Warum Pucci die vielleicht zeitgemäßeste Luxusmarke unserer Zeit ist

Während viele Luxusmarken auf Understatement und Zurückhaltung setzen, feiert Pucci etwas, das lange aus der Mode schien: Lebensfreude. Unter der kreativen Leitung von Camille Miceli wird das italienische Traditionshaus zu einem Manifest für Optimismus, Farbe und die Kunst, das Leben zu genießen.

Es gibt Modemarken, die Kleidung entwerfen. Und es gibt Marken, die ein Lebensgefühl vermitteln.

Pucci gehört seit jeher zur zweiten Kategorie.

Wer an Pucci denkt, denkt an leuchtende Farben, fließende Muster und den unverwechselbaren Geist des italienischen Sommers. An Capri. An das Mittelmeer. An Menschen, die neugierig auf die Welt sind und das Leben mit einer gewissen Leichtigkeit betrachten.

Was einst als revolutionäre Resortwear begann, wirkt heute überraschend aktuell. Denn in einer Zeit, die von Unsicherheit, Beschleunigung und permanenter Reizüberflutung geprägt ist, wächst die Sehnsucht nach etwas, das viele Menschen lange als selbstverständlich betrachtet haben:

Lebensfreude.

Die Rückkehr der Freude

Der aktuelle Trend des Color Blockings erzählt genau davon.

Natürlich geht es um Farben. Um kräftige Kontraste, mutige Kombinationen und den Abschied von jahrelanger Zurückhaltung. Doch hinter diesem Trend verbirgt sich mehr als eine ästhetische Entscheidung.

Color Blocking steht für Optimismus.

Für Selbstbewusstsein.

Für Individualität.

Für die Lust, sichtbar zu sein.

Nach Jahren, in denen Minimalismus, Quiet Luxury und gedeckte Farbwelten die Mode dominierten, scheint eine neue Energie zurückzukehren. Nicht laut oder schrill, sondern voller Neugier und Lebendigkeit.

Kaum eine Luxusmarke verkörpert dieses Lebensgefühl authentischer als Pucci.

Camille Miceli und die Neuerfindung einer Ikone

Seit 2021 steht die französische Designerin Camille Miceli an der kreativen Spitze des Hauses.

Miceli bringt eine außergewöhnliche Perspektive mit. Sie arbeitete für Chanel, Dior und Louis Vuitton, bevor sie zu Pucci wechselte. Statt die Marke grundlegend zu verändern, entschied sie sich dafür, ihre ursprüngliche DNA freizulegen.

Und diese DNA besteht nicht aus Trends.

Sie besteht aus Freude.

Unter ihrer Führung wurde Pucci zu einer Marke, die wieder offen über Emotionen spricht. Über die Freude am Anziehen. Über die Freude am Reisen. Über die Freude, sich selbst auszudrücken.

In einer Branche, die häufig von Exklusivität und Distanz geprägt ist, wirkt dieser Ansatz beinahe radikal.

Pucci spricht nicht über Status.

Pucci spricht über Lebensqualität.

Jenseits der Saison

Diese Haltung zeigt sich auch im neuen Rhythmus der Marke.

Während die klassische Luxusindustrie weiterhin in Saisonzyklen denkt, verfolgt Pucci einen anderen Ansatz. Statt weniger großer Kollektionen setzt das Haus zunehmend auf regelmäßige Drops und Capsule Collections.

Die einzelnen Releases entstehen häufig rund um bestimmte Orte, Stimmungen oder Momente. Präsentationen finden nicht zufällig in Capri, Portofino, St. Moritz oder an anderen Sehnsuchtsorten statt.

Pucci orientiert sich weniger an Modekalendern als an Lebenswelten.

Die Marke fragt nicht, welche Saison gerade beginnt.

Sie fragt, wo Menschen als Nächstes hinträumen.

Resort Wear als Philosophie

Die Geschichte von Pucci beginnt auf Capri.

Emilio Pucci war Aristokrat, Sportler und Weltreisender. Seine Mode entstand nie im Elfenbeinturm der Haute Couture, sondern aus der Beobachtung eines neuen Lebensstils.

Menschen wollten reisen.

Sie wollten sich bewegen.

Sie wollten die Welt entdecken.

Resort Wear wurde deshalb zum Kern der Marke.

Leichte Kaftane, Seidenkleider, Badebekleidung, Tuniken und Accessoires waren nicht für formelle Anlässe gedacht, sondern für das Leben selbst.

Für sonnige Tage.

Für spontane Begegnungen.

Für Abenteuer.

Für die Freude, unterwegs zu sein.

Auch heute prägt diese Haltung jede Kollektion.

Pucci verkauft keine Garderobe für bestimmte Anlässe.

Pucci verkauft eine Haltung zur Welt.

Die Kunst, das Leben zu feiern

Vielleicht erklärt genau das die aktuelle Relevanz der Marke.

In einer Zeit, in der vieles komplex erscheint, suchen Menschen nach Erfahrungen, die inspirieren und neue Energie schenken. Nach Orten, Menschen und Ideen, die das Leben bereichern.

Pucci antwortet darauf mit Farbe.

Mit Leichtigkeit.

Mit Kreativität.

Und mit der Erinnerung daran, dass Luxus nicht immer still sein muss.

Vielleicht besteht moderner Luxus nicht mehr nur aus Perfektion, Exklusivität oder Besitz.

Vielleicht besteht er darin, neugierig zu bleiben.

Neue Perspektiven zu entdecken.

Sich begeistern zu lassen.

Und das Leben immer wieder als Abenteuer zu betrachten.

Mehr als ein Trend

Wer heute auf Pucci blickt, sieht deshalb mehr als Mode.

Die Marke steht für eine Haltung, die aktueller kaum sein könnte.

Für den Mut, Farbe zu bekennen.

Für die Freude am Ausdruck.

Für die Lust auf neue Erfahrungen.

Und für die Überzeugung, dass Optimismus keine Naivität ist, sondern eine bewusste Entscheidung.

Vielleicht ist das die eigentliche Botschaft hinter der Rückkehr der Farben.

Nicht die Farbe selbst verändert etwas.

Sondern das Lebensgefühl, das sie transportiert.

Pucci erinnert uns daran, dass Stil mehr sein kann als Kleidung.

Er kann Ausdruck von Lebensfreude sein.

Und genau darin liegt heute seine größte Stärke.

Es gibt kaum etwas Schwierigeres, als sich in Griechenland für nur eine Insel zu entscheiden. Mykonos, Sifnos und Folegandros könnten unterschiedlicher kaum sein – und genau darin liegt ihr Reiz. Doch was wäre, wenn man sich gar nicht entscheiden müsste?

