Zwischen Y2K-Nostalgie, Streetwear und sportlicher DNA

Die Rückkehr eines Klassikers: Mit dem Relaunch seines legendären Soccer-Sneakers knüpft Bikkembergs an seine kraftvolle Vergangenheit an und übersetzt sie in eine zeitgemäße Formsprache. Zwischen Fußballkultur, Streetwear-Ästhetik und italienischer Schneiderkunst entsteht eine Kollektion, die mehr ist als Mode – sie ist ein Statement.

Mode trifft Bewegung – eine Rückkehr zu den Wurzeln

Seit seiner Gründung durch Dirk Bikkembergs im Jahr 1986 steht das Label für eine unverkennbare Verbindung von Mode und Sport. Als Teil der legendären Antwerp Six prägte Bikkembergs früh eine Ästhetik, die körperlich, direkt und authentisch ist.

In den 1990er- und frühen 2000er-Jahren verlagerte die Marke ihre Runway-Shows bewusst aus den klassischen Modekontexten – hinein in Fußballstadien von Mailand bis Barcelona. Mode wurde hier zur Bewegung, zur Performance, zur gelebten Kultur.

Ein prägender Moment: Ein spontanes Fitting mit dem Kapitän des italienischen Clubs FC Fossombrone führte schließlich dazu, dass Dirk Bikkembergs den Verein übernahm – und ihn zu einem kreativen Experimentierfeld zwischen Stil und Sport entwickelte.

Der Soccer-Sneaker als kulturelles Symbol

Aus dieser Haltung heraus entstand die ikonische Soccer-Linie – eine Sneaker-Kollektion, die Sport nicht nur funktional, sondern als kulturelle Erzählung versteht.

Internationale Teams wie Inter Mailand oder Málaga CF sowie Spieler wie Giorgio Chiellini oder Paolo Cannavaro trugen die Designs – und machten sie zu einem festen Bestandteil der Fußball- und Modegeschichte.

Der Soccer-Sneaker entwickelte sich dabei zu einem Signature-Piece, das die Grenzen zwischen Spielfeld und Straße mühelos überwindet.

2025: Der Relaunch einer Ikone

Mit kreativer Leitung von Lee Wood erlebt die Soccer-Linie nun ein modernes Revival. Den Auftakt machte im Juni 2025 eine aufmerksamkeitsstarke Kooperation mit Gosha Rubchinskiy, bekannt für seine Arbeit bei Yeezy.

Seine Neuinterpretation brachte eine klare Streetwear-Perspektive ein und griff die sogenannte Bloke-Core-Ästhetik auf – ein Trend, der Fußballkultur und Alltagsmode verschmelzen lässt.

Y2K trifft Gegenwart

Die neuen Modelle greifen bewusst die Designsprache der frühen 2000er-Jahre auf – ein subtiler Verweis auf das anhaltende Y2K-Revival.

Hochwertige Leder, innovative Materialien und eine neu gedachte Farbpalette definieren die Kollektion:

• Neutrale, elegante Töne für zeitlose Looks
• Markante Akzente in Himmelblau und leuchtendem Rot
• Neue Muster, Stickereien und Prints als Weiterentwicklung des Originals

Der ikonische Soccer-Sneaker bleibt dabei das Herzstück – ein Design, das sich wie ein roter Faden durch die gesamte Kollektion zieht.

Heritage, das in die Zukunft führt

Der Relaunch ist mehr als ein nostalgischer Rückblick. Er ist eine bewusste Rückkehr zur DNA der Marke – und gleichzeitig ein Schritt nach vorne.

Bikkembergs gelingt es, Vergangenheit und Gegenwart zu verbinden:
Sport trifft Stil. Bewegung trifft Ästhetik. Tradition trifft Innovation.

Oder anders gesagt: Der Soccer-Sneaker bleibt, was er immer war – ein Symbol für eine Haltung, die Mode nicht nur zeigt, sondern lebt.

Wie eine junge Designerin die Grenzen zwischen digitaler und physischer Welt neu definiert

Mit einer faszinierenden Verbindung aus CGI, Produktdesign und räumlicher Inszenierung betritt die Amsterdamer Designerin Kilian Vos die internationale Bühne. Im Rahmen der Milan Design Week 2026 präsentiert sie erstmals Arbeiten in Zusammenarbeit mit dem renommierten Designlabel Moooi – und eröffnet dabei eine neue Dimension des Erlebens zwischen Realität und Virtualität.

Das Surreale wird greifbar

Kilian Vos gehört zu einer neuen Generation von Designer:innen, die nicht mehr zwischen digital und analog unterscheiden – sondern beide Welten bewusst verschmelzen. Mit ihrem Hintergrund in CGI erschafft sie Objekte und Räume, die zugleich vertraut und fremd wirken. Ihre Arbeiten bewegen sich in einem Spannungsfeld aus Materialität und Illusion: Das Digitale fühlt sich physisch an, das Physische erscheint surreal.

Ihre Entwürfe sind mehr als Produkte – sie sind Experimente der Wahrnehmung. Skulpturale Möbelstücke, imaginierte Räume und hybride Objekte laden dazu ein, die eigene Realität neu zu hinterfragen. Dabei geht es Vos nicht nur um Ästhetik, sondern um ein neues Verhältnis zwischen Mensch, Objekt und Raum.

