 2026 bis 31. Januar 2027 treffen dort drei zentrale Arbeiten aufeinander: der abendfüllende Film Such a Morning von 2017, die Sieben-Kanal-Installation The Peacock’s Graveyard von 2023 und das neue Werk The Charcoal Man, das in London erstmals öffentlich gezeigt wird.

Ein Kino der Aufmerksamkeit

Seit mehr als zwei Jahrzehnten bewegt sich Amar Kanwar zwischen Dokumentarfilm, poetischem Essay und visueller Erzählung. Seine Arbeiten sind eng mit der Geschichte des indischen Subkontinents verbunden – mit Kolonialismus, der Teilung Indiens und Pakistans, Vertreibung, Gewalt und den Mechanismen politischer Macht.

Doch Kanwar erklärt die Welt nicht. Er verlangsamt sie. Statt eindeutiger Antworten entwickelt er offene Bildräume, in denen Fakten, persönliche Erinnerungen, Fabeln, Musik und Archivmaterial nebeneinander existieren. Das Politische erscheint bei ihm nicht als Botschaft, sondern als Erfahrung: leise, vielschichtig und oft beunruhigend nah.

Diese Haltung bestimmt auch die Ausstellung bei Serpentine. In den abgedunkelten Räumen werden die Besucherinnen und Besucher nicht nur zu Zuschauenden. Sie müssen sich auf einen anderen Rhythmus einlassen – auf Bilder, die Zeit verlangen, und auf Geschichten, deren Bedeutung sich erst allmählich entfaltet.

Vom Pfauengrab zum Kohlenmann

Den Auftakt bildet The Peacock’s Graveyard, ursprünglich für die Sharjah Biennale 15 geschaffen und nun erstmals in London zu sehen. Auf sieben Bildschirmen verbindet Kanwar eigene Texte mit zeitgenössischen und historischen Fabeln, mündlichen Überlieferungen und persönlichen Erfahrungen.

Die Installation kreist um die Flüchtigkeit menschlicher Existenz, um Gewalt und Arroganz, aber auch um Versöhnung, Widerstand und Transformation. Kanwar versteht das Werk weniger als Klage denn als Sammlung von Geschichten, die man bei sich tragen kann – als fragiles Gegengewicht zu einer Wirklichkeit, die immer wieder von Zerstörung geprägt wird.

Mit The Charcoal Man führt er diese Gedanken weiter. Die neue Sieben-Kanal-Arbeit entstand über drei Jahre hinweg und wurde vom Kiran Nadar Museum of Art in Delhi in Auftrag gegeben. Ausgangspunkt ist Kanwars fortdauernde Auseinandersetzung mit der Teilung des indischen Subkontinents im Jahr 1947.

Bilder und Texte verweben sich zu einer Erzählung über Verrat, Rache, Leidenschaft, Eifersucht und Wut. Dabei sucht der Künstler nicht nach einer linearen historischen Darstellung. Vielmehr versucht er, aus dem Zerfall neue Zusammenhänge und aus Geschichten weitere Geschichten entstehen zu lassen. Realität, Fantasie und Fiktion werden zu gleichberechtigten Formen des Erinnerns.

49 Arten der Dunkelheit

In einem der charakteristischen, von Backstein überwölbten Powder Rooms der Serpentine North wird Such a Morning gezeigt. Der 85-minütige Film erzählt von einem angesehenen Mathematikprofessor, der sich unvermittelt aus dem öffentlichen Leben zurückzieht und in einem verlassenen Eisenbahnwaggon in einem Wald Zuflucht sucht.

Er verdunkelt die Fenster und beginnt, sich buchstäblich und geistig an die Dunkelheit heranzutasten. Aus Visionen, Halluzinationen und Erkenntnissen entstehen Briefe über 49 verschiedene Formen der Dunkelheit, zusammengefasst in einem imaginären Almanac of the Dark. Parallel dazu entwickelt sich die Geschichte einer Frau, ohne dass beide Erzählungen zu einer eindeutigen Interpretation zusammenfinden.

Die Briefe setzen sich außerhalb des Films fort. Projektionen, Videos und Texte auf handgefertigtem Ramie- und Baumwollpapier führen das Werk in den angrenzenden Galerien weiter und geben Kanwars immateriellen Bildern eine beinahe körperliche Form.

Sehen als ethische Handlung

Serpentine und Amar Kanwar verbindet eine lange Geschichte. Bereits 2008 war der Künstler Teil der Gruppenausstellung Indian Highway. Es folgten Beiträge zum Map Marathon sowie zum Filmprogramm On Earth, Structure and Sadness. Die aktuelle Ausstellung führt diesen Dialog nun in konzentrierter Form weiter.

Was Kanwars Arbeiten so gegenwärtig macht, ist ihre Weigerung, sich der Geschwindigkeit unserer Zeit anzupassen. Sie fordern Aufmerksamkeit, ohne sie zu erzwingen. Sie sprechen von Gewalt, ohne diese zum Spektakel zu machen. Und sie zeigen, dass Erinnern keine passive Rückschau ist, sondern eine ethische Handlung.

In einer Gegenwart voller Bilder schafft Amar Kanwar Räume, in denen das Sehen wieder Bedeutung bekommt. Vielleicht beginnt genau dort die Möglichkeit zur Veränderung: im Innehalten, im Zweifel – und in der Bereitschaft, auch in der Dunkelheit weiterzuschauen.

