Nach dem Soft Opening gehört das familiengeführte Haus bei Leiria zur Lifestylehotels Kollektion – mit 16 Zimmern, weitläufigen Gärten und einer Geschichte, die als persönliche Rückkehr begann.

16 Zimmer und Suiten auf einem 40 Hektar großen Anwesen: Quinta Filippa bringt viel Raum und einen persönlichen Maßstab in die Lifestylehotels Kollektion. Das neue Mitglied liegt in Lage bei Leiria, im ländlichen Portugal zwischen Lissabon und Porto. Hinter dem Hotel steht eine Familie, deren Verbindung zu diesem Ort weit vor den ersten Übernachtungsgästen beginnt.

Eine Rückkehr wird zum Hotel

Als Mike und Nikki das Anwesen 2017 entdeckten, suchten sie zunächst ein Ferienhaus. Für Mike war das Projekt zugleich eine Rückkehr zu seinen portugiesischen Wurzeln: Seine Mutter wuchs ganz in der Nähe mit neun Geschwistern auf. Die Quinta, früher ein Ort des gemeinschaftlichen Brotbackens im Dorf, benannten sie nach seiner ältesten Tochter Filippa. Aus dem privaten Vorhaben entwickelte sich über die Jahre das heutige Hotel.

Gemeinsam mit der Interior Designerin Nanouk Souren van Ramshorst gestalteten Mike Schwalbach und Nikki Mol ein Haus, in dem historische Bausubstanz und moderne Betonerweiterungen zusammenfinden. Wiederverwendetes Holz, Naturstein und natürliche Textilien prägen die Zimmer. Individuell gefertigte Möbel ergänzen die Räume. Wohnbereiche, Gärten und ein Gemeinschaftstisch führen den Gedanken eines geteilten Zuhauses weiter.

Vom Garten an den Tisch

Die Küche folgt dem, was auf dem eigenen Land und in der Umgebung gerade wächst. Gemüse und Kräuter stehen im Mittelpunkt, ausgewählter Fisch und Fleisch ergänzen das Angebot. Küchenchef Paolo bringt internationale Erfahrung mit; seine Menüs orientieren sich an der Ernte der Gärten und den Produkten regionaler Betriebe.

Frühstück, Mittag- und Abendessen gehören zum Aufenthalt. Wer Gesellschaft sucht, nimmt am Gemeinschaftstisch Platz. Für ruhigere Mahlzeiten stehen private Tische zur Verfügung. Diese Wahlmöglichkeit passt zum persönlichen Charakter des Hauses: Begegnung darf entstehen, der eigene Rhythmus bleibt.

Ein neues Mitglied mit eigener Geschichte

Mit Quinta Filippa erweitert Lifestylehotels seine Präsenz in Portugal um ein Haus, dessen Profil aus familiärer Verbundenheit, Gestaltung und dem Leben auf dem Land entsteht. Zum Aufenthalt gehören ein beheizter, 25 Meter langer Salzwasserpool, Sauna, Infrarotsaunen und Dampfbad. Pilates, persönliche Trainingsstunden und individuelle Behandlungen können das Angebot ergänzen.

Geführte Spaziergänge, Aktivitäten auf der Farm und Workshops mit lokalen Handwerkern öffnen den Blick für die Umgebung. Auch im historischen Ofen wird wieder Brot gebacken. Ein früherer Treffpunkt des Dorfes wird damit Teil der nächsten Geschichte dieses Hauses – die Quinta Filippa nun als Mitglied von Lifestylehotels weiterschreibt.

Weitere Informationen zu Quinta Filippa

Mit der Geschirrserie Aberta bringt das Kölner Label onomao klare Formen und handgemalte Farbe an den Tisch. Gefertigt wird das Steinzeug in einer portugiesischen Manufaktur.

Ein blauer oder orangefarbener Pinselstrich am Rand: Viel mehr braucht Aberta nicht, um auf dem Tisch einen eigenen Charakter zu entwickeln. Die Geschirrserie von onomao öffnet sich konisch nach oben, wirkt standfest und bleibt in ihrer Gestaltung angenehm zurückhaltend. Ihr Name beschreibt diese Bewegung bereits: Aberta bedeutet auf Portugiesisch „offen“.

Acht grundlegende Produkte bilden die Kollektion. Gedacht sind sie für den täglichen Gebrauch – und damit für jene Mahlzeiten, die zwischen Terminen und Gewohnheiten manchmal allzu beiläufig stattfinden. Ein sorgfältig gedeckter Tisch kann ihnen etwas Aufmerksamkeit zurückgeben. Auch an einem ganz gewöhnlichen Dienstag.

Blau, Orange und die Linie dazwischen

Das gestalterische Prinzip von Aberta ist schnell erfasst: Eine reduzierte Form trifft auf einen handbemalten Rand. Die Farbe zeichnet die Öffnung der Gefäße nach und betont damit genau das Detail, das der Serie ihren Namen gibt.

Blau und Orange lassen sich dabei auch miteinander kombinieren. So entsteht Spielraum beim Decken: eine durchgehend blaue Linie, ein warmer orangefarbener Akzent oder beides nebeneinander. Der gemeinsame Formenkanon hält das Ensemble zusammen.

Gefertigt wird Aberta aus Steinzeug in einer Manufaktur in der Mitte Portugals. Der handbemalte Rand macht die handwerkliche Arbeit unmittelbar sichtbar. Gerade bei einer so klaren Gestaltung bekommt diese einzelne Linie Gewicht.

Von den Wellen zu den Werkstätten

Die Verbindung zu Portugal reicht bei den onomao-Gründern Arthur und Felix Wystrychowski weit vor die Gründung ihres Labels zurück. Beide Brüder, gemeinsam in München aufgewachsen, zog es schon früh zum Surfen ans Meer. Arthur wurde mehrfach Deutscher Meister im Wellenreiten und studierte später Landschaftsarchitektur in Berlin. Felix lebte mehrere Jahre in Portugal, ließ sich dort zum Koch ausbilden und absolvierte anschließend in Köln eine Ausbildung zum Grafiker.

2018 gründeten sie onomao. Ihre Suche führte sie zu kleinen portugiesischen Manufakturen, mit denen sie langfristig und auf Augenhöhe zusammenarbeiten wollten. Heute entstehen dort das Geschirr und die Wohnaccessoires des Kölner Interiorlabels.

Die unterschiedlichen Erfahrungen der Brüder geben dem Projekt einen nachvollziehbaren Hintergrund: Kochen, Gestaltung, Räume und eine über Jahre gewachsene Nähe zu Portugal. Am Tisch kommen diese Interessen zusammen.

Für den nächsten gemeinsamen Abend

Vier Geschirrkollektionen gehören zum Sortiment von onomao. Traditionell, Klassik und Aberta bestehen aus Steinzeug; Pura ist die einzige Porzellankollektion des Labels. Jede setzt einen anderen gestalterischen Schwerpunkt – vom steilen Tellerrand bei Traditionell bis zum Zusammenspiel matter und glänzender Oberflächen bei Pura.

