Einer der spektakulärsten Infrastruktur-Bauten Italiens der letzten Jahre ist fertiggestellt. Mit dem neuen Verkehrs-Hub Centro Direzionale di Napoli setzt die Verwaltung der süditalienischen Metropole ganz auf Holz.

Was lange währt, wird endlich gut. Lange mussten die Neapolitaner auf die Eröffnung des Bahnhofs warten. Nun ist endlich die Beleuchtung montiert und erhellt den Vorplatz, der rund einen Kilometer Luftlinie von der berühmten Kathedrale der süditalienischen Metropole entfernten liegt.

Auch die letzte Hürde wurde vor kurzem genommen: Die statische Überprüfung konnte erfolgreich abgeschlossen werden. Damit geht nicht nur eines der größten Infrastruktur-Projekte Italiens in Betrieb, sonder auch ein Vorzeige-Holzbau von internationaler Strahlkraft. Mit dem 43 Millionen Euro teuren Bauvorhaben hat das in Barcelona ansässige Architekturbüro Miralles Tagliabue – EMBT der Hauptstadt der Region Kampanien ein neues Wahrzeichen verpasst.

Doch zur Freude, dass die U-Bahn-Linie 1 alle fünf bis sechs Minuten in der Centro Direzionale ein- und ausfahren und die Menschen zu und von diesem wichtigen Verkehrsknotenpunkt Neapels bringen wird, gesellt sich auch Ärger. Denn: Nach der Fertigstellung ist vor der nächsten Baustelle.

Auf zur nächsten Baustelle

Weitere oberirdische Arbeiten, die die Station Centro Direzionale-Tribunale und einen Fußgängerweg betreffen, der den Justizpalast mit der Staatsanwaltschaft verbinden soll, brachten eine Änderung der Verkehrsrichtung.

Anfang November 2024 ging frühmorgens deshalb erst mal gar nichts: Das Chaos auf den Straßen mitsamt fluchender und wild gestikulierender Verkehrsteilnehmer machte dem Klischee süditalienischen Treibens alle Ehre. Die Einwohner Neapels befürchten, dass es noch gut ein Jahr dauern wird, bis der Verkehr wieder seinen gewohnten Lauf nehmen wird.

Das Centro Direzionale, Namensgeber der neuen Station, ist das Top-Geschäftsviertel in Neapel. Die Planungen des Stadtquartiers gehen auf das Jahr 1964 zurück, als die Stadtverwaltung ein brach liegendes Industrieareal im Ausmaß von etwa 110 Hektar festmachte, mit dem man das eigentliche Stadtzentrum entlasten könne.

Dieses Viertel Neapels war von Anfang an hauptsächlich für Büronutzung gedacht. Und die Realisierung nach den Plänen des japanischen Architekten Kenzō Tange orientierte sich an den Ideen von Le Corbusier. Dieser sah Straßenzüge und Verkehr als Organismen, die es zweckmäßig zu organisieren gilt, sodass die oberirdischen Fußgängerbereiche strukturell klar getrennt sind.

Direkte Anbindung an Neapels Ringstraße

Nun wird die neue Station zum Dreh- und Angelpunkt der neapolitanischen urbanen Mobilität – nicht zuletzt durch die Anbindung an die Ringstraße und das Verkehrssystem hinter dem Hauptbahnhof, zu dem es eine direkte Verbindung geben wird.

Das neue Beleuchtungssystem, die Grünanlagen und die Tiefgaragen mit mehr als 2.000 Stellplätze werten das Gelände auf.

Neapels Triple A

Für die Architektur zeichnet Benedetta Miralles Tagliabue verantwortlich. Ihre Überarbeitung des ursprünglichen Baukörpers, bei der ein Teil der Dachplatte und einige Elemente des Zwischengeschosses abgetragen wurden, ließ einen freundlichen, lichtdurchfluteten Bahnhof mit großzügigen Lufträumen entstehen.

Bereits im Jahr 2004 hatte die Stadt Neapel Entwürfe mehrerer international renommierter Architekten wie Sir Norman Foster, Massimiliano Fuksas, Alvaro Siza, Domenique Perault, Karim Rashid und auch Benedetta Tagliabue eingeholt. Das Leitmotiv: „Kunst, Architektur und Archäologie“, auch als „Triple A“ abgekürzt (Art, Architecture, Archeology).

Benedetta Tagliabue entsprach diesem Grundgedanken, indem sie neue Beziehungen herstellte: Der unterirdische Hauptbahnhof verbindet die vulkanische Geologie der Stadt mit dem in den 1970er-Jahren von Kenzō Tange entworfenen Masterplan des Ortes, mit den spiegelnden Wolkenkratzern und Tanges Piazza, die sich gar zu sehr vom Rest Neapels unterschied.

Die Gegend war immer wieder Schauplatz archäologischer Funde, was so manches Bauvorhaben nicht nur zeitlich ausbremste. Als Anspielung an die kulturhistorisch reiche Geschichte Neapels befindet sich ein Kunstwerk an der Decke der Station. Es stellt eine Szene aus einem archäologischen Fund aus dem nahe gelegenen Pompeji dar.

Holz als organischer Kontrast

Der neue Bahnhof wurde über den bestehenden U-Bahn-Trassen errichtet. Er ersetzt das frühere Gebäude, das kaum mehr als eine Überdachung für die Treppe war. Das Material Holz wurde bewusst gewählt, um einen organischen Kontrast zu den Teilen des Viertels aus den 1970er-Jahren zu schaffen.

Der Bau verleiht dem Ort eine Identität mit hohem Wiedererkennungswert, die im Kontrast zu seiner Umgebung und seinem historischen Kontext steht. Er verwandelt ihn in eine komplexe Topografie mit vielen verschiedenen Ebenen für Fußgänger und mit einer ausgefeilten tektonischen Dachstruktur – sinnbildlich für die Bewegungen und Dynamik der Bevölkerung.

„Holz ist ein sehr leichtes Material, das sich perfekt in die vorhandenen Strukturen einfügt. Wir haben es wegen seiner Vielseitigkeit, Nachhaltigkeit und der Wärme, die es in städtische Räume bringt, ausgewählt“, erklärt Benedetta Tagliabue. Die Architekten haben die ursprünglichen Betonstrukturen und -säulen genutzt und sie mit neuen Holzstützen ergänzt. Die Stahlteile des Betons dienten ihnen als Basis.