Mailand als Bühne für eine neue Design-Dimension

Im Rahmen der Milan Design Week 2026 feiert Vos ihr internationales Debüt – und das gleich mit einem starken Partner: Moooi. Ihre Teppichdesigns, ursprünglich als Vorschlag für Moooi Carpets entwickelt, überzeugten so sehr, dass sie nun Teil der offiziellen Kollektion sind. Sie werden exklusiv in Mailand präsentiert und markieren die einzigen neuen Teppichlaunches des Labels in diesem Jahr.

Die Präsentation findet sowohl im Superstudio Più als auch im Moooi Store im Zentrum Mailands statt – zwei Orte, die für immersive Design-Erlebnisse stehen und Vos’ visionären Ansatz perfekt ergänzen.

Dialog zwischen Vision und Handwerk

Was Vos’ Arbeit besonders macht, ist die konsequente Verbindung von virtueller Gestaltung und physischer Umsetzung. Ihre Designs entstehen im digitalen Raum, werden jedoch in reale Objekte übersetzt – ohne dabei ihre experimentelle Herkunft zu verlieren.

Dieser Dialog eröffnet neue Möglichkeiten:

• Formen, die physikalische Grenzen scheinbar überwinden
• Materialien, die sich visuell transformieren
• Räume, die zwischen Realität und Simulation oszillieren

Vos sieht hierin die Zukunft des Designs: eine Disziplin, die nicht mehr nur gestaltet, sondern erlebbar macht.

Moooi: 25 Jahre visionäres Design

Die Zusammenarbeit mit Moooi ist dabei mehr als ein Karriereschritt – sie ist ein Statement. Das niederländische Designlabel, gegründet 2001, steht seit jeher für experimentelle, emotionale und grenzüberschreitende Gestaltung.

Zur Milan Design Week 2026 feiert Moooi sein 25-jähriges Bestehen mit einer spektakulären, silbernen Inszenierung. Die Ausstellung reflektiert die Geschichte der Marke und blickt gleichzeitig in die Zukunft – eine Zukunft, die perfekt mit Vos’ Vision harmoniert:

Design als Erlebnis, als Emotion, als kontinuierlicher Wandel.

Ein Blick in die Zukunft des Designs

Kilian Vos zeigt eindrucksvoll, wohin sich Design bewegt: weg von klaren Kategorien, hin zu fluiden Übergängen. Ihre Arbeit steht für eine neue Ära, in der digitale Technologien nicht nur Werkzeuge sind, sondern kreative Räume eröffnen.

Die Grenze zwischen real und virtuell? Sie wird zunehmend irrelevant.

Und genau darin liegt die Kraft ihrer Entwürfe: Sie machen das Unsichtbare sichtbar – und das Unvorstellbare greifbar.

Don Bronstein und die visuelle Sprache des Jazz

Ein leiser Beobachter, ein Chronist der Improvisation und ein unsichtbarer Teil der Szene: Die Triennale Milano widmet Don Bronstein die erste umfassende Ausstellung in Europa – und eröffnet damit einen neuen Blick auf die visuelle Kultur des Jazz.

Zwischen Rauchschwaden, gedämpftem Licht und vibrierenden Klängen entstand in den Clubs von Chicago eine Bildwelt, die bis heute nachhallt. Don Bronstein hielt sie fest – nicht als distanzierter Dokumentarist, sondern als Teil des Moments selbst.

Der Rhythmus des Sehens

Mit der Ausstellung „The Rhythm of the Eye“ präsentiert die Triennale Milano erstmals in Europa das Werk von Don Bronstein – Fotograf, Art Director und stille Schlüsselfigur der amerikanischen Nachkriegsästhetik. Gezeigt wird eine Auswahl von Fotografien aus den Jahren 1953 bis 1968, die tief in die Jazz- und Bluesszene Chicagos eintauchen.

Was Bronsteins Arbeiten so besonders macht, ist ihre Nähe. Seine Kamera beobachtet nicht – sie bewegt sich mit. Sie atmet im Takt der Musik, folgt Blicken, Gesten, Pausen. Seine Bilder sind keine Inszenierungen, sondern fragile Momente zwischen Spannung und Stille.

Zwischen Improvisation und Intimität

Als Fotograf für Magazine und Plattencover war Bronstein ein Meister der Komposition – und doch liegt die eigentliche Kraft seiner Arbeit in der Improvisation.

Er arbeitete eng mit seinen Protagonist:innen zusammen, entwickelte Vertrauen und schuf so eine seltene Offenheit. In seinen Bildern entstehen Porträts, die nicht nur zeigen, sondern spürbar machen: den Moment vor dem Ton, das Zögern, die Energie eines Raumes.

Sein Blick ist dabei niemals aufdringlich. Vielmehr scheint er Teil des Geschehens – ein unsichtbarer Begleiter zwischen Musiker:innen, Publikum und Raum.