Aberta konzentriert sich auf wenige Mittel: die sich öffnende Form, das robuste Material und die farbige Kontur. Daraus entsteht Geschirr, das sich leicht in den Alltag einfügt und dem gedeckten Tisch dennoch etwas Eigenes gibt.

Vielleicht liegt darin sein Reiz. Die Stücke müssen auf keinen besonderen Anlass warten. Der nächste gemeinsame Abend reicht.

Weitere Informationen: onomao.com

Ein ehemaliges Filmtheater auf der Upper East Side wird zur Bühne für zeitgenössisches Design. Die dritte New Yorker Ausgabe von COLLECTIBLE verbindet experimentelle Gestaltung mit Bürofantasien und der räumlichen Welt der Mode.

Ein Kino ist darauf gebaut, unsere Aufmerksamkeit zu lenken. Hohe Räume, große Bilder, eine Welt, in die man für eine Weile eintaucht. Für ihre dritte New Yorker Ausgabe hat sich die Designmesse COLLECTIBLE einen solchen Ort ausgesucht: ein ehemaliges Filmtheater in der East 86th Street. Vom 6. bis 8. November 2026 werden dort Galerien und unabhängige Designstudios ihre Arbeiten präsentieren. Die Termine und das VIP-Preview am 5. November sind auf der offiziellen Website bestätigt.

Der Ortswechsel führt die Messe auf die Upper East Side, in die Nähe des Metropolitan Museum of Art, des Guggenheim und des Cooper Hewitt. Zeitgenössisches Design rückt damit in ein Viertel, dessen Museen, Galerien und Sammlungen seit Jahrzehnten mitprägen, wie Kunst betrachtet und eingeordnet wird. Das ehemalige Kino bietet dafür einen eigenen Rahmen: großzügige Raumvolumen und hohe Decken, die auch ausgreifenden gestalterischen Ideen Platz geben.

Objekte mit einer eigenen Geschichte

2018 in Brüssel von Clélie Debehault und Liv Vaisberg gegründet, konzentriert sich COLLECTIBLE auf Design des 21. Jahrhunderts. Im Mittelpunkt stehen Arbeiten, in denen sich handwerkliches Wissen, Materialexperimente und eine eigenständige gestalterische Sprache verbinden.

Der Begriff Collectible Design beschreibt dabei auch eine besondere Art, auf Dinge zu schauen. Neben ihrer Funktion interessieren ihre Entstehung, ihre Materialität und die Gedanken, die in ihnen stecken. Ein Objekt kann einen Raum einrichten und zugleich eine Frage aufwerfen: Wie wollen wir leben? Welche Formen sind uns vertraut? Und weshalb eigentlich?

Die Messe nähert sich diesen Fragen aus unterschiedlichen Richtungen. In der Main Section zeigen Galerien ihre Positionen zum zeitgenössischen Design. Die Bespoke Section bringt unabhängige Studios mit Menschen zusammen, die individuelle Arbeiten in Auftrag geben möchten – darunter Sammler:innen, Architekt:innen und Interior Designer:innen. Hier wird Gestaltung als Austausch sichtbar: zwischen einer Idee, einem konkreten Raum und den Menschen, die ihn nutzen.

Die seltsame Anziehungskraft des Büros

Einen besonders neugierigen Blick verspricht „Human Resources“, die von Alex Tieghi-Walker kuratierte Ausstellung innerhalb der Curated Section. Der Gründer von TIWA Select beschäftigt sich darin mit der Faszination für Büroräume im späten 20. Jahrhundert.

Das Büro erscheint als Schauplatz von Ehrgeiz, Arbeit und Repräsentation. Seine Einrichtung erzählt davon, wie Unternehmen sich sehen – und wie Menschen innerhalb dieser Strukturen gesehen werden möchten. Tieghi-Walker greift diese Welt auf und verwandelt sie in eine Landschaft unternehmerischer Fantasien.

Darin liegt eine reizvolle Verschiebung. Ein Umfeld, das im Alltag oft als selbstverständlich wahrgenommen wird, bekommt plötzlich Aufmerksamkeit. Was verraten Arbeitsräume über Status? Wie wird Erfolg räumlich dargestellt? Welchen Wert schreiben wir den Dingen zu, die uns während der Arbeit umgeben?

„Human Resources“ nimmt solche Fragen mit in das Feld des sammelbaren Designs. Gerade die vermeintliche Nüchternheit des Büros bietet dafür einen ergiebigen Ausgangspunkt.

Mode braucht Räume

Die Fashion Section richtet den Blick auf eine andere Welt der Inszenierung. Kuratiert wird sie 2026 von Lynette Nylander, Executive Digital Director von Harper’s Bazaar, Autorin und Creative Director, die zuvor unter anderem bei Dazed, i-D und Teen Vogue tätig war.

Ihr Schwerpunkt liegt auf Möbeln, Szenografien und Raumkonzepten für Stores und Laufstegpräsentationen. Denn die gestalterische Sprache einer Modemarke setzt sich über Kleidung hinaus fort: in der Art, wie ein Geschäft eingerichtet ist, wie eine Kollektion präsentiert wird und wie Menschen sich durch diese Räume bewegen.

COLLECTIBLE schafft hier Raum für Begegnungen und individuelle Auftragsarbeiten zwischen Designer:innen und Modeschaffenden. Die Fashion Section macht damit einen Bereich sichtbar, den man oft beiläufig wahrnimmt, obwohl er wesentlich daran beteiligt ist, wie Mode erlebt wird.

Ergänzt wird das Programm durch New Garde, eine Sektion für gemeinnützige Organisationen und Kollektive, die mit ungewöhnlichen Formaten arbeiten – vom Ladenlokal bis zur digitalen Plattform. Gespräche und Panels sowie das Fachprogramm Club COLLECTIBLE sollen weitere Verbindungen zwischen Gestalter:innen, Architektur und Interior Design schaffen.

Das ehemalige Kino passt zu dieser Ausgabe. Wo einst Filme den Blick auf andere Welten öffneten, übernehmen nun Objekte und Räume diese Aufgabe. Eine Bürolandschaft, ein Möbel für eine Modeinszenierung, eine individuelle Auftragsarbeit: Dinge, die zeigen, wie viel von unserem Leben in Gestaltung steckt.

COLLECTIBLE New York
6.–8. November 2026 · 210 East 86th Street, New York
VIP-Preview und Opening: 5. November
Weitere Informationen: collectible.design

The Zetter denkt Boutiquehotellerie nicht als reproduzierbares Designkonzept, sondern als Sammlung eigenwilliger Häuser. Nach Clerkenwell, Marylebone und dem im April 2026 eröffneten The Zetter Bloomsbury wagt die britische Gruppe 2027 erstmals den Schritt über London hinaus – in ein historisches Grachtenhaus in Amsterdam.

Es gibt Hotels, deren Gestaltung sich an jedem Ort wiedererkennen lässt. Und es gibt The Zetter. Die britische Hotelgruppe setzt nicht auf ein Design, das von Adresse zu Adresse kopiert wird, sondern auf eine gemeinsame Haltung: Jedes Haus soll sich anfühlen wie eine private Residenz, die im Laufe vieler Jahre gewachsen ist.