Amar Kanwar
Serpentine North, London
23. September 2026 bis 31. Januar 2027
Eintritt frei

The Zetter denkt Boutiquehotellerie nicht als reproduzierbares Designkonzept, sondern als Sammlung eigenwilliger Häuser. Nach Clerkenwell, Marylebone und dem im April 2026 eröffneten The Zetter Bloomsbury wagt die britische Gruppe 2027 erstmals den Schritt über London hinaus – in ein historisches Grachtenhaus in Amsterdam.

Es gibt Hotels, deren Gestaltung sich an jedem Ort wiedererkennen lässt. Und es gibt The Zetter. Die britische Hotelgruppe setzt nicht auf ein Design, das von Adresse zu Adresse kopiert wird, sondern auf eine gemeinsame Haltung: Jedes Haus soll sich anfühlen wie eine private Residenz, die im Laufe vieler Jahre gewachsen ist.

Antiquitäten stehen neben zeitgenössischer Kunst, gemusterte Stoffe treffen auf verblasstes Holz, Bücherregale auf gut bestückte Bars. Nichts wirkt vollkommen aufeinander abgestimmt – und gerade darin liegt die Raffinesse. The Zetter bezeichnet diese Haltung selbst als „timeless imperfection“: eine zeitlose Unvollkommenheit, die Räumen Wärme, Persönlichkeit und Glaubwürdigkeit verleiht.

Keine Hotels, sondern Persönlichkeiten

Die Häuser in Clerkenwell, Marylebone und Bloomsbury besitzen jeweils eine eigene Identität. Verbunden werden sie weniger durch eine wiederkehrende Ästhetik als durch das Gefühl, zu Gast in einem außergewöhnlichen Zuhause zu sein.

Ein wichtiger Bestandteil sind die sogenannten Parlours. Sie ersetzen die klassische Hotellobby durch Salons, in denen man frühstückt, einen Cocktail trinkt oder sich mit Freunden trifft. Sie richten sich bewusst nicht ausschließlich an Hotelgäste. Dadurch entstehen lebendige Orte, die in ihr Viertel eingebunden sind und auch von Londonern besucht werden.

The Zetter verkauft damit nicht nur Übernachtungen, sondern ein temporäres Lebensgefühl: kultiviert, ein wenig exzentrisch, sehr britisch und nie überinszeniert. Der Luxus liegt nicht in Marmorflächen oder demonstrativer Perfektion, sondern in Atmosphäre, Großzügigkeit und Details, die eine Geschichte erzählen.

Bloomsbury: Wohnen bei einem imaginären Sammler

Wie weit sich diese Idee entwickeln lässt, zeigt das am 1. April 2026 eröffnete The Zetter Bloomsbury. Das Hotel befindet sich in sechs miteinander verbundenen georgianischen Stadthäusern an der Montague Street, direkt gegenüber dem British Museum und nahe dem Russell Square.

Mit 68 Zimmern ist Bloomsbury das bisher ambitionierteste Haus der Gruppe – und zugleich das erste neue Zetter Hotel seit rund einem Jahrzehnt. Trotz seiner Größe soll es nicht wie ein klassisches Stadthotel wirken. Interior Designer James Thurstan Waterworth, der zuvor unter Martin Brudnizki arbeitete und später als European Design Director den Stil von Soho House mitprägte, entwickelte das Haus als „Collector’s Residence“: als Wohnsitz eines weit gereisten, kunstinteressierten Sammlers.

Vier Jahre lang wurden Möbel, Stoffe, Kunstwerke und Objekte auf Auktionen, bei Antiquitätenhändlern und auf Märkten zusammengetragen. Europäische Antiquitäten treffen auf Mid-Century-Möbel, afrikanische Textilien und eigens für das Hotel gefertigte Details. Mehr als 500 Kissen entstanden aus historischen Stoffen, türkische Teppiche wurden zu Ottomanen verarbeitet. Zur Sammlung gehören Werke der britischen Nachkriegsmoderne sowie über 600 alte Kunst- und Auktionskataloge.

Die Nähe zum British Museum ist dabei mehr als eine attraktive Lage. Sie prägt die Erzählung des Hotels. Vitrinen, Bücher, Textilien und Fundstücke lassen an ein privates Kuriositätenkabinett denken – nicht als museale Inszenierung, sondern als vielschichtiges Interieur, das erst beim genaueren Hinsehen seine Geschichten preisgibt.

Ein Hotel als moderner Salon

Bloomsbury war über Jahrzehnte ein Treffpunkt von Schriftstellern, Künstlern und Intellektuellen. Virginia Woolf, E. M. Forster und John Maynard Keynes sind untrennbar mit dem Viertel verbunden. The Zetter übersetzt diese Tradition des Austauschs in die Gegenwart.

Im Parlour werden Cocktails und kleine Gerichte serviert, während sich die lichtdurchflutete Orangery zum Garten hin öffnet. Frühstück, Afternoon Tea, sommerliche Dinner und wechselnde Gastköche sollen nicht nur Reisende, sondern auch die kreative Nachbarschaft ansprechen.

Eine Besonderheit ist der rund 1.000 Quadratmeter große private Garten. Die Landschaftsarchitekten Harry und David Rich verwandelten die zuvor ebene Fläche in einen verwunschenen Rückzugsort mit britischen und subtilen japanischen Einflüssen. Ergänzt wird er durch eine Yoga-Terrasse – ein bemerkenswerter Freiraum mitten in London.