Die Kykladen gehören zu den wenigen Orten Europas, an denen Inselhopping nicht kompliziert, sondern ganz selbstverständlich ist. Mykonos wird von zahlreichen europäischen Städten direkt angeflogen. Von dort verbinden regelmäßige Fähren die Insel mit Sifnos und Folegandros. Was auf der Karte wie drei einzelne Reiseziele aussieht, wird in Wirklichkeit zu einer einzigen Sommerreise durch die Ägäis. Eine Reise, die mit Energie beginnt, über authentische Inselmomente führt und in völliger Weite endet.

Erste Station: Mykonos und die Vorfreude des Anfangs

Jede große Reise braucht einen starken Auftakt. Für viele beginnt dieser auf Mykonos. Die Insel ist bekannt für ihre lebendige Atmosphäre, ihr internationales Flair und ihre besondere Mischung aus kosmopolitischem Leben und griechischer Inselkultur. Doch abseits der bekannten Hotspots zeigt sich eine ruhigere Seite von Mykonos.

Das The Wild Hotel by Interni liegt in einer geschützten Bucht und wirkt wie ein Gegenpol zum Trubel der Insel. Hier beginnt der Sommer. Mit dem ersten Sprung ins Meer. Mit Spaziergängen durch die Gassen der Chora. Mit den ersten Abenden am Wasser. Und mit diesem besonderen Gefühl, dass das Abenteuer gerade erst beginnt. Nach einigen Tagen ruft bereits die nächste Insel.

Die Fähre als Teil der Reise

Die wahre Magie der Kykladen liegt nicht nur auf den Inseln selbst. Sie liegt dazwischen. Auf dem Wasser. Während die Fähre den Hafen von Mykonos verlässt, verschwindet die Insel langsam am Horizont. Die salzige Luft, das offene Meer und die Aussicht auf die nächste Küste machen die Überfahrt zu einem Teil des Erlebnisses. Schon bald taucht am Horizont die nächste Insel auf: Sifnos. Und mit ihr eine völlig neue Stimmung.

Zweite Station: Sifnos und die Kunst des Authentischen

Während Mykonos Energie schenkt, verleiht Sifnos der Reise Tiefe. Die Insel versucht nicht, Aufmerksamkeit zu erzwingen. Vielleicht wirkt sie gerade deshalb so besonders. Oberhalb von Kastro gelegen, eröffnet das Verina Astra einen weiten Blick über die Ägäis. Hier verändert sich die Perspektive. Sifnos ist bekannt für seine Kulinarik, seine Keramikkunst und seine traditionellen Dörfer. Es ist eine Insel, die nicht von Sehenswürdigkeiten lebt, sondern von Atmosphäre und Charakter. Von kleinen Bäckereien. Von versteckten Wegen. Von Begegnungen mit Menschen, die seit Generationen hier leben. Man entdeckt die Insel nicht auf einmal. Man lernt sie langsam kennen. Und genau darin liegt ihr Zauber.

Dritte Station: Folegandros und die Weite des Horizonts

Von Sifnos führt die Reise weiter nach Folegandros. Bereits die Anfahrt verändert alles. Steile Klippen steigen aus dem Meer empor. Die Landschaft wird wilder. Die Natur ursprünglicher. Wenn Mykonos für Aufbruch steht und Sifnos für Authentizität, dann steht Folegandros für Freiheit. Hoch über der Küste gelegen, fügt sich das Gundari Resort beinahe nahtlos in die dramatische Landschaft ein. Hier geht es nicht mehr darum, möglichst viel zu erleben. Sondern darum, die Weite wahrzunehmen.

Den Wind. Das Meer. Die Stille zwischen den Klippen. Und plötzlich bekommt die gesamte Reise eine neue Bedeutung.

Drei Inseln, drei Gesichter Griechenlands

Die Schönheit dieser Route liegt nicht darin, dass eine Insel schöner wäre als die andere. Sondern darin, dass jede eine andere Seite Griechenlands zeigt.

Mykonos steht für den Beginn. Sifnos für Kultur und Tradition. Folegandros für Natur und Freiheit.

Zusammen ergeben sie eine Reise, die weit mehr ist als die Summe ihrer Stationen.

Warum nur eine Insel wählen?

Vielleicht liegt genau darin die wahre Magie der Kykladen. Die Inseln waren nie dafür gedacht, isoliert voneinander erlebt zu werden. Das Meer verbindet sie. Die Geschichte verbindet sie. Und die Reisen zwischen ihnen verbinden ihre Geschichten.

Die schönsten Sommer beginnen manchmal mit einem Flug nach Mykonos. Und enden mit drei völlig unterschiedlichen Erinnerungen an Griechenland.

Wie Kiichiro Asakawa mit außergewöhnlichen Stoffen und japanischer Präzision eine neue Form von Luxus definiert

Während viele Modemarken nach Aufmerksamkeit streben, verfolgt Kiichiro Asakawa einen anderen Weg. Der Gründer des japanischen Labels ssstein hat seine Marke nicht über spektakuläre Inszenierungen aufgebaut, sondern über etwas deutlich Subtileres: Stoffe, Schnitte und die Kunst, Kleidung entstehen zu lassen, die mit jeder Bewegung an Charakter gewinnt.

Monocle bezeichnete Asakawa jüngst als „The rising Japanese fashion designer with a keen eye for fabrics“ – eine treffende Beschreibung für einen Designer, dessen Karriere von einer beinahe obsessiven Liebe zu Materialien geprägt ist.

Vom Vintage-Denim zur eigenen Designsprache

Bevor Kiichiro Asakawa sein Label ssstein gründete, beschäftigte er sich intensiv mit Vintage-Kleidung. Besonders Denim faszinierte ihn. Er zerlegte alte Jeans, analysierte ihre Konstruktion, rekonstruierte einzelne Elemente und verkaufte die Stücke über seinen Multibrand-Store Carol in Tokio.

Diese frühe Auseinandersetzung mit Schnittführung, Stoffen und Verarbeitung prägt seine Arbeit bis heute. Als Asakawa 2016 ssstein ins Leben rief, bestand die Kollektion lediglich aus wenigen Kleidungsstücken. Doch bereits damals war erkennbar, worum es ihm ging: zeitlose Silhouetten, außergewöhnliche Stoffqualitäten und eine Reduktion auf das Wesentliche.

Luxus beginnt beim Material

Im Zentrum von ssstein steht nicht das Logo, sondern die Materialität.

Asakawa arbeitet eng mit japanischen Textilherstellern zusammen, entwickelt Stoffe nach eigenen Vorgaben und produziert konsequent in Japan. Die Beziehung zu den Manufakturen ist für ihn ebenso wichtig wie das fertige Kleidungsstück.

