Für die neue DETOXDENIM-Kampagne von ARMEDANGELS übernimmt Cara Delevingne das Kommando. „Never the Expected“ verbindet ihre kompromisslose Individualität mit innovativen Materialien, markanten Silhouetten und einer Denim-Produktion, die den Status quo hinterfragt.

Cara Delevingne lässt sich nur schwer auf eine Rolle reduzieren. Model, Schauspielerin, Musikerin – und immer wieder eine Persönlichkeit, die sich Erwartungen entzieht. Genau diese Unberechenbarkeit macht sie zum Gesicht der Autumn/Winter 2026 DETOXDENIM-Kollektion von ARMEDANGELS.

Unter dem Titel „Never the Expected“ inszeniert die Kölner Fashion Brand Denim nicht als zeitlosen Klassiker, sondern als Material im Wandel. Im fiktiven DETOXDENIM Lab übernimmt Delevingne die Kontrolle, bricht mit vertrauten Bildern und macht aus Jeans eine Haltung: neugierig, eigenständig und bereit für Veränderung.

Die Kunst, sich nicht festlegen zu lassen

Cara Delevingne bewegt sich seit Jahren zwischen unterschiedlichen kreativen Welten. Sie stand auf internationalen Laufstegen, spielte in Film- und Serienproduktionen und schlägt nun mit ihrem Debütalbum Not Normal, das am 25. September 2026 erscheint, ein neues Kapitel auf.

Der Albumtitel könnte ebenso gut über der Zusammenarbeit mit ARMEDANGELS stehen. Denn sowohl Delevingne als auch die Marke verbindet die Weigerung, sich in eine vorgegebene Form einfügen zu lassen.

„ARMEDANGELS macht vieles anders als die meisten Marken. Und das ist wichtig, denn man weiß genau, was man trägt und wie es hergestellt wurde“, sagt Cara Delevingne.

Dabei bleibt „Never the Expected“ nicht bei einer rebellischen Bildsprache stehen. Die Kampagne stellt die Frage, wie Denim heute aussehen, sich anfühlen und produziert werden kann.

Denim als Materialexperiment

Seit 2018 bündelt ARMEDANGELS seine alternativen Ansätze zur Jeansproduktion unter dem Namen DETOXDENIM. Materialien, Waschungen, Verarbeitung und Finishing werden dabei immer wieder überprüft. Das Ziel: Jeans zu entwickeln, die nach Angaben der Marke ohne synthetische Pestizide und gefährliche Chemikalien auskommen, weniger Ressourcen benötigen und dennoch bei Passform, Qualität und Ästhetik überzeugen.

Eine zentrale Rolle in der neuen Kollektion spielt SaXcell®. Die Lyocell-Faser der nächsten Generation besteht zu 30 Prozent aus recycelten Baumwolltextilabfällen und zu 70 Prozent aus FSC®-zertifiziertem Holzzellstoff. Das Material verbindet einen weichen Griff und fließenden Fall mit der Qualität einer neu produzierten Faser. ARMEDANGELS führte SaXcell® bereits im Frühjahr 2025 ein und baut dessen Einsatz seither weiter aus.

Daneben rückt Selvedge Denim in den Mittelpunkt. Er entsteht auf traditionellen Webstühlen und ist an seiner besonders sauberen und robusten Webkante erkennbar. Statt des klassischen roten Details verwendet ARMEDANGELS eine gelbe Kante – ein kleiner, aber charakteristischer Bruch mit der Denim-Tradition. Gefertigt wird der Stoff aus Bio-Baumwolle.

Auch bei Waschungen und Finishing setzt die Marke unter anderem auf Ozon- und Lasertechnologien, um Wasserverbrauch und Chemikalieneinsatz zu reduzieren. Unabhängige Zertifizierungen wie GOTS, GRS, OCS und RCS dokumentieren bereits bei Teilen der Kollektion die eingesetzten Materialien und Produktionsstandards.

Neue Silhouetten in Deep Indigo

Optisch bewegt sich die Autumn/Winter 2026 Kollektion zwischen kräftigem Deep Indigo, ausgeprägten Vintage-Waschungen und entspannten, selbstbewussten Silhouetten.

Bei den Damen gehören der von Workwear inspirierte Barrel Fit Aalthea, die Wide-Leg-Modelle Enijaa und Astraeaas sowie der Straight Fit Aikaala zu den prägenden Formen. Die Herrenkollektion erweitert das Spiel mit Volumen durch den Relaxed Tapered Fit Maakxy, den Baggy Fit Jaameo und den neuen Classic Straight Fit Maadox.

Die Schnitte folgen keinem einzelnen Trend. Sie zeigen vielmehr, wie vielseitig moderner Denim sein kann: konstruiert oder fließend, körpernah oder bewusst oversized, nostalgisch und gleichzeitig zukunftsorientiert.