Antiquitäten stehen neben zeitgenössischer Kunst, gemusterte Stoffe treffen auf verblasstes Holz, Bücherregale auf gut bestückte Bars. Nichts wirkt vollkommen aufeinander abgestimmt – und gerade darin liegt die Raffinesse. The Zetter bezeichnet diese Haltung selbst als „timeless imperfection“: eine zeitlose Unvollkommenheit, die Räumen Wärme, Persönlichkeit und Glaubwürdigkeit verleiht.

Keine Hotels, sondern Persönlichkeiten

Die Häuser in Clerkenwell, Marylebone und Bloomsbury besitzen jeweils eine eigene Identität. Verbunden werden sie weniger durch eine wiederkehrende Ästhetik als durch das Gefühl, zu Gast in einem außergewöhnlichen Zuhause zu sein.

Ein wichtiger Bestandteil sind die sogenannten Parlours. Sie ersetzen die klassische Hotellobby durch Salons, in denen man frühstückt, einen Cocktail trinkt oder sich mit Freunden trifft. Sie richten sich bewusst nicht ausschließlich an Hotelgäste. Dadurch entstehen lebendige Orte, die in ihr Viertel eingebunden sind und auch von Londonern besucht werden.

The Zetter verkauft damit nicht nur Übernachtungen, sondern ein temporäres Lebensgefühl: kultiviert, ein wenig exzentrisch, sehr britisch und nie überinszeniert. Der Luxus liegt nicht in Marmorflächen oder demonstrativer Perfektion, sondern in Atmosphäre, Großzügigkeit und Details, die eine Geschichte erzählen.

Bloomsbury: Wohnen bei einem imaginären Sammler

Wie weit sich diese Idee entwickeln lässt, zeigt das am 1. April 2026 eröffnete The Zetter Bloomsbury. Das Hotel befindet sich in sechs miteinander verbundenen georgianischen Stadthäusern an der Montague Street, direkt gegenüber dem British Museum und nahe dem Russell Square.

Mit 68 Zimmern ist Bloomsbury das bisher ambitionierteste Haus der Gruppe – und zugleich das erste neue Zetter Hotel seit rund einem Jahrzehnt. Trotz seiner Größe soll es nicht wie ein klassisches Stadthotel wirken. Interior Designer James Thurstan Waterworth, der zuvor unter Martin Brudnizki arbeitete und später als European Design Director den Stil von Soho House mitprägte, entwickelte das Haus als „Collector’s Residence“: als Wohnsitz eines weit gereisten, kunstinteressierten Sammlers.

Vier Jahre lang wurden Möbel, Stoffe, Kunstwerke und Objekte auf Auktionen, bei Antiquitätenhändlern und auf Märkten zusammengetragen. Europäische Antiquitäten treffen auf Mid-Century-Möbel, afrikanische Textilien und eigens für das Hotel gefertigte Details. Mehr als 500 Kissen entstanden aus historischen Stoffen, türkische Teppiche wurden zu Ottomanen verarbeitet. Zur Sammlung gehören Werke der britischen Nachkriegsmoderne sowie über 600 alte Kunst- und Auktionskataloge.

Die Nähe zum British Museum ist dabei mehr als eine attraktive Lage. Sie prägt die Erzählung des Hotels. Vitrinen, Bücher, Textilien und Fundstücke lassen an ein privates Kuriositätenkabinett denken – nicht als museale Inszenierung, sondern als vielschichtiges Interieur, das erst beim genaueren Hinsehen seine Geschichten preisgibt.

Ein Hotel als moderner Salon

Bloomsbury war über Jahrzehnte ein Treffpunkt von Schriftstellern, Künstlern und Intellektuellen. Virginia Woolf, E. M. Forster und John Maynard Keynes sind untrennbar mit dem Viertel verbunden. The Zetter übersetzt diese Tradition des Austauschs in die Gegenwart.

Im Parlour werden Cocktails und kleine Gerichte serviert, während sich die lichtdurchflutete Orangery zum Garten hin öffnet. Frühstück, Afternoon Tea, sommerliche Dinner und wechselnde Gastköche sollen nicht nur Reisende, sondern auch die kreative Nachbarschaft ansprechen.

Eine Besonderheit ist der rund 1.000 Quadratmeter große private Garten. Die Landschaftsarchitekten Harry und David Rich verwandelten die zuvor ebene Fläche in einen verwunschenen Rückzugsort mit britischen und subtilen japanischen Einflüssen. Ergänzt wird er durch eine Yoga-Terrasse – ein bemerkenswerter Freiraum mitten in London.

Die Zimmer reichen von kleinen, holzvertäfelten Rückzugsorten bis zur Terrace Suite mit Himmelbett, freistehender Badewanne und umlaufender Terrasse. Kein Zimmer soll exakt wie das andere aussehen. Die historischen Grundrisse der sechs ehemaligen Wohnhäuser werden nicht kaschiert, sondern als Teil ihres Charakters bewahrt.

Warum Amsterdam der logische nächste Schritt ist

Anfang 2027 verlässt The Zetter erstmals Großbritannien. Das The Zetter 717 Amsterdam entsteht an der Prinsengracht im UNESCO-geschützten Amsterdamer Grachtengürtel. Das Fünf-Sterne-Boutiquehotel wird lediglich 24 Zimmer besitzen und damit bewusst intim bleiben.

Die Wahl Amstersterdams erscheint keineswegs zufällig. Wie London verbindet die Stadt historische Architektur mit einer international ausgerichteten Kreativszene. Vor allem aber bietet das Gebäude genau jene Substanz, aus der The Zetter seine Geschichten entwickelt: Der vordere Teil des Grachtenhauses wurde 1810 im Empire-Stil errichtet, während ein rückwärtiger Gebäudeteil bis ins niederländische Goldene Zeitalter des 17. Jahrhunderts zurückreicht.

Amsterdam ermöglicht der Marke somit eine Expansion, ohne ihr Prinzip aufzugeben. The Zetter muss hier keine britische Kulisse exportieren. Stattdessen kann die Gruppe ihre eigentliche Kompetenz zeigen: ein historisches Haus zu lesen, seine Eigenheiten zu bewahren und daraus eine neue, ortsspezifische Persönlichkeit zu entwickeln.

Erneut wurde James Thurstan Waterworth mit der Gestaltung beauftragt. Gealtertes Messing, wiedergewonnenes Holz, antike Spiegel und schwere Textilien sollen eine Atmosphäre schaffen, die gesammelt statt dekoriert wirkt. Der botanisch gestaltete Garden Room wird beim Frühstück den Blick in den privaten Garten öffnen. Die Library mit Bücherwänden, rost- und terrakottafarbenen Tönen sowie dunkler Eiche ist für Drinks und kleine Gerichte vorgesehen.

Geleitet wird das Haus von General Manager Yara Al Hattouni. Dass The Zetter dabei ausdrücklich auf ihre lokale Kenntnis setzt, ist entscheidend: Amsterdam soll keine niederländische Kopie von Bloomsbury werden, sondern ein Haus, das die Energie der Stadt aus einer persönlichen Perspektive aufnimmt.