Chicago als pulsierende Bühne

Bronsteins fotografisches Universum ist untrennbar mit Chicago verbunden. In legendären Clubs wie dem London House oder Mr. Kelly’s traf er auf Ikonen der Musikgeschichte: von Muddy Waters über Miles Davis bis hin zu Ella Fitzgerald.

Doch sein Blick ging über die Musik hinaus. Auch Persönlichkeiten aus Comedy und Kultur fanden ihren Weg vor seine Linse – ein Zeichen für die Vielschichtigkeit seines künstlerischen Interesses.

Zwischen Plattencovern und Popkultur

Neben seiner fotografischen Arbeit prägte Bronstein die visuelle Identität der Musikindustrie maßgeblich. Mehr als 500 Albumcover gehen auf sein Konto – für Labels wie Chess Records oder Columbia.

Später wurde er der erste festangestellte Fotograf des Playboy-Magazins und trug entscheidend zu dessen Bildsprache bei. Seine Arbeiten bewegen sich damit an der Schnittstelle von Kunst, Design und Popkultur – lange bevor diese Disziplinen selbstverständlich miteinander verschmolzen.

Ein verborgenes Archiv, neu entdeckt

Nach seinem frühen Tod im Jahr 1968 blieb Bronsteins umfangreiches Archiv jahrzehntelang unangetastet. Erst seine Töchter begannen, das Material zu sichten – und stießen auf ein visuelles Zeitkapsel: Negative, Kontaktbögen, Briefe und bislang ungesehene Fotografien.

Diese Wiederentdeckung verleiht seinem Werk heute eine neue Dringlichkeit. Die Ausstellung in Mailand markiert dabei nicht nur eine Retrospektive, sondern einen Ausgangspunkt für ein tieferes Verständnis seines Einflusses.

Eine Einladung zum genauen Hinsehen

„The Rhythm of the Eye“ ist mehr als eine Ausstellung über Fotografie. Sie ist eine Einladung, Wahrnehmung neu zu denken – als etwas, das sich im Moment entfaltet, im Detail, im Rhythmus.

Don Bronstein zeigt uns, dass Sehen kein statischer Akt ist, sondern ein lebendiger Prozess. Einer, der – wie der Jazz selbst – von Intuition, Timing und Sensibilität lebt.

Handwerk, Materialbewusstsein und zeitlose Eleganz

Nachhaltigkeit ist bei Warli kein Trend, sondern gelebte Haltung. Seit der Gründung im Jahr 1998 steht das italienische Designunternehmen für zeitgenössische Teppiche und Wohnaccessoires, die aus der tiefen Auseinandersetzung mit Materialien, handwerklichen Techniken und kulturellen Textiltraditionen entstehen. Was einst mit handgewebten Teppichen begann, hat sich zu einer ganzheitlichen Designwelt entwickelt – von Indoor- und Outdoor-Rugs über Möbel bis hin zu Leuchten.

Im firmeneigenen „Laboratory of Ideas“ in Mailand entstehen Entwürfe, die durch ihre stille Eleganz überzeugen. Warli richtet sich an Menschen, die Design als bewusste Entscheidung verstehen – für Qualität, Langlebigkeit, Anpassungsfähigkeit und ökologische Verantwortung. Oder, wie es die Marke selbst formuliert: an echte Design Weavers, die ihren Alltag mit Sinn und Stil verweben.

Materialien als Haltung

Im Zentrum der Kollektionen stehen Naturfasern wie Wolle, Leinen und Seide – ergänzt durch innovative Alternativen wie Bambus- oder Bananenseide sowie Tencel, eine umweltfreundliche Zellulosefaser aus Holz. Für den Außenbereich kommen hochwertige synthetische Garne zum Einsatz, die natürliche Materialien imitieren, extrem langlebig und am Ende ihres Lebenszyklus recyclebar sind.

Darüber hinaus arbeitet Warli mit recycelten Materialien wie Econyl®, Raytent® sowie wiederverwertetem PET und Aluminium. Design wird dabei ganzheitlich gedacht – von der Idee über die Produktion bis hin zur Wiederverwertung.

Ausgewählte Neuheiten

Islas Coffee Tables
Entworfen von Paolo Zani, besteht Islas aus drei unterschiedlich hohen Beistelltischen für den Außenbereich. Die Tischplatten mit Zementoptik ruhen auf Sockeln aus zu 100 % recyceltem Aluminium. Die bewusste Entscheidung für Gussformen aus Ton lässt kleine Unregelmäßigkeiten sichtbar – ein ehrlicher Ausdruck von Material und Prozess.

Tatami Outdoor Rug – Plein Sud Collection
Inspiriert von der klaren Ästhetik traditioneller japanischer Wohnräume, überzeugt dieser handgewebte Outdoor-Teppich durch Zurückhaltung und Balance. Wetterfest, UV-beständig und angenehm unter den Füßen – ideal für meditative Momente im Freien.

Scilla Lamp
Die neue Leuchtenkollektion Scilla verbindet mundgeblasenes, handgraviertes Glas mit Edelstahl. Tragbar, dimmbar und für Indoor wie Outdoor geeignet, schafft sie eine warme, poetische Lichtstimmung – funktional und zugleich emotional.