Das Ergebnis ist eine Garderobe, die vertraut wirkt und dennoch anders ist. Klassische Hemden werden großzügiger geschnitten, Strickwaren erhalten neue Proportionen und traditionelle Tailoring-Elemente erscheinen entspannter und zeitgemäßer.

Die aktuelle Kollektion zeigt diesen Ansatz besonders deutlich: Oversized-Hemden aus hochwertiger Baumwolle, leichte Kaschmir-V-Necks mit lockerer Strickstruktur und Sweatpants aus Baumwoll-Kaschmir-Mischungen verbinden Komfort mit handwerklicher Raffinesse.

Die Kraft der Zurückhaltung

In einer Branche, die sich oft über permanente Neuerfindung definiert, verfolgt Asakawa eine bemerkenswert ruhige Haltung.

Statt jede Saison eine neue Geschichte zu erzählen, verfeinert er bestehende Ideen. Seine Kollektionen entwickeln sich evolutionär statt revolutionär. Gerade diese Kontinuität macht den Reiz von ssstein aus.

Es ist Mode für Menschen, die Qualität erkennen, ohne dass sie laut kommuniziert werden muss. Die Eleganz liegt nicht im Spektakel, sondern in den Details – in der Art, wie ein Mantel fällt, wie sich ein Stoff bewegt oder wie ein Pullover über Jahre hinweg seine Form behält.

Der internationale Durchbruch

Lange galt ssstein als Geheimtipp innerhalb der japanischen Modeszene. Das änderte sich 2025, als das Label den Fashion Prize of Tokyo gewann.

Die Auszeichnung brachte Asakawa nach Paris und öffnete die Türen zu einem internationalen Publikum. Einkäufer und Brancheninsider reagierten begeistert auf die präzisen Schnitte, die entspannte Eleganz und die kompromisslose Qualität der Kollektionen.

Heute wird ssstein von rund 140 Händlern weltweit geführt – etwa 50 in Japan und weitere 90 international. Für Asakawa ist dieses Wachstum jedoch kein Selbstzweck.

Vielmehr verfolgt er weiterhin denselben Ansatz wie zu Beginn: bewusst, sorgfältig und in seinem eigenen Tempo.

Eine neue Generation japanischen Luxus

Japanische Mode hat immer wieder Designer hervorgebracht, die den internationalen Diskurs geprägt haben. Während frühere Generationen oft durch radikale Konzepte und avantgardistische Silhouetten auffielen, verkörpert Kiichiro Asakawa eine neue Form von Luxus.

Eine Form, die nicht auf Lautstärke setzt, sondern auf Präzision. Nicht auf Trends, sondern auf Beständigkeit. Nicht auf Aufmerksamkeit, sondern auf Qualität.

Vielleicht ist genau das der Grund, warum ssstein gerade jetzt weltweit Aufmerksamkeit erhält. In einer Zeit permanenter Beschleunigung wirkt Asakawas Mode wie ein Gegenentwurf – ruhig, bewusst und außergewöhnlich gut gemacht.

Weitere Informationen unter ssstein.com

Ist regenerative Architektur die logische Fortsetzung von nachhaltiger Architektur? Beim Horizon House auf der Kykladeninsel Syros gelingt ONUS Architecture Studio dieses Kunststück.

Die Kykladen, ein Archipel im Ägäischen Meer, zu der auch die Inselschönheit Santorin gehört, sind für zwei Dinge bekannt: Für ihre kontrastreichen Landschaften aus felsigen Bergen, fruchtbaren Tälern und zerklüfteten Küsten. Und zweitens für die idyllischen Fotomotive, die die Architektur dort bietet. Die kubischen, weiß getünchten Häuser mit blauen Fensterläden und runden Kuppeln, kunstvoll in die Hänge der Steilküsten drapiert, bilden einen eindrucksvollen Kontrast zum tiefen Blau des Meeres. Damit verzücken sie einfach jeden.

Ganz im Gegensatz zu diesen traditionellen Bauweisen steht das Horizon House. Entworfen von ONUS Architecture Studio bezeugt das Haus eine neue Form von Nachhaltigkeit, die über Ressourceneffizienz hinausgeht. Dabei fügt es sich so selbstverständlich in das raue Terrain ein, als wäre es schon immer dort gewesen.

Teil eines lebendigen Ökosystems

Die von der Athener Architektin Margarita Kyanidou geleitete Entwurfsphilosophie wurzelt in der Überzeugung, dass Architektur nicht nur weniger schaden, sondern aktiv heilen kann. Das Horizon House auf Syros verkörpert diesen Anspruch auf jedem Zentimeter. Es ist nicht nur energieautark, sondern auch „ökologisch rückgebend“.

Die Steine, die beim Aushub gewonnen wurden, bilden die massiven Wände, Horizon House folgt damit den natürlichen Konturen des Geländes. Recyceltes Holz und rohe Texturen binden das Gebäude in den Materialkreislauf des Ortes ein. Diese bewusste Reduktion auf lokale Ressourcen wird nicht nur zu einer ökologischen, sondern auch zu einer ästhetischen Entscheidung: Das Haus wirkt wie die Fortsetzung der Landschaft, wie eine geologische Formation, die den Horizont rahmt, statt ihn zu unterbrechen.

Zwischen Schutz und Offenheit

Die architektonische Umsetzung spielt mit zwei Polaritäten: Verwurzelung und Weite beziehungsweise Rückzug und Ausblick. Denn die Nordfassade schmiegt sich schützend an den Boden, während die Südseite sich großzügig zur Ägäis öffnet. Die Form des Hauses insgesamt zieht sich parallel zur Küstenlinie.

Ein L-förmiger Pool markiert die Schwelle zwischen gebauter Struktur und Landschaft. Er fungiert als thermisches und visuelles Bindeglied, das das reflektierte Licht des Himmels in die Architektur hineinträgt. Im Inneren setzt sich die Sprache der Einfachheit fort. Die reduzierten Geometrien und natürlichen Materialien schaffen Räume von fast monastischer Ruhe. Die Innenräume sind um Querlüftung, Tageslicht und Ausblicke herum organisiert. So holen beispielsweise drei quadratische Oberlichter den Himmel ins Haus.

Habitat für die Natur selbst

ONUS Architecture Studio spricht beim Horizon House bewusst nicht von Nachhaltigkeit, sondern von Regeneration. Denn das Ziel ist nicht nur, weniger zu zerstören, sondern mehr zurückzugeben. Die Vegetation spielt dabei eine zentrale Rolle. Die Landschaftsgestaltung folgt einer ökologischen Wiederherstellungsstrategie, die in Zusammenarbeit mit Ökosystemforschern entwickelt wurde.

Es wurden fast ausschließlich einheimische Arten der kykladischen Flora verwendet, sie sind widerstandsfähig gegen Trockenheit und salzhaltige Winde. Diese Bepflanzung stabilisiert den Boden, verhindert Erosion und fördert die Rückkehr von Bestäubern, Insekten und Vögeln. Das Haus wird so zum Habitat, nicht nur für Menschen, sondern für die Natur selbst.