Gewölbeartige Überdachung

Die charakteristische Form des 10.000 Quadratmeter großen Bahnhofs ist aus Brettschichtholz gefertigt. Die Breite der darunter liegenden Gleise spiegelt sich in der Breite der wellenförmigen Gewölbe wider. Die Decken seien auch eine Anspielung auf klassische Bahnhöfe, die oft gewölbt sind. Die Form des Bahnhofs sollte das Gefühl eines „Waldspaziergangs“ vermitteln.

„In gewisser Weise haben wir versucht, eine Art neue organische, fließende Piazza zu schaffen, als ob wir durch einen Wald gehen würden, obwohl wir uns eigentlich in einem künstlichen Geschäftszentrum befinden“, führt Benedetta Tagliabue aus.

Die 1963 in Mailand geborene Architektin Benedetta Tagliabue ist seit 1990 in Barcelona ansässig. Sie gründete 1993 mit dem katalanischen Architekten Enric Miralles das international tätige Architekturbüro Miralles Tagliabue – EMBT in Barcelona. Seit dem Tod ihres Mannes im Jahr 2000 führt sie das Unternehmen alleine. Heute hat EMBT auch Niederlassungen in Shanghai und Paris.

Tagliabue hat zahlreiche Preise für ihre Projekte erhalten. Seit 2014 ist sie Mitglied der Jury für den Pritzker-Preis, die renommierte Auszeichnung für Architektur, die seit 1979 von der Hyatt-Stiftung vergeben wird.

Text: Linda Benkö
Fotos: Roland Halbe

Paper Moon eröffnet neues Restaurant in Porto Cervo – mit Outdoor-Möbeln von Unopiù

Es gibt Restaurants, die man wegen ihrer Küche besucht. Andere beeindrucken mit ihrer Architektur oder ihrer Lage. Und dann gibt es Orte, an denen all diese Elemente zu einem stimmigen Ganzen verschmelzen. Mit Paper Moon Porto Cervo entsteht an der Costa Smeralda genau ein solcher Ort.

Die renommierte Restaurantmarke aus Mailand hat im Herzen des Cervo Hotels ihren neuesten internationalen Standort eröffnet und bringt ihre unverwechselbare Interpretation italienischer Gastlichkeit an einen der exklusivsten Plätze des Mittelmeers. Zwischen mediterraner Architektur, eleganter Piazza und Blick auf den Hafen entsteht ein Restaurant, das weit mehr sein möchte als eine neue kulinarische Adresse. Es versteht sich als Bühne für den italienischen Lifestyle – stilvoll, entspannt und offen für lange Sommerabende.

Von Mailand in die Welt

Seit der Eröffnung des ersten Paper Moon im Mailänder Modeviertel im Jahr 1977 steht der Name für authentische italienische Küche in einem eleganten, kosmopolitischen Ambiente. Was einst als Treffpunkt der Mailänder Design-, Mode- und Kunstszene begann, entwickelte sich in den vergangenen Jahrzehnten zu einer international erfolgreichen Restaurantmarke mit Standorten in Metropolen und exklusiven Destinationen weltweit.

Mit Paper Moon Porto Cervo setzt die Marke diesen Weg fort. Die neue Dependance verbindet die kulinarische Handschrift Mailands mit der entspannten Atmosphäre Sardiniens und schafft einen Ort, an dem mediterrane Leichtigkeit und italienische Raffinesse selbstverständlich zusammenfinden.

Die Speisekarte folgt dabei derselben Philosophie, für die Paper Moon weltweit bekannt ist: hochwertige Zutaten, frische Pasta, klassische italienische Gerichte und eine sorgfältig kuratierte Weinkarte, die den Charakter der italienischen Küche unterstreicht.

Der Außenbereich wird zum eigentlichen Erlebnis

Gerade an der Costa Smeralda spielt sich das Leben jedoch nicht im Inneren eines Restaurants ab. Die Terrasse wird zum Wohnzimmer, zum Treffpunkt und zur Bühne des Sommers.

Genau hier setzt Unopiù an.

Für den neuen Standort entschied sich Paper Moon für die Igea Collection, entworfen von Matteo Thun und Benedetto Fasciana. Mit ihrer klaren Formensprache, hochwertigen Materialien und zeitlosen Eleganz prägt sie den gesamten Außenbereich des Restaurants und fügt sich harmonisch in die mediterrane Architektur Porto Cervos ein.

Die Möbel verstehen sich dabei nicht als dekoratives Element, sondern als Teil der räumlichen Inszenierung. Komfort, Proportionen und Materialität tragen dazu bei, dass sich der Außenbereich wie selbstverständlich in das gastronomische Erlebnis integriert – vom ersten Espresso am Nachmittag bis zum letzten Glas Wein unter freiem Himmel.

Italienisches Design als Lebensgefühl

Seit 1978 verfolgt Unopiù eine Idee, die heute aktueller wirkt denn je: Außenräume sollen mit derselben Sorgfalt gestaltet werden wie Innenräume. Der Markenname – sinngemäß „ein Raum mehr“ – beschreibt genau diesen Anspruch.

Mit individuell kombinierbaren Outdoor-Kollektionen hat sich das Unternehmen international einen Namen gemacht und stattet heute zahlreiche renommierte Hotels, Resorts und Restaurants mit hochwertigem Outdoor-Mobiliar aus. Dabei verbindet Unopiù italienische Designtradition mit langlebigen Materialien und einer zeitlosen Ästhetik, die den Außenraum als vollwertigen Lebensraum versteht.

Mehr als eine Neueröffnung

Mit Paper Moon Porto Cervo ist an der Costa Smeralda nicht einfach ein weiteres Restaurant entstanden. Vielmehr zeigt das Projekt, wie eng Kulinarik, Architektur und Design heute miteinander verbunden sind.

Die Küche erzählt von italienischer Tradition, die Architektur öffnet sich zur mediterranen Landschaft und Unopiù schafft jene Atmosphäre, die einen Ort erst vollständig macht. So entsteht ein Gesamterlebnis, das den Charakter der Costa Smeralda auf elegante Weise widerspiegelt – authentisch, hochwertig und ganz selbstverständlich italienisch.

