Warum die Zukunft nicht nur mehr Freude, sondern auch mehr Verbindung braucht

Die Sehnsucht nach dem Gemeinsamen

Noch nie zuvor waren Menschen so stark miteinander vernetzt.

Und gleichzeitig fühlen sich viele Menschen so isoliert wie nie.

Wir kommunizieren permanent. Wir teilen Gedanken, Bilder und Meinungen in Echtzeit. Dennoch wächst in vielen Teilen der Welt das Gefühl von Einsamkeit, Polarisierung und gesellschaftlicher Fragmentierung.

Vielleicht liegt genau darin eine der großen Herausforderungen unserer Zeit:

Wie schaffen wir Verbindung in einer Welt, die immer stärker auseinanderzudriften scheint?

Die britische Künstlerin und Bühnenbildnerin Es Devlin widmet ihr gesamtes Werk dieser Frage.

Die Architektin kollektiver Erfahrungen

Es Devlin zählt zu den einflussreichsten Kreativen unserer Zeit.

Sie entwirft Bühnenbilder für Musiker, Operninszenierungen und globale Veranstaltungen. Doch ihre eigentliche Arbeit beginnt dort, wo klassische Bühnenbilder enden.

Devlin interessiert sich weniger für das, was Menschen betrachten.

Sie interessiert sich für das, was Menschen gemeinsam erleben.

Ihre Installationen aus Licht, Spiegeln, Sprache und Bewegung verwandeln Besucher nicht in Zuschauer, sondern in aktive Teilnehmer.

Immer wieder entstehen Räume, die eine überraschende Erkenntnis sichtbar machen:

Wir existieren niemals isoliert.

Wir entstehen in Beziehung.

Die Kraft der Perspektive

Viele Arbeiten von Es Devlin spielen mit Spiegelungen.

Auf den ersten Blick erscheinen sie als visuelle Effekte.

Tatsächlich verfolgen sie ein tieferes Ziel.

Wer in einen Spiegel blickt, sieht nicht nur sich selbst. Man erkennt auch die Umgebung und die Menschen, die sich mit einem im selben Raum befinden.

Die Grenzen zwischen Individuum und Gemeinschaft beginnen zu verschwimmen.

Damit stellt Devlin eine Frage, die heute aktueller wirkt denn je:

Was passiert, wenn wir aufhören, uns als voneinander getrennte Wesen zu betrachten?

Optimismus als Verbindung

Optimismus wird oft mit positiven Gedanken verwechselt.

Für Devlin scheint Optimismus etwas anderes zu bedeuten.

Nicht die Überzeugung, dass alles gut wird.

Sondern die Erkenntnis, dass wir Herausforderungen gemeinsam bewältigen können.

Ihre Arbeiten erinnern daran, dass Menschen seit Jahrtausenden Geschichten erzählen, Musik machen, feiern und trauern, um Gemeinschaft zu erzeugen.

Verbindung ist kein Luxus.

Sie ist eine menschliche Notwendigkeit.

Die neue Kultur des Miteinanders

Interessanterweise lässt sich dieser Gedanke heute weit über die Kunst hinaus beobachten.

Hotels entwickeln sich zu Orten der Begegnung.

Architektur sucht nach neuen Gemeinschaftsräumen.

Marken sprechen über Community statt über Zielgruppen.

Selbst die erfolgreichsten öffentlichen Räume entstehen dort, wo Menschen miteinander in Kontakt treten können.

Es Devlin steht exemplarisch für diese Entwicklung.

Ihre Kunst macht sichtbar, was oft unsichtbar bleibt:

Die Beziehungen, die Menschen miteinander verbinden.

Eine Zukunft, die wir gemeinsam gestalten

Vielleicht wird die wichtigste Ressource der Zukunft nicht Technologie sein.

Nicht Daten.

Nicht künstliche Intelligenz.

Sondern die Fähigkeit, Verbindung herzustellen.

Zwischen Menschen.

Zwischen Kulturen.

Zwischen Individuum und Gemeinschaft.

Die Arbeiten von Es Devlin erinnern uns daran, dass wir Teil größerer Zusammenhänge sind.

In einer Zeit, die oft von Trennung geprägt ist, schafft sie Räume der Begegnung.

Und genau darin liegt ihre Form des Optimismus.

Die Hoffnung, dass Menschen einander nicht nur verstehen können.

Sondern sich in den Geschichten der anderen auch selbst wiederfinden.

Zwischen Champagner, Design und Lebensfreude entsteht eine Kollektion, die mehr sein möchte als ein schönes Objekt: „Chasing the Sun“ von Veuve Clicquot und Yinka Ilori ist eine Hommage an Optimismus, Gemeinschaft und die Kunst, den Moment zu feiern.