Die Zimmer reichen von kleinen, holzvertäfelten Rückzugsorten bis zur Terrace Suite mit Himmelbett, freistehender Badewanne und umlaufender Terrasse. Kein Zimmer soll exakt wie das andere aussehen. Die historischen Grundrisse der sechs ehemaligen Wohnhäuser werden nicht kaschiert, sondern als Teil ihres Charakters bewahrt.

Warum Amsterdam der logische nächste Schritt ist

Anfang 2027 verlässt The Zetter erstmals Großbritannien. Das The Zetter 717 Amsterdam entsteht an der Prinsengracht im UNESCO-geschützten Amsterdamer Grachtengürtel. Das Fünf-Sterne-Boutiquehotel wird lediglich 24 Zimmer besitzen und damit bewusst intim bleiben.

Die Wahl Amstersterdams erscheint keineswegs zufällig. Wie London verbindet die Stadt historische Architektur mit einer international ausgerichteten Kreativszene. Vor allem aber bietet das Gebäude genau jene Substanz, aus der The Zetter seine Geschichten entwickelt: Der vordere Teil des Grachtenhauses wurde 1810 im Empire-Stil errichtet, während ein rückwärtiger Gebäudeteil bis ins niederländische Goldene Zeitalter des 17. Jahrhunderts zurückreicht.

Amsterdam ermöglicht der Marke somit eine Expansion, ohne ihr Prinzip aufzugeben. The Zetter muss hier keine britische Kulisse exportieren. Stattdessen kann die Gruppe ihre eigentliche Kompetenz zeigen: ein historisches Haus zu lesen, seine Eigenheiten zu bewahren und daraus eine neue, ortsspezifische Persönlichkeit zu entwickeln.

Erneut wurde James Thurstan Waterworth mit der Gestaltung beauftragt. Gealtertes Messing, wiedergewonnenes Holz, antike Spiegel und schwere Textilien sollen eine Atmosphäre schaffen, die gesammelt statt dekoriert wirkt. Der botanisch gestaltete Garden Room wird beim Frühstück den Blick in den privaten Garten öffnen. Die Library mit Bücherwänden, rost- und terrakottafarbenen Tönen sowie dunkler Eiche ist für Drinks und kleine Gerichte vorgesehen.

Geleitet wird das Haus von General Manager Yara Al Hattouni. Dass The Zetter dabei ausdrücklich auf ihre lokale Kenntnis setzt, ist entscheidend: Amsterdam soll keine niederländische Kopie von Bloomsbury werden, sondern ein Haus, das die Energie der Stadt aus einer persönlichen Perspektive aufnimmt.

Wachstum ohne Verlust der Eigenart

The Zetter 717 Amsterdam könnte zum Modell für die weitere Entwicklung der Gruppe werden. Die Marke ist stark genug, um wiedererkannt zu werden, aber offen genug, um sich jedem Gebäude und jedem Viertel neu anzupassen.

Gerade darin liegt ihre Relevanz für die zeitgenössische Hotellerie. Während viele Lifestylemarken mit zunehmender Expansion standardisierter werden, versucht The Zetter das Gegenteil: Nicht das fertige Konzept reist weiter, sondern die Haltung dahinter.

So betrachtet ist Amsterdam weniger der Beginn einer internationalen Kette als das nächste Kapitel einer Sammlung. Ein neues Haus, eine andere Stadt, eine eigene Geschichte – verbunden durch die Kunst, Gästen für einige Tage das Gefühl zu geben, an einem Ort zu wohnen, der schon lange auf sie gewartet hat.

Zwischen Wasser und Alpen, Obstgärten und Architektur zeigt sich der Bodensee von einer Seite, die man vielleicht viel öfter entdecken sollte. Im Seegut Zeppelin bei Friedrichshafen bekommt die alte Idee der Sommerfrische eine überraschend zeitgemäße Interpretation – und für THE Stylemate Leser gibt es mit dem Smart Traveller einen besonders guten Grund, sie selbst zu erleben.

Ein See, vier Länder und ziemlich viel Freiheit

Vielleicht liegt der besondere Reiz des Bodensees darin, dass er sich nie so ganz festlegen lässt. Deutschland? Österreich? Schweiz? Ein kleiner Abstecher nach Liechtenstein? Am Bodensee werden Grenzen erstaunlich nebensächlich.

Viel wichtiger ist das Wasser.

Mal liegt es glatt und beinahe silbern vor einem, mal verschwindet das gegenüberliegende Ufer im Dunst, und an klaren Tagen bildet das Alpenpanorama eine Kulisse, die daran erinnert, wie außergewöhnlich die Lage dieses Sees eigentlich ist. Dazu kommen Weinberge und Obstgärten, historische Städte, zeitgenössische Kultur und eine Landschaft, die sich hervorragend mit dem Fahrrad, zu Fuß oder vom Wasser aus entdecken lässt.

Vielleicht ist genau das die schönste Art, den Bodensee zu bereisen: ohne allzu großen Plan.

Am Vormittag mit dem Schiff über den See, am Nachmittag durch einen Garten spazieren, ein Museum besuchen oder einfach irgendwo am Ufer sitzen und beobachten, wie Segelboote langsam am Horizont verschwinden.

Friedrichshafen fügt dieser Landschaft noch eine weitere Dimension hinzu: den Pioniergeist. Die Geschichte der Zeppeline ist bis heute eng mit der Stadt verbunden. Das Zeppelin Museum besitzt auf rund 4.000 Quadratmetern die weltweit größte Sammlung zur Geschichte der Luftschifffahrt, während das Dornier Museum ein Jahrhundert Luft- und Raumfahrtgeschichte erzählt. Und wer möchte, kann die Region sogar aus jener Perspektive erleben, die Friedrichshafen berühmt gemacht hat: aus der Luft, bei einem Flug mit einem Zeppelin.