Mit NIÒBĒ entsteht am Comer See ein Ort, an dem Architektur nicht Kulisse für Gastronomie ist, sondern Teil des kulinarischen Erlebnisses. Flaviano Capriotti Architetti verwandeln eine historische Villa in einen Raum, der Wasser, Licht, Material und Küche zu einer gemeinsamen Erzählung verbindet.

Der Comer See gehört zu jenen Landschaften, die seit Jahrhunderten Künstler, Architekten und Reisende inspirieren. Seine wechselnden Lichtstimmungen, die steilen Berghänge und das Zusammenspiel von Wasser und Vegetation prägen eine Atmosphäre, die sich kaum beschreiben lässt – und gerade deshalb immer wieder neu interpretiert wird.

Mit NIÒBĒ in Lecco wagt das Mailänder Büro Flaviano Capriotti Architetti genau diesen Versuch. Statt den See lediglich als spektakuläre Kulisse zu nutzen, wird seine Identität selbst zum Entwurfsmaterial. Architektur übersetzt hier Landschaft – nicht durch dekorative Zitate, sondern durch Proportionen, Materialien und Licht.

Die ehemalige Privatvilla wurde vollständig neu interpretiert und in ein Fine-Dining-Restaurant, ein Bistro sowie einen außergewöhnlichen Weinkeller verwandelt. Auf rund 430 Quadratmetern entsteht ein Ensemble, das Innen- und Außenraum bewusst miteinander verschmelzen lässt.

Die Landschaft wird zum Entwurf

Flaviano Capriotti verfolgt einen Ansatz, der in vielen seiner Hospitality-Projekte sichtbar wird: Architektur soll nicht dominieren, sondern Beziehungen schaffen. Räume fließen ineinander, Blickachsen bleiben offen und großzügige Verglasungen holen den See bis tief ins Gebäude hinein.

Organische Linien ersetzen starre Geometrien. Geschwungene Möbel, sanfte Übergänge und intime Bereiche erzeugen eine räumliche Kontinuität, die den Besucher beinahe unmerklich durch das Gebäude führt. Selbst die Kunstwerke des italienischen Malers Tullio Pericoli werden Teil dieser räumlichen Choreografie.

Materialien erzählen vom Ort

Besonders konsequent wird diese Haltung bei der Materialwahl sichtbar.

Der Naturstein der Fassade nimmt Bezug auf die umliegenden Berge. Ulmenholz prägt Wandverkleidungen und Maßmöbel, während ein Putz auf Basis von Reisschalen sowohl akustische Qualitäten besitzt als auch an die landwirtschaftliche Geschichte der Region erinnert.

Auch die Farbwelt entsteht aus dem Ort selbst. Grün-, Grau- und Blautöne spiegeln die ständig wechselnden Reflexionen des Wassers wider. Strukturierte Oberflächen und handwerklich ausgeführte Putze fangen das natürliche Licht ein und verändern ihren Charakter im Laufe des Tages. Große Leuchten erzeugen zusätzlich ein Spiel aus Transparenz und Reflexion, das an die Oberfläche des Sees erinnert.

Architektur für den Wein

Eine besondere Rolle übernimmt der Wein.

Statt den Weinkeller zu verstecken, wird er zum architektonischen Zentrum des Restaurants. Mehr als 600 Positionen bilden nicht nur die Grundlage einer außergewöhnlichen Weinkarte, sondern werden selbst zum räumlichen Erlebnis.

Der kreisförmige Wine Room für sechs Gäste ist vollständig von Ulmenholz-Regalen umgeben und macht den Wein zu einem integralen Bestandteil der Architektur. Materialität, Licht und Genuss verschmelzen zu einer gemeinsamen Inszenierung.

Kulinarik als Fortsetzung der Landschaft

Auch die Küche folgt diesem Gedanken.

Unter der Leitung des mit einem Michelin-Stern ausgezeichneten Küchenchefs Franco Caffara entstehen Gerichte, die lokale Zutaten und Traditionen zeitgenössisch interpretieren. Gleichzeitig wird der Garten selbst Teil des gastronomischen Konzepts. Kräuter und essbare Pflanzen wachsen unmittelbar rund um das Restaurant und finden ihren Weg direkt in die Küche.

Damit entsteht eine ungewöhnliche Verbindung: Architektur, Landschaftsgestaltung und Kulinarik erzählen nicht drei verschiedene Geschichten, sondern dieselbe – aus unterschiedlichen Perspektiven.

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Qualität von NIÒBĒ. Das Restaurant versteht Architektur nicht als spektakuläres Objekt, sondern als Medium, das Atmosphäre schafft. Es ist ein Ort, an dem Landschaft nicht betrachtet wird, sondern räumlich erfahrbar wird – und an dem Essen, Wein und Design zu einer einzigen sinnlichen Erfahrung verschmelzen.

3. Juli 2026

Eine Hommage an das Reisen – nicht an das Ankommen

In einer Zeit, in der Geschwindigkeit oft wichtiger erscheint als der Weg selbst, erinnert Louis Vuitton daran, dass wahre Luxusreisen immer eine Frage der Erfahrung waren. Mit der Louis Vuitton Dolomites Classic Run 2026 kehrt eines der ikonischsten Events des Hauses zurück – und verbindet historische Automobile, spektakuläre Landschaften, Kultur und Handwerkskunst zu einer Reise, die weit über eine klassische Rallye hinausgeht.

Vom 1. bis 4. September 2026 führt die Route von Venedig durch die Dolomiten bis nach Monza und erzählt dabei jene Geschichte, die Louis Vuitton seit seiner Gründung begleitet: die Art of Travel.

Die Rückkehr einer legendären Tradition

Bereits seit 1993 veranstaltet Louis Vuitton seine legendären Classic Runs. Ob durch den malaysischen Dschungel, die Weinlandschaften der Toskana, Chinas Bergregionen oder die historischen Wälder Böhmens – stets stand nicht der Wettbewerb im Mittelpunkt, sondern das Reisen selbst.

Nach dem letzten Serenissima Run im Jahr 2012 feiert das Format nun seine Rückkehr. Passend dazu beginnt die neue Ausgabe erneut in Venedig – genau dort, wo die damalige Reise endete.