Manche Marken schaffen es, weit über ihr Produkt hinaus zu wirken. Veuve Clicquot gehört zu ihnen. Seit mehr als 250 Jahren steht das Champagnerhaus nicht nur für Handwerkskunst und Innovation, sondern auch für eine Haltung zum Leben. Eine Haltung, die von Madame Clicquot geprägt wurde und bis heute in dem ikonischen Gelb der Maison sichtbar wird – jener Farbe, die seit 1877 die Etiketten ziert und an die Sonne erinnert.

Mit der neuen Kollaboration „Chasing the Sun“ erweitert Veuve Clicquot diese Geschichte um eine kreative Dimension. Gemeinsam mit dem britisch-nigerianischen Künstler und Designer Yinka Ilori entstand eine Kollektion, die Design, Emotion und Lebensfreude miteinander verbindet.

Der Architekt der Freude

Yinka Ilori wird häufig als „Architekt der Freude“ bezeichnet. Seine Arbeiten bewegen sich zwischen Kunst, Architektur, Interior Design und gesellschaftlichem Engagement. Farben, Muster und Geschichten werden bei ihm zu Werkzeugen, um Menschen miteinander zu verbinden.

Für Veuve Clicquot entwickelte Ilori ein visuelles Universum, das die Symbolik der Sonne neu interpretiert. Schützende Hände, Sterne und von der Natur inspirierte Formen erzählen von Wärme, Verbundenheit und den kleinen Gesten, die Gemeinschaft entstehen lassen.

Im Zentrum steht dabei eine einfache, aber kraftvolle Idee: Freude wächst, wenn sie geteilt wird.

Design für gemeinsame Momente

Die limitierte Kollektion übersetzt diese Philosophie in eine Reihe von Objekten, die klassische Champagner-Rituale neu denken.

Der Sun Holder interpretiert den traditionellen Champagnerkühler neu. Inspiriert von der Form einer Kalebasse verbindet er Mobilität mit zeitgenössischem Design. Gefertigt aus überwiegend recycelten Materialien mittels innovativer 3D-Stricktechnologie, hält er Champagner bis zu 90 Minuten kühl.

Ergänzt wird die Serie durch die Sun Totems, skulpturale Kühler für die ikonischen Cuvées Yellow Label und Rosé. Sie verbinden Funktionalität mit einer starken visuellen Präsenz und zeigen, wie alltägliche Objekte zu Designstücken werden können.

Auch der berühmte Clicquot Arrow wurde von Ilori neu gestaltet. Die individualisierbare Geschenkbox, die traditionell die Entfernung zwischen einem Ort und den historischen Kellern in Reims anzeigt, erscheint in drei neuen Designs, die Themen wie Identität, Perspektive und Licht aufgreifen.

Mehr als eine Kollektion

Interessant ist weniger das Objekt selbst als die Haltung dahinter. „Chasing the Sun“ erinnert daran, dass Luxus heute zunehmend über Erlebnisse definiert wird. Nicht Besitz steht im Mittelpunkt, sondern die Qualität gemeinsamer Momente.

Ob beim Abendessen mit Freunden, beim Aperitif unter freiem Himmel oder bei einer spontanen Begegnung im Sommer – die Kollektion versteht sich als Einladung, jene Augenblicke bewusst wahrzunehmen, die oft die schönsten Erinnerungen hinterlassen.

Damit knüpft Veuve Clicquot an ein kulturelles Verständnis von Gastfreundschaft an, das weit über Champagner hinausgeht. Es geht um Zusammenkunft, Austausch und die Freude daran, Zeit miteinander zu verbringen.

Eine Ode an Optimismus

Präsentiert wurde „Chasing the Sun“ während der Milan Design Week in einer immersiven Installation, die Besucherinnen und Besucher in die farbenfrohe Welt von Yinka Ilori eintauchen ließ.

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Stärke dieser Zusammenarbeit: Sie erinnert daran, dass Design nicht nur Räume und Objekte gestalten kann, sondern auch Emotionen. Dass Farbe, Kreativität und Gastlichkeit Menschen zusammenbringen. Und dass die Sonne, die wir verfolgen, manchmal nichts anderes ist als ein gemeinsam geteilter Moment.

Zwischen Disruption und Ruhe, Ästhetik und Veränderung, Architektur und Bewusstsein bewegt sich die neue Ausgabe von THE Stylemate Issue No 02 | 2026 – PANTA RHEI. Inspiriert vom Gedanken des ständigen Wandels widmet sich die aktuelle Ausgabe jenen Momenten, in denen sich Systeme verschieben, Räume neu gedacht werden und Schönheit nicht mehr statisch, sondern fließend erscheint.

„Panta Rhei“ – alles fließt. Kaum ein Gedanke beschreibt unsere Gegenwart treffender. Die neue THE Stylemate begreift Wandel nicht als Störung, sondern als Einladung: zum Perspektivwechsel, zum bewussteren Leben und zum offenen Denken.