„Blue Roof“-System und Mikro-Windräder

Die begrünten Dächer fungieren als lebende Systeme: Sie speichern Regenwasser, senken die Umgebungstemperatur und schaffen Mikrohabitate für Flora und Fauna. Jährlich können bis zu 200 Kubikmeter Regenwasser gesammelt und über ein integriertes Filtersystem – das sogenannte Blue Roof – aufbereitet werden. Das behandelte Wasser versorgt die Vegetation, während das aufbereitete Grauwasser den Kreislauf schließt. Diese konsequent zirkuläre Ressourcennutzung – Wasser, Energie, Materialien – macht das Horizon House zu einem geschlossenen ökologischen System.

Die fünf Mikro-Windräder rechnen sich, blasen doch oben auf der Klippe die Winde der Ägäis mit schöner Konstanz. So kann das Gebäude vollständig mit erneuerbarer Energie versorgt werden. Ergänzt wird dieses System durch geothermische Leitungen, die die thermische Trägheit des Bodens nutzen, um die Innentemperaturen auszugleichen. Mechanische Heiz- oder Kühlsysteme sind damit überflüssig.

Diese Strategie speist sich aus der Ressourcenknappheit der Insel. Sie ist starker Antrieb für Effizienz und Innovation. Das Haus steht autonom, unabhängig von externen Netzen. Dabei ging und geht es ONUS nicht um technologische Machbarkeit allein, Architektur soll auch Verantwortung übernehmen.

Die Poesie der Resonanz

Trotz seiner technischen Raffinesse und der linearen äußeren Formen ist das Horizon House dennoch im Inneren poetisch. Auf einer Bruttogeschoßfläche von 230 Quadratmetern lässt die Architektur des Lichts und der Stille Luft, Schatten, Gestein und Holz zu einem atmosphärischen Kontinuum verschmelzen.

Der Wohnraum öffnet sich mit weitem Blick auf das Meer – er scheint zwischen Erde und Himmel zu schweben. Durch die Querströmung von Luft entsteht eine natürliche Kühlung, die sich anfühlt, als würde das Haus selbst atmen. Der Wind, der über den Hang streicht, wird nicht abgewehrt, sondern geleitet – als Teil eines lebendigen Systems, wo Resonanz und Mitschwingen Kontrolle ersetzt.

Die ONUS-Ethik des Bauens

Während bei vielen Projekten und Einfamilienhäusern Nachhaltigkeit zwar als sinnvolles Element erachtet wird, bleibt sie dennoch häufig nur Zusatz oder technisches Etikett. Bei ONUS dagegen steht jedes Material, jede Linie, jeder Eingriff im Verhältnis zum Ort – zumal die Bauindustrie immer noch zu den größten Verursachern von CO₂-Emissionen zählt. Hier entsteht ein Modell für regenerative Inselarchitektur, das die kulturelle Identität der Kykladen respektiert und gleichzeitig den ökologischen Herausforderungen der Zukunft begegnet. Für das noch nicht realisierte Projekt hat ONUS den „Architizer A+ Award 2025, Kategorie Nachhaltige Wohnarchitektur“ erhalten.

Text: Linda Benkö
Renderings/Fotos: ONUS Architecture Studio

Was passiert, wenn moderne Neurowissenschaft auf Spiritualität trifft? In der aktuellen Episode des Podcasts Know Thyself spricht die Neurowissenschaftlerin Emily McDonald mit Gastgeber André Duqum über Neuroplastizität, Identität, Intuition und die Frage, warum so viele Menschen sich in ihrem Leben festgefahren fühlen.

McDonald gehört zu einer neuen Generation von Wissenschaftskommunikatorinnen, die komplexe Erkenntnisse aus der Hirnforschung verständlich machen und sie mit Themen wie persönlicher Entwicklung, Bewusstsein und Selbstwirksamkeit verbinden. Im Zentrum des Gesprächs steht die Idee, dass unser Gehirn nicht statisch ist, sondern sich durch Erfahrungen, Aufmerksamkeit und bewusst gewählte Verhaltensweisen ständig verändert.

Besonders spannend ist ihr Ansatz, Identität nicht als Ergebnis von Erfolg zu betrachten, sondern als dessen Ausgangspunkt. Wer ein bestimmtes Leben führen möchte, sollte beginnen, wie die Person zu denken und zu handeln, die dieses Leben bereits lebt. Aus neurowissenschaftlicher Sicht entstehen dadurch neue neuronale Muster, die zukünftiges Verhalten beeinflussen können.

Ein weiterer Schwerpunkt der Episode ist die Rolle des Nervensystems. McDonald erklärt, wie Stress, Angst und übermäßige Reizüberflutung unsere Wahrnehmung prägen und weshalb die Regulation des Nervensystems entscheidend für Klarheit, Kreativität und Intuition sein kann. Themen wie der Vagusnerv, Selbstwahrnehmung und emotionale Resilienz werden dabei aus einer Perspektive beleuchtet, die Wissenschaft und persönliche Erfahrung miteinander verbindet.

Für Leserinnen und Leser der THE Stylemate ist dieses Gespräch vor allem deshalb interessant, weil es eine zentrale Frage unserer Zeit berührt: Wie können wir in einer Welt permanenter Ablenkung wieder Zugang zu unserer inneren Orientierung finden? McDonald liefert keine einfachen Antworten, sondern Denkanstöße – und erinnert daran, dass Veränderung oft mit der Entscheidung beginnt, eine neue Geschichte über sich selbst zu erzählen.

Der Podcast Know Thyself versteht sich als Plattform für Gespräche über Bewusstsein, persönliche Entwicklung und die großen Fragen menschlicher Existenz. Gastgeber André Duqum bringt dafür Wissenschaftler, spirituelle Lehrer und kreative Denker zusammen und schafft einen Raum, in dem unterschiedliche Perspektiven aufeinandertreffen.

Zwischen Tradition und Zukunft: Warum Südkorea zu den faszinierendsten Reisezielen unserer Zeit gehört

Es gibt Orte, die man besucht. Und es gibt Orte, die einen verändern. Südkorea gehört zweifellos zur zweiten Kategorie. Zwischen jahrhundertealten Tempeln, futuristischer Architektur, innovativer Kulinarik und einer Kreativszene, die die Welt prägt, erzählt das Land eine Geschichte von Transformation. Eine Geschichte, die weit über K-Pop, Beauty-Trends oder Design hinausgeht.

Wer heute auf dem Flughafen von Seoul landet, betritt eines der innovativsten Länder der Welt.