Die neue Sommerfrische

Ein paar Kilometer außerhalb des Zentrums von Friedrichshafen liegt Fischbach. Und hier, direkt am See, findet sich ein Ort, der erstaunlich gut zum Bodensee passt: das Seegut Zeppelin, Member of Lifestylehotels.

Vier Hektar Landschaftspark, jahrhundertealte Bäume und ein eigener Zugang zum Bodensee bilden die Kulisse. Dazwischen stehen eine historische Villa und vier zurückhaltende zeitgenössische Gebäude.

Interessanterweise begann die Geschichte dieses Ortes lange bevor hier Hotelgäste eincheckten. 1907 kaufte der Reutlinger Textilfabrikant Gustav Gminder das Grundstück als „Sommerfrische“ für seine Familie und ließ die Villa Gminder errichten. Nach einer wechselvollen Geschichte wurde das Anwesen umfassend revitalisiert.

Heute könnte man sagen: Die Sommerfrische ist zurück.

Nur sieht sie im 21. Jahrhundert etwas anders aus.

Architektur, die sich zurücknimmt

Die denkmalgeschützte Villa Gminder bildet noch immer das historische Herz des Seeguts. Um sie gruppieren sich Haus Ferdinand, Haus Helene, Haus Isabella und Haus August – benannt nach Mitgliedern der Familie von Zeppelin.

Ihre dunkel lasierten Fichtenholzfassaden und begrünten Zeltdächer versuchen nicht, mit der Landschaft zu konkurrieren. Im Gegenteil: Die Architektur nimmt sich bewusst zurück.

Das ist vielleicht eine der angenehmsten Eigenschaften des Seegut Zeppelin. Hier wurde nicht versucht, möglichst viel Hotel auf möglichst wenig Fläche unterzubringen. Der eigentliche Luxus ist Raum.

Raum zwischen den Häusern. Raum unter alten Bäumen. Raum am Wasser.

Die insgesamt 62 Zimmer öffnen sich mit Balkon oder Terrasse zum Garten oder zum See. Holz, natürliche Materialien und eine ruhige Gestaltung holen etwas von der Landschaft nach innen. Und dann ist da immer wieder dieser Blick hinaus – ins Grün, zwischen die Bäume oder über den Bodensee.

Vom Garten auf den Teller

Auch kulinarisch spielt die Umgebung eine zentrale Rolle.

Das Restaurant Pinus befindet sich in der historischen Villa Gminder mit ihren neugotischen Gewölben und der großzügigen Seeterrasse. Sein Sharing-Konzept stellt das gemeinsame Essen in den Mittelpunkt.

Der Schwerpunkt der Küche liegt auf kreativen vegetarischen Gerichten. Fisch und Fleisch werden bewusst als Ergänzung eingesetzt; Fleischprodukte stammen überwiegend aus einer Nose-to-Tail-Verarbeitung. Vieles beginnt jedoch direkt vor der Tür: Der Garten des Seeguts ist Teil der kulinarischen Idee.

Vielleicht passt gerade dieses Teilen besonders gut zu einem Haus, das ohnehin weniger vom klassischen Hotelbetrieb als vom Gefühl eines großzügigen Anwesens lebt.

Am besten: nichts vorhaben

Natürlich könnte man vom Seegut Zeppelin aus die gesamte Bodenseeregion erkunden. Zur Insel Mainau fahren. Museen besuchen. Wandern. Rad fahren. Mit dem Schiff den See überqueren.

Man könnte.

Man darf aber genauso gut bleiben.

Im Garten einen Platz unter den Bäumen suchen. Zum privaten Seezugang spazieren. Schwimmen. Lesen. Im Garten Spa in Haus Isabella in die Sauna gehen, eine Massage buchen oder im Yoga-Raum der Villa ein wenig Zeit verbringen.

Und irgendwann stellt sich jene besondere Form von Luxus ein, die heute vielleicht kostbarer geworden ist als vieles andere: Man muss gerade nirgendwo hin.

Smart Traveller: ein guter Grund für den Bodensee

Für Leserinnen und Leser von THE Stylemate gibt es noch einen zusätzlichen Grund, das Seegut Zeppelin kennenzulernen. Über unseren Smart Traveller Gutschein bieten wir eine spezielle Ermäßigung für einen Aufenthalt im Seegut Zeppelin. Die Idee dahinter ist einfach: besondere Hotels zu besonderen Konditionen selbst erleben.

Und vielleicht ist der Smart Traveller diesmal auch eine Einladung, eine Destination neu zu betrachten.

Denn der Bodensee muss nicht unbedingt die Reise sein, die man irgendwann einmal macht. Vielleicht ist er genau die Reise, die man jetzt machen sollte.

Und wenn wir uns dafür eine Adresse aussuchen dürften?

Dann würden wir ziemlich gerne unter den alten Bäumen des Seegut Zeppelin sitzen, hinüber zum Wasser schauen und die alte Kunst der Sommerfrische wiederentdecken.

Zwei Künstler, zwei Generationen und ein gemeinsames Thema: der Mensch. Die ALBERTINA Wien bringt Pablo Picasso und Francis Bacon in einer großen Ausstellung zusammen – und zeigt, wie aus Bewunderung ein künstlerisches Ringen wurde.