Im Zentrum der Ausgabe stehen Themen wie Disruption, Transformation und die Frage, wie wir in Zukunft leben, arbeiten und gestalten wollen. Philosophische Essays treffen auf visionäre Architektur, innovative Hospitality-Konzepte auf Design, das Haltung zeigt. Bereits das Editorial beschreibt Disruption nicht als Buzzword, sondern als Zustand unserer Zeit – leise, subtil und dennoch unumkehrbar.

Besondere Highlights der Ausgabe:

• Das Gespräch mit Transformationsexperte Markus Petzl über KI, Zukunftsdenken und warum echte Innovation niemals im Kern eines Systems beginnt.
• Der essayistische Beitrag „How We Might Unlearn Coherence“, der sich zwischen Philosophie, Gesellschaft und Ästhetik bewegt und Fragen nach Identität, Räumen und Auflösung stellt.
• Inspirierende Orte und Hotels zwischen Südtirol, Mexiko, Menorca und Österreich, die Rückzug, Design und neue Formen von Luxus neu interpretieren.
• Architektur, Kunst und Design als Spiegel einer Welt im Übergang – poetisch, visionär und bewusst kuratiert.

Wie gewohnt verbindet THE Stylemate anspruchsvollen Journalismus mit außergewöhnlicher Bildsprache und einem feinen Gespür für Ästhetik, Nachhaltigkeit und kulturelle Relevanz. Die neue Ausgabe lädt dazu ein, sich Zeit zu nehmen. Zum Lesen. Zum Nachdenken. Zum Neu-Sehen.

Denn vielleicht ist genau das die wichtigste Erkenntnis dieser Ausgabe:
Wir sind nicht verloren. Wir sind einfach noch nicht fertig.

Die neue Ausgabe PANTA RHEI ist ab sofort hier erhältlich >>>

Zwischen Tradition und moderner Gesundheitsforschung

Was passiert, wenn jahrhundertealtes Wissen über Bienenprodukte auf moderne Life-Science-Forschung trifft? Genau an dieser Schnittstelle bewegt sich Bee People – ein Schweizer Unternehmen aus St. Moritz, das funktionale Lebensmittel und Supplements entwickelt, die Gesundheit nicht nur verlängern, sondern vor allem bewusster gestalten sollen.

Im Fokus steht dabei nicht allein die Lebensdauer, sondern die sogenannte „Healthspan“ – jene Jahre, in denen wir uns vital, ausgeglichen und gesund fühlen. Ein Ansatz, der perfekt zur Philosophie von THE Stylemate passt: Mindful Living bedeutet heute mehr denn je, den eigenen Alltag mit natürlichen Ritualen, bewusster Ernährung und nachhaltigen Entscheidungen zu gestalten.

Die stille Intelligenz der Bienen

Seit Jahrhunderten gelten Honig und Propolis als wertvolle Naturstoffe. Während Honig seit jeher als nährendes Lebensmittel geschätzt wird, ist Propolis – das von Bienen produzierte Schutzharz – vor allem für seine antibakteriellen und entzündungshemmenden Eigenschaften bekannt.

Bee People verbindet beide Komponenten zu sogenannten Honey-Propolis-Blends. Diese enthalten natürliche bioaktive Verbindungen wie Polyphenole und Flavonoide, die mit antioxidativen Eigenschaften sowie dem Schutz der Zellen vor oxidativem Stress in Verbindung gebracht werden.

Die Produkte basieren auf Bio-Honig und sind unter anderem in Varianten mit Kastanien- oder Lindenhonig erhältlich. Ergänzt wird das Sortiment durch Propolis-Kapseln für alle, die eine zuckerfreie Alternative bevorzugen. Dabei bleibt der Ansatz stets unkompliziert: Die Produkte sollen sich mühelos in tägliche Routinen integrieren lassen – als kleiner, bewusster Moment im Alltag.

Schweizer Qualität mit nachhaltigem Anspruch

Produziert wird in Zusammenarbeit mit ausgewählten Schweizer Imkereien. Verarbeitung und Qualitätskontrolle erfolgen ebenfalls in der Schweiz – unter Einbindung aktueller wissenschaftlicher Erkenntnisse und mit einem klaren Fokus auf natürliche Inhaltsstoffe.

Gegründet wurde Bee People von Marie So und Daniel Meyer, die traditionelle Bienenkunde mit moderner präventiver Gesundheitsforschung verbinden möchten. Gleichzeitig versteht sich das Unternehmen auch als Teil eines größeren ökologischen Bewusstseins: Denn Bienen spielen eine essenzielle Rolle für Biodiversität und Bestäubung. Entsprechend arbeitet Bee People mit Imkereien zusammen, die nachhaltige und verantwortungsvolle Bienenhaltung fördern.