Eine Nation mit Hochgeschwindigkeitszügen, digitaler Infrastruktur und globalen Kulturmarken. Ein Land, dessen Musik Stadien auf allen Kontinenten füllt, dessen Filme Oscars gewinnen und dessen Kosmetikindustrie Trends setzt.

Was leicht vergessen wird: Noch vor wenigen Jahrzehnten war Südkorea eines der ärmsten Länder der Welt.

Nach dem Koreakrieg lag das Land weitgehend in Trümmern. Die wirtschaftlichen Perspektiven waren begrenzt, die Infrastruktur zerstört. Kaum jemand hätte damals vorhergesagt, dass ausgerechnet Südkorea zu einer der kulturellen und wirtschaftlichen Erfolgsgeschichten des 21. Jahrhunderts werden würde.

Heute spricht man vom „Miracle on the Han River“ – dem Wunder am Han-Fluss.

Doch vielleicht liegt die wahre Leistung nicht allein im wirtschaftlichen Aufstieg.

Sondern darin, dass Südkorea seine kulturelle Identität nie verloren hat.

Seoul – wo Vergangenheit und Zukunft denselben Rhythmus teilen

Seoul ist keine Stadt, die sich sofort erschließt.

Sie entfaltet sich langsam.

In den frühen Morgenstunden vor dem Gyeongbokgung-Palast. Zwischen den traditionellen Hanok-Häusern von Bukchon. In den stillen Innenhöfen buddhistischer Tempel.

Und gleichzeitig in den futuristischen Kurven des Dongdaemun Design Plaza, den digitalen Fassaden von Gangnam oder den kreativen Vierteln von Seongsu-dong.

Vielleicht liegt genau darin die Magie dieser Metropole.

Hier existieren mehrere Zeitebenen gleichzeitig.

Tradition wird nicht konserviert, sondern weiterentwickelt.

Modernität wird nicht als Bruch verstanden, sondern als Fortsetzung.

Must See in Seoul

Bukchon Hanok Village
Traditionelle koreanische Architektur zwischen engen Gassen und kleinen Innenhöfen.

Gyeongbokgung Palace
Der bedeutendste Königspalast Koreas und ein eindrucksvoller Einstieg in die Geschichte des Landes.

Dongdaemun Design Plaza (DDP)
Die ikonische Architektur von Zaha Hadid gilt als Symbol des kreativen Seoul.

Seongsu-dong
Ehemaliges Industrieviertel, heute Heimat unabhängiger Designer, Concept Stores und innovativer Cafés.

Leeum Museum of Art
Eine außergewöhnliche Verbindung aus traditioneller koreanischer Kunst und zeitgenössischen Positionen.

Wo man in Korea übernachtet

Die Hotelwelt Koreas spiegelt die Vielfalt des Landes wider.

Josun Palace Seoul

Zeitgenössischer Luxus mit spektakulärem Blick über die Skyline von Gangnam. Elegant, zurückhaltend und tief in der koreanischen Gastfreundschaft verwurzelt.

RYSE Hotel Seoul

Im kreativen Viertel Hongdae gelegen. Kunst, Design und urbane Kultur verschmelzen hier zu einem modernen Lifestyle-Hotel.

Rakkojae Seoul

Wer Korea verstehen möchte, sollte zumindest eine Nacht in einem traditionellen Hanok verbringen. Rakkojae zählt zu den schönsten Adressen des Landes.

Signiel Seoul

Untergebracht im Lotte World Tower. Moderne koreanische Luxushotellerie in ihrer vielleicht spektakulärsten Form.

Parnas Hotel Jeju

Auf Jeju Island verbindet sich Natur mit entspanntem Luxus und dem Gefühl, weit entfernt vom Tempo der Großstadt zu sein.

K-Beauty – Schönheit als Ritual

Kaum ein kultureller Export hat die Welt in den vergangenen Jahren so nachhaltig beeinflusst wie K-Beauty.

Doch hinter den innovativen Produkten verbirgt sich eine Philosophie, die weit über Kosmetik hinausgeht.

Schönheit wird in Korea nicht als Korrektur verstanden.

Sie beginnt mit Aufmerksamkeit.

Mit Zeit.

Mit Pflege.

Die tägliche Hautpflege ist weniger Routine als Ritual.

Dieser Gedanke zieht sich durch viele Bereiche des koreanischen Lebens: Qualität entsteht durch Kontinuität.

Wer tiefer eintauchen möchte, sollte durch die Beauty-Distrikte von Myeong-dong spazieren oder die Flagship Stores koreanischer Marken besuchen.

K-Pop und die kreative Explosion

Was einst als regionale Musikszene begann, hat sich zu einem globalen Kulturphänomen entwickelt.

K-Pop prägt heute nicht nur Musik, sondern auch Mode, Design, Social Media und visuelle Kommunikation.

Interessanter als die Musik selbst ist jedoch, was sie über Korea erzählt.

Disziplin und Kreativität.

Perfektion und Emotion.

Tradition und Innovation.

Werte, die sich auch in Architektur, Design und Unternehmenskultur des Landes wiederfinden.

Korean Cinema – Die neue Filmsprache der Welt

Mit Filmen wie „Parasite“ und Serien wie „Squid Game“ hat Südkorea endgültig seinen Platz auf der globalen Kulturkarte eingenommen.

Dabei beeindruckt weniger der kommerzielle Erfolg als die erzählerische Qualität.

Koreanische Filme verbinden gesellschaftliche Themen mit visueller Präzision und emotionaler Tiefe.

Wer Korea bereist, sollte daher auch einen Blick in die unabhängigen Kinos Seouls werfen oder – wenn möglich – das Busan International Film Festival besuchen, das als wichtigstes Filmfestival Asiens gilt.

K-Food – Die Kultur der Fermentation

Die koreanische Küche erlebt aktuell einen ähnlichen Moment, wie ihn die nordische Gastronomie vor einigen Jahren erfahren hat.

Internationale Spitzenköche interessieren sich zunehmend für koreanische Fermentationstechniken, regionale Zutaten und traditionelle Herstellungsverfahren.

Kimchi ist dabei nur der Anfang.

Die eigentliche Entdeckung liegt in den vielen Facetten koreanischer Esskultur.

Von kleinen Straßenständen über traditionelle Tempelküche bis hin zu einigen der spannendsten Fine-Dining-Restaurants Asiens.

Wer Seoul besucht, sollte sich Zeit nehmen.

Nicht nur zum Essen.

Sondern zum Verstehen.

Denn in kaum einer anderen Küche spiegeln sich Geschichte, Landschaft und Kultur so unmittelbar wider.

Jeju Island – Koreas stille Seite

Während Seoul für Dynamik steht, erzählt Jeju eine andere Geschichte.