Barona Table Lamp
Eine Hommage an Mailands industrielles Erbe: Die Barona Tischleuchte besteht vollständig aus recyceltem Aluminium. Mit direktem und indirektem Licht setzt sie kraftvolle Akzente und bleibt dabei bewusst reduziert.

Design als bewusste Lebensentscheidung

Warli zeigt, wie zeitgenössisches Design Verantwortung übernehmen kann – ohne auf Ästhetik zu verzichten. Jedes Objekt erzählt von Respekt gegenüber Materialien, Handwerk und Umwelt. Eine leise, aber überzeugende Form von Luxus, die perfekt in eine bewusste Lebensweise passt.

Der ungarische Künstler David Ariel Szauder (*1976) zählt zu den faszinierendsten Stimmen der zeitgenössischen Medienkunst – ein Grenzgänger zwischen Technologie, Kulturgeschichte und digitalen Erzählformen. Geboren in Ungarn, studierte Szauder Kunstgeschichte an der Eötvös Loránd Universität und Intermedia an der Ungarischen Hochschule für Bildende Künste in Budapest. Seine akademische Ausbildung setzte er mit einem Masters Fellowship an der School of Arts, Design and Architecture der Aalto Universität in Helsinki fort. Szauders künstlerische Praxis bewegt sich an der Schnittstelle von digitaler Collage, virtueller Realität, interaktiven Installationen und künstlicher Intelligenz. Er versteht Technologie nicht nur als Werkzeug, sondern als ästhetischen und konzeptuellen Partner in der künstlerischen Auseinandersetzung.

Historische Wurzeln – neue Visionen

Ein wiederkehrendes Motiv in Szauders Arbeiten ist die Verbindung von Vergangenheit und Gegenwart: In Projekten wie der Super-8-Reanimation, bei der er historische Familienfilme seines Großvaters in surreale visuelle Erlebnisse verwandelt, verschmilzt er erinnerte Geschichte mit imaginärer Bildwelt. Gleichzeitig reflektiert seine Kunst die gesellschaftlichen Umbrüche unserer Zeit – Grenzen, Identität, Erinnerung und mediale Wahrnehmung werden in Werken wie Bestiarium oder Folkloric Robots eindrucksvoll erkundet, die Realität und Fiktion miteinander verschränken.

Lehre, Forschung & internationale Präsenz

Szauder ist nicht nur als Künstler aktiv, sondern auch als Lehrender und Kurator. Seit 2023 unterrichtet er KI-basierte Kurse an der berühmten Moholy-Nagy Universität für Kunst und Design in Budapest.

Seine Arbeiten wurden auf bedeutenden internationalen Plattformen präsentiert – darunter im Rahmen des Ars Electronica Festival, wo seine KI-Retrospektive gezeigt wurde, sowie in Ausstellungen in Mailand, Paris und Budapest. Kritiker loben sein Werk für die “unheimliche Kraft” und die ästhetische Tiefe seiner digitalen Bildwelten.

Einfluss & Bedeutung

David Szauder steht beispielhaft für eine neue Generation von Künstler*innen, die sich nicht zwischen Kunst und Technologie entscheiden, sondern beide Disziplinen miteinander verschränken. Seine Werke eröffnen einen kritischen Blick auf die Rolle von Medien, Erinnerung und künstlicher Intelligenz in einer zunehmend digitalisierten Welt.

Design als Haltung – und als Versprechen an die Zukunft

Mit der Kollektion Delirium für TM Leader, präsentiert 2025 auf dem Salone del Mobile in Mailand, beweist Karim Rashid einmal mehr, warum er auch nach Jahrzehnten im internationalen Designdiskurs eine unangefochtene Instanz ist. In einer Zeit, in der viele Entwürfe von Reduktion, Neutralität und Nostalgie geprägt sind, setzt Rashid bewusst auf das Gegenteil: Farbe, Emotion, digitale Ästhetik und radikalen Optimismus.

Delirium ist kein leises Design. Es ist ein selbstbewusstes Statement – und genau darin liegt seine Relevanz.

Karim Rashid: Produktivität als kulturelle Kraft

Mit über 4.000 realisierten Designs, mehr als 300 Auszeichnungen und Projekten in über 40 Ländern zählt Karim Rashid zu den produktivsten Designern unserer Zeit. Doch Quantität ist bei ihm nie Selbstzweck. Seine enorme Arbeitsethik ist Ausdruck einer klaren Haltung: Design muss das tägliche Leben verbessern, emotional berühren und zugänglich sein.

Rashid denkt nicht in Objekten, sondern in Systemen, Lebenswelten und Zukunftsszenarien. Seine Entwürfe sind stets Teil eines größeren Narrativs – geprägt von Technologie, Humanismus und der Vision einer besseren, inklusiveren Welt.

Delirium by TM Leader: Eine Kollektion als Gegenwartskommentar

Die Kollektion Delirium, entstanden für TM Leader, übersetzt Rashids Design-DNA in eine neue, expressive Möbelsprache. Organische Formen, fließende Linien und intensive Farben treffen auf präzise Handwerkskunst und innovative Materialien.