600 Kilometer durch eines der schönsten Gebirge Europas

Die Teilnehmer steuern außergewöhnliche historische Automobile aus bedeutenden internationalen Sammlungen über rund 600 Kilometer durch die spektakuläre Landschaft der Dolomiten. Die UNESCO-Welterberegion wird dabei zur Bühne einer Route, die kurvenreiche Alpenpässe, historische Villen und eindrucksvolle Panoramen miteinander verbindet.

Startpunkt der eigentlichen Ausfahrt ist die prachtvolle Villa Pisani an der Riviera del Brenta. Von dort führt die Strecke durch einige der eindrucksvollsten Landschaften Norditaliens bis zum legendären Autodromo Nazionale di Monza, wo die Fahrzeuge im Rahmen des Formel-1-Wochenendes des Gran Premio d’Italia präsentiert werden.

Automobile Kultur trifft kulturelles Erbe

Bemerkenswert ist, dass Louis Vuitton die Veranstaltung weit über den Motorsport hinaus denkt. Die Maison arbeitet mit bedeutenden italienischen Kulturinstitutionen wie der Villa Pisani, dem Castello Sforzesco in Mailand oder den Musei Civici di Venezia zusammen und unterstreicht damit ihr langjähriges Engagement für den Erhalt kulturellen Erbes.

Auch das Finale steht ganz im Zeichen dieser Verbindung von Design, Geschichte und Handwerkskunst. Die Preisverleihung findet im Castello Sforzesco statt. Die Trophäe wurde eigens von Designerin Sabine Marcelis entworfen und gemeinsam mit der traditionsreichen Glasmanufaktur Venini gefertigt. Transportiert wird sie – selbstverständlich – in einem maßgefertigten Louis Vuitton Trophy Trunk.

Warum Louis Vuitton überhaupt eine Automobilgeschichte erzählt

Schon lange bevor Automobile zum Symbol moderner Mobilität wurden, entwickelte Georges Vuitton Ende des 19. Jahrhunderts Koffer speziell für das Reisen mit dem Auto. Flache Koffer ersetzten die schweren Runddeckel-Truhen der Kutschen, später entstanden sogar eigens entwickelte Gepäckstücke für Reserveräder.

Die Verbindung zwischen Louis Vuitton und der Automobilwelt ist deshalb keine neue Marketingidee, sondern Teil der eigenen Unternehmensgeschichte. Die Dolomites Classic Run macht dieses Erbe auf eindrucksvolle Weise wieder sichtbar.

Mehr als eine Rallye

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Stärke dieser Veranstaltung.

Während viele Oldtimer-Events Geschwindigkeit oder Exklusivität feiern, erzählt Louis Vuitton eine andere Geschichte. Eine Geschichte über Neugier, Entdeckung und die Freude am Unterwegssein. Über Landschaften, Architektur, Kultur und Menschen. Über Reisen als kulturelle Erfahrung.

Gerade in einer Zeit, in der Reisen häufig zur Checkliste geworden ist, wirkt die Louis Vuitton Dolomites Classic Run fast wie ein Manifest für entschleunigten Luxus – und erinnert daran, dass die schönsten Reisen oft jene sind, bei denen nicht das Ziel im Mittelpunkt steht, sondern der Weg dorthin.

Zwischen künstlicher Intelligenz, Myzel und Handwerk entsteht eine neue Designsprache

Die Geschichte des Designs war lange Zeit von einer zentralen Idee geprägt: Form folgt Funktion. Ornament galt spätestens seit der Moderne als überflüssig, Reduktion wurde zum Qualitätsmerkmal. Doch eine neue Generation von Gestalterinnen und Gestaltern beginnt, diese Gewissheiten zu hinterfragen.

Einer der spannendsten Vertreter dieser Entwicklung ist der belgische Designer und Künstler Vito Boox. Seine Arbeiten wirken wie Fundstücke aus einer zukünftigen Naturgeschichte – als hätten Pilze, Korallen oder Erosionsprozesse begonnen, Möbel, Leuchten und Objekte selbst hervorzubringen.

Was zunächst surreal erscheint, folgt einer erstaunlich logischen Idee.

Boox nennt sie Neo-Ornamentalismus.

Ornament entsteht nicht mehr durch Dekoration

Während Ornament in der Vergangenheit meist nachträglich hinzugefügt wurde, entwickelt Boox eine vollkommen andere Sichtweise. In seiner Arbeit entsteht Ornament nicht auf der Oberfläche – sondern im Inneren der Form selbst.

Mithilfe von CGI, 3D-Modelling und computergestützter Gestaltung simuliert er natürliche Wachstumsprozesse wie Erosion, Zellbildung oder organische Expansion. Anschließend werden diese digitalen Strukturen durch traditionelles Handwerk in physische Objekte übersetzt.

So entstehen Möbel und Leuchten, die wirken, als wären sie nicht gefertigt, sondern gewachsen.

Es ist eine Designhaltung, in der Natur nicht länger als Inspirationsquelle dient, sondern selbst zum Mitgestalter wird.

Das Debüt bei Van Rossum

Internationale Aufmerksamkeit erhielt Boox mit seinem Debüt beim niederländischen Möbelhersteller Van Rossum während des Salone del Mobile in Mailand.

Für die traditionsreiche Marke entwickelte er die DATSU Collection – bestehend aus Esstischen und Hockern, deren weich modellierte Volumen an über Jahrtausende geformte Felsen erinnern.

Massives Holz trifft hier auf digitale Präzision. Die Objekte besitzen kaum sichtbare Kanten, sondern scheinen sich langsam aus dem Material heraus entwickelt zu haben.

Es entsteht eine skulpturale Ruhe, die zwischen Möbelstück und Kunstobjekt oszilliert.

Mit der Erweiterung um Leuchten, Spiegel und Accessoires öffnet Van Rossum zugleich ein neues Kapitel seiner Designgeschichte – eines, das stärker auf Atmosphäre als auf reine Funktion setzt.

Design aus Pilzwachstum

Noch konsequenter verfolgt Boox seine gestalterische Vision in der Zusammenarbeit mit dem niederländischen Unternehmen Aifunghi.