So wird Cara Delevingne nicht nur zum prominenten Gesicht einer Kampagne. Sie verkörpert deren eigentliche Idee: Identität ist nichts Starres. Sie darf sich verändern, widersprechen und immer wieder neu erfinden.

Die DETOXDENIM-Kollektion mit Cara Delevingne ist ab dem 17. September 2026 unter armedangels.com und im ausgewählten stationären Handel erhältlich.

80 Jahre Modegeschichte – und kein Grund, rückwärtszublicken. Gattinoni übersetzt für Herbst/Winter 2026/27 die große Vergangenheit der römischen Maison in eine neue, tragbare Gegenwart. Zwischen italienischer Skulptur, 1950er-Silhouetten und moderner Weiblichkeit entsteht Prêt-à-porter mit Haltung.

Audrey Hepburn, Anita Ekberg, das Rom der 1950er- und 1960er-Jahre: Es wäre für Gattinoni ein Leichtes, sich zum 80-jährigen Jubiläum im eigenen Archiv zu verlieren. Schließlich gehört die Maison zu jener Generation italienischer Modehäuser, die das Bild von Made in Italy weit über die Landesgrenzen hinaus geprägt haben.

Doch Nostalgie interessiert Creative Director Luigi Filippo Morelli offenbar weniger als Transformation. Das historische Erbe wird nicht reproduziert, sondern zerlegt, reduziert und neu zusammengesetzt. Das Ergebnis ist die Herbst/Winter-Kollektion 2026/27 – und eine deutlichere Positionierung von Gattinoni als zeitgenössische Prêt-à-porter-Marke.

Von Couture zu Contemporary

Die neue Gattinoni-Frau lebt nicht mehr in der Welt der großen Filmstudios. Sie bewegt sich zwischen Arbeit, Reisen und Kultur, ist international, selbstständig und aktiv. Ihre Kleidung darf elegant sein – aber sie muss sich bewegen können.

Genau hier beginnt die interessante Verschiebung: Couture bleibt Teil der DNA, zeigt sich jedoch weniger in großer Geste als in Konstruktion und Detail.

Morelli findet seine Inspiration in der italienischen Skulptur. Drapierungen erinnern an in Stein gemeißelte Stoffe, Ärmel entwickeln plastisches Volumen, Rüschen werden beinahe architektonisch. Hemden erhalten dekorative Plastrons und Manschetten, Strick wird mit Rosettenstickereien versehen. Selbst Denim spielt mit Kulturgeschichte: Laserprints greifen Motive klassischer Architektur auf.

Rom, in Stein und Stoff

Auch die Farbpalette wirkt wie ein Spaziergang durch eine italienische Stadtlandschaft: Steinweiß, Grau, Beige und Braun treffen auf Olivgrün, pudriges Rosa, Anthrazit und Schwarz. Denimblau setzt einen bewusst alltäglicheren Akzent.

Flanell, Cashmere-Mischungen, Georgette, Baumwollpopeline, Eco-Fur und Eco-Wildleder erzeugen unterschiedliche Oberflächen und Volumen. Besonders die Strickwaren aus Cashmere und Schurwolle übersetzen mit ausgeprägten Rippenstrukturen architektonische Formen in etwas erstaunlich Körperliches.

Und dann sind da die 1950er-Jahre – allerdings ohne Retro-Kostüm. Betonte Schultern, ausgestellte Midi-Röcke und -Kleider, voluminöse Ärmel und Blazer mit spitzem Revers zitieren die Vergangenheit, während weite Bundfaltenhosen, Carrot-Silhouetten und oversized Hemden sie wieder ins Heute holen.

80 Jahre – und weiter

Dass Gattinoni seine neue Kollektion gemeinsam mit ausgewählten Archivstücken präsentiert, ist deshalb nur konsequent. Die Vergangenheit wird nicht versteckt. Sie wird zum Gegenüber.

Historische Filmsequenzen und Originalmodelle, die einst unter anderem Anita Ekberg und Audrey Hepburn trugen, erzählen von einer Ära, in der italienische Mode begann, ein internationales Lebensgefühl zu definieren.

Acht Jahrzehnte später stellt sich Gattinoni einer vielleicht schwierigeren Aufgabe: nicht zu zeigen, wie bedeutend die Vergangenheit war, sondern warum die Marke heute noch relevant sein kann.

Die Antwort liegt womöglich genau in dieser Kollektion: Tradition wird erst dann interessant, wenn sie sich verändern darf.

Wie der Prix Versailles Architektur zur neuen Sprache der Gastlichkeit macht

Restaurants sind längst mehr als Orte zum Essen geworden.
Sie sind Bühnen für Atmosphäre, Architektur, Erinnerung und kulturelle Identität.

Mit der Veröffentlichung der „World’s Most Beautiful Restaurants List 2026“ richtet der Prix Versailles den Blick erneut auf jene Räume, in denen Gastlichkeit weit über Kulinarik hinausgeht. Die diesjährige Auswahl vereint sechzehn Restaurants aus aller Welt, die zeigen, wie Design, Architektur und emotionale Erfahrung zu einer neuen Form von Hospitality verschmelzen.