Präsentiert auf dem Salone del Mobile, positioniert sich Delirium bewusst jenseits kurzlebiger Trends. Stattdessen formuliert die Kollektion eine klare Antwort auf die Gegenwart: Design darf – und muss – emotional sein. Es darf Freude machen. Und es darf Haltung zeigen.

Farbe, Futurismus und emotionale Intelligenz

Was Rashids Arbeit seit jeher auszeichnet, ist sein kompromissloser Umgang mit Farbe. Wo andere Zurückhaltung üben, setzt er auf visuelle Energie. Doch diese Farbigkeit ist nie dekorativ. Sie ist funktional im emotionalen Sinne.

Rashid versteht Farbe als Werkzeug der Kommunikation, als Mittel gegen visuelle Monotonie und mentale Erschöpfung. Gerade in einer Welt permanenter Krisen wirken seine Entwürfe wie ein bewusstes Gegenprogramm – ein Plädoyer für Optimismus, Sinnlichkeit und digitale Eleganz.

Warum Karim Rashid heute relevanter ist denn je

In einer Designlandschaft, die sich zunehmend im Zitat der Vergangenheit verliert, bleibt Karim Rashid konsequent zukunftsorientiert. Er gestaltet für das Jetzt – und für das, was kommt. Seine Entwürfe reflektieren unsere digitale Realität, unsere Sehnsucht nach Individualität und unser Bedürfnis nach emotionaler Verbindung.

Delirium zeigt eindrucksvoll: Rashids Vision ist nicht gealtert. Sie ist gereift.

„Design ist kein Luxus. Es ist eine Notwendigkeit für ein besseres Leben.“ – Karim Rashid

Mit Delirium für TM Leader unterstreicht Karim Rashid seine Rolle als radikaler Humanist des Designs. Seine Arbeiten sind laut, farbenfroh und unbequem – und genau deshalb unverzichtbar. Sie erinnern uns daran, dass Design mehr sein kann als Funktion und Form: nämlich eine kulturelle Kraft mit emotionaler Tiefe und gesellschaftlicher Relevanz.

Über Internationalität, Haltung und die Rolle von Graz in der Welt des Designs: Eberhard Schrempf

Als Geschäftsführer der Creative Industries Styria und Mitgestalter des UNESCO-Titels „City of Design“ hat Eberhard Schrempf Graz und die Steiermark auf die internationale Landkarte gesetzt.

Im Gespräch mit THE Stylemate spricht er über Offenheit, die Kraft von Netzwerken, die Bedeutung des Designmonats Graz – und warum er die steirische Kreativszene auch in Zukunft bestens positioniert sieht.

Interview: Nina Prehofer

Wie hat sich der Begriff „Design“ in deiner Zeit als Geschäftsführer international verändert und wie hast du diese Entwicklungen nach Graz gebracht?

Eberhard Schrempf:
Design wurde hierzulande lange stark auf Ästhetik und Luxus reduziert: glänzende Oberfläche, Branding, teuer – und oft negativ konnotiert. Das zu verändern war ein langwieriger Prozess, selbst unter Kreativen.
Für mich ist Design heute das intelligente Management von Chaos, um Resultate der Ordnung zu schaffen. Eine Haltung, die urbane, nachhaltige Kultur prägt, Lebensräume intelligent gestaltet und den Alltag verbessert – ökologisch und sozial verantwortlich.
Design ist Methodik, Prozess, analytischer Zugang, Verantwortung für Ressourcen, Kreislaufwirtschaft, Nachhaltigkeit. Designer sind längst verantwortungsbewusste Gestalter mit ethischem Gewissen geworden.

Der Designmonat Graz ist heute international etabliert. Welche Bedeutung hat er im weltweiten Netzwerk der UNESCO Cities of Design?

Eberhard Schrempf:
Der Designmonat ist zentral für die Sichtbarkeit von Graz als UNESCO City of Design – und für die Community selbst, lokal wie international.
Er ist ein Schaufenster, ein Terminal im Netzwerk der Designstädte, ein „must“ für die Branche. Hier treffen lokale Kreative auf internationale Gäste, hier entstehen Kooperationen, Ideen, Impulse.
Trotz vergleichsweise kleinem Budget erzielten wir eine enorme Reichweite: DEZEEN listete den Designmonat 2018 und 2019 als „Best Design Event“, Contemporary Lynx setzte Graz 2019 auf die „must visit“-Liste der zehn wichtigsten Designfestivals weltweit – neben Mailand und London.
Das Modell „Designmonat“ haben inzwischen andere Städte übernommen. Dass die Veranstaltungen über einen ganzen Monat verteilt sind, statt alles in einer Woche zu bündeln, bringt Vorteile für Studios, Publikum, Medien und Tourismus – und steigert verlässlich die Nächtigungszahlen in Graz.

Du hast zahlreiche internationale Kooperationen initiiert – welche waren für dich besonders prägend oder überraschend?