Mindful Living beginnt im Kleinen

Vielleicht liegt wahre Gesundheit nicht in radikalen Veränderungen, sondern in kleinen täglichen Entscheidungen. Ein bewusster Morgenritual. Natürliche Inhaltsstoffe. Produkte, deren Ursprung nachvollziehbar bleibt.

Bee People zeigt, wie sich traditionelle Naturstoffe neu denken lassen – reduziert, wissenschaftlich begleitet und mit einem klaren Blick auf Nachhaltigkeit und Wohlbefinden.

Die Ästhetik der Gemeinschaft – und ihr Preis

Es ist eines der großen Versprechen unserer Zeit: ein Leben in Verbindung. Mit anderen, mit sich selbst, mit etwas, das über das Funktionale hinausgeht. Flow greift genau dieses Bedürfnis auf – und übersetzt es in Architektur, Services und Sprache. Doch was wie eine neue Form des Wohnens wirkt, ist zugleich ein präzise orchestriertes Geschäftsmodell.

Mehr als ein Zuhause – ein Gefühl zum Einziehen

Wohnen war lange eine Frage von Lage, Fläche und Status. Heute geht es um etwas anderes: Bedeutung.

Flow inszeniert das Zuhause als Erlebnisraum – als Ort, der nicht nur schützt, sondern formt. Räume werden zu Katalysatoren für Begegnung, Design zur Einladung zur Interaktion. Alles wirkt durchdacht, weich, fast intuitiv.

Und genau darin liegt die Faszination:
Hier wird nicht einfach gewohnt – hier wird ein Lebensgefühl kuratiert.

„Good People“ – oder die Sehnsucht nach Zugehörigkeit

Die vielleicht stärkste Währung unserer Gegenwart ist nicht mehr Besitz, sondern Zugehörigkeit.

Flow versteht das.
Und baut darauf ein gesamtes System auf: Events, geteilte Räume, digitale Plattformen – alles darauf ausgelegt, Verbindung zu erzeugen.

„Good People“ ist dabei mehr als Marketing. Es ist ein Versprechen von Nähe in einer zunehmend fragmentierten Welt.

Doch wer definiert eigentlich, was „good“ ist?
Und kann Gemeinschaft entstehen, wenn sie von Anfang an designt wurde?

Das Betriebssystem für ein besseres Leben

Mit seiner App und seinen Services nähert sich Flow einem fast tech-utopischen Ideal:
Wohnen wird zur nahtlosen Erfahrung, organisiert, optimiert, kuratiert.

Ein Zuhause, das funktioniert wie ein Interface.

Der Alltag wird einfacher – aber auch strukturierter.
Verbindung wird erleichtert – aber vielleicht auch vorgezeichnet.

Die Wiederkehr einer großen Idee

Die Idee ist nicht neu. Co-Living, Shared Spaces, Community-Konzepte – all das existiert bereits.

Doch Flow denkt es konsequenter:
nicht als Alternative zum Wohnen, sondern als neue Norm.

Es ist der Versuch, Leben selbst als Produkt zu gestalten –
ästhetisch, emotional und skalierbar.

Adam Neumann und die Logik des „We“

Mit Adam Neumann steht eine Figur hinter Flow, die wie kaum eine andere für visionäre Größe und spektakulären Fall steht.

Schon bei WeWork war die Idee größer als das Produkt:
Gemeinschaft als Geschäftsmodell, Zugehörigkeit als Marke.

Flow wirkt wie die nächste Iteration dieser Denkweise – nur leiser, reifer, vielleicht strategischer.

Doch die zentrale Frage bleibt:
Ist es diesmal nachhaltiger – oder nur subtiler inszeniert?

Wenn Gemeinschaft zur Ware wird

Flow bewegt sich auf einem schmalen Grat.

Auf der einen Seite:
der ehrliche Versuch, neue Formen des Zusammenlebens zu schaffen.
Ein Gegenentwurf zu Isolation, Anonymität und urbaner Entfremdung.

Auf der anderen:
ein hochkapitalisiertes Unternehmen, das genau diese Sehnsüchte erkennt – und monetarisiert.

Die Ästhetik ist warm, die Sprache weich.
Doch im Kern bleibt es ein System, das skaliert werden soll.

Und vielleicht ist genau das die eigentliche Innovation:
dass sich Kapital heute nicht mehr kalt anfühlt, sondern wie Gemeinschaft.

Flow ist kein Widerspruch – sondern ein Spiegel unserer Zeit.

Ein Konzept, das zeigt, wie sehr wir uns nach Verbindung sehnen.
Und wie geschickt diese Sehnsucht gestaltet, verpackt und verkauft werden kann.

Die Frage ist nicht, ob das funktioniert.
Sondern, wie bewusst wir darin leben wollen.