Von Dubai bis Kapstadt, von Helsinki bis Hongkong entsteht dabei ein Bild zeitgenössischer Gastlichkeit, das weniger von Luxus im klassischen Sinn erzählt als von Atmosphäre, kultureller Tiefe und räumlicher Inszenierung.

Was ist der Prix Versailles?

Der 2015 gegründete und von der UNESCO unterstützte Prix Versailles zählt heute zu den bedeutendsten internationalen Architektur- und Designpreisen im Bereich Hospitality und kultureller Räume.

Im Gegensatz zu klassischen Restaurant- oder Hotelrankings bewertet der Preis nicht allein Kulinarik oder Luxus, sondern die Verbindung aus Architektur, intelligenter Nachhaltigkeit, kultureller Relevanz und menschlicher Erfahrung. Ausgezeichnet werden Projekte, die Räume schaffen, die emotional wirken und zugleich Ausdruck ihrer Umgebung sind.

Gerade deshalb gilt der Prix Versailles mittlerweile als wichtiger Seismograf für die Zukunft von Hospitality Design.

The World’s Most Beautiful Restaurants 2026

Nobu One Za’abeel — Dubai, Vereinigte Arabische Emirate

Hundert Meter über Dubai schwebt Nobu One Za’abeel wie eine architektonische Brücke zwischen Kulturen.

Im spektakulären Sky Concourse des One Za’abeel verbinden sich Chef Nobu Matsuhisas japanisch-südamerikanische Einflüsse mit monumentaler Architektur, dramatischem Licht und einem Blick über die Skyline der Stadt.

Das Restaurant wirkt wie eine urbane Bühne zwischen Himmel, Kulinarik und Nachtleben.

Le Fou — Wien, Österreich

Le Fou übersetzt die sinnliche Atmosphäre der Pariser Nacht in einen zeitgenössischen Wiener Kontext.

Seide, Mohair-Samt, Naturstein und patinierte Metalloberflächen schaffen Räume, die weniger gestaltet als emotional komponiert wirken. Warme Terrakotta-Töne, gedämpftes Licht und intime Nischen verleihen dem Ort eine fast filmische Qualität.

Luxus zeigt sich hier nicht durch Perfektion, sondern durch Atmosphäre.

Monti — Gstaad, Schweiz

Mit Blick auf die alpine Landschaft interpretiert Monti traditionelle Bergarchitektur auf zeitgenössische Weise neu.

Warme Hölzer, gewebte Bronzeelemente und italienisch inspirierte Eleganz schaffen einen Ort, der zugleich lokal verwurzelt und international wirkt.

Die Atmosphäre bleibt intim, ohne ihre architektonische Klarheit zu verlieren.

Akira Back — Hong Kong, China

Im von Zaha Hadid Architects entworfenen Hochhaus The Henderson entsteht mit Akira Back eine multisensorische Komposition aus Design, Licht und Kulinarik.

Runde Formen, skulpturale Decken und sorgfältig inszenierte Lichtstimmungen spiegeln die Dynamik Hongkongs wider.

Das Restaurant wirkt gleichzeitig futuristisch und warm.

Hana no Kumo — Hong Kong, China

Hana no Kumo reduziert Gastlichkeit auf ihre essenziellsten Elemente: Ruhe, Handwerk und Konzentration.

Mit nur 24 Sitzplätzen erinnert das Restaurant an eine moderne japanische Berghütte. Holz, Washi-Papier und sakura-inspirierte Lichtobjekte erzeugen eine fast meditative Atmosphäre.

Jedes Detail scheint bewusst gesetzt zu sein.

Monsieur Dior by Anne-Sophie Pic — Peking, China

Im House of Dior in Peking verschmelzen Haute Couture, Architektur und Fine Dining zu einer poetischen Erzählung.

Fotografien ikonischer Dior-Silhouetten, Kunstwerke des chinesischen Künstlers Hong Hao und die kulinarische Handschrift von Anne-Sophie Pic schaffen einen Raum zwischen Frankreich und China.

Kulinarik wird hier zur Form von kultureller Couture

Peridot — Hong Kong, China

Peridot gleicht einer futuristischen Traumlandschaft.

Mehr als 20.000 handgefertigte Lichtobjekte, spiegelnde Oberflächen und tiefgrüne Farbtöne verwandeln die Cocktailbar in eine immersive Installation zwischen Disco-Glamour und Kunstwerk.

Der Raum scheint permanent in Bewegung zu sein.

Escā Playa — Ras El Hekma, Ägypten

Escā Playa erhebt sich aus der ägyptischen Küstenlandschaft wie eine vom Wind geformte Felsenlandschaft.

Architekt Mohamed Badie löst die Grenzen zwischen Architektur und Natur beinahe vollständig auf. Licht, Schatten und mineralische Oberflächen erzeugen einen Raum, der eher entdeckt als gebaut wirkt.