Hier entstehen Leuchten und Spiegel aus einem Material, das ebenso futuristisch wie natürlich wirkt: Mycelium-Based Composite (MBC) – einem vollständig recycelbaren Verbundwerkstoff aus Hanffasern und Pilzmyzel.

Die Leuchten der Serie Morchella erinnern an die charakteristische Oberfläche der gleichnamigen Speisemorchel. Gleichzeitig wirken sie beinahe außerirdisch – irgendwo zwischen biologischem Organismus, Art-Nouveau-Skulptur und digital generierter Architektur.

Auch die Tremella Mirrors greifen organische Wachstumsformen auf. Ihre skulpturalen Rahmen scheinen langsam über die spiegelnde Oberfläche zu fließen und verbinden nachhaltige Materialentwicklung mit einer neuen Form von Luxus.

Hier wird Nachhaltigkeit nicht über Verzicht kommuniziert, sondern über Schönheit.

Die Zukunft könnte organischer aussehen

Was Boox‚ Arbeiten besonders interessant macht, ist weniger ihre Ästhetik als ihre Haltung.

Während große Teile des zeitgenössischen Designs auf Vereinfachung, industrielle Effizienz und maximale Funktionalität setzen, schlägt er den entgegengesetzten Weg ein.

Komplexität wird nicht reduziert.

Sie wird kultiviert.

Digitale Werkzeuge dienen dabei nicht der Perfektion, sondern der Simulation natürlicher Prozesse. Technologie wird nicht als Gegensatz zur Natur verstanden, sondern als Mittel, ihre Logik sichtbar zu machen.

Gerade darin liegt die Aktualität seiner Arbeiten.

Sie zeigen, dass digitale Gestaltung nicht zwangsläufig zu glatten, anonymen Produkten führen muss. Sie kann ebenso zu Objekten führen, die emotional wirken, Geschichten erzählen und uns an biologische Prozesse erinnern, die weit älter sind als jede Software.

Eine neue Generation des Designs

Mit seinem Debüt bei Van Rossum, der Zusammenarbeit mit Aifunghi und seinen freien Arbeiten gehört Vito Boox zu jener Generation junger Designer, die Design nicht länger als rein funktionale Disziplin verstehen.

Sie verbinden digitale Technologien mit traditioneller Handwerkskunst, Nachhaltigkeit mit sinnlicher Materialität und künstliche Intelligenz mit den Prinzipien organischen Wachstums.

Vielleicht ist genau das der Beginn einer neuen Epoche.

Nicht Minimalismus.

Nicht Dekoration.

Sondern Neo-Ornamentalismus – eine Designsprache, in der Natur selbst zur Gestalterin wird.

Zwischen Moka, Aperitivo und Mitternachtspasta erzählt Portrait Hotels von dem, was Italien wirklich ausmacht: Menschen, Begegnungen und den Zauber alltäglicher Rituale.

Was bleibt von einer Reise? Oft sind es nicht die Sehenswürdigkeiten oder die spektakulären Ausblicke. Es sind die kleinen Momente dazwischen. Der Duft von frisch gebrühtem Kaffee am Morgen. Ein Gespräch, das länger dauert als geplant. Das erste Glas Aperitivo im goldenen Licht des Abends.

Genau diesen Momenten widmet sich die neue Editorial-Serie The Personal Touch von Portrait Hotels. Statt die Häuser in Mailand, Florenz und Rom über Architektur oder Luxus zu definieren, richtet die Serie den Blick auf die Menschen, die ihre Atmosphäre prägen. Hosts, Concierges, Köche, Bartender und Mitglieder des Lifestyle Teams erzählen von Ritualen, Erinnerungen und Gewohnheiten, die tief in der italienischen Kultur verwurzelt sind.

Gastfreundschaft als Haltung

Im Italienischen existiert ein besonderes Wort: ospite. Es bedeutet zugleich Gast und Gastgeber. Eine sprachliche Feinheit, die viel über das italienische Verständnis von Gastfreundschaft verrät.

Auch bei Portrait Hotels steht diese Haltung im Mittelpunkt. Gastfreundschaft wird hier nicht als Service verstanden, sondern als Beziehung. Es geht um Aufmerksamkeit, um Intuition und um die Fähigkeit, Menschen das Gefühl zu geben, angekommen zu sein.

Für Simone Thomas Bisin, F&B Operations Manager im Portrait Milano, entstehen die schönsten Momente nicht durch Perfektion, sondern durch Präsenz. Durch das Erinnern an persönliche Vorlieben, durch ehrliche Herzlichkeit und durch jene kleinen Gesten, die einen Aufenthalt persönlich machen.

Der Tag beginnt mit einer Moka

Wer Italien verstehen möchte, sollte seinen Tag nicht mit Eile beginnen.

In den Portrait Hotels startet der Morgen mit hausgemachten Kuchen, frischem Gebäck und dem unverwechselbaren Duft einer Moka-Kanne. Nicht als Inszenierung, sondern als gelebtes Ritual.

Im Portrait Milano, Portrait Firenze und Portrait Roma orientiert sich das Frühstück an regionalen Rezepten und vertrauten Geschmäckern. Torta Paradiso, Maritozzi, Veneziana oder Crostata erinnern an italienische Familienküchen und verwandeln das Frühstück in einen Moment des Innehaltens.

Die Moka selbst wird direkt an den Tisch gebracht – genauso wie zuhause. Nicht nur der Kaffee zählt, sondern das Geräusch des Einschenkens, der Duft und die Erinnerungen, die damit verbunden sind. Es sind jene scheinbar unspektakulären Momente, die ein Gefühl von Zugehörigkeit entstehen lassen.

Pasta als Ausdruck von Gemeinschaft

Mittags rückt ein weiteres italienisches Ritual in den Mittelpunkt: Pasta.

Im Portrait Roma beginnt das Erlebnis bereits auf lokalen Märkten. Gemeinsam mit dem Hotelteam wählen Gäste Zutaten für klassische römische Gerichte wie Carbonara, Cacio e Pepe oder Amatriciana aus, bevor diese auf der Rooftop-Terrasse zubereitet werden.