Was bleibt vom Menschen, wenn man seine äußere Form nicht länger als unverrückbare Wahrheit begreift? Wenn ein Gesicht auseinanderfällt, ein Körper sich verdreht und Schönheit plötzlich nichts Harmonisches mehr sein muss?

Pablo Picasso und Francis Bacon haben darauf sehr unterschiedliche Antworten gefunden. Und doch führt ihr Werk immer wieder an denselben Ort: zum Menschen in all seiner Widersprüchlichkeit. Zu Begierde und Angst, Gewalt und Verletzlichkeit, Körper und Psyche.

Die Ausstellung „Picasso – Bacon. What It Feels Like to Be Human“, die vom 18. September 2026 bis 31. Januar 2027 in der ALBERTINA Wien zu sehen ist, stellt die beiden großen figurativen Maler des 20. Jahrhunderts einander gegenüber. Rund 70 Schlüsselwerke aus internationalen Museen und Privatsammlungen machen sichtbar, wie eng ihre künstlerischen Welten miteinander verbunden sind – obwohl zwischen ihnen keine Beziehung auf Augenhöhe bestand.

Der übermächtige Vorgänger

Für Francis Bacon begann vieles mit Picasso. Unter dem Eindruck von dessen Werk fasste er den Entschluss, selbst Maler zu werden. Picasso wurde zum Vorbild – und damit zwangsläufig auch zu jener Figur, von der Bacon sich emanzipieren musste.

Das Verhältnis lässt sich als künstlerischer Generationenkonflikt lesen. Picasso hatte die menschliche Figur zerlegt, Perspektiven aufgebrochen und den Körper von der Verpflichtung befreit, die sichtbare Realität abzubilden. Bacon konnte diese Revolution nicht ignorieren. Er musste dort beginnen, wo Picasso bereits gewesen war – und versuchen, weiterzugehen.

Sein Anspruch war entsprechend groß: Für die zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts wollte Bacon das werden, was Picasso für dessen erste Hälfte gewesen war – ein Chronist seiner Zeit und vor allem des Menschen darin.

Picasso wiederum blieb von Bacon künstlerisch unbeeinflusst. Dessen Karriere verfolgte er dennoch aufmerksam. Allein dieser Umstand macht die Gegenüberstellung faszinierend: Hier begegnen einander nicht Lehrer und Schüler, sondern zwei Künstler, zwischen deren Werken ein Dialog entstand, ohne dass er jemals tatsächlich geführt werden musste.

Der Körper als Schauplatz

Bei beiden wird der menschliche Körper zum Material. Er wird zerlegt, deformiert, neu zusammengesetzt und von seiner anatomischen Selbstverständlichkeit befreit. Doch diese Verzerrungen führen nicht vom Menschen weg. Im Gegenteil: Gerade dort, wo die äußere Ähnlichkeit verloren geht, scheint etwas Inneres sichtbar zu werden.

Picassos Körper können zugleich aus mehreren Perspektiven bestehen, Bacons Figuren scheinen unter der Oberfläche ihrer eigenen Existenz zu vibrieren. Gesichter werden zu Bewegungen, Münder zu Schreien, Körper zu Zuständen.

Themen wie Kreuzigung, Stierkampf, Akt oder die „Tränen des Eros“ tauchen in den Bildwelten beider Künstler auf. Schmerz und Begehren liegen dabei erstaunlich nahe beieinander. Der Körper ist nicht bloß Hülle, sondern Austragungsort dessen, was es bedeutet, lebendig zu sein.

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Verbindung zwischen Picasso und Bacon: Beide misstrauen der intakten Oberfläche.

Schönheit nach der Schönheit

Heute begegnen wir menschlichen Körpern häufiger denn je als optimierten Bildern. Gesichter werden geglättet, Proportionen korrigiert, digitale Oberflächen perfektioniert. Vor diesem Hintergrund besitzen Picasso und Bacon eine überraschende Aktualität.

Ihre Bilder verweigern die Idee, dass der Mensch erst durch Perfektion interessant wird. Sie suchen Wahrheit nicht in Symmetrie oder Makellosigkeit, sondern in Brüchen, Verschiebungen und Ambivalenzen.

Das macht ihre Kunst nicht unbedingt angenehm. Aber vielleicht muss Kunst das auch nicht sein.

„Picasso – Bacon. What It Feels Like to Be Human“ erzählt letztlich weniger von zwei großen Namen der Kunstgeschichte als von einer Frage, die sich nicht erledigt hat: Wie sieht ein Mensch aus, wenn man nicht nur seine Oberfläche zeigen möchte?

Picasso und Bacon geben darauf keine eindeutige Antwort. Sie zerlegen den Menschen, um ihm näherzukommen.

Und vielleicht liegt gerade darin ihre eigentümliche Form von Humanismus.

Picasso – Bacon. What It Feels Like to Be Human
18. September 2026 – 31. Januar 2027
ALBERTINA Wien

Lorenzo Agius und Izzy Weissgerber zeigen auf Mallorca, wie Fotografie und Malerei zu einer gemeinsamen Bildsprache verschmelzen

Mit ICONIC zieht eine Ausstellung in die HMH Galeria in Port Andratx ein, die Fotografie und Malerei nicht als Gegensätze versteht, sondern als gleichberechtigte Gesprächspartner. Vom 22. August 2026 bis 6. Januar 2027 treffen die ikonischen Porträts des international renommierten Fotografen Lorenzo Agius auf die intuitiven, emotionalen Interventionen der Berliner Künstlerin Izzy Weissgerber. Das Ergebnis ist keine klassische Kooperation, sondern eine neue visuelle Sprache, in der Kontrolle und Hingabe, Schönheit und Verletzlichkeit miteinander verschmelzen.