Die Architektur scheint direkt aus der Landschaft zu wachsen.

Finlandia Bistro — Helsinki, Finland

Das Finlandia Bistro befindet sich in einem der bedeutendsten Bauwerke Finnlands: der von Alvar Aalto entworfenen Finlandia Hall.

Die behutsame Neugestaltung durch das Designstudio Fyra verbindet den Geist der Moderne mit zeitgenössischer Zurückhaltung und bemerkenswerter Sensibilität.

Ein stiller Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart

Carbone — London, United Kingdom

Carbone London bringt die glamouröse Welt amerikanischer Supper Clubs nach Mayfair.

Samt, Mosaike, lackiertes Holz und Kunstwerke von Ai Weiwei bis René Ricard erschaffen eine dramatische Atmosphäre voller Nostalgie und Inszenierung.

Alles wirkt wie die Kulisse eines stilisierten Filmsets.

Rosso — Hinganigada, Indien

Mitten in einer weitläufigen Weinlandschaft verbindet Rosso mediterrane Eleganz mit indischer Architektur und Landschaft.

Poliertes Holz, grüner Marmor und warmes Licht schaffen eine Atmosphäre zwischen italienischem Barock und zeitgenössischer Zurückhaltung.

Der Ort wirkt gleichzeitig opulent und geerdet.

Marlow — Monaco

Marlow interpretiert britische Eleganz auf überraschend warme Weise neu.

Der Künstler und Architekt Hugo Toro erschafft im neuen Mareterra-Viertel einen Ort voller historischer Referenzen, maßgefertigter Möbel und subtiler Riviera-Nostalgie.

Wie ein fiktiver Members Club zwischen Vergangenheit und Gegenwart.

Lucia — Los Angeles, United States

Lucia bringt afro-karibische Kultur in die Nachtlandschaft von Los Angeles.

Tropische Muster, skulpturale Formen und Musik als integraler Bestandteil des Erlebnisses schaffen einen Ort voller Energie und Leichtigkeit.

Das Restaurant fühlt sich jung, mutig und lebendig an.

Monsieur Dior by Dominique Crenn — Beverly Hills, United States

m Dior House in Beverly Hills begegnen sich kalifornisches Licht und französische Raffinesse.

Peter Marino verbindet florale Elemente, Gartenreferenzen und offene Terrassen zu einer Atmosphäre zwischen Couture und entspanntem Westcoast-Lifestyle.

Innen- und Außenraum fließen beinahe nahtlos ineinander.

Mottai — Coral Gables, United States

Mottai verbindet japanische Präzision mit weichen, zeitgenössischen Formen.

Im Zentrum des Restaurants steht eine offene Sushi-Bar unter einem skulpturalen Baldachin, während geschwungene Linien und taktile Materialien eine ruhige Intimität erzeugen.

Dining wird hier zur Choreografie.

Amura by Ángel León — Cape Town, Süd Afrika

Amura interpretiert das Meer als räumliches Erlebnis.

Inspiriert von Unterwasserlandschaften und marinen Ökosystemen entsteht ein atmosphärischer Raum aus tiefen Grüntönen, Bronze und warmem Licht.

Das Restaurant wirkt wie ein cineastischer Tauchgang zwischen zwei Ozeanen.

Architektur als emotionale Erfahrung

Die Auswahl des Prix Versailles 2026 zeigt eindrucksvoll, wie sehr sich Hospitality verändert hat.

Die spannendsten Restaurants unserer Zeit definieren sich nicht allein über ihre Küche, sondern über die Emotionen, die ihre Räume erzeugen. Licht, Materialität, Klang, Kultur und Architektur werden Teil eines ganzheitlichen Erlebnisses.

Oder anders gesagt:
Architektur ist längst Teil der Speisekarte geworden.

Mit Braid erschaffen die polnischen Filmemacher Mateusz Miszczynski und Maria Słabek ein sensibles filmisches Porträt über Schwesterliebe, Erwachsenwerden und die leisen Schmerzen des Abschieds. Im Mittelpunkt stehen die belarussischen Schwestern Anastasiia und Polina, deren Beziehung von Nähe geprägt ist – und von der Distanz, die entsteht, als die ältere Schwester Minsk verlässt, um in Warschau ein neues Leben zu beginnen.

Zwischen dokumentarischer Beobachtung und poetischer Bildsprache entfaltet sich ein intimer Blick auf das fragile Gefühl des Loslassens. Der titelgebende Zopf wird dabei zum stillen Symbol der Verbindung zwischen den beiden Schwestern – wie ein unsichtbarer Faden, der Erinnerung, Herkunft und Zugehörigkeit zusammenhält.

Gedreht auf 35mm, verbindet Braid natürliche Alltagsmomente mit einer beinahe märchenhaften Atmosphäre. Miszczynski und Słabek verweben magischen Realismus mit echten biografischen Erfahrungen und schaffen so einen Film, der zugleich zart, melancholisch und universell wirkt.