Vulkanlandschaften, Küstenpfade, Teeplantagen und eine Atmosphäre, die an manchen Stellen eher an Hawaii oder die Azoren erinnert als an Ostasien.

Viele Koreaner reisen hierher, um Abstand vom urbanen Alltag zu gewinnen.

Für Besucher eröffnet sich eine Seite des Landes, die überraschend ruhig, ursprünglich und entschleunigt wirkt.

Warum Korea gerade jetzt relevant ist

Südkorea ist mehr als ein Trend.

Mehr als K-Pop.

Mehr als Hautpflege.

Mehr als Technologie.

Das Land zeigt, wie sich kulturelle Identität und Fortschritt gegenseitig stärken können.

Wie Tradition Inspiration für Innovation werden kann.

Und wie aus den Herausforderungen der Vergangenheit eine kreative Kraft entsteht, die heute Menschen auf der ganzen Welt beeinflusst.

Vielleicht ist genau das die eigentliche Faszination Koreas.

Nicht die Geschwindigkeit seines Aufstiegs.

Sondern die Art und Weise, wie es gelungen ist, dabei seine eigene Geschichte weiterzuerzählen.

Zwischen mediterraner Leichtigkeit, außergewöhnlicher Vielfalt und einem Angebot, das selbst in der Welt des Luxusreisens selten geworden ist.

Es gibt Hotels, die beeindrucken. Und es gibt Orte, die eine eigene Welt erschaffen.

Das Forte Village an der Südküste Sardiniens gehört zur zweiten Kategorie.

Wer zum ersten Mal durch die weitläufige Gartenlandschaft spaziert, vorbei an Palmen, Pinien und dem Duft des Mittelmeers, versteht schnell, warum dieses Resort seit Jahrzehnten zu den bekanntesten Adressen Europas zählt. Auf über 50 Hektar erstreckt sich hier eine kleine Welt aus Hotels, Villen, Restaurants, Sportanlagen, Wellnessbereichen und einem der schönsten Sandstrände Sardiniens.

Und doch fühlt sich das Forte Village nie wie eine klassische Hotelanlage an.

Vielleicht liegt es daran, dass man hier nicht zwischen Aktivität und Entspannung wählen muss. Beides existiert nebeneinander. Während manche Gäste den Tag am Meer verbringen, trainieren andere mit internationalen Coaches in den Sportakademien oder ziehen ihre Bahnen im Pool. Kinder verschwinden in ihre eigene Abenteuerwelt, während Erwachsene endlich jene selten gewordenen Stunden finden, in denen nichts geplant werden muss.

Sardinien von seiner schönsten Seite

Die Lage allein wäre bereits Grund genug für eine Reise.

Das Forte Village befindet sich in Santa Margherita di Pula, einer jener Küstenlandschaften, die Sardinien seinen legendären Ruf eingebracht haben. Kristallklares Wasser, feine Sandstrände und eine Natur, die zwischen mediterraner Gelassenheit und ursprünglicher Schönheit oszilliert.

Direkt vor dem Resort erstreckt sich ein langer, heller Strand, der sanft ins Meer übergeht. Die Farben wechseln je nach Tageszeit zwischen Türkis, Smaragdgrün und tiefem Blau. Es sind jene Momente, die man auf Fotos kaum festhalten kann, weil sie weniger mit dem Blick als mit einem Gefühl zu tun haben.

Hier beginnt der Tag nicht mit einem Programm, sondern mit einer Entscheidung: Meer oder Pool? Spaziergang oder Espresso? Nichts tun oder alles erleben?

Luxus bedeutet Auswahl

Was das Forte Village besonders macht, ist weniger ein einzelnes Hotel als vielmehr die Vielfalt des gesamten Resorts.

Mehrere Hotels, exklusive Villen, unterschiedlichste Restaurants und ein Angebot, das von Familienurlaub über Sport bis hin zu Wellness reicht, schaffen eine seltene Freiheit. Jeder Gast findet hier seinen eigenen Rhythmus.

Die Kulinarik spielt dabei eine zentrale Rolle. Von authentischer sardischer Küche bis hin zu internationalen Fine-Dining-Konzepten entsteht eine Vielfalt, die den Charakter der gesamten Anlage widerspiegelt: weltoffen, entspannt und dennoch von hoher Qualität geprägt.

Gleichzeitig bleibt die Atmosphäre überraschend ungezwungen. Barfuß zum Mittagessen zu gehen, fühlt sich hier genauso selbstverständlich an wie ein elegantes Dinner unter freiem Himmel.

Wellness mit Meerblick

Lange bevor Wellness zum globalen Trend wurde, beschäftigte man sich im Forte Village bereits mit der regenerierenden Kraft des Meeres.

Das Acquaforte Spa zählt bis heute zu den renommiertesten Thalassotherapie-Zentren Europas. Meerwasser unterschiedlicher Temperatur und Salzkonzentration bildet die Grundlage eines Konzepts, das Regeneration nicht als Luxus versteht, sondern als Teil eines bewussten Lebensstils.

Wer möchte, verbringt hier Stunden zwischen den verschiedenen Pools, Behandlungen und Ruhezonen. Wer weniger Programm sucht, nimmt einfach jenes Gefühl von Leichtigkeit mit, das entsteht, wenn Meer, Sonne und Zeit wieder ihren natürlichen Rhythmus finden.

Ein Resort für mehrere Generationen

Es gibt nur wenige Orte, an denen Großeltern, Eltern und Kinder gleichzeitig das Gefühl haben, genau am richtigen Platz zu sein.

Im Forte Village scheint genau das erstaunlich mühelos zu funktionieren. Während Kinder zwischen Wasserparks, Kreativprogrammen und Sportakademien wählen können, genießen Erwachsene die Freiheit, ihren Urlaub wieder als Urlaub zu erleben.

Vielleicht erklärt genau das den außergewöhnlichen Ruf des Resorts. Über viele Jahre hinweg wurde das Forte Village international ausgezeichnet und gilt bis heute als Referenz für anspruchsvollen Familienurlaub am Mittelmeer.

Sieben Nächte Sardinien – in einer Liga für sich

Die Qualität eines Ortes zeigt sich oft daran, wie viele Möglichkeiten er bietet. Im Forte Village reicht das Spektrum von stilvollen Zimmern bis zu großzügigen Suiten und privaten Rückzugsorten – verteilt auf mehrere Hotels innerhalb des Resorts.

Genau hier setzt der aktuelle THE Stylemate Smart Deal an.

Der Gutschein umfasst sieben Nächte für bis zu drei Personen inklusive Halbpension und kann in sämtlichen Zimmer- und Suitenkategorien des Forte Village eingelöst werden. Damit eröffnet sich eine außergewöhnliche Freiheit, das Resort ganz nach den eigenen Vorstellungen zu erleben.