Auch im Portrait Firenze wird die Pasta zum kulturellen Erlebnis. Hier lebt die Tradition der Scarpetta weiter – jener charmanten Geste, bei der die letzten Tropfen Sauce mit einem Stück Brot aufgenommen werden.

Es ist ein Ritual, das zeigt, dass Genuss in Italien nie nur Geschmack bedeutet. Genuss bedeutet Zeit. Gemeinschaft. Aufmerksamkeit.

Die goldene Stunde des Aperitivo

Wenn die Sonne langsam hinter den Dächern von Florenz verschwindet, beginnt in Italien eine Tageszeit, die fast schon heilig erscheint: der Aperitivo.

Im Caffè dell’Oro des Portrait Firenze wird er mit Blick auf den Ponte Vecchio zelebriert. Im Portrait Milano fährt täglich der Aperitivo-Trolley zwischen den Tischen hindurch, während Negroni, Americano oder Spritz direkt vor den Gästen zubereitet werden. Gespräche vermischen sich mit Musik und dem Rhythmus der Stadt.

Im Portrait Roma hingegen wird der Aperitivo intimer interpretiert. Die Rooftop-Terrasse erinnert eher an ein privates Wohnzimmer über den Dächern der Stadt als an eine klassische Hotelbar. Hier steht nicht das Spektakel im Vordergrund, sondern die Atmosphäre.

Wenn Italien erst nach Mitternacht beginnt

Vielleicht zeigt sich das wahre Italien jedoch erst spät in der Nacht.

Wenn im Portrait Milano die Gespräche länger werden und die Musik den Abend trägt, erscheint plötzlich ein einfaches Gericht auf den Tischen: Spaghetti Aglio, Olio e Peperoncino.

Die traditionelle Spaghettata di Mezzanotte gehört seit Generationen zu italienischen Sommernächten. Kein aufwendiges Menü. Keine große Inszenierung. Nur Pasta, Freunde und Zeit.

Es ist ein perfektes Sinnbild für das, was Portrait Hotels vermitteln möchte: Luxus entsteht nicht durch Überfluss, sondern durch Bedeutung. Durch Rituale, die Menschen verbinden. Durch Erinnerungen, die bleiben.

Italien als Gefühl

Mit The Personal Touch zeigt Portrait Hotels eine Seite Italiens, die Reiseführer oft übersehen. Nicht die Sehenswürdigkeiten stehen im Mittelpunkt, sondern die Menschen, die Geschichten erzählen, Traditionen weitergeben und Gastfreundschaft als etwas Persönliches verstehen.

Vielleicht ist genau das die schönste Form des Reisens: einen Ort nicht nur zu besuchen, sondern ihn durch seine Rituale kennenzulernen.

Zwischen Architektur, Material und Atmosphäre inszeniert Mo.1950 in der Via Carducci eine immersive Wohnwelt, die Design neu denkt.

Im Rahmen der Milan Design Week 2026 verwandelt sich der Showroom von Mo.1950 in der Via Carducci 38 in Mailand in ein vielschichtiges Wohnkonzept: Architecture of Continuity. Statt einer klassischen Ausstellung entsteht ein atmosphärischer Lebensraum, der Design, Architektur und Materialität zu einer kohärenten Einheit verbindet.

Ein Raum wird zur Erfahrung

Was Besucher:innen in der Via Carducci erwartet, ist weit mehr als eine Inszenierung – es ist eine räumliche Erzählung. Der ehemals traditionelle Showroom wird zu einem vollständig gedachten Mailänder Apartment transformiert. Ein Ort, der nicht nur betrachtet, sondern erlebt wird.

Mo.1950, bekannt für seine Verbindung aus Designkultur, Handwerk und technischer Expertise, schafft hier eine Plattform, in der langjährige Partnerschaften weitergedacht werden. Gemeinsam mit den Marken Olivieri und Frag entsteht ein experimenteller Raum, der Architektur, Systeme und Materialien in einen kontinuierlichen Dialog bringt.

Das Konzept: Architecture of Continuity

Im Zentrum steht die Idee einer durchgängigen Gestaltungssprache: Architecture of Continuity. Jeder Bestandteil – von Wandverkleidungen über Türen bis hin zu maßgefertigten Möbeln – ist Teil eines ganzheitlichen Systems.

Ein wesentliches Element ist das architektonische „Band“, inspiriert von der Forschung Olivieris zur Gebäudehülle. Dieses zieht sich durch den Raum, definiert Wege, strukturiert Zonen und lenkt den Blick. Es schafft eine fließende Verbindung zwischen den einzelnen Bereichen und verleiht dem Raum eine organische Dynamik.

Materialität als Sprache

Auch die Möbelkollektionen von Frag tragen zur Kontinuität bei: Eine kuratierte Auswahl aus Best- und Longsellern wird nicht als Einzelstücke präsentiert, sondern als Teil eines größeren Ganzen. Materialien, Proportionen und Volumen greifen ineinander und formen eine ruhige, präzise Wohnsprache.

Oberflächen werden dabei nicht nur als ästhetisches Element verstanden, sondern als Ausgangspunkt für gestalterische Forschung – ein Ansatz, der Design auf eine tiefere Ebene hebt.

Innen und Außen im Dialog

Das Konzept endet nicht an der Tür. Zum zweiten Mal wird auch der historische Innenhof der Via Carducci in die Gestaltung einbezogen. Mit Outdoor-Möbeln von Varaschin sowie einer bioklimatischen Pergola und Beschattungssystemen von KE entsteht eine Erweiterung des Wohnraums ins Freie.

Der Hof wird so zu einem lebendigen Treffpunkt – für Begegnungen, Gespräche und Networking während der gesamten Design Week.

Textile Akzente

Abgerundet wird das Konzept durch Carpet Edition, die eine neue Teppichkollektion des Studios LualdiMeraldi präsentiert. Die Farbwelt ist gezielt auf das Raumkonzept abgestimmt und unterstreicht die harmonische Gesamtkomposition.

Architecture of Continuity zeigt eindrucksvoll, wie Design über das Objekt hinausgehen kann. Es entsteht ein Raum, der nicht aus Einzelteilen besteht, sondern aus Beziehungen – zwischen Materialien, Funktionen und Menschen. Ein stiller, aber kraftvoller Ansatz, der das Wohnen als ganzheitliche Erfahrung neu interpretiert.