Zwischen Glamour und Menschlichkeit

Seit den 1990er-Jahren gehört Lorenzo Agius zu den bedeutendsten Porträtfotografen der internationalen Film- und Modeszene. Seine Fotografien von Persönlichkeiten wie Cate Blanchett, Madonna, Ewan McGregor, Jude Law, Jack Nicholson oder Valentino haben längst Kultstatus erreicht. Doch Agius interessiert sich weniger für Prominenz als für den flüchtigen Moment dahinter.

Seine Bilder entstehen dort, wo Perfektion für einen Augenblick ihre Fassade verliert und Authentizität sichtbar wird. Statt Inszenierung sucht er emotionale Nähe. Seine Kamera beobachtet nicht – sie führt einen stillen Dialog mit ihrem Gegenüber.

Diese Fähigkeit machte ihn bereits mit seinen ikonischen Fotografien rund um Trainspotting und später während der Ära der britischen „Cool Britannia“ zu einem der prägendsten visuellen Chronisten seiner Generation. Heute befinden sich seine Werke unter anderem in der National Portrait Gallery und im Victoria & Albert Museum in London.

Wenn Farbe Emotion sichtbar macht

Wo Agius mit Licht arbeitet, setzt Izzy Weissgerber auf Intuition. Die deutsch-amerikanische Künstlerin verbindet Malerei, Zeichnung und Mixed Media zu Arbeiten, die sich jeder eindeutigen Zuordnung entziehen.

Ein zentraler Ausgangspunkt ihrer Kunst ist ihre Synästhesie – die Fähigkeit, Menschen als individuelle Farben und Zahlen wahrzunehmen. Diese unsichtbaren Codes übersetzt sie in expressive Eingriffe, die Fotografien nicht übermalen, sondern emotional erweitern.

Ihre charakteristischen Porträts verzichten häufig auf den direkten Blickkontakt. Die Augen verschwinden hinter kräftigen Farbfeldern, wodurch sich der Fokus vom Äußeren auf die innere Energie der dargestellten Persönlichkeit verschiebt. Bekannt wurde Weissgerber international, nachdem Joe Dallesandro – Schauspieler und Muse Andy Warhols – eines ihrer Werke entdeckte und ein Porträt in Auftrag gab.

Ein kreativer Dialog statt einer Überarbeitung

Der besondere Reiz von ICONIC liegt nicht darin, dass Malerei Fotografien verändert. Vielmehr entstehen Werke, die sich zwischen beiden Disziplinen bewegen.

Weissgerbers Eingriffe überdecken die Fotografien von Agius nicht, sondern verdichten sie. Jede Farbschicht eröffnet neue emotionale Ebenen, ohne die ursprüngliche fotografische Sprache auszulöschen. Dadurch entwickelt sich zwischen beiden Künstlern eine geteilte Autorenschaft – eine visuelle Kommunikation, die weder der Fotografie noch der Malerei allein gehört.

Gerade in einer Zeit permanenter Bilderflut wirkt dieser Ansatz bemerkenswert entschleunigend. Statt Aufmerksamkeit durch Lautstärke zu erzeugen, fordert ICONIC Konzentration. Die Ausstellung lädt dazu ein, länger hinzusehen und jene Zwischentöne wahrzunehmen, die im digitalen Bilderstrom oft verloren gehen.

Port Andratx als Bühne für internationale Kunst

Nach ihrer viel beachteten Präsentation während des Gallery Weekends Berlin macht ICONIC nun Station auf Mallorca. In der HMH Galeria werden unter anderem Arbeiten mit Cate Blanchett, Madonna, Jude Law und Diana Ross gezeigt.

Die Ausstellung macht deutlich, dass Porträts weit mehr sein können als Abbilder prominenter Gesichter. Sie werden zu Projektionsflächen für Erinnerung, Emotion und Identität – und zeigen, wie kraftvoll Kunst wird, wenn unterschiedliche Handschriften nicht konkurrieren, sondern miteinander arbeiten.

Wie die Fotografie unsere Vorstellung vom Reisen für immer verändert hat

Von den ersten Expeditionen des 19. Jahrhunderts bis zur privaten Reisefahrung mit der Kamera – die neue Ausstellung „Die Welt im Fokus“ in der ALBERTINA zeigt, dass Fotografie niemals nur dokumentiert hat. Sie hat unsere Vorstellung von der Welt überhaupt erst erschaffen.

Heute scheint es selbstverständlich, einen Ort zu fotografieren. Kaum angekommen, wird das Smartphone gezückt, Erinnerungen werden festgehalten und Augenblicke geteilt. Doch lange bevor Social Media existierte, veränderte die Fotografie bereits grundlegend, wie Menschen ferne Länder wahrnahmen.

Mit der Ausstellung „Die Welt im Fokus“ widmet sich die ALBERTINA einem faszinierenden Kapitel der Kulturgeschichte: der Reise- und Expeditionsfotografie des 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Rund 107 Fotografien aus der bedeutenden fotografischen Sammlung des Museums zeigen, wie Bilder nicht nur Reisen dokumentierten, sondern ganze Weltbilder formten.

Bilder, die die Welt erschufen

Als sich die Fotografie Mitte des 19. Jahrhunderts etablierte, bedeutete sie weit mehr als eine technische Innovation. Zum ersten Mal konnten Landschaften, Monumente und fremde Kulturen mit einer bis dahin ungekannten Präzision festgehalten und vervielfältigt werden. Zeichnungen, Skizzen und Stiche wurden zunehmend durch Fotografien ersetzt, die den Anspruch objektiver Wirklichkeit vermittelten.