Es ist ein Werk über das Erwachsenwerden, über Sehnsucht nach einem besseren Leben – und über die emotionale Kraft familiärer Bindungen, die selbst Grenzen und Zeit überdauern.

Über NOWNESS
NOWNESS gilt seit Jahren als eine der stilprägendsten Plattformen für visuelles Storytelling an der Schnittstelle von Kunst, Kultur, Fashion und Film. Mit kuratierten Kurzfilmen und dokumentarischen Arbeiten schafft NOWNESS Raum für emotionale, ästhetisch anspruchsvolle Geschichten, die oft leise erzählt werden – und gerade dadurch lange nachwirken.

rebekka ruétz übersetzt einen Mythos in radikale Gegenwart

Zwischen Rabenschwarz und Blutrot, zwischen organischem Moos und skulpturaler Avantgarde entsteht eine Kollektion, die weniger Mode als Haltung ist. Mit LILITH transformiert rebekka ruétz eine mythische Figur in ein zeitgenössisches Manifest weiblicher Ganzheit – roh, poetisch und kompromisslos.

Die Rückkehr der Dämonisierten

Lilith – jene Figur, die über Jahrhunderte als Bedrohung markiert wurde – erscheint hier nicht als Provokation, sondern als Spiegel. In der Neuinterpretation von rebekka ruétz wird sie zur Projektionsfläche für all jene Zuschreibungen, die weibliche Autonomie historisch begleitet haben.

Angst neben Würde. Verletzlichkeit neben Stärke. Licht neben Schatten.

LILITH löst Widersprüche nicht auf – sie trägt sie. Die Kollektion versteht Rebellion nicht als Pose, sondern als Reaktion. Nicht als Inszenierung, sondern als Integration.

Mode im Werden

Die Entwürfe entstehen prozessorientiert – nicht als fertige Skizze, sondern im Dialog mit dem Körper. Drapierungen werden verschoben, Schnitte neu geformt, Materialien getestet. Silhouetten entwickeln sich im Prozess.

Jeder Look ist weniger „gemacht“ als entdeckt.

Skulpturale Korsagen treffen auf fließende Konstruktionen, Volumen entsteht durch gleichzeitige Konstruktion und Auflösung. Der Körper wird nicht verkleidet, sondern begleitet. Minimalistische Avantgarde trifft auf organische Dreidimensionalität.

Lebendiges Material: Moos als Manifest

Ein zentrales Element der Kollektion sind Applikationen aus echtem Moos – in Blutrot, rauchigem Schwarz und schmutzigem Weiß. Das Material, bekannt aus dem Interior Design, wird erstmals konsequent auf den Körper übertragen.

Moos ist lebendig.
Es reagiert auf Bewegung, Zeit und Berührung.
Es verändert sich. Es bröselt. Es hinterlässt Spuren.

Perfektion wird bewusst unterlaufen. Das Kleid ist kein abgeschlossenes Objekt, sondern ein Körper, der Geschichte trägt.

In Kooperation mit Organoid entsteht so eine textile Oberfläche, die Vergänglichkeit nicht kaschiert, sondern zelebriert.

Farbwelten zwischen Erdung und Transzendenz

Rabenschwarz bildet das Fundament.
Rottöne erscheinen in vielschichtigen Abstufungen – dunkles Blutrot als Ursprung, klares Leuchtrot als Impuls, tiefes Purpur mit violettem Einschlag als mythische Referenz.

Weiß changiert zwischen Kalkweiß, schlangenartigen Texturen und schmutzigem Beige. Ergänzt wird die Palette durch muted Gold und moonlit Silver.

Die Farbwelt oszilliert zwischen Körperlichkeit und Transzendenz – zwischen Erdung und Schimmer.

Nachhaltigkeit als Haltung

Upcycling-, Recycling- und Deadstockstoffe bilden die Basis der Kollektion. Ergänzt werden sie durch nachhaltige Spitze, Denim aus Biobaumwolle, gegossenes Naturlatex in Schlangenoptik, zertifizierte Materialien wie Tencel sowie traditionell gefertigten Tiroler Loden.

Material wird hier nicht dekorativ eingesetzt, sondern neu kontextualisiert.

Nachhaltigkeit ist kein Add-on – sie ist strukturelle Entscheidung.

Hair & Make-up: Die zweite Haut

Die visuelle Ebene wird durch aufwendig gefertigte Hair-Accessoires, Masken und geflochtene Kappen aus veganem Haar erweitert – entstanden in über 400 Arbeitsstunden.

Sie wirken wie zweite Haut oder auferlegte Hülle.
Sie bewegen sich zwischen Unschuld und Dämonisierung.

Make-up und Hairstyling oszillieren zwischen rauer Oberfläche und klarer grafischer Linie. Skulpturale Nail-Designs greifen Motive wie Schlange, Moos und organische Texturen auf – abstrahiert, körperlich erfahrbar, niemals illustrativ.