Bemerkenswert ist dabei nicht nur die Flexibilität, sondern auch der Gegenwert des Angebots. Während ein vergleichbarer Aufenthalt regulär mit rund 24.997 Euro bewertet wird, ist der Smart Traveller Gutschein aktuell für 9.999 Euro erhältlich.

Gerade bei einer Destination wie dem Forte Village entsteht daraus eine seltene Gelegenheit. Nicht nur, weil eines der renommiertesten Resorts Europas zugänglich wird, sondern weil ausreichend Zeit bleibt, seine Vielfalt tatsächlich zu erleben: die Restaurants, den Strand, das Spa, die Gärten und jene besondere Atmosphäre, die Gäste seit Jahrzehnten immer wieder zurückkehren lässt.

Denn oftmals sind es nicht die spektakulären Erlebnisse, die eine Reise besonders machen. Sondern die zusätzlichen Tage. Die Zeit für einen weiteren Morgen am Meer. Für ein langes Mittagessen. Für einen Sonnenuntergang mehr.

THE Stylemate Smart Deal

Sieben Nächte im Forte Village auf Sardinien. Für bis zu drei Personen. Inklusive Halbpension. Einlösbar in sämtlichen Hotels sowie allen Zimmer- und Suitenkategorien des Resorts.

9.999,– Euro

Vielleicht ist genau das der wahre Luxus: die Freiheit, sich nicht zwischen den schönsten Seiten eines Ortes entscheiden zu müssen. Sondern genügend Zeit zu haben, sie alle kennenzulernen.

Denn manche Reisen dauern eine Woche.

Andere bleiben deutlich länger in Erinnerung.

Zwischen Moka, Aperitivo und Mitternachtspasta erzählt Portrait Hotels von dem, was Italien wirklich ausmacht: Menschen, Begegnungen und den Zauber alltäglicher Rituale.

Was bleibt von einer Reise? Oft sind es nicht die Sehenswürdigkeiten oder die spektakulären Ausblicke. Es sind die kleinen Momente dazwischen. Der Duft von frisch gebrühtem Kaffee am Morgen. Ein Gespräch, das länger dauert als geplant. Das erste Glas Aperitivo im goldenen Licht des Abends.

Genau diesen Momenten widmet sich die neue Editorial-Serie The Personal Touch von Portrait Hotels. Statt die Häuser in Mailand, Florenz und Rom über Architektur oder Luxus zu definieren, richtet die Serie den Blick auf die Menschen, die ihre Atmosphäre prägen. Hosts, Concierges, Köche, Bartender und Mitglieder des Lifestyle Teams erzählen von Ritualen, Erinnerungen und Gewohnheiten, die tief in der italienischen Kultur verwurzelt sind.

Gastfreundschaft als Haltung

Im Italienischen existiert ein besonderes Wort: ospite. Es bedeutet zugleich Gast und Gastgeber. Eine sprachliche Feinheit, die viel über das italienische Verständnis von Gastfreundschaft verrät.

Auch bei Portrait Hotels steht diese Haltung im Mittelpunkt. Gastfreundschaft wird hier nicht als Service verstanden, sondern als Beziehung. Es geht um Aufmerksamkeit, um Intuition und um die Fähigkeit, Menschen das Gefühl zu geben, angekommen zu sein.

Für Simone Thomas Bisin, F&B Operations Manager im Portrait Milano, entstehen die schönsten Momente nicht durch Perfektion, sondern durch Präsenz. Durch das Erinnern an persönliche Vorlieben, durch ehrliche Herzlichkeit und durch jene kleinen Gesten, die einen Aufenthalt persönlich machen.

Der Tag beginnt mit einer Moka

Wer Italien verstehen möchte, sollte seinen Tag nicht mit Eile beginnen.

In den Portrait Hotels startet der Morgen mit hausgemachten Kuchen, frischem Gebäck und dem unverwechselbaren Duft einer Moka-Kanne. Nicht als Inszenierung, sondern als gelebtes Ritual.

Im Portrait Milano, Portrait Firenze und Portrait Roma orientiert sich das Frühstück an regionalen Rezepten und vertrauten Geschmäckern. Torta Paradiso, Maritozzi, Veneziana oder Crostata erinnern an italienische Familienküchen und verwandeln das Frühstück in einen Moment des Innehaltens.

Die Moka selbst wird direkt an den Tisch gebracht – genauso wie zuhause. Nicht nur der Kaffee zählt, sondern das Geräusch des Einschenkens, der Duft und die Erinnerungen, die damit verbunden sind. Es sind jene scheinbar unspektakulären Momente, die ein Gefühl von Zugehörigkeit entstehen lassen.

Pasta als Ausdruck von Gemeinschaft

Mittags rückt ein weiteres italienisches Ritual in den Mittelpunkt: Pasta.

Im Portrait Roma beginnt das Erlebnis bereits auf lokalen Märkten. Gemeinsam mit dem Hotelteam wählen Gäste Zutaten für klassische römische Gerichte wie Carbonara, Cacio e Pepe oder Amatriciana aus, bevor diese auf der Rooftop-Terrasse zubereitet werden.

Auch im Portrait Firenze wird die Pasta zum kulturellen Erlebnis. Hier lebt die Tradition der Scarpetta weiter – jener charmanten Geste, bei der die letzten Tropfen Sauce mit einem Stück Brot aufgenommen werden.

Es ist ein Ritual, das zeigt, dass Genuss in Italien nie nur Geschmack bedeutet. Genuss bedeutet Zeit. Gemeinschaft. Aufmerksamkeit.

Die goldene Stunde des Aperitivo

Wenn die Sonne langsam hinter den Dächern von Florenz verschwindet, beginnt in Italien eine Tageszeit, die fast schon heilig erscheint: der Aperitivo.

Im Caffè dell’Oro des Portrait Firenze wird er mit Blick auf den Ponte Vecchio zelebriert. Im Portrait Milano fährt täglich der Aperitivo-Trolley zwischen den Tischen hindurch, während Negroni, Americano oder Spritz direkt vor den Gästen zubereitet werden. Gespräche vermischen sich mit Musik und dem Rhythmus der Stadt.

Im Portrait Roma hingegen wird der Aperitivo intimer interpretiert. Die Rooftop-Terrasse erinnert eher an ein privates Wohnzimmer über den Dächern der Stadt als an eine klassische Hotelbar. Hier steht nicht das Spektakel im Vordergrund, sondern die Atmosphäre.

Wenn Italien erst nach Mitternacht beginnt

Vielleicht zeigt sich das wahre Italien jedoch erst spät in der Nacht.

Wenn im Portrait Milano die Gespräche länger werden und die Musik den Abend trägt, erscheint plötzlich ein einfaches Gericht auf den Tischen: Spaghetti Aglio, Olio e Peperoncino.