Doch genau darin liegt die eigentliche Spannung der Ausstellung: Fotografien erscheinen objektiv – sie sind es jedoch nie.

Jedes Bild erzählt ebenso viel über den Blick der fotografierenden Person wie über den fotografierten Ort. Expeditionen wurden von wissenschaftlichen, politischen oder wirtschaftlichen Interessen begleitet. Fotografien dienten der Forschung ebenso wie imperialen Ambitionen, touristischer Werbung oder kommerziellen Vermarktung.

Reisen als kulturelle Konstruktion

Die Ausstellung führt Besucher von den Alpen über Ägypten und das Heilige Land bis nach Japan, Indien oder Bosnien. Dabei wird sichtbar, dass viele Vorstellungen, die Europa über diese Regionen entwickelte, maßgeblich durch Fotografien geprägt wurden.

Besonders spannend ist der Blick auf die Bedingungen, unter denen diese Bilder entstanden. Fotografen transportierten schwere Kameras, Glasplatten und Chemikalien über Kontinente. Oft arbeiteten sie im Auftrag von Regierungen, Expeditionen oder wissenschaftlichen Institutionen. Ihre Bilder wurden anschließend in Ausstellungen, Büchern oder Mappenwerken verbreitet und beeinflussten nachhaltig das Wissen über bis dahin unbekannte Regionen.

Von der Expedition zum persönlichen Blick

Gegen Ende des 19. Jahrhunderts beginnt sich die Perspektive zu verändern.

Leichtere Kameras und neue fotografische Verfahren ermöglichen erstmals spontane Aufnahmen. Reisen wird persönlicher. Wohlhabende Amateurfotografen dokumentieren nicht mehr ausschließlich Sehenswürdigkeiten, sondern alltägliche Begegnungen, Landschaften und individuelle Eindrücke. Mit den ab 1907 verfügbaren Autochromplatten entstehen schließlich die ersten farbigen Reisebilder – Vorläufer dessen, was wir heute als persönliche Reisefotografie kennen.

Plötzlich verändert sich nicht nur die Technik, sondern auch der Blick selbst.

Warum diese Ausstellung heute aktueller denn je ist

Gerade in einer Zeit, in der täglich Milliarden Bilder entstehen, erinnert „Die Welt im Fokus“ daran, dass Fotografien niemals neutrale Abbilder der Realität sind. Sie wählen aus, interpretieren und erzählen Geschichten. Schon die ersten Reisefotografien entschieden darüber, welche Orte Sehnsuchtsorte wurden und welche Bilder sich dauerhaft in unserem kulturellen Gedächtnis verankerten.

Die Ausstellung macht deutlich, dass jede Generation ihre eigene Vorstellung von der Welt durch Bilder entwickelt. Damals geschah dies über aufwendig produzierte Fotografien und Projektionsabende, heute über digitale Feeds und Algorithmen.

Vielleicht hat sich also weniger verändert, als wir glauben.

Eine Reise durch die Geschichte des Sehens

Mit „Die Welt im Fokus“ gelingt der ALBERTINA weit mehr als eine historische Fotografieausstellung. Sie erzählt von Neugier, Entdeckung, technischer Innovation und der Macht visueller Medien – und stellt eine überraschend aktuelle Frage:

Sehen wir die Welt wirklich so, wie sie ist – oder so, wie Bilder sie uns seit über 150 Jahren zeigen?

Wie verändert ein Leben voller Malerei unseren Blick auf die Welt? Mit Frank Bowling: Seeking the Sublime widmet NOWNESS einem der bedeutendsten abstrakten Künstler unserer Zeit ein sensibles Porträt – und zeigt einen Künstler, der auch mit über 90 Jahren die Möglichkeiten der Malerei immer wieder neu auslotet.

Seit mehr als sechs Jahrzehnten erweitert Frank Bowling die Grenzen dessen, was Malerei sein kann. Der in British Guiana – dem heutigen Guyana – geborene und seit vielen Jahren in London lebende Künstler versteht Farbe nicht als Mittel zur Darstellung, sondern als eigenständige Form des Denkens. Seine Werke entstehen aus Intuition, Materialität und dem bewussten Zusammenspiel von Kontrolle und Zufall.

Der Kurzfilm Frank Bowling: Seeking the Sublime von Lucy Andia und Frederick Shelbourne, entstanden für das Fitzwilliam Museum in Cambridge, begleitet den Künstler in seinem Londoner Atelier. Im Gespräch mit dem Kunstkritiker und langjährigen Weggefährten Martin Gayford spricht Bowling über Erinnerungen, Wahrnehmung, den Einfluss des Lichts seiner Heimat und über einen kreativen Prozess, der bis heute nichts von seiner Offenheit verloren hat.

Farbe, Schwerkraft und Erinnerung

Charakteristisch für Bowlings Arbeiten sind gegossene Farbschichten, stark strukturierte Oberflächen und ein Arbeitsprozess, bei dem auch die Schwerkraft zu einer gestalterischen Kraft wird. Seine Bilder entstehen nicht nach einem festen Plan, sondern entwickeln sich Schicht für Schicht zu komplexen Kompositionen voller Tiefe und Bewegung.