Wachstum ohne Verlust der Eigenart

The Zetter 717 Amsterdam könnte zum Modell für die weitere Entwicklung der Gruppe werden. Die Marke ist stark genug, um wiedererkannt zu werden, aber offen genug, um sich jedem Gebäude und jedem Viertel neu anzupassen.

Gerade darin liegt ihre Relevanz für die zeitgenössische Hotellerie. Während viele Lifestylemarken mit zunehmender Expansion standardisierter werden, versucht The Zetter das Gegenteil: Nicht das fertige Konzept reist weiter, sondern die Haltung dahinter.

So betrachtet ist Amsterdam weniger der Beginn einer internationalen Kette als das nächste Kapitel einer Sammlung. Ein neues Haus, eine andere Stadt, eine eigene Geschichte – verbunden durch die Kunst, Gästen für einige Tage das Gefühl zu geben, an einem Ort zu wohnen, der schon lange auf sie gewartet hat.

In Los Angeles hat die Boutiquehotelgruppe Casetta eine Kirche aus dem Jahr 1931 in ein Hotel mit 25 Zimmern verwandelt. Das Hotel Lucile bewahrt Buntglasfenster, Kreuz und Kirchengewölbe – und schenkt Silver Lake einen neuen Ort für Kunst, Kulinarik und Begegnung.

Es gibt Gebäude, deren Geschichte sich nicht einfach überschreiben lässt. Sie bleibt in den Mauern, im Licht, in der besonderen Stille eines Raumes. Beim neuen Hotel Lucile in Los Angeles ist sie allgegenwärtig: in den hohen Gewölben, den restaurierten Buntglasfenstern, den alten Holzbalken und selbst im Kreuz auf dem Dach, das weiterhin bei Nacht leuchtet.

Fast ein Jahrhundert lang prägte die 1931 errichtete Bethany Presbyterian Church die Ecke von Lucile Avenue und Griffith Park Boulevard. Nach wechselnden Nutzungen und mehreren Jahren Leerstand begann für das Gebäude nun ein neues Kapitel. Die kalifornische Boutiquehotelgruppe Casetta verwandelte die ehemalige Kirche und das zugehörige Gemeindehaus in ein intimes Hotel mit 25 Zimmern, Restaurant, Café, Pool und Dachterrasse. Am 14. September 2026 öffnete das Hotel Lucile offiziell seine Türen.

Eine behutsame Form der Verwandlung

Für Architektur und Interior Design zeichnet das in Venice ansässige Studio Electric Bowery unter der Leitung von Lucia Bartholomew und Cayley Lambur verantwortlich. Ihr Entwurf folgt keiner inszenierten Kirchenästhetik. Vielmehr bewahrt er die Würde und räumliche Kraft des Bestands, während neue Farben, Möbel und Kunstwerke eine selbstbewusste Gegenwart einziehen lassen.

Die ursprünglichen Holzböden, Stahlfenster, Bögen und Deckenkonstruktionen wurden weitgehend erhalten. Juwelentöne treffen auf warmes Holz, historische Details auf maßgefertigte Sitzlandschaften und Vintage-Mobiliar. Electric Bowery beschreibt die Atmosphäre als eine Verbindung aus europäischer Villa, Ausstellungshaus und dem privaten Zuhause eines Galeristen – ein Ort, der kultiviert wirkt, ohne die entspannte Haltung von Los Angeles zu verlieren.

Wo früher die Gemeindeschule untergebracht war, liegen heute die Gästezimmer. Die Kategorien reichen vom kompakten Petit King über Signature- und Loft-Zimmer bis zur rund 50 Quadratmeter großen Lucile Suite mit Wohnbereich und privatem Innenhof. Helle, bewusst reduzierte Räume, Vintage-Stücke, handgefertigte Leuchten, Parachute-Bettwäsche und Pflegeprodukte von Aesop bestimmen das Bild.

Ein Hotel als bewohnte Galerie

Kunst ist im Hotel Lucile nicht Dekoration, sondern Teil der Identität. Mehr als 100 zeitgenössische Arbeiten sind über das Haus verteilt, viele davon können erworben werden. In den Zimmern und Gemeinschaftsräumen finden sich Werke von Künstlerinnen und Künstlern aus Los Angeles; wechselnde Ausstellungen und Artist-in-Residence-Programme sollen das Hotel langfristig mit der lokalen Kulturszene verbinden.

Besonders eindrucksvoll sind zwei großformatige Wandgemälde der klassisch ausgebildeten Ölmalerin Erin Lynn Welsh. Eines erinnert in tiefen Rottönen an den Eaton Canyon und die verheerenden Brände von 2025, das andere übersetzt die heimische Vegetation des Elysian Park in eine grüne Landschaft. So wird das Haus auch zu einem visuellen Porträt seiner Stadt.

Southern France trifft American South

Das räumliche und gesellschaftliche Zentrum des Hotels befindet sich im ehemaligen Kirchenschiff. Dort ist mit Sous Sous ein Restaurant entstanden, das südfranzösische Küche mit kulinarischen Einflüssen aus den amerikanischen Südstaaten und kalifornischen Produkten verbindet.

Chef Patrick Costa und Beverage Director Lee Zaremba servieren unter anderem Austern mit Espelette-Pfeffer, Bouillabaisse, Hush Puppies mit Honigbutter sowie Gemüse vom Farmers Market. Einige Kräuter wachsen direkt im Dachgarten des Hotels. Die Bar erinnert mit ihrer hohen, symmetrischen Form subtil an eine Kirchenorgel; auf der Karte stehen französische Weine kleiner Produzenten und Cocktails wie eine Green Tomato Margarita oder eine mit Kokos verfeinerte Interpretation des Sazerac.

Der frühere Chorraum wurde zu einer Lounge für Kaffee und Drinks, der Orgelboden dient heute als Meeting- und Veranstaltungsbereich. Hinzu kommen ein kleiner, beinahe verborgen wirkender Pool und eine nur Hotelgästen zugängliche Dachterrasse mit Blick über Silver Lake bis zur Skyline von Downtown Los Angeles.

Ein kleines Haus für die Nachbarschaft

Casetta – der Name bedeutet auf Italienisch „kleines Haus“ – hat sich auf die Wiederbelebung charaktervoller Gebäude spezialisiert. Zum Portfolio gehören unter anderem Casa Cody in Palm Springs, The Surfrider in Malibu, The Pearl in San Diego, Marina Riviera am Big Bear Lake und Hotel Willa in Taos.

Auch das Hotel Lucile möchte nicht allein Unterkunft sein. Sunday Brunches, Ausstellungen, ein Run Club, lokale Field Guides und kulturelle Programme sollen Gäste und Nachbarschaft zusammenbringen. Das ist gerade in Silver Lake von Bedeutung: Das kreative Viertel im Osten von Los Angeles besitzt zwar eine lebendige Restaurant-, Design- und Musikszene, verfügte bisher jedoch nur über wenige anspruchsvolle, kleinere Hotels.