Zwischen Y2K-Nostalgie, Streetwear und sportlicher DNA

Die Rückkehr eines Klassikers: Mit dem Relaunch seines legendären Soccer-Sneakers knüpft Bikkembergs an seine kraftvolle Vergangenheit an und übersetzt sie in eine zeitgemäße Formsprache. Zwischen Fußballkultur, Streetwear-Ästhetik und italienischer Schneiderkunst entsteht eine Kollektion, die mehr ist als Mode – sie ist ein Statement.

Mode trifft Bewegung – eine Rückkehr zu den Wurzeln

Seit seiner Gründung durch Dirk Bikkembergs im Jahr 1986 steht das Label für eine unverkennbare Verbindung von Mode und Sport. Als Teil der legendären Antwerp Six prägte Bikkembergs früh eine Ästhetik, die körperlich, direkt und authentisch ist.

In den 1990er- und frühen 2000er-Jahren verlagerte die Marke ihre Runway-Shows bewusst aus den klassischen Modekontexten – hinein in Fußballstadien von Mailand bis Barcelona. Mode wurde hier zur Bewegung, zur Performance, zur gelebten Kultur.

Ein prägender Moment: Ein spontanes Fitting mit dem Kapitän des italienischen Clubs FC Fossombrone führte schließlich dazu, dass Dirk Bikkembergs den Verein übernahm – und ihn zu einem kreativen Experimentierfeld zwischen Stil und Sport entwickelte.

Der Soccer-Sneaker als kulturelles Symbol

Aus dieser Haltung heraus entstand die ikonische Soccer-Linie – eine Sneaker-Kollektion, die Sport nicht nur funktional, sondern als kulturelle Erzählung versteht.

Internationale Teams wie Inter Mailand oder Málaga CF sowie Spieler wie Giorgio Chiellini oder Paolo Cannavaro trugen die Designs – und machten sie zu einem festen Bestandteil der Fußball- und Modegeschichte.

Der Soccer-Sneaker entwickelte sich dabei zu einem Signature-Piece, das die Grenzen zwischen Spielfeld und Straße mühelos überwindet.

2025: Der Relaunch einer Ikone

Mit kreativer Leitung von Lee Wood erlebt die Soccer-Linie nun ein modernes Revival. Den Auftakt machte im Juni 2025 eine aufmerksamkeitsstarke Kooperation mit Gosha Rubchinskiy, bekannt für seine Arbeit bei Yeezy.

Seine Neuinterpretation brachte eine klare Streetwear-Perspektive ein und griff die sogenannte Bloke-Core-Ästhetik auf – ein Trend, der Fußballkultur und Alltagsmode verschmelzen lässt.

Y2K trifft Gegenwart

Die neuen Modelle greifen bewusst die Designsprache der frühen 2000er-Jahre auf – ein subtiler Verweis auf das anhaltende Y2K-Revival.

Hochwertige Leder, innovative Materialien und eine neu gedachte Farbpalette definieren die Kollektion:

• Neutrale, elegante Töne für zeitlose Looks
• Markante Akzente in Himmelblau und leuchtendem Rot
• Neue Muster, Stickereien und Prints als Weiterentwicklung des Originals

Der ikonische Soccer-Sneaker bleibt dabei das Herzstück – ein Design, das sich wie ein roter Faden durch die gesamte Kollektion zieht.

Heritage, das in die Zukunft führt

Der Relaunch ist mehr als ein nostalgischer Rückblick. Er ist eine bewusste Rückkehr zur DNA der Marke – und gleichzeitig ein Schritt nach vorne.

Bikkembergs gelingt es, Vergangenheit und Gegenwart zu verbinden:
Sport trifft Stil. Bewegung trifft Ästhetik. Tradition trifft Innovation.

Oder anders gesagt: Der Soccer-Sneaker bleibt, was er immer war – ein Symbol für eine Haltung, die Mode nicht nur zeigt, sondern lebt.

Wie eine junge Designerin die Grenzen zwischen digitaler und physischer Welt neu definiert

Mit einer faszinierenden Verbindung aus CGI, Produktdesign und räumlicher Inszenierung betritt die Amsterdamer Designerin Kilian Vos die internationale Bühne. Im Rahmen der Milan Design Week 2026 präsentiert sie erstmals Arbeiten in Zusammenarbeit mit dem renommierten Designlabel Moooi – und eröffnet dabei eine neue Dimension des Erlebens zwischen Realität und Virtualität.

Das Surreale wird greifbar

Kilian Vos gehört zu einer neuen Generation von Designer:innen, die nicht mehr zwischen digital und analog unterscheiden – sondern beide Welten bewusst verschmelzen. Mit ihrem Hintergrund in CGI erschafft sie Objekte und Räume, die zugleich vertraut und fremd wirken. Ihre Arbeiten bewegen sich in einem Spannungsfeld aus Materialität und Illusion: Das Digitale fühlt sich physisch an, das Physische erscheint surreal.

Ihre Entwürfe sind mehr als Produkte – sie sind Experimente der Wahrnehmung. Skulpturale Möbelstücke, imaginierte Räume und hybride Objekte laden dazu ein, die eigene Realität neu zu hinterfragen. Dabei geht es Vos nicht nur um Ästhetik, sondern um ein neues Verhältnis zwischen Mensch, Objekt und Raum.

Mailand als Bühne für eine neue Design-Dimension

Im Rahmen der Milan Design Week 2026 feiert Vos ihr internationales Debüt – und das gleich mit einem starken Partner: Moooi. Ihre Teppichdesigns, ursprünglich als Vorschlag für Moooi Carpets entwickelt, überzeugten so sehr, dass sie nun Teil der offiziellen Kollektion sind. Sie werden exklusiv in Mailand präsentiert und markieren die einzigen neuen Teppichlaunches des Labels in diesem Jahr.

Die Präsentation findet sowohl im Superstudio Più als auch im Moooi Store im Zentrum Mailands statt – zwei Orte, die für immersive Design-Erlebnisse stehen und Vos’ visionären Ansatz perfekt ergänzen.