Eberhard Schrempf:
Graz war 2011 die zehnte City of Design – kurz darauf folgte Peking. Ich habe mich stark für die Aufnahme von Detroit, Valencia und Istanbul engagiert, auch durch die Internationalisierung der FH Joanneum.
Mit den UNESCO Cities of Design öffnete sich eine völlig neue Welt. Spannend waren etwa das Staff Exchange Programme, „Designers in Residence COD 100“ – ein 100-tägiges Stipendium – oder die mit Montreal gestartete World Wide Things Collection, ein globaler Online-Marktplatz für ausgewählte Designprodukte.
Ein weiteres Highlight war die Design-Clinic: ein Online-Format, in dem anerkannte Experten kostenlose Erstberatung geben. 2025 eröffnete in Puebla, Mexiko, die erste lizenzierte Design-Clinic.
Im Kern ging es immer darum, der Creative Community Nutzen zu bringen: Horizonte erweitern, Wettbewerbsfähigkeit steigern, neue Märkte erschließen.

Wie wichtig ist Internationalität für eine vergleichsweise kleine Kreativszene wie die in der Steiermark?

Eberhard Schrempf:
Sehr wichtig – aber nur, wenn die Studios auch bereit sind, international zu agieren. Viele konnten wir durch Vermittlungsprogramme ermutigen, erste Schritte zu wagen. Gleichzeitig sind zahlreiche Studios ohnehin global aufgestellt.
Die vermeintlich „kleine“ Szene ist hier ein Vorteil: Man kennt sich, tauscht sich aus, arbeitet zusammen. Das Netzwerk ist internationales Schaufenster, Begegnungsraum, Kooperationsplattform – und für viele Kreative der Startpunkt ihrer ersten internationalen Schritte.

Die Creative Industries Styria haben Graz und die Steiermark international sichtbar gemacht. Was war dein Antrieb, dieses Netzwerk über die Region hinaus zu öffnen?

Eberhard Schrempf:
Tja – wenn man unter sich bleiben will, bin ich definitiv nicht der Richtige.
Meine Erfahrungen als Geschäftsführer von Graz 2003 – Europäische Kulturhauptstadt haben mir gezeigt, was möglich ist: die Dynamik, der Mut, der Anspruch auf Spitzenqualität. All das katapultierte Graz vom Rand Europas ins Zentrum.
Der UNESCO-Titel „City of Design“ ist kein Ablaufdatum, sondern ein Auftrag an die Zukunft – eine logische Konsequenz aus dem Kulturhauptstadtjahr. Eine Öffnung nach außen erfordert immer auch Offenheit nach innen. Authentische Offenheit muss eine Haltung sein – dann kommt auch etwas zurück.
Mein Ziel war es stets, den Unternehmen im Netzwerk einen echten Nutzen zu bringen: Reichweite erhöhen, Märkte öffnen, Potenziale erschließen.
Die CIS war dafür Radar und Brückenbauer – hinein in internationale Netzwerke wie die Creative Cities of Design, die heimischen Kreativen Chancen und direkte Zugänge zum Business eröffneten.

Gibt es Trends oder Strömungen in Design und Kreativwirtschaft, die du auf internationalen Reisen besonders inspirierend fandest?

Eberhard Schrempf:
Das hängt stark von der Stadt ab. Detroit tickt anders als Valencia, St. Etienne anders als Helsinki, Kortrijk oder Bilbao. Aber alle haben ähnliche Herausforderungen: Stadtentwicklung, Leerstand, Verkehr, Gestaltung öffentlicher Räume. Kortrijk hat etwa Parksensoren im Asphalt installiert, damit Autofahrer schnell Besorgungen erledigen können.
Montreal hat mit dem Quartier de Spectacle einen Stadtteil geschaffen, in dem es laut sein darf.
Helsinki integriert Design schon in den Volksschul-Lehrplan. Solche Beispiele inspirieren – auch wenn sie hierzulande oft wenig wahrgenommen werden.

„Graz war nie Glanz und Glitzer. Wir haben die Stadt als Underdog mit Tiefgang positioniert – Designer, die abseits von Red Carpets an echten Lösungen arbeiten.“

Mit welchen Herausforderungen warst du konfrontiert, wenn es darum ging, Graz international als Designstadt zu positionieren?

Eberhard Schrempf:
Graz war nie „Glanz und Glitzer“. Wir haben die Stadt als Underdog mit Tiefgang positioniert – Designer, die abseits von Red Carpets an echten Lösungen arbeiten. Unser Credo: „Design follows content“. Das war steinig, aber ehrlich.

Gibt es eine Begegnung mit einer Persönlichkeit aus der internationalen Design- oder Architekturwelt, die du nie vergessen wirst?

Eberhard Schrempf:
Viele. Besonders einprägsam war eine Nacht am Bosporus, wo ich mit Stefan Sagmeister, Karim Rashid und anderen bei türkischem Çay über Nation Branding diskutiert habe.

Wenn du in die Zukunft blickst: Welche Rolle könnte die steirische Kreativszene im globalen Austausch noch stärker einnehmen?