Das Hotel Lucile gibt dem Viertel nun einen Ort, der seine Geschichte nicht museal konserviert, sondern weiterleben lässt. Aus einem ehemaligen Gotteshaus ist wieder ein Haus der Gemeinschaft geworden – offen für Reisende, Künstler, Nachbarn und all jene, die Los Angeles lieber aus der Nähe als aus der Distanz kennenlernen.

Vom Markt auf den Teller und vom Teller an den Tisch: Gian Luca kocht in der Locanda al Colle die Toskana mit Respekt vor ihren Produkten und einem Gespür für das, was Menschen zusammenbringt.

Regional und saisonal zu kochen sind vertraute Grundtöne. Gian Lucas Küche versteht es jedoch über dieses Zusammenspiel hinauszudenken. Der Küchenchef der Locanda al Colle in der Toskana kennt seine Produkte. Er weiß, was sie können, was sie brauchen und vor allem: was man ihnen besser erspart. Zugleich hat er sich jene Eleganz und Unaufdringlichkeit zu eigen gemacht, die Gastgeber Riccardo so mühelos vorlebt.

Gian Luca beginnt selten mit einem Rezept. Er geht auf den Markt. Schaut, was da ist. Was heute gut aussieht. Und folgt dabei auch dem, was andere übersehen. Ein Fisch, den man nicht überall findet. Ein Stück Fleisch, das sonst kaum Beachtung findet. Ein Bündel Kräuter mit herausforderndem Geschmack. Ein Mehl aus einer alten Getreidesorte aus der Mühle gleich in der Nähe. Ein Schafskäse aus der Nachbarschaft. Er kennt die Produkte, die die Toskana hervorbringt. Er weiß, was in ihnen steckt und wie man ihnen gerecht wird. Und er verschwendet keinen Teil.

Gian Luca kocht toskanisch. Aber ohne Nostalgie. Das Menu ist jeden Tag anders. Auch wenn es natürlich Gerichte gibt, nach denen immer gefragt wird. Der Peposo dell’Impruneta ebenso gerne wie Parmigiana di melanzane, Caponata oder eine Zuppa di frutti di mare.

Das vielleicht schönste Beispiel ist der Pollo alla Cacciatora. Ein Gericht, das kaum nach Veränderung verlangt und doch verändert werden darf. Das Huhn wird sous-vide mit einer Reduktion aus Rotwein, Tomate, Oliven und Kräutern gegart und anschließend im Ofen regeneriert, bis die Haut knusprig wird. Dazu gibt es ein luftiges, zitronenduftendes Püree, saisonales Gemüse, im Ofen gegarte Oliven und den eigenen Jus.

Die Tradition ist noch da.

Nur etwas leichter.

Die Abendessen finden unter der Pergola auf der Terrasse statt, mit Blick über die Hügel der Toskana in das Licht des Sonnenuntergangs. Später übernehmen Kerzen. Die Tische stehen nicht dicht beieinander, aber nah genug, um mit dem Nachbarn ins Gespräch zu kommen. Es ist eine Atmosphäre, die Gesellschaft zulässt, ohne sie zu erzwingen.

Menschen kommen zusammen. Auch in den Cooking Classes, die Gian Luca seit 13 Jahren einmal in der Woche veranstaltet. Ob es dabei nur darum geht, zu lernen wie Pastateig gerollt wird? Ganz bestimmt nicht. Es geht um die Begegnungen, ums Beisammensein, um ein Miteinander.

Es ist dieselbe stille Form der Gastfreundschaft, die Gian Luca in seinen ersten Tagen bei Riccardo beobachtete: offen, warm und ohne jede Aufdringlichkeit. Denn guter Geschmack zeigt sich nicht nur darin, was auf den Teller kommt, sondern auch darin, was am Tisch entsteht.

Locanda al Colle is a member of Lifestylehotels

Fotos: A.Vierucci https://www.andreavierucci.com/

All-Inclusive war lange das Versprechen, sich um nichts kümmern zu müssen. Das neue Mondrian Cancún geht einen Schritt weiter: Es möchte ein Ort sein, an dem man etwas erleben will. Zwischen Karibischem Meer und Nichupté-Lagune verbindet das erste All-Inclusive-Resort der Marke Mondrian zeitgenössisches Design mit mexikanischer Lebensart, Rooftop-Pools, Beach Club und einer Gastronomie, die weit über das klassische Resort-Buffet hinausdenkt.

Cancún kennt man. Oder glaubt zumindest, es zu kennen: weißer Sand, türkisfarbenes Wasser, Palmen und jene großen Resorts, die seit Jahrzehnten das Bild der mexikanischen Karibikküste prägen. Doch genau dieses Bild beginnt sich zu verändern.

Mit dem im August 2026 eröffneten Mondrian Cancún, All Inclusive bringt Mondrian seine eigene Vorstellung von Lifestyle-Hotellerie an die Küste Yucatáns. Auf Grand Island, nur rund 15 Minuten vom internationalen Flughafen entfernt, entstand ein Resort, das die Bequemlichkeit von All-Inclusive mit jener urbanen Energie verbinden möchte, für die Mondrian bekannt ist.

400 Zimmer und Suiten, mehr als zehn Restaurants, sechs Bars, drei Poollandschaften, ein Beach Club und ein umfangreiches Fitness- und Wellnessprogramm machen daraus beinahe eine kleine Welt für sich. Und doch soll Cancún dabei nicht draußen bleiben.

Zwischen Meer und Lagune

Schon die Lage erzählt viel über das Konzept. Auf der einen Seite liegt das Karibische Meer, auf der anderen die ruhigere Nichupté-Lagune. Dazwischen erhebt sich der schlanke Hotelturm – offen, lichtdurchflutet und mit weiten Blickachsen.

Die Architektur setzt weniger auf karibische Folklore als auf eine zeitgenössische Interpretation des Ortes. Klare Linien treffen auf zurückhaltende Farben, haptische Materialien und großzügige Glasflächen. Die eigentliche Hauptrolle spielt ohnehin die Landschaft.

Auch in den Zimmern und Suiten bleibt das Interior bewusst ruhig. Neutrale Töne und raffinierte Oberflächen bilden den Hintergrund für Meer, Himmel und Lagune. Private Balkone und Terrassen verlängern die Räume nach draußen – und machen deutlich, dass man hier trotz aller Angebote vor allem wegen eines gekommen ist: der mexikanischen Karibik.

Eine neue Generation All-Inclusive

Interessant wird das Mondrian Cancún dort, wo es versucht, mit einigen alten Vorstellungen vom All-Inclusive-Urlaub zu brechen.

Statt eines durchgetakteten Resortprogramms steht Freiheit im Mittelpunkt. Ein langsamer Morgen kann genauso dazugehören wie ein Workout, ein Nachmittag am Pool, eine DJ-Session oder ein langer Abend auf dem Rooftop. Übernachtung, Speisen und Getränke, Entertainment, Fitnessangebote sowie zahlreiche Freizeitaktivitäten sind im Aufenthalt inkludiert.