Südlich der äthiopischen Hauptstadt Addis Abeba entsteht mit dem Bishoftu International Airport mehr als nur ein neuer Flughafen. Zaha Hadid Architects kreieren ein Luftfahrt-Zentrum, das als internationales Drehkreuz das Tor zu ganz Afrika werden soll.

Zwischen Addis Abeba und den Seen des Großen Afrikanischen Grabenbruchs liegt Bishoftu – ein Ort, der bisher in der Region als Ziel für Wochenendausflügler aus der äthiopischen Hauptstadt oder für Vogelbeobachtung bekannt war. Und traurige Berühmtheit erlangte, als es hier im Jahr 2019 zum folgenschwersten Flugzeugabsturz in der Geschichte Äthiopiens kam. Dass nun ausgerechnet dieser Ort zu einem Aushängeschild der afrikanischen Luftfahrt wird, hat durchaus etwas Schicksalhaftes an sich.

Denn hier, rund 40 Kilometer südlich der Hauptstadt, entsteht mit dem Bishoftu International Airport (BIA) der größte Flughafen des Landes, der in weiterer Folge laut äthiopischer Regierung zum „größten Luftfahrt-Infrastrukturprojekt in Afrikas Geschichte“ ausgebaut werden soll – mit einer Kapazität, die mehr als viermal über jener des bestehenden Bole International Airports in Addis Abeba liegt. Die Ethiopian Airlines Group sowie der Staat Äthiopien beauftragten Zaha Hadid Architects (ZHA) mit der Umsetzung des Projekts, dessen Grundstein im Jänner 2026 gelegt wurde.

Kontinentales Drehkreuz

Der neue Flughafen soll die rasch wachsende Rolle Äthiopiens im internationalen Luftverkehr sichern, denn der Bole Airport stößt zunehmend an Kapazitätsgrenzen. Ein Problem, das der strategischen Position des Landes zwischen Afrika, Europa, Asien und dem Nahen Osten geschuldet ist. Daher gingen ZHA davon aus, dass bis zu 80 Prozent der Reisenden auch am Bishoftu International Airport lediglich umsteigen werden.

Entsprechend lag der Fokus des Studios auf Transitpassagieren und damit auf kurzen Wegen, klarer Zonierung und großzügigen Aufenthaltsbereichen. Man entwarf den Hub mit einem zentralen „Spine“ („Rückgrat“) als Verbindung der unterschiedlichen Bereiche des Terminals. Inspiration nahm man dabei an der äthiopischen Geografie: Das Rückgrat erinnert an den Großen Grabenbruch, die vier Piers des Flughafens symbolisieren mit unterschiedlichen Farben und Designs jeweils eine Region des Landes.

Exklusives Warten

Tageslicht, offene Lounges und extensive Begrünung sollen das klassische Terminalgefühl auflockern. Auch ein Airside-Hotel ist vorgesehen, um lange Transferzeiten komfortabler zu gestalten. 350 Zimmern, ergänzt um Gastronomie, Entertainment, Höfe und Gärten sollen Rückzugsräume schaffen, die den Transit vom Wartesaalgefühl befreien sollen. Luxus kommt dabei ebenfalls nicht zu kurz. So gibt es für Vielfliegende die „Cloud Nine“: Eine exklusive Lounge am Dach des Airports. Fine Dining, Fitnessraum und Spa inklusive.

Gestalterisch bleibt der BIA dem gewohnten ZHA-Konzept treu: Organische, fließende Formen mit dynamischen Linien und Kurven prägen den Entwurf. Die starke Betonung von Dynamik spiegelt die Bedeutung der Bewegung an diesem Ort wider, der niemals statisch ist, niemals stillsteht. Die Architektur wird hier bewusst ein Teil des Reiseerlebnisses, so die Architekten.

Ideale Lage

Dass ein Flughafen in der Hochebene nicht wie ein hermetisch versiegelter Glaskasten funktionieren muss, ist ebenfalls Teil des Konzepts. ZHA zielt auf den LEED-Goldstatus ab; mit natürlicher Belüftung, wirksamer Beschattung und halb offenen Bereichen. Regenwasser vom Flugfeld, von Rollbahnen und Dächern soll in Rigolen geleitet werden, Photovoltaikanlagen sind als zentraler Baustein der Energieproduktion vorgesehen, die Freiräume werden mit resistenten einheimischen Pflanzen gestaltet. Laut ZHA soll Architektur stärker auf klimatische Realitäten reagieren, statt sie technisch zu überdecken.

Die Wahl Bishoftus für den künftigen Hub ist natürlich kein Zufall. Der Standort liegt rund 400 Meter tiefer als Addis Abeba. Für die Airlines bedeutet das bessere Startbedingungen: Flugzeuge können aufgrund der höheren Luftdichte mit höherem Gewicht abheben, Reichweiten erhöhen sich, Betriebskosten sinken. Parallel entsteht eine leistungsfähige Verkehrsanbindung zur Hauptstadt – inklusive Hochgeschwindigkeitszug. Neben dem Flughafen entsteht außerdem eine Airport City mit Büros, Hotels, Logistikflächen und Wohnquartieren rund um den Terminal.