Eberhard Schrempf:
Ich sehe großes Potenzial. Erste Schritte gibt es etwa in Kooperation mit Mobility- und Automotive-Städten im Netzwerk. Auffällig ist, dass viele Ideen immer wieder neu erfunden werden – hier könnten wir ansetzen. Die Stärke der Steiermark liegt in ihrem kompakten Ökosystem und den Clustern: innovative Unternehmen, enge Zusammenarbeit mit Hochschulen, hohe F&E-Bereitschaft.
Die Chance liegt darin, Design und Kreativität von Anfang an in Entwicklungsprozesse einzubinden, Cross-Cluster-Projekte zu fördern und Zusammenarbeit über Grenzen hinweg zu stärken – lokal wie europaweit.

Persönlich gefragt: Welche Städte oder Kreativzentren weltweit haben dich besonders geprägt – und wo zieht es dich nach deiner Pensionierung privat noch hin?

Eberhard Schrempf:
Sonnenhungrig wie ich bin, wohl nach Valencia. Ebenso faszinierend, nur rauer, sind Detroit oder Bilbao. Am meisten zieht es mich nach Istanbul – dieser kulturelle Clash, das Chaos, die Mischung aus Orient und Okzident, alles im Überfluss – das übt eine unglaubliche Anziehungskraft aus.

WHITE Milano 25. bis 28. September als stilprägender Salon für Brands, Einkäuferinnen und Visionärinnen

Mailand ist im September 2025 wieder der Ort, an dem die internationale Fashion-Welt den Atem anhält. Vom 25. bis 28. September verwandelt sich die Via Tortona in den vibrierenden Mittelpunkt der Womenswear – mit WHITE Milano als stilprägendem Salon für Brands, Einkäuferinnen und Visionärinnen.

Business mit Relevanz

WHITE Milano liefert keine bloßen Trends, sondern echte Orientierung. Mit klarer Handschrift im Markenmix und globalem Reach zeigt die September Edition, wohin sich die Modeindustrie bewegt. Einkäuferinnen und Entscheiderinnen finden hier Impulse für die kommende Saison Frühjahr/Sommer 2026 – präzise kuratiert und inspirierend zugleich.

RLC Fashion Summit – die Branche im Dialog

Ein Highlight ist das erste RLC Fashion Summit am 25. September im MUDEC. CEOs, Top-Manager und Industriegrößen diskutieren über Lieferketten, neue Märkte und die Transformation des Retail. „Hier wird nicht über Trends gesprochen, sondern über die Zukunftsfähigkeit unserer Industrie“, so Panos Linardos, Präsident des RLC Global Forums.

Ein Markenmix mit globaler Tiefe

Das ExpoWHITE-Programm wächst rasant und bringt Newcomer aus China, Indien, Brasilien oder Katar zusammen mit etablierten Playern aus Europa und den USA. Dank der Incoming-Strategie von ICE steigt die Zahl internationaler Einkäufer*innen deutlich – von Japan bis Saudi-Arabien.

Neue Formate, neue Vibes

• WHITE Resort @Superstudio Daylight: Resort- und Leisurewear in einem kuratierten, saisonübergreifenden Setting.
• Inside WHITE @BASE: ein offenes, kreatives Format mit Networking-Events und DJ-Sets.
• Osteuropa im Fokus: eine neue Partnerschaft mit der Talents International Association öffnet Türen zu dynamischen Märkten.

„WHITE will Brücken bauen und Business beschleunigen – mit maximaler Relevanz für Marken und Handel“, sagt Brenda Bellei, CEO von M.SEVENTY – WHITE.

WHITE Milano im September ist mehr als eine Messe – es ist ein Lebensgefühl zwischen Business, Kultur und internationalem Stilbewusstsein.

Ein privates Inselrefugium, das italienische Eleganz mit arabischer Seele vereint

Abu Dhabi bekommt ein neues architektonisches Juwel: Bvlgari Hotels & Resorts hat gemeinsam mit Eagle Hills den Bau des Bvlgari Resort & Mansions Abu Dhabi bekanntgegeben, das 2030 eröffnen soll. Gelegen auf einer hufeisenförmigen Privatinsel, verbindet dieses visionäre Projekt die Raffinesse italienischen Designs mit dem Reichtum arabischer Kultur – und definiert Luxus neu.

Eine Insel als lebendiges Kunstwerk

Das Bvlgari Resort & Mansions Abu Dhabi wird 60 elegante Zimmer und Suiten sowie 30 Villen mit privaten Pools umfassen, alle mit Blick auf das offene Meer, die Skyline der Stadt oder ruhige Buchten. Hinzu kommen 90 exklusive Mansions – jede mit individueller Architektur und teils eigenen Bootsanlegern. Acht Anwesen erhalten sogar einen privaten Strandabschnitt.

Die Landschaftsgestaltung des Mailänder Büros LAND SRL verwandelt die Insel in ein harmonisches Zusammenspiel aus Dünen, Gärten und Skulpturen – eine Hommage an italienische Kunstfertigkeit und arabisches Traditionshandwerk.

Architektur zwischen Glas, Gold und Sand

Konzipiert von ACPV ARCHITECTS Antonio Citterio Patricia Viel, wird das Design eine poetische Metapher verkörpern: Glas und Gold, die sich aus dem Sand erheben. Dieses Spiel der Materialien spiegelt Abu Dhabis Identität wider – eine Stadt zwischen Tradition und zeitgenössischem Luxus.