Drei Pools inszenieren die unterschiedlichen Perspektiven des Resorts. Zwei blicken auf die Nichupté-Lagune, während sich auf dem Dach ein Adults-only-Pool mit Panorama über Cancún befindet.

Dazu kommen ein rund um die Uhr geöffnetes Fitnessstudio, tägliche Movement- und Mindfulness-Sessions sowie – im weiteren Verlauf des Jahres – ein Spa mit umfassendem Behandlungsangebot und zusätzliche Fitnessbereiche.

Und der Strand? Der liegt wenige Minuten entfernt. Alle 30 Minuten verbindet ein Shuttle das Resort mit dem Bungalow Beach Club, wo weißer Sand, karibisches Wasser, Sushi, Sharing Plates und tropische Cocktails warten.

Vom Frühstück bis weit nach Sonnenuntergang

Vielleicht zeigt sich der neue All-Inclusive-Gedanke am deutlichsten beim Essen. Statt Gastronomie als notwendige Versorgung zu verstehen, macht Mondrian sie zum Teil des Erlebnisses.

Mehr als zehn Restaurants und sechs Bars begleiten den Tag vom ersten Kaffee bis zum Late-Night-Snack.

Im Cuyo richtet sich der Blick auf die Küste Yucatáns: Seafood, Gerichte aus dem Holzfeuer, Agaven-Cocktails und mexikanische Weine interpretieren die Region auf zeitgemäße Weise. Niko verlegt moderne japanische Küche, Sushi und Drinks hoch über das Resort.

Noch eine Etage exklusiver wird es bei Allegra Rooftop & Bar. Das Konzept ist Mondrian+-Gästen vorbehalten und verbindet Infinity-Pool, Dinner, Cocktails und Entertainment mit jenem fließenden Übergang von Tag zu Nacht, der gut zur DNA der Marke passt.

Denn im Mondrian Cancún soll Gastronomie nicht nur satt machen. Restaurants und Bars werden zu sozialen Räumen – zum Treffpunkt, zur Bühne und manchmal zur Party.

Mondrian+ und die Kunst des Rückzugs

Wer innerhalb des Resorts noch etwas mehr Privatsphäre sucht, findet sie bei Mondrian+, dem erweiterten Adults-only-Konzept.

Dazu gehören großzügigere Zimmer und Suiten, ein persönlicher Kurator, exklusiver Check-in und Check-out sowie Zugang zu THE EXCHANGE+, einer privaten Rooftop-Lounge mit Panorama-Pool. Auch Niko und Allegra gehören zum exklusiven Angebot; hinzu kommen bevorzugte Plätze im Bungalow Beach Club und ein erweitertes Getränkepaket.

So entsteht innerhalb des großen Resorts eine intimere Ebene – für Gäste, die selbst entscheiden möchten, wann sie Teil des Geschehens sein wollen und wann nicht.

Raus aus dem Resort

So verführerisch es sein mag, zwischen Pool, Rooftop und Restaurant zu bleiben: Die Halbinsel Yucatán beginnt direkt vor der Tür.

Zusätzlich buchbare Erlebnisse führen zu Lagunen, Cenoten und archäologischen Stätten der Maya. Golfer können den benachbarten, von Isao Aoki entworfenen Golfplatz besuchen, während private Cabanas, individuelle Dinner und maßgeschneiderte Feiern das Resorterlebnis ergänzen.

Gerade diese Verbindung ist entscheidend. Das neue Mondrian will kein hermetisch abgeschlossener Mikrokosmos sein, sondern Ausgangspunkt für Entdeckungen – auch wenn es seinen Gästen ausgesprochen viele Gründe liefert, einfach dazubleiben.

Mehr als ein Hotel

Mit dem Resort beginnt für Mondrian in Mexiko gleichzeitig ein weiteres Kapitel. Direkt an der Nichupté-Lagune befinden sich die ersten Mondrian Residences des Landes: 328 Wohnungen mit einem, zwei oder drei Schlafzimmern.

Sie übertragen die Ästhetik und Services der Lifestyle-Marke auf das private Wohnen und folgen damit einer Entwicklung, die internationale Hotelmarken zunehmend prägt: Die Grenzen zwischen Hotel, Residence, Club und Lebensraum werden fließender.

Auch das Resort selbst ist noch nicht ganz fertig erzählt. Im Laufe des Jahres sollen das neue Spa, erweiterte Fitnesseinrichtungen, ein Teens Club, Meeting Spaces sowie zusätzliche gastronomische Konzepte folgen – darunter ein italienisches Restaurant und eine kubanisch inspirierte Sunset-Bar.

Vielleicht liegt genau darin die interessanteste Idee des Mondrian Cancún: All-Inclusive nicht als möglichst vorhersehbaren Urlaub zu verstehen, sondern als Freiheit, jeden Tag anders aussehen zu lassen.

Mondrian Cancún, All Inclusive
Cancún, Mexiko
Preise laut Hotel ab ca. 393 Euro pro Nacht.

Mit Brezza Relax Indoor bringt S-CAB einen Entwurf von Alessandro Stabile vom Außenraum ins Interior. Aus einem Loungesessel wird dabei ein modulares System, das zeigt, wie selbstverständlich sich die Grenzen zwischen drinnen und draußen inzwischen verschieben.

Es gab eine Zeit, da ließ sich ziemlich genau sagen, welches Möbelstück wohin gehörte. Der schwere Polstersessel ins Wohnzimmer, die robuste Sitzgruppe auf die Terrasse. Heute verliert diese Trennung zunehmend an Bedeutung. Wohnräume öffnen sich nach außen, Terrassen werden zu Wohnzimmern unter freiem Himmel – und Möbel beginnen, sich zwischen diesen Welten zu bewegen.

Brezza Relax Indoor von S-CAB ist ein schönes Beispiel für diese neue Freiheit.

Die von Alessandro Stabile entworfene Kollektion entstand ursprünglich für den Außenbereich. Nun zieht sie nach drinnen – ohne dabei ihren entspannten Charakter abzulegen.

Vom Outdoor-Sessel zum Interior-System

Das Prinzip bleibt bewusst erhalten: klare Linien, großzügige Proportionen und große, weiche Kissen, die weniger nach formeller Sitzordnung als nach Zurücklehnen aussehen.

Für die Indoor-Version wurde Brezza Relax jedoch weitergedacht. Recycelbare Stoffe verleihen den Polstern eine Haptik und Optik, die auf Wohnräume abgestimmt ist. Aus dem ursprünglichen Lounge Chair entwickelt S-CAB damit ein Möbel, das seine Herkunft nicht verleugnet und trotzdem selbstverständlich im Interior funktioniert.

Dahinter steht eine größere Idee: Möbel nicht länger ausschließlich für einen bestimmten Ort zu entwerfen, sondern als anpassungsfähige Systeme, deren Charakter sich über Materialien, Oberflächen, Bezüge und Konfiguration verändern lässt.

Ein Sofa ohne starre Regeln

Besonders deutlich wird dieser Ansatz in der Erweiterung der Kollektion. Brezza Relax Indoor ist nicht einfach nur ein Sessel, der nun auch in Stoff für Innenräume angeboten wird. Das Konzept wächst zu einem modularen System.