Kontinentales Drehkreuz

Ziel der Verantwortlichen ist die Eröffnung im Jahr 2030. In der ersten Ausbaustufe soll der Airport mit einem 660.000 Quadratmeter großen Terminal und zwei parallel betriebene Runways rund 60 Millionen Passagiere jährlich abfertigen; langfristig sind bis zu 110 Millionen vorgesehen, unterstützt durch vier Start- und Landebahnen sowie Abstellflächen für rund 270 Flugzeuge. Mit einem Investitionsvolumen von etwa 12,5 Milliarden Dollar ist das Projekt auch finanziell ein Kraftakt. Ein Großteil der Finanzierung kommt von internationalen Kreditgebern, darunter multilaterale Entwicklungsbanken.

„Der Bishoftu Airport ist ein visionäres Projekt. Für Äthiopien und für ganz Afrika“, so Cristiano Ceccato de Sabata, Director of Aviation bei ZHA. „Flughäfen bringen Menschen zusammen und überbrücken nationale Grenzen. ZHA fühlen sich geehrt, Teil dieser Entwicklung zu sein: Als Tor zu Afrika alle Regionen des Kontinents miteinander zu verbinden.“

Text: Michi Reichelt
Bilder: X-Universe

Was bedeutet es heute, ein Mann zu sein?

Mit MAN IN PROGRESS widmet sich die neue Ausgabe der THE Stylemate einer Frage, die aktueller kaum sein könnte – und zugleich komplexer denn je. Männlichkeit wird hier nicht als festes Ideal verstanden, sondern als Entwicklung. Als Prozess. Als kulturelle Bewegung zwischen Tradition und Transformation.

Identität im Wandel

Das Titelthema beleuchtet den Wandel männlicher Rollenbilder – von historischen Zuschreibungen hin zu einem pluralen Verständnis von Stärke, Verantwortung und Verletzlichkeit. Essays, Analysen und Gespräche eröffnen Perspektiven auf Ambivalenz, Selbstreflexion und gesellschaftliche Dynamiken.

Nicht als moralischer Appell, sondern als Einladung, genauer hinzusehen.

Männlichkeit ist kein Zustand. Sie ist in Progress.

Stil als Ausdruck von Haltung

Auch in der Rubrik STYLE zieht sich dieses Leitmotiv durch die Seiten.
Duft wird zum Ausdruck von Identität. Kleidung wird nicht Trend, sondern Zustand. Stille wird zum zeitgemäßen Luxus.

Die Mindful Essentials kuratieren Objekte mit Substanz – von ikonischen Accessoires bis zu Interior-Pieces, die Design und Bewusstsein verbinden. Ästhetik erscheint hier nicht als Oberfläche, sondern als Haltung.

Orte, die den Zeitgeist spiegeln

Reisen bleibt ein zentrales Element der THE Stylemate – jedoch nicht als Flucht, sondern als Resonanzraum unserer Gegenwart.

Die Lifestylehotels Selection ergänzt diese Ausgabe mit charakterstarken Häusern, die Architektur, Nachhaltigkeit und Gastfreundschaft neu denken. Ob mediterrane Ruhe im Vestige Santa Ana, alpine Klarheit im Das Graseck oder bewusste Küstenästhetik im SANDnature – sie stehen exemplarisch für Räume, die Identität nicht inszenieren, sondern ermöglichen.

Die Selection ist Teil des Ganzen. Kein Schwerpunkt, sondern eine Erweiterung des Themas: Wie wollen wir leben? Wie wollen wir reisen? Wie wollen wir ankommen?

Eine Ausgabe mit Haltung

MAN IN PROGRESS verbindet gesellschaftlichen Diskurs mit Designkultur, Reiseinspiration und ästhetischer Klarheit.

Ein Magazin für alle, die Lifestyle als bewusste Entscheidung verstehen – im Denken, im Gestalten und im Unterwegssein.

Jetzt erhältlich im THE Stylemate Online Shop

Die neue Print-Ausgabe
THE Stylemate – Issue No. 01 | 2026 | MAN IN PROGRESS
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Beverly Hills wird zum Schauplatz einer Design-Revolution: Star-Designer Kelly Wearstler öffnet ihr Zuhause für ein kreatives Experiment, das Grenzen zwischen Kunst, Design, Musik und Performance verschwimmen lässt.