Patricia Viel beschreibt die Vision als „einen Ort, der Ruhe und Naturverbundenheit bietet, ohne die Nähe zur Stadt zu verlieren – ein kuratiertes Erlebnis, das Architektur, Landschaft und Lebensart zu einer harmonischen Einheit verbindet.“

Ein Erlebnis jenseits aller Standards

Das Resort wird Gästen ein ganzheitliches Lifestyle-Erlebnis bieten: vom ikonischen Il Ristorante – Niko Romito über das japanische Fine Dining Konzept Hōseki bis hin zu einer türkischen Küche mit modernen Akzenten. Ein 2.000 m² großes Spa mit 25-Meter-Pool, ein Yacht Club mit privatem Strand und 40 Liegeplätzen sowie das Bvlgari Dolci Boutique runden das Angebot ab.

Jean-Christophe Babin, CEO von Bvlgari, sieht das Projekt als Meilenstein der Haute Hospitality: „Dieses Resort wird Abu Dhabis kulturelle Identität mit zeitloser Eleganz und moderner Raffinesse vereinen.“

Eine Destination, die Maßstäbe setzt

Mit dem Bvlgari Resort & Mansions Abu Dhabi entsteht ein Ort, der nicht nur Luxus verspricht, sondern eine tiefere Erfahrung von Ästhetik, Kultur und Ruhe – ein Rückzugsort, der ebenso inspiriert wie erdet.

Arthur Arbesser gestaltet zwei neue Zimmer im Hotel Altstadt Vienna – mit Möbeln von Wittmann

Wenn ein international gefeierter Designer auf ein ikonisches Boutiquehotel und eine traditionsreiche Möbelmanufaktur trifft, entsteht mehr als ein Raum – es entsteht ein Statement. Zwei neue Zimmer im Hotel Altstadt Vienna, gestaltet von Arthur Arbesser mit Möbeln von Wittmann, verbinden Wiener Charme mit Mailänder Designflair.

Ein Zuhause für Kreativität

Das Hotel Altstadt Vienna im 7. Wiener Gemeindebezirk ist mehr als ein Hotel – es ist ein Ort, an dem Kunst, Design und Gastfreundschaft auf besondere Weise verschmelzen. Seit 1991 verwirklicht Hotelgründer Otto E. Wiesenthal seine Vision eines Hotels, das zugleich Altbauwohnung und Galerie ist.

In dieser Umgebung, in der bereits Persönlichkeiten wie Matteo Thun Räume gestaltet haben, reiht sich nun auch Arthur Arbesser ein – der gebürtige Wiener mit Wohnsitz in Mailand, bekannt für seine grafische Ästhetik und interdisziplinären Designansätze.

Zimmer 14 – Wiener Jugendstil trifft Mailänder Modernität

Tiefes Blau, sattes Saffrangelb und weiße Wände bilden die stilisierte Bühne für eine Komposition aus Wiener und Mailänder Elementen. Der Stoff FLOWERS, den Arbesser gemeinsam mit Wittmann entworfen hat, ziert das Bett SPRING und eine elegante Sitzbank – eine Hommage an Josef Frank. Dazu gesellen sich Klassiker wie der KUBUS Fauteuil und der FLEDERMAUS Stuhl von Josef Hoffmann.

Mit italienischen Designikonen wie dem QUADERNA Desk von Superstudio oder der Snoopy Lampe der Castiglioni-Brüder wird die internationale Note sichtbar. Das gestreifte Badezimmer, inspiriert von Arbessers Modewelt, rundet das Design mit grafischer Strenge und Farbfreude ab.

„Ich liebe Hotels – vor allem, wenn sie Charme und Flair haben – so wie das Hotel Altstadt in Wien.“
– Arthur Arbesser

Zimmer 30 – Eine Hommage an den Würfel

Geometrie als Gestaltungskonzept: Zimmer 30 ist ein visuelles Spiel mit Formen, Linien und Kontrasten. Herzstück ist das schwarz-weiße Glaskubus-Badezimmer, maßgefertigt in der Steiermark. Verspielte Würfelmotive ziehen sich durch den Raum – von den Nachtkästchen über das ATRIUM Sofa von Wittmann bis hin zum CHESS Teppich.

Arbesser kombiniert Wiener Werkstätte-Fresken mit Bauhaus-Klassikern wie Breuers LACCIO Tisch oder Perriands LE GRAND BLEU Lampe. Ein mintfarbener FREISCHWINGER von Kiesler sorgt für den letzten kreativen Akzent.

„Ein kreativer Geist mit Wiener Wurzeln war hier am Werk – und das soll man spüren.“
– Arthur Arbesser

Ein Trio, das Wiener Geschichte neu erzählt

Arthur Arbesser, Wittmann und das Hotel Altstadt Vienna – drei Namen, die für Qualität, Stil und Tiefgang stehen. Gemeinsam schaffen sie Räume, die nicht nur schön, sondern inspirierend sind. Räume, die Geschichten erzählen – von Wien, von Mailand und von der zeitlosen Kraft guter Gestaltung.

Mehr Infos & Buchung:
www.altstadt.at