Auch nachdem er seine Arbeitsweise an das Malen im Rollstuhl angepasst hat, arbeitet Bowling täglich weiter. Der Film dokumentiert diese beeindruckende Kontinuität und verbindet aktuelles Filmmaterial mit historischen Fotografien und Archivaufnahmen. Vergangenheit und Gegenwart treten dabei ebenso miteinander in Dialog wie Erinnerung und Gegenwart in Bowlings Werk selbst.

Die Suche nach dem Erhabenen

Parallel zur gleichnamigen Retrospektive entstanden, ist Frank Bowling: Seeking the Sublime weit mehr als ein klassisches Künstlerporträt. Der Film erzählt von schöpferischer Freiheit, Ausdauer und der Fähigkeit, sich auch nach Jahrzehnten immer wieder neu auf den eigenen künstlerischen Prozess einzulassen.

Mit 92 Jahren zeigt Frank Bowling eindrucksvoll, dass Kreativität kein Alter kennt. Seine Malerei erinnert daran, dass wahre Innovation dort entsteht, wo Offenheit wichtiger ist als Gewissheit – und wo Farbe zu einer Form des Denkens wird.

Wie Architektur den Einzelhandel in eine kulturelle Erfahrung verwandelt

Shopping galt lange als rein funktionaler Vorgang. Heute entstehen an den bedeutendsten Einkaufsadressen der Welt Räume, die weit mehr sein wollen als Verkaufsflächen. Sie verbinden Architektur, Kunst, Handwerk und Markenidentität zu kulturellen Erlebnissen, die Städte prägen und Besucher inspirieren.

Genau diese Entwicklung würdigt der Prix Versailles mit seiner Liste der World’s Most Beautiful Emporiums 2026. Sieben außergewöhnliche Flagship Stores aus Asien, Europa und den USA zeigen, wie Retail zum kulturellen Raum werden kann – und weshalb der stationäre Handel gerade im digitalen Zeitalter eine neue Bedeutung gewinnt.

Wenn Marken Architektur erzählen

Seit seiner Gründung untersucht der Prix Versailles die Schnittstelle zwischen Architektur, Kultur, Nachhaltigkeit und Wirtschaft. Gerade Flagship Stores übernehmen dabei zunehmend eine Rolle, die früher Museen oder Galerien vorbehalten war: Sie erzählen Geschichten, vermitteln Werte und schaffen Orte, an denen Menschen Marken physisch erleben können.

Statt standardisierter Verkaufsflächen entstehen Gebäude, die selbst zu Sehenswürdigkeiten werden. Architektur wird dabei nicht zum Selbstzweck, sondern zum Ausdruck der Identität einer Marke.

Sieben Stores, sieben völlig unterschiedliche Welten

Die diesjährige Auswahl führt einmal um den Globus.

In Peking interpretiert Christian de Portzamparc das Haus Dior als skulpturales Gebäude, dessen Fassade von den Stoffbahnen inspiriert ist, mit denen Christian Dior einst seine Entwürfe entwickelte.

In Paris beweist RH Champs-Élysées gemeinsam mit Foster + Partners, dass Möbelhandel ebenso spektakulär inszeniert werden kann wie Kunst. Bibliothek, Restaurant, Dachterrasse und Galerie verschmelzen zu einem hybriden Kulturort.

Ebenfalls in Paris schafft Saint Laurent Montaigne unter der kreativen Leitung von Anthony Vaccarello einen Ort zwischen historischer Architektur, Sammlerkultur und zeitgenössischer Kunst.

Im Tokioter Stadtteil Ginza verbindet Tiffany & Co. japanische Gestaltung mit fast zweihundert Jahren Markengeschichte. Die wellenförmige Glasfassade und das lichtdurchflutete Innere machen das Gebäude selbst zum Schmuckstück.

Im Miami Design District übersetzt Cartier tropische Landschaften in Architektur. Organische Formen, sanfte Farben und eine skulpturale Glasfassade schaffen eine beinahe traumartige Atmosphäre.

In Beverly Hills setzt Dior auf Gärten, Licht und Offenheit. Der Flagship Store wirkt eher wie ein Museum als ein klassisches Luxusgeschäft.

Und in New York verbindet Issey Miyake japanischen Minimalismus mit der historischen Architektur des New York Life Buildings. Der Store wird durch eine Galerie ergänzt, die künftig wechselnde Ausstellungen präsentieren wird und damit den kulturellen Anspruch der Marke unterstreicht.

Der Store als kulturelle Destination

Auffällig ist, dass kaum eines der ausgezeichneten Projekte ausschließlich dem Verkauf dient.

Bibliotheken, Restaurants, Galerien, Kunstinstallationen, Dachterrassen oder öffentliche Aufenthaltsbereiche erweitern den klassischen Retail-Gedanken. Einkaufen wird zur Erfahrung, Architektur zum Medium und der Besuch selbst zum eigentlichen Ereignis.

Damit reagieren Luxusmarken auf eine Entwicklung, die weit über den Handel hinausgeht: Produkte lassen sich heute nahezu überall kaufen. Ein einzigartiges Erlebnis hingegen entsteht nur an einem Ort.

Architektur als emotionales Markenerlebnis

Die Auswahl des Prix Versailles zeigt eindrucksvoll, wie sich Luxus verändert. Exklusivität entsteht längst nicht mehr allein über Produkte, sondern über Atmosphäre, kulturelle Relevanz und architektonische Qualität.

Die schönsten Flagship Stores der Welt verkaufen deshalb weit mehr als Mode, Schmuck oder Möbel. Sie inszenieren Identität, schaffen Inspiration und machen Architektur selbst zum Erlebnis.