Wenn eine Pionierin der Designwelt ein neues Kapitel aufschlägt, dann lohnt es sich, genau hinzusehen. Mit Side Hustle hat Kelly Wearstler, eine der einflussreichsten Gestalterinnen unserer Zeit, eine Plattform geschaffen, die weit über klassische Ausstellungen hinausgeht. Die Kelly Wearstler Side Hustle Galerie ist gleichzeitig kuratorischer Raum, kreative Werkstatt und digitale Bühne für Talente aus aller Welt.

Was Side Hustle so besonders macht, ist die interdisziplinäre Ausrichtung:
Von Skulptur über Malerei, Schmuck, Performance, Film, Musik, Kulinarik bis hin zu Automobildesign und Sport ‒ Wearstler versammelt kreative Stimmen unterschiedlichster Disziplinen unter einem Dach. Die Plattform versteht sich als lebendiges, wachsendes Archiv außergewöhnlicher Arbeiten und Editionen, die die gewohnten Kategorien sprengen.

Ein Zuhause als Galerie
Dass Wearstler für dieses Projekt keinen neutralen Saal, sondern ihr privates Anwesen in Beverly Hills gewählt hat, spricht Bände über ihre persönliche Verbundenheit mit Side Hustle. Das historische Poolhouse ihres Hauses, einst privater Kinoraum mit James-Bond-Atmosphäre, dient als Ausstellungsort der Debütshow „Again, Differently“. Dort zeigt sie Werke internationaler Künstler:innen wie Dozie Kanu, Joana Schneider oder Sam Klemick und setzt damit einen neuen, lebendigen Impuls für kreativen Austausch.

Wearstler selbst erklärt, dass die Idee zu Side Hustle organisch aus ihrer langjährigen Praxis entstanden sei, Künstler:innen regelmäßig in ihre Innenarchitektur- und Produktwelt einzubinden. Mit dieser Galerie wolle sie nun die Dynamik umkehren: nicht Kunst in Räume zu integrieren, sondern Räume zu schaffen, die Kunst und Design gleichberechtigt atmen lassen.

Fördern statt präsentieren
Im Gespräch mit dem AD Magazin betont Wearstler, dass Side Hustle mehr als nur ein Verkaufsraum sei:

„Es geht darum, einen tieferen Dialog zwischen Design und Kunst zu fördern und Kreative dazu zu ermutigen, wirklich disziplinübergreifend zu denken und mit Allerlei zu experimentieren.“

Sie sieht ihre Rolle nicht als traditionelle Galeristin, sondern als Unterstützerin, Kuratorin und Sparringspartnerin für aufregende neue Stimmen der Kreativwelt.

Mit einer digitalen Plattform und Präsenz in sozialen Medien verknüpft Side Hustle den physischen Raum mit einem globalen Publikum, sodass Künstler:innen, Sammler:innen und Designbegeisterte gleichermaßen eingeladen sind, die kreative Zukunft mitzugestalten.

Von Duft und Licht über bewusste Pflege bis zu digitaler Kunst – diese Essentials begleiten uns auf dem Weg der achtsamen Verwandlung.

Metamorphose – schon das Wort trägt Zauber in sich. Es steht nicht nur für Veränderung, sondern für tiefgehende Wandlung. Für das Sich-neu-Erfinden, das Loslassen und Wiederfinden. Diese Mindful Essentials feiern genau das: kleine Rituale, große Wirkung – und die Kunst, im Wandel bei sich zu bleiben.

SKIN RESET FÜR DEN HERBST

Proderm Extrait Liposomal von Louis Widmer, ca. €43,90 – louis-widmer.com

Nach einem Sommer voller Sonne sehnt sich die Haut nach einem bewussten Neustart. Louis Widmer begleitet uns mit einer Pflegephilosophie, die auf Wissenschaft, Wirksamkeit und Achtsamkeit basiert. Weniger Produkte, mehr Wirkung – Skinimalism lautet das Motto. Statt aggressiver Treatments: sanfte Regeneration, Feuchtigkeit, Schutz. Ein Beauty-Reset, der sich anfühlt wie ein tiefes Durchatmen.

RITUALE DES LICHTS

Looops Moments – Limited Edition, ab €26 – looopsmoments.com

Kerzen sind mehr als Lichtspender: Sie sind Ankerpunkte der Achtsamkeit. Die handgefertigten Looops-Kerzen schenken Wärme und Geborgenheit – ein Ritual des Innehaltens. Docht entzünden, tief atmen, loslassen. Kleine Flamme, große Wirkung.

CASHMERE MIT BERGBLICK

Alps Getaway Kollektion von Falconeri, ab ca. €200 – falconeri.com

Die Ruhe der Berge, übersetzt in feinstes Cashmere. Falconeris neue Kollektion atmet Natur, Handwerkskunst und Gelassenheit. Zeitlose Eleganz, nachhaltige Fertigung, pure Weichheit – Mode, die sich anfühlt wie Geborgenheit in Stoffform.