Ein neues Armlehnen-Element ermöglicht Sofakonfigurationen mit unterschiedlich vielen Sitzplätzen. Dazu kommt ein Pouf, der als Eckelement eingesetzt werden kann, aber ebenso eigenständig als Sitzbank, zusätzliche Sitzgelegenheit oder Fußablage funktioniert.

Ein integrierbarer kleiner Tisch schafft zudem eine Ablagefläche, ohne die Leichtigkeit der Komposition zu stören.

Damit lässt sich Brezza Relax je nach Raum immer wieder neu zusammensetzen. Das Möbel gibt keine bestimmte Nutzung vor – vielmehr passt es sich ihr an.

Komfort wird informeller

Das passt zu einer Entwicklung, die im zeitgenössischen Interior Design immer sichtbarer wird. Polstermöbel werden großzügiger, weicher und weniger repräsentativ. Statt einer perfekten Sitzlandschaft geht es zunehmend um Komfort, Beweglichkeit und darum, Räume unterschiedlich nutzen zu können.

Das Wohnzimmer ist längst nicht mehr ausschließlich Wohnzimmer. Hotel-Lobbys werden zu Aufenthalts- und Arbeitsorten, Büros bekommen Lounge-Charakter und Hospitality Interiors orientieren sich stärker am privaten Wohnen.

Brezza Relax Indoor bewegt sich genau zwischen diesen Welten.

Mit einer Höhe von nur 70 Zentimetern bleibt das Lounge-Chair-Modul bewusst niedrig und entspannt. Die voluminösen Kissen stehen dabei im Kontrast zur reduzierten Konstruktion – ein Zusammenspiel, das dem Entwurf seine visuelle Leichtigkeit gibt.

Ein Möbel auf Wanderschaft

Vielleicht ist gerade seine Herkunft das Interessanteste an Brezza Relax Indoor. Normalerweise werden Möbel für den Innenraum adaptiert, damit sie draußen bestehen können. Hier funktioniert die Bewegung in die andere Richtung.

Ein Outdoor-Möbel zieht ins Haus.

Und bringt etwas von der Ungezwungenheit des Lebens im Freien mit.

So kann Brezza Relax Indoor im privaten Wohnzimmer ebenso seinen Platz finden wie in Hotelhallen, Lounges, Coworking-Spaces oder Büros. Nicht weil diese Räume gleich geworden wären, sondern weil wir sie heute weniger streng voneinander trennen.

Vielleicht liegt genau darin die zeitgemäße Qualität des Entwurfs: Brezza Relax Indoor definiert nicht, wie ein Raum genutzt werden soll. Es lässt dem Raum – und den Menschen darin – die Freiheit, das selbst zu entscheiden.

Wie Kartell auf dem Salone del Mobile 2026 Textur, Material und Persönlichkeit in den Mittelpunkt rückt

Lange Zeit schien sich gutes Design vor allem über Reduktion zu definieren. Klare Linien, ruhige Farben und möglichst wenig visuelle Ablenkung bestimmten viele Interior-Kollektionen. Auf dem Salone del Mobile 2026 zeigt Kartell nun eine andere Richtung auf. Die italienische Designmarke rückt nicht das Objekt selbst in den Mittelpunkt, sondern seine Oberfläche, seine Materialität und die Geschichten, die dadurch entstehen.

Die Kollektion versteht sich weniger als Ansammlung neuer Möbel, sondern als Einladung, Räume emotionaler zu denken. Farben, Texturen und Materialien werden zu Gestaltungsmitteln, die Atmosphäre schaffen und den Charakter eines Interieurs prägen. Kartell verbindet dabei industrielle Präzision mit handwerklicher Anmutung und nutzt technologische Innovationen sowie künstliche Intelligenz nicht als Selbstzweck, sondern als Werkzeuge, um Design neue erzählerische Dimensionen zu verleihen.

Teppiche als architektonische Landschaften

Besonders eindrucksvoll zeigen das die neuen Teppichkollektionen. Ferruccio Laviani interpretiert mit GRID und BEMBO textile Oberflächen als grafische Kompositionen. Während GRID von der Struktur traditioneller Webtechniken inspiriert ist und mit feinen Linien architektonische Tiefe erzeugt, erinnert BEMBO an einen spontanen Tuschestrich, der Bewegung und Dynamik in den Raum bringt. Die Teppiche wirken dadurch weniger dekorativ als vielmehr wie Kunstwerke, die den Charakter eines Raumes definieren.

Auch Patricia Urquiola denkt den Teppich neu. Ihre Kollektion PINCEL übersetzt den freien Pinselstrich in ein textiles Objekt. Linien verlaufen organisch, Farben wirken wie von Hand aufgetragen und verändern ihre Wirkung je nach Lichteinfall und Perspektive. Das Ergebnis ist eine Oberfläche, die lebendig wirkt und zwischen Design, Malerei und Handwerk vermittelt.

Design mit Charakter

Einen spannenden Gegenpol setzt Philippe Starck mit PRINCE OHOH. Der skulpturale Hocker spielt mit einer sanduhrähnlichen Geometrie und übernimmt ganz selbstverständlich unterschiedliche Rollen – als Sitzgelegenheit, Beistelltisch oder dekoratives Objekt. Humor, Funktion und skulpturale Präsenz verschmelzen hier zu einem Möbelstück, das bewusst Persönlichkeit zeigt.

Kartell beweist damit, dass zeitgenössisches Design längst nicht mehr nur von neuen Formen lebt. Entscheidend ist die Fähigkeit, Materialien fühlbar zu machen und Objekte zu schaffen, die über ihre Funktion hinaus Emotionen auslösen. Gerade in einer Zeit digitaler Perfektion scheint genau diese sinnliche Qualität der wahre Luxus zu sein.

Das private Wohnhaus Pennyroyal Tea in Chennai ist eine Hommage an das indische Handwerk und die Kultur. Das Gebäude entfaltet sich wie ein lebendiger Garten – voller liebevoller und witziger Details, die entdeckt werden wollen.

Wo die feuchte Brise des Golfs von Bengalen über die Stadt Chennai streift, liegt ein Haus, das zwar ein privates Wohnhaus ist. Gleichzeitig ist „Pennyroyal Tea“ aber auch so etwas wie ein Manifest für zeitgenössische indische Wohnkultur – reich an Texturen, durchdrungen von kultureller Symbolik und getragen von der Arbeit hunderter Handwerker.

Prozess der kulturellen Verankerung

Über zweieinhalb Jahre hinweg kamen für dieses Projekt mehr als 200 Kunsthandwerker aus ganz Indien zusammen. Alles an und in dem Gebäude ist ein Kunstwerk. Das detailreiche, fast märchenhafte Refugium entstand unter der Federführung des in Bengaluru ansässigen Kreativstudios Multitude of Sins (MOS).