Die traditionelle Spaghettata di Mezzanotte gehört seit Generationen zu italienischen Sommernächten. Kein aufwendiges Menü. Keine große Inszenierung. Nur Pasta, Freunde und Zeit.

Es ist ein perfektes Sinnbild für das, was Portrait Hotels vermitteln möchte: Luxus entsteht nicht durch Überfluss, sondern durch Bedeutung. Durch Rituale, die Menschen verbinden. Durch Erinnerungen, die bleiben.

Italien als Gefühl

Mit The Personal Touch zeigt Portrait Hotels eine Seite Italiens, die Reiseführer oft übersehen. Nicht die Sehenswürdigkeiten stehen im Mittelpunkt, sondern die Menschen, die Geschichten erzählen, Traditionen weitergeben und Gastfreundschaft als etwas Persönliches verstehen.

Vielleicht ist genau das die schönste Form des Reisens: einen Ort nicht nur zu besuchen, sondern ihn durch seine Rituale kennenzulernen.

Saint-Tropez war nicht immer das, was man heute auf Social Media davon sieht.

Bevor der Ort zur Kulisse für Sichtbarkeit wurde, ging es dort um etwas anderes: um Tage ohne Eile, um Mittagessen, die in den Abend übergingen, um salzige Haut, verblasste Farben, Segelboote im Hafen und eine Eleganz, die nie besonders angestrengt wirkte.

Genau aus diesem Lebensgefühl heraus entstand 1971 Vilebrequin.

Der Gründer Fred Prysquel – Fotograf und Motorsportjournalist – soll seine erste Idee für eine Badehose auf einer Papiertischdecke in einem Café in Saint-Tropez skizziert haben. Inspiriert von den lockeren Surfershorts Kaliforniens entstanden Schnitte, die sich deutlich von der damals üblichen, engen Swimwear abhoben. Länger, entspannter, leichter.

Bis heute trägt die Marke etwas von dieser ursprünglichen Riviera in sich.

Nicht die laute Riviera.

Sondern jene, die nach Leinenhemden, Holzdecks und sonnengebleichten Farben aussieht.

Zwischen Bademode und Resortwear

Vielleicht liegt darin auch der Grund, warum Vilebrequin nie nur reine Swimwear geblieben ist.

Über die Jahre entwickelte sich daraus eine vollständige Sommergarderobe – mit luftigen Shirts, Resortwear, Accessoires und Kollektionen, die weniger nach „Beach Club“ wirken als nach einer bestimmten Haltung zum Sommer.

Gerade aktuelle Kollektionen zeigen das deutlich. Die Übergänge zwischen Bademode, Tailoring und Ready-to-wear werden fließender. Materialien wirken weicher, Farben zurückhaltender, Prints künstlerischer.

Magazine wie The Times Style/LUXX beschrieben zuletzt genau diese Entwicklung: weg von rein funktionaler Swimwear hin zu Stücken, die sich ebenso selbstverständlich am Strand wie beim Lunch tragen lassen. Die Idee dahinter ist weniger Inszenierung als Vielseitigkeit.

Auch die aktuellen Capsule Collections greifen diese Richtung auf. Für Summer 2026 arbeitet Vilebrequin etwa mit dem Label 3.PARADIS sowie dem französischen Künstler Fabrice Hyber zusammen – nicht als plakative Fashion-Kollaboration, sondern eher als Erweiterung einer bestimmten Bildwelt zwischen Kunst, Natur und Riviera-Kultur.

Die bestickten Modelle

Besonders interessant sind dabei die bestickten Modelle der Marke.

Sie verändern die Wirkung von Bademode vollkommen. Statt rein grafischer Prints entstehen Oberflächen mit Struktur und Tiefe – beinahe wie textile Objekte. Manche Motive wirken aus der Distanz fast gemalt, andere erinnern an mediterrane Illustrationen oder maritime Fundstücke.

Dabei geht es weniger um Luxus als Statement, sondern eher um Handwerk und Materialität. Genau das unterscheidet Vilebrequin oft von vielen anderen Brands im Resort-Bereich.

Die Stücke wollen nicht auffallen.

Aber sie haben Charakter.

La Plage

Spannend ist auch, wie stark die Marke mittlerweile über Orte funktioniert.

Mit Konzepten wie „La Plage“ oder Kooperationen mit Hotels und Resorts versucht Vilebrequin nicht nur Kleidung zu verkaufen, sondern ein bestimmtes Sommergefühl räumlich erlebbar zu machen. Pool Clubs, Cabana Spaces und temporäre Installationen greifen die Idee eines entspannten Riviera-Lifestyles auf, ohne daraus ein nostalgisches Klischee zu machen.

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Stärke der Marke.

Vilebrequin erzählt nicht von Urlaub als Eskapismus.

Sondern von einer Art, den Sommer wahrzunehmen.

Etwas langsamer vielleicht.
Etwas leichter.
Und mit einer Eleganz, die nicht erklärt werden muss.

Mit Braid erschaffen die polnischen Filmemacher Mateusz Miszczynski und Maria Słabek ein sensibles filmisches Porträt über Schwesterliebe, Erwachsenwerden und die leisen Schmerzen des Abschieds. Im Mittelpunkt stehen die belarussischen Schwestern Anastasiia und Polina, deren Beziehung von Nähe geprägt ist – und von der Distanz, die entsteht, als die ältere Schwester Minsk verlässt, um in Warschau ein neues Leben zu beginnen.

Zwischen dokumentarischer Beobachtung und poetischer Bildsprache entfaltet sich ein intimer Blick auf das fragile Gefühl des Loslassens. Der titelgebende Zopf wird dabei zum stillen Symbol der Verbindung zwischen den beiden Schwestern – wie ein unsichtbarer Faden, der Erinnerung, Herkunft und Zugehörigkeit zusammenhält.

Gedreht auf 35mm, verbindet Braid natürliche Alltagsmomente mit einer beinahe märchenhaften Atmosphäre. Miszczynski und Słabek verweben magischen Realismus mit echten biografischen Erfahrungen und schaffen so einen Film, der zugleich zart, melancholisch und universell wirkt.

Es ist ein Werk über das Erwachsenwerden, über Sehnsucht nach einem besseren Leben – und über die emotionale Kraft familiärer Bindungen, die selbst Grenzen und Zeit überdauern.

Über NOWNESS
NOWNESS gilt seit Jahren als eine der stilprägendsten Plattformen für visuelles Storytelling an der Schnittstelle von Kunst, Kultur, Fashion und Film. Mit kuratierten Kurzfilmen und dokumentarischen Arbeiten schafft NOWNESS Raum für emotionale, ästhetisch anspruchsvolle Geschichten, die oft leise erzählt werden – und gerade dadurch lange nachwirken.