FREUDE IN DUFT GEGOSSEN

Alto Astral von Byredo, ab €240 – byredo.com

Ein olfaktorisches Statement voller Lebensfreude: Alto Astral vereint brasilianisches Licht, Wärme und Energie in einem Duft. Kokosnuss, Jasmin, Weihrauch und Sandelholz verschmelzen zu einer Komposition, die nicht nur getragen, sondern gelebt wird – Freude als Haltung, Optimismus als Zustand.

KOMFORT NEU GEDACHT

Mindful Project by Natuzzi, Preis auf Anfrage – natuzzi.com

Ein Sofa, das mehr kann, als nur gut aussehen. Mindful 365 von Natuzzi kombiniert italienisches Design mit Wellness-Technologie: Zero Gravity, Mikrobewegungen, personalisierte Einstellungen. Ein Ort, an dem man nicht einfach sitzt – sondern bewusst lebt.

ART BASEL X SAMSUNG – KUNST IM DIGITALEN RAUM

ABB Collection im Samsung Art Store, auf allen 2025er Samsung TVs – samsung.com

Art Basel und Samsung eröffnen neue Räume für digitale Kunst. 38 Werke internationaler Künstler:innen, von Roméo Mivekannin bis Zandile Tshabalala, sind nun im Samsung Art Store verfügbar. So wird Kunst nicht nur betrachtet – sondern erlebt, Tag für Tag, zuhause.

Jedes dieser Essentials erzählt von einer kleinen Metamorphose – auf der Haut, im Raum, im Denken. Vielleicht liegt darin die wahre Kunst des Lebens: sich immer wieder neu zu erfinden, mit Achtsamkeit, Schönheit und Sinn.

Alles verwandelt sich – der Mensch, die Gesellschaft, die Politik, die Natur. Doch was bleibt, wenn alles im Wandel ist?

Ovid wusste es schon: Alles fließt. Seine antiken Metamorphosen beschreiben Verwandlung als Schicksal – göttlich, poetisch, unausweichlich. Heute, in einer Zeit von Selbstoptimierung, Identitätswechseln und digitaler Dauerperformance, erleben wir die modernen Varianten dieser alten Geschichte: Wir verwandeln uns nicht in Bäume oder Sterne, sondern in Avatare, Algorithmen und Marketingkonzepte.

Die Metamorphose der Welt

Nicht nur der Mensch verändert sich, auch die Welt selbst durchläuft atemberaubende Wandlungen. Demokratien, einst Felsblöcke der Stabilität, erodieren im Zeitraffer. Politik wird zur Bühne, Parteien zu Influencer-Clubs – und Ovid hätte wohl seine Freude daran: Minister als Gestaltwandler, die täglich neue Rollen annehmen.

Noch gewaltiger ist die Verwandlung der Natur. Der Klimawandel ist die Metamorphose des Planeten in Echtzeit: Gletscher schmelzen, Flüsse versiegen, Landschaften verwandeln sich. Wir nennen es Transformation und hoffen, sie gestalten zu können – doch die Frage bleibt: Retten wir die Welt, oder versucht die Welt, uns zu retten?

Die Metamorphose des Ichs

Identität ist heute kein festes Gebilde mehr, sondern ein Abomodell – monatlich kündbar, jederzeit erweiterbar. Zwischen Selbstoptimierung und Selbstinszenierung oszilliert das moderne Ich. „Du kannst alles sein“, heißt es – und doch bedeutet das vor allem: Du musst alles sein.

Der Körper ist längst Teil dieser Transformation. Was einst „Leib“ hieß, ist heute „Projekt“. Fitness, Ernährung, Ästhetik – Algorithmen diktieren, was schön, gesund und erfolgreich zu sein hat. Selbst unsere Psyche wird zur Bühne: Depressionen werden zu Stories, Erschöpfung zu Wachstumserzählungen.

Liebe, Beziehungen, Intimität

Auch die Liebe ist ein Experimentierfeld der Metamorphose geworden. Beziehungen transformieren sich in Zyklen von Version 1.0 bis 4.7 – mit Updates, aber ohne Garantie. Intimität ist Performance, Therapie und Währung zugleich. Wir verwandeln uns – je nach Algorithmus, Partner oder Moment – in Begehren oder Begehrte, manchmal nur noch in Vorschläge im digitalen Strom.

Die Kunst der Metamorphose

Wie also umgehen mit all diesen Verwandlungen? Vielleicht, indem wir lernen, sie nicht nur zu ertragen, sondern zu gestalten. Eine neue Kunst der Metamorphose bedeutet, Wandel als Freiheit zu begreifen – als Möglichkeit, sich neu zu erfinden, Masken abzulegen oder bewusst neue anzunehmen.

Denn Veränderung ist kein Feind, sondern unser natürlichster Zustand. Die Frage ist nicht, ob wir uns verwandeln – sondern wie.