Berlin als Resonanzraum

Präsentiert wird LILITH in der Alten Münze in Berlin – einem Ort zwischen Monumentalität und Rohheit. Installation, Fashion Film und inszenierte Runway-Präsentation verschmelzen zu einer dichten Atmosphäre.

Die Berlin Fashion Week bietet hier den kulturellen Kontext: Mode als Diskursraum, als künstlerische Sprache jenseits reiner Marktlogik.

LILITH ist keine Kollektion.

Sie ist eine Einladung.

Komplexität sichtbar zu machen.
Widersprüche nicht zu glätten.
Vergänglichkeit als ästhetische Qualität zu begreifen.

Mode wird zur Sprache für das, was oft verdrängt oder dämonisiert wird – und genau dadurch gegenwärtig.

Photos: Marcus Hartelt for Berlin Fashion Week | Linda Leitner | Annika Yanura

Eine Liebeserklärung an Neapel – zwischen Feuer, Glaube und Fußball

Neapel ist kein Ort der leisen Zwischentöne. Die Stadt lebt, vibriert, explodiert – getragen von der Energie des Vulkans, der sie überragt: dem Vesuv, von den Einheimischen ehrfürchtig Signore, der Herr der Natur, genannt. Mehr als drei Millionen Menschen teilen hier einen Alltag, der sich anfühlt wie ein permanenter Dialog mit der Unberechenbarkeit des Lebens. Vielleicht ist es genau diese Nähe zur Gefahr, die Neapel so intensiv, so unmittelbar macht.

In den elektrischen Blautönen der Straßenschreine, im Schimmern des Golfs von Neapel, im Dröhnen der Motorroller und in der kompromisslosen Leidenschaft der Fußballfans verdichtet sich der Charakter dieser Stadt. Chaos und Schönheit existieren hier nicht nebeneinander – sie sind untrennbar.

„Ich wollte diese vibrierende, unmögliche Stadt in ihrem heiligsten Moment einfangen. Wenn Feuer jederzeit ohne Vorwarnung aus dem Boden brechen kann, lebt man vielleicht anders. Ohne Helm. Mit mehr Dringlichkeit, mehr Fülle, mehr Gefühl.“

Mit Sotto Il Vesuvio fängt Regisseur Kevin Koch Neapel auf 16mm-Film ein – körnig, roh und voller Emotion. Gedreht während der ausgelassenen Straßenfeiern zum Heimsieg des SSC Napoli gegen Cagliari im August 2025, wird Fußball zur Religion und Diego Maradona zur allgegenwärtigen Ikone. Ein Film über eine Stadt, in der Glaube und Aberglaube ineinanderfließen – und das Leben immer am Limit pulsiert.

Über NOWNESS

Nowness ist eine internationale Videoplattform für zeitgenössische Kultur, die außergewöhnliche Geschichten aus den Bereichen Kunst, Mode, Design, Architektur und Film erzählt. Kuratiert, visuell anspruchsvoll und stets am Puls der Zeit, bietet NOWNESS Raum für kreative Perspektiven jenseits des Mainstreams – und für Filme wie Sotto Il Vesuvio, die Atmosphäre über Erklärung stellen.

Wenn Mode zur Haltung wird

Wenn der Tag sich verabschiedet und das Licht weicher wird, beginnt die Blaue Stunde.
Jener magische Moment zwischen Tag und Nacht dient Marcel Ostertag als poetischer Ausgangspunkt für seine neue Autumn/Winter 2026 Kollektion The Blue Hour – eine Modeerzählung über Wandel, Zusammenhalt und stille Stärke.

Zwischen Ostsee und Tegernsee

Entstanden ist die Kollektion in kreativen Rückzugsorten: im Ostseebad Ahrenshoop und am Tegernsee. Fernab des gewohnten Modezirkus fand der Designer Ruhe, Klarheit und neue Fokussierung. Die Natur wurde dabei nicht nur zur Inspirationsquelle, sondern zum aktiven Gestaltungsraum. Fotografisch festgehaltene Abendstimmungen – das tiefe Blau der Ostsee, glühende Sonnenuntergänge über dem See – wurden direkt in Prints übersetzt und bilden das emotionale Herz der Kollektion.

Eleganz trifft moderne Streetwear

Im Zentrum stehen kraftvolle Drucke und eine ausdrucksstarke Farbwelt: intensive Blautöne treffen auf Mandarin, Kupfer, Mint, Offwhite, Schwarz und verschiedene Grauschattierungen. Marmor-Effekte und grafisch verfremdete Naturstrukturen verleihen Tiefe und Bewegung.
Fließende Jersey-Kleider umspielen die Silhouette, handgestrickte Maxi-Schals setzen textile Akzente. Power-Mäntel mit klaren Linien treffen auf zarten Chiffon, schmale Röcke und markante Schultern – ein Look, der Haltung zeigt und gleichzeitig feminine Stärke feiert.