Dialog zwischen Vision und Handwerk

Was Vos’ Arbeit besonders macht, ist die konsequente Verbindung von virtueller Gestaltung und physischer Umsetzung. Ihre Designs entstehen im digitalen Raum, werden jedoch in reale Objekte übersetzt – ohne dabei ihre experimentelle Herkunft zu verlieren.

Dieser Dialog eröffnet neue Möglichkeiten:

• Formen, die physikalische Grenzen scheinbar überwinden
• Materialien, die sich visuell transformieren
• Räume, die zwischen Realität und Simulation oszillieren

Vos sieht hierin die Zukunft des Designs: eine Disziplin, die nicht mehr nur gestaltet, sondern erlebbar macht.

Moooi: 25 Jahre visionäres Design

Die Zusammenarbeit mit Moooi ist dabei mehr als ein Karriereschritt – sie ist ein Statement. Das niederländische Designlabel, gegründet 2001, steht seit jeher für experimentelle, emotionale und grenzüberschreitende Gestaltung.

Zur Milan Design Week 2026 feiert Moooi sein 25-jähriges Bestehen mit einer spektakulären, silbernen Inszenierung. Die Ausstellung reflektiert die Geschichte der Marke und blickt gleichzeitig in die Zukunft – eine Zukunft, die perfekt mit Vos’ Vision harmoniert:

Design als Erlebnis, als Emotion, als kontinuierlicher Wandel.

Ein Blick in die Zukunft des Designs

Kilian Vos zeigt eindrucksvoll, wohin sich Design bewegt: weg von klaren Kategorien, hin zu fluiden Übergängen. Ihre Arbeit steht für eine neue Ära, in der digitale Technologien nicht nur Werkzeuge sind, sondern kreative Räume eröffnen.

Die Grenze zwischen real und virtuell? Sie wird zunehmend irrelevant.

Und genau darin liegt die Kraft ihrer Entwürfe: Sie machen das Unsichtbare sichtbar – und das Unvorstellbare greifbar.

Don Bronstein und die visuelle Sprache des Jazz

Ein leiser Beobachter, ein Chronist der Improvisation und ein unsichtbarer Teil der Szene: Die Triennale Milano widmet Don Bronstein die erste umfassende Ausstellung in Europa – und eröffnet damit einen neuen Blick auf die visuelle Kultur des Jazz.

Zwischen Rauchschwaden, gedämpftem Licht und vibrierenden Klängen entstand in den Clubs von Chicago eine Bildwelt, die bis heute nachhallt. Don Bronstein hielt sie fest – nicht als distanzierter Dokumentarist, sondern als Teil des Moments selbst.

Der Rhythmus des Sehens

Mit der Ausstellung „The Rhythm of the Eye“ präsentiert die Triennale Milano erstmals in Europa das Werk von Don Bronstein – Fotograf, Art Director und stille Schlüsselfigur der amerikanischen Nachkriegsästhetik. Gezeigt wird eine Auswahl von Fotografien aus den Jahren 1953 bis 1968, die tief in die Jazz- und Bluesszene Chicagos eintauchen.

Was Bronsteins Arbeiten so besonders macht, ist ihre Nähe. Seine Kamera beobachtet nicht – sie bewegt sich mit. Sie atmet im Takt der Musik, folgt Blicken, Gesten, Pausen. Seine Bilder sind keine Inszenierungen, sondern fragile Momente zwischen Spannung und Stille.

Zwischen Improvisation und Intimität

Als Fotograf für Magazine und Plattencover war Bronstein ein Meister der Komposition – und doch liegt die eigentliche Kraft seiner Arbeit in der Improvisation.

Er arbeitete eng mit seinen Protagonist:innen zusammen, entwickelte Vertrauen und schuf so eine seltene Offenheit. In seinen Bildern entstehen Porträts, die nicht nur zeigen, sondern spürbar machen: den Moment vor dem Ton, das Zögern, die Energie eines Raumes.

Sein Blick ist dabei niemals aufdringlich. Vielmehr scheint er Teil des Geschehens – ein unsichtbarer Begleiter zwischen Musiker:innen, Publikum und Raum.

Chicago als pulsierende Bühne

Bronsteins fotografisches Universum ist untrennbar mit Chicago verbunden. In legendären Clubs wie dem London House oder Mr. Kelly’s traf er auf Ikonen der Musikgeschichte: von Muddy Waters über Miles Davis bis hin zu Ella Fitzgerald.

Doch sein Blick ging über die Musik hinaus. Auch Persönlichkeiten aus Comedy und Kultur fanden ihren Weg vor seine Linse – ein Zeichen für die Vielschichtigkeit seines künstlerischen Interesses.

Zwischen Plattencovern und Popkultur

Neben seiner fotografischen Arbeit prägte Bronstein die visuelle Identität der Musikindustrie maßgeblich. Mehr als 500 Albumcover gehen auf sein Konto – für Labels wie Chess Records oder Columbia.

Später wurde er der erste festangestellte Fotograf des Playboy-Magazins und trug entscheidend zu dessen Bildsprache bei. Seine Arbeiten bewegen sich damit an der Schnittstelle von Kunst, Design und Popkultur – lange bevor diese Disziplinen selbstverständlich miteinander verschmolzen.

Ein verborgenes Archiv, neu entdeckt

Nach seinem frühen Tod im Jahr 1968 blieb Bronsteins umfangreiches Archiv jahrzehntelang unangetastet. Erst seine Töchter begannen, das Material zu sichten – und stießen auf ein visuelles Zeitkapsel: Negative, Kontaktbögen, Briefe und bislang ungesehene Fotografien.

Diese Wiederentdeckung verleiht seinem Werk heute eine neue Dringlichkeit. Die Ausstellung in Mailand markiert dabei nicht nur eine Retrospektive, sondern einen Ausgangspunkt für ein tieferes Verständnis seines Einflusses.

Eine Einladung zum genauen Hinsehen

„The Rhythm of the Eye“ ist mehr als eine Ausstellung über Fotografie. Sie ist eine Einladung, Wahrnehmung neu zu denken – als etwas, das sich im Moment entfaltet, im Detail, im Rhythmus.

Don Bronstein zeigt uns, dass Sehen kein statischer Akt ist, sondern ein lebendiger Prozess. Einer, der – wie der Jazz selbst – von Intuition, Timing und Sensibilität lebt.