So originell wie der Name des Kreativstudios klingt, so originell ist das an der Ostküste des südindischen Bundesstaates Tamil Nadus entstandene Projekt. Pennyroyal Tea verwebt Handwerk, Architektur und Interior Design untrennbar miteinander. Für Chefdesignerin Smita Thomas war es weniger ein klassisches Bauvorhaben als vielmehr ein Prozess der kulturellen Verankerung.

Wie im „Märchengarten“

Schon beim Betreten des Hauses wird klar, dass im Pennyroyal Tea sinnliche Feinheiten regieren. Die Eingangstür ist mit floralen Gravuren versehen, in einem Rahmen aus grauem und grünem Marmor eingebettet. Der eigens entworfene Kronleuchter, eine kaskadenartige Skulptur aus Holzperlen und Metallringen, wirkt wie eine botanische Installation.

Wir wollten ein Gefühl des Staunens hervorrufen, in dem jeder Raum eine eigene Identität hat, sich aber dennoch in eine gemeinsame Sprache einfügt.

Smita Thomas, Chefdesignerin Multitude of Sins

Das Foyer inszeniert indisches Handwerk in einer spielerischen, beinahe poetischen Form. An einer Wand öffnet sich ein Schuhschrank, dessen Gestaltung an verflochtene Schnürsenkel erinnert, während strukturierte Tapetenflächen den Raum rahmen. Schon hier zeigt sich die Handschrift von MOS: Alltägliche Funktionen erhalten einen künstlerischen, oft humorvollen Dreh, auf den Moment der Entdeckung wartend. Räume, die Geschichten erzählen.

Der Wohn- und Essbereich bildet das Herzstück des Hauses – und ist ebenso von subtilen Überraschungen durchzogen. Zwei von MOS entworfene Tische geben die Tonalität vor: Der eine ist von den Mondphasen inspiriert und von Armlehnstühlen aus gealtertem Holz umstellt. Der andere erinnert mit seiner organischen Formensprache an abstrahierte Blätter.

Eine L-förmige Marmorlounge mit Baldachin zieht die Blicke auf sich. Verziert ist dieser mit kleinen Vögeln aus Glas, Messing und Stahl, zwischen denen Blüten wie in einem Gartenhimmel aufblühen. Der Essbereich wird von einem großformatigen Tisch aus zweifarbigem Holz dominiert, dessen trapezförmige Beine skulptural wirken.

Akzente dank der verwendeten Materialien

„Wir wollten Möbel, die nicht nur funktional, sondern auch bedeutungsvoll sind“, erklärt Thomas. Tatsächlich stammen rund 80 Prozent aller Einrichtungsgegenstände aus Sonderanfertigungen, die in Zusammenarbeit mit Handwerkern aus ganz Indien entstanden.

Besondere Akzente setzen Materialien: glänzende Fliesenflächen auf der oberen Etage, strukturierte Wände im Essbereich oder Mosaikböden, die die Übergänge zwischen den Räumen betonen. Selbst Nebenräume überraschen: Etwa die Gästetoilette, in der ein kräftiger Rotton den minimalistischen Hintergrund durchbricht.

Auch in funktionalen Bereichen wie der Küche bleibt das Design präzise durchdacht. Der Raum ist in drei Zonen gegliedert – Trockenküche, Nutzküche und Speisekammer – und verbindet damit Funktionalität mit einer klaren Raumordnung.

Die Schlafräume dagegen entfalten eine Atmosphäre von Ruhe und Modernität. Das Hauptschlafzimmer ist großzügig dimensioniert und bewusst reduziert gestaltet. Seine klaren Linien und die Kombination aus Holz und Stoff verleihen ihm eine elegante Zurückhaltung, die in Kontrast zum detailreichen öffentlichen Bereich des Hauses steht.

Architektur als Handwerk

So vielgestaltig die Räume auch wirken, allen gemeinsam ist ein zentrales Prinzip: Handwerk ist hier nicht Dekoration allein, sondern das Fundament für alles Weitere. MOS verzichtete bewusst auf standardisierte Produkte und Massenware. Stattdessen wurden Naturstein, Massivholz und Messing lokal beschafft und von Hand verarbeitet. Oberflächen sind frei von aggressiven Chemikalien, was nicht nur der Umwelt, sondern auch der Raumluftqualität zugutekommt.

„Jedes Stück wurde mit Bedacht geschaffen“, sagt Thomas. „Wir setzen auf Rohmaterialien und innovative Techniken, um eine tiefere Verbindung zur Umwelt und zur Gemeinschaft herzustellen.“ Dieses Credo durchzieht die gesamte Residenz: Von den geschnitzten Holzplatten bis zu den handgearbeiteten Messingbändern erzählt jedes Detail eine Geschichte von Können, Geduld und kultureller Verwurzelung.

Nachhaltigkeit in mehrfacher Hinsicht

Pennyroyal Tea versteht Nachhaltigkeit nicht nur ökologisch, sondern auch sozial. Beim Bauprozess wurde die Entstehung von Abfall minimiert, man griff auf recycelte Materialien zurück, um den CO₂-Fußabdruck zu reduzieren. Ebenso wichtig war die Einbindung von Handwerkern und damit die Förderung lokaler Klein- und Kleinsbetriebe. Indem MOS Steinmetze, Zimmerleute, Fliesenleger und Metallarbeiter aus verschiedenen Regionen zusammenbrachte, entstand ein Netzwerk, das nun weit über den Bau hinaus Bestand hat. Das Projekt stärkte lokale Gemeinschaften und trug dazu bei, traditionelle Fertigkeiten wirtschaftlich wie kulturell zu sichern.

Damit stellt Pennyroyal Tea die gängige Logik vieler Bauprojekte infrage. Darf Architektur heutzutage, wo vor allem schnelle Effizienz zählt, auch ein langsamer, partizipativer Prozess sein, der traditionelles Handwerker-Wissen bündelt und weiterträgt?

Ein Haus als lebendige Leinwand

Obwohl Pennyroyal Tea streng genommen eine private Residenz ist, liest es sich wie ein offenes Archiv indischer Handwerkskultur. Die Räume sind nicht bloß Kulisse, sondern aktive Erzähler – von der Marmorliege im Wohnzimmer bis zu den floralen Gravuren der Eingangstür.

Pennyroyal Tea wirkt zugleich zeitgenössisch und zeitlos. Es schöpft aus jahrhundertealten Techniken, ohne nostalgisch zu werden. Es feiert Vielfalt innerhalb einer klaren gestalterischen Haltung, ohne in Beliebigkeit zu verfallen. Und es beweist, dass moderne Wohnarchitektur auch dann global wirken kann, wenn sie radikal lokal bleibt.

Im Endeffekt ist Pennyroyal Tea mehr als ein ästhetisches „Produkt“. Das Projekt ist ein Plädoyer für ein bewusstes Bauen, das Handwerk nicht nur bewahrt, sondern in die Gegenwart weiterentwickelt. Es zeigt, wie ein Gebäude kulturelle Identität ausdrücken, ökologische Verantwortung übernehmen und soziale Strukturen stärken kann – ohne dadurch den Zauber des Staunens zu gefährden.

Text: Linda Benkö
Fotos: Pennyroyal Tea/Ishita Sitwala