Glamour mit Geschichte

Glamour bleibt ein fester Bestandteil der Ostertag-DNA. Schwarze Pailletten verschmelzen mit schimmerndem Kupfer, Retro-Silhouetten der 70er-Jahre werden neu interpretiert und in die Gegenwart transportiert. Selbst der klassische Jogginganzug erhält ein glamouröses Update – ein selbstbewusster Stilbruch, der zeigt: Diese Kollektion will nicht gefallen, sondern erzählen.

„Wir kämpfen für Freiheit und Frieden.
Wir stehen für Respekt und Gerechtigkeit.
Nicht allein – immer zusammen.“

Neue Wege der Präsentation

Statt einer klassischen Runway-Show lädt Marcel Ostertag zur Cocktail-Party. Die Kollektion wird den gesamten Abend über videografisch inszeniert – ein bewusster Bruch mit Konventionen und zugleich ein Zeichen für Veränderung. Der Ausstieg aus dem Fashion Council Germany und die Neuausrichtung der Berlin Fashion Week markieren einen Wendepunkt: Ostertag blickt nach vorn und plant, seine Kollektionen künftig wieder international zu präsentieren.

Nachhaltigkeit als gelebte Überzeugung

Seit fast zwei Jahrzehnten verfolgt Marcel Ostertag einen klaren Anspruch: Luxus und Nachhaltigkeit schließen sich nicht aus. Rund 80 Prozent der Kollektion bestehen aus hochwertigen Deadstock-Materialien renommierter Luxusmarken. Ergänzt wird dieser Ansatz durch einen lebenslangen Reparaturservice – ein Plädoyer für Wertschätzung, Langlebigkeit und bewussten Konsum.

Starke Partnerschaften

Auch in dieser Saison wird die Kollektion von langjährigen Partnern begleitet: nachhaltige Eyewear-Designs, individuelle Hair- und Make-up-Looks sowie atmosphärische Kampagnenfilme ergänzen The Blue Hour zu einem ganzheitlichen Modeerlebnis. Eine Kollektion, die zeigt, dass Mode mehr sein kann als Kleidung – nämlich Ausdruck von Haltung.

Ein poetischer Blick auf Männlichkeit in Nordbrasilien

Wie fühlt sich Männlichkeit an, wenn man sie mit den Augen einer Frau betrachtet? Die brasilianische Regisseurin Laís Sambugaro hat mit dem Kurzfilm In My Father’s Eyes eine zarte wie eindringliche Meditation über Identität, Tradition und Männlichkeitsbilder geschaffen.

Gedreht auf Super8 in den ländlichen Landschaften von Pará im Norden Brasiliens, begegnet Sambugaro dem Universum der Cowboys – einem von Ritualen und unausgesprochenen Codes geprägten Mikrokosmos.

Cowboys, Codes und Kontraste

Gemeinsam mit Filmemacher und Musiker Ryland Bouchard, der dem Film seine poetische Stimme leiht, stellt Sambugaro die Frage: Was bedeutet Männlichkeit? Und was geschieht, wenn sich die geerbten Bilder von Stärke und Härte mit queeren Sehnsüchten überschneiden?

Die Kamera tastet sich durch staubige Landschaften, überträgt Gesten und Blicke, fängt Rituale ein – und eröffnet doch eine Atmosphäre des Träumens, unterstützt von einem eigens komponierten Soundtrack von João Pedro Dentello.

Eine Frau im männlichen Kosmos

„Der Film ist eine Reflexion meiner Erfahrung als Frau in einer überwiegend männlichen, ländlichen Welt – umgeben von fremden Codes. Oft war ich die einzige Frau im Raum.“
– Laís Sambugaro

Anstatt Weiblichkeit zu inszenieren, richtet Sambugaro ihren Fokus auf das Maskuline – auf Gesten, Sprache und Rollenbilder. Daraus entsteht ein poetischer Zwischenraum: zwischen Erinnerung und Allegorie, zwischen Härte und Verletzlichkeit.

Über Nowness

Nowness zählt zu den führenden digitalen Plattformen für Kurzfilme in den Bereichen Kunst, Design, Mode und Kultur. Kuratiert von einem internationalen Redaktionsteam zeigt die Plattform täglich filmische Arbeiten, die gleichermaßen ästhetisch wie erzählerisch überzeugend sind. In My Father’s Eyes reiht sich in diese Auswahl visionärer Projekte ein – ein poetischer Blick auf Identität, Tradition und Emotion.

Ein Abend, an dem Mode Geschichte schrieb – die Met Gala 2025 stand ganz im Zeichen schwarzer Eleganz, kultureller Identität und kunstvoller Maßschneiderei.

Tailored for You: Die Ausstellung, die den Ton angab

Unter dem Motto „Tailored for You“ widmete sich die diesjährige Met Gala der Frühjahrsausstellung „Superfine: Tailoring Black Style“ des Costume Institute im New Yorker Metropolitan Museum of Art. Die Ausstellung, die ab dem 10. Mai 2025 öffentlich zugänglich ist, beleuchtet über 300 Jahre schwarze Modegeschichte – von der Ästhetik des Black Dandyism über politische Statements bis hin zu zeitgenössischer Streetwear.

Ziel der Ausstellung ist es, Mode nicht nur als Kleidungsform, sondern als Mittel von Selbstausdruck, Empowerment und Widerstand sichtbar zu machen.

Louis Vuitton: Sponsor, Gestalter und stilprägend

Louis Vuitton trat in diesem Jahr nicht nur als Sponsor der Ausstellung auf – das Haus prägte die Gala wie kaum ein anderes Label. Kein Wunder: Pharrell Williams, Men’s Creative Director bei Louis Vuitton, übernahm die Rolle des Co-Vorsitzenden der Veranstaltung.

Er selbst setzte ein modisches Ausrufezeichen:
Ein von ihm entworfenes, doppelreihiges Abendjackett aus 15.000 handverarbeiteten weißen Perlen, das einen subtilen Nadelstreifen-Effekt erzeugte, kombiniert mit ausgestellten Wollhosen, Seidenkrawatte und der ikonischen Speedy P9 in Krokodilleder. Eine Hommage an die Handwerkskunst des Hauses und Ausdruck einer klaren Designvision: Dandyismus als Statement.

Stars in Maß: Die Looks der Louis Vuitton-Gäste

Zendaya: Femininer Dandy-Look

Die Schauspielerin erschien in einem weißen Smoking mit ausgestellter Hose aus matter Seide und einem breiten Filzhut – eine Anspielung auf die Zoot Suits der 1940er-Jahre, neu interpretiert in femininer Maßschneiderei. Ein Look, der Stilgeschichte schreibt.

Future: Streetwear trifft Schneidertradition

Der Rapper präsentierte sich in einem bouclégewebten Trainingsanzug im Prince-of-Wales-Jacquard, verziert mit Kristallen und roten Perlen. Der Mix aus Sportlichkeit und Tailoring zeigte, wie Subkultur und Haute Couture verschmelzen können.

Lisa: Haute Couture trifft Kunst

Die K-Pop-Ikone trug eine Basque-Jacke aus schwarzer Spitze, bestickt mit einem Kunstwerk des amerikanischen Künstlers Henry Taylor, über einem korsettierten Body und Monogramm-Strumpfhosen. Ein meisterhaftes Spiel zwischen Kunst, Couture und Identität.

Callum Turner: Der Jazz-Dandy

Mit einem perlenbestickten Damier-Tuch, ausgestelltem Wollanzug und klassischem Cravaté erinnerte der Look an die Dandys der Jazz-Ära – neu interpretiert durch das Louis Vuitton Atelier.

Die Botschaft der Met Gala 2025

Diese Gala war keine bloße Modenschau. Sie war eine Ode an schwarze Stilgeschichte, an handwerkliche Exzellenz und an das Selbstverständnis von Mode als kulturelle Ausdrucksform. Mit maßgeschneiderten Looks, die sowohl klassisch als auch rebellisch wirken, führte Pharrell Williams eine neue Ära im Herren-Design ein – eine Ära, in der Anzüge Geschichten erzählen.

Lulu Tenney ist eine Vision der Couture, eingebettet in die neuesten Kollektionen von Dior, Alaïa, Jean Paul Gaultier by Ludovic de Saint Sernin, Valentino, Chanel und anderen. Sehen Sie sich den bezaubernden Modefilm von Nick Knight für Harper’s Bazaar Italia an.

Mode: Chanel, Giambattista Valli, Dior, Schiaparelli, Celine, Hedi Slimane, Miss Sohee, Veronica Marucci Chapeaux, Jean Paul Gaultier Haute Couture von Ludovic de Saint Sernin, Giorgio Armani Privé, Giambattista Valli Haute Couture, Roger Vivier, Dolce & Gabbana, Alaïa, Piers Atkinson, Valentino, Sartoria Angela, Rahul Mishra, Officine Lamour, Thomasine Gloves, Vivienne Westwood, Philip Treacy,

Alaïa SHOWstudio wurde im November 2000 gegründet und ist eine preisgekrönte Mode-Website. Gründer und Geschäftsführer ist Nick Knight. Sie hat die Art und Weise der Modepräsentation im Internet maßgeblich geprägt. Als Pionier des Modefilms und der Live-Modeübertragung gilt SHOWstudio heute als treibende Kraft hinter diesen Medien und bietet eine einzigartige Plattform, um Mode im digitalen Zeitalter mit bewegten Bildern zu verbinden.

Für seine Mode– und Kunstdokumentationen hat SHOWstudio mit Popkultur-Ikonen und Kreativen wie Tracey Emin, Lady Gaga, John Galliano, Kate Moss, Alexander McQueen, Charles Jeffrey, Gareth Pugh und vielen anderen zusammengearbeitet.

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