Zwischen Champagner, Design und Lebensfreude entsteht eine Kollektion, die mehr sein möchte als ein schönes Objekt: „Chasing the Sun“ von Veuve Clicquot und Yinka Ilori ist eine Hommage an Optimismus, Gemeinschaft und die Kunst, den Moment zu feiern.

Manche Marken schaffen es, weit über ihr Produkt hinaus zu wirken. Veuve Clicquot gehört zu ihnen. Seit mehr als 250 Jahren steht das Champagnerhaus nicht nur für Handwerkskunst und Innovation, sondern auch für eine Haltung zum Leben. Eine Haltung, die von Madame Clicquot geprägt wurde und bis heute in dem ikonischen Gelb der Maison sichtbar wird – jener Farbe, die seit 1877 die Etiketten ziert und an die Sonne erinnert.

Mit der neuen Kollaboration „Chasing the Sun“ erweitert Veuve Clicquot diese Geschichte um eine kreative Dimension. Gemeinsam mit dem britisch-nigerianischen Künstler und Designer Yinka Ilori entstand eine Kollektion, die Design, Emotion und Lebensfreude miteinander verbindet.

Der Architekt der Freude

Yinka Ilori wird häufig als „Architekt der Freude“ bezeichnet. Seine Arbeiten bewegen sich zwischen Kunst, Architektur, Interior Design und gesellschaftlichem Engagement. Farben, Muster und Geschichten werden bei ihm zu Werkzeugen, um Menschen miteinander zu verbinden.

Für Veuve Clicquot entwickelte Ilori ein visuelles Universum, das die Symbolik der Sonne neu interpretiert. Schützende Hände, Sterne und von der Natur inspirierte Formen erzählen von Wärme, Verbundenheit und den kleinen Gesten, die Gemeinschaft entstehen lassen.

Im Zentrum steht dabei eine einfache, aber kraftvolle Idee: Freude wächst, wenn sie geteilt wird.

Design für gemeinsame Momente

Die limitierte Kollektion übersetzt diese Philosophie in eine Reihe von Objekten, die klassische Champagner-Rituale neu denken.

Der Sun Holder interpretiert den traditionellen Champagnerkühler neu. Inspiriert von der Form einer Kalebasse verbindet er Mobilität mit zeitgenössischem Design. Gefertigt aus überwiegend recycelten Materialien mittels innovativer 3D-Stricktechnologie, hält er Champagner bis zu 90 Minuten kühl.

Ergänzt wird die Serie durch die Sun Totems, skulpturale Kühler für die ikonischen Cuvées Yellow Label und Rosé. Sie verbinden Funktionalität mit einer starken visuellen Präsenz und zeigen, wie alltägliche Objekte zu Designstücken werden können.

Auch der berühmte Clicquot Arrow wurde von Ilori neu gestaltet. Die individualisierbare Geschenkbox, die traditionell die Entfernung zwischen einem Ort und den historischen Kellern in Reims anzeigt, erscheint in drei neuen Designs, die Themen wie Identität, Perspektive und Licht aufgreifen.

Mehr als eine Kollektion

Interessant ist weniger das Objekt selbst als die Haltung dahinter. „Chasing the Sun“ erinnert daran, dass Luxus heute zunehmend über Erlebnisse definiert wird. Nicht Besitz steht im Mittelpunkt, sondern die Qualität gemeinsamer Momente.

Ob beim Abendessen mit Freunden, beim Aperitif unter freiem Himmel oder bei einer spontanen Begegnung im Sommer – die Kollektion versteht sich als Einladung, jene Augenblicke bewusst wahrzunehmen, die oft die schönsten Erinnerungen hinterlassen.

Damit knüpft Veuve Clicquot an ein kulturelles Verständnis von Gastfreundschaft an, das weit über Champagner hinausgeht. Es geht um Zusammenkunft, Austausch und die Freude daran, Zeit miteinander zu verbringen.

Eine Ode an Optimismus

Präsentiert wurde „Chasing the Sun“ während der Milan Design Week in einer immersiven Installation, die Besucherinnen und Besucher in die farbenfrohe Welt von Yinka Ilori eintauchen ließ.

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Stärke dieser Zusammenarbeit: Sie erinnert daran, dass Design nicht nur Räume und Objekte gestalten kann, sondern auch Emotionen. Dass Farbe, Kreativität und Gastlichkeit Menschen zusammenbringen. Und dass die Sonne, die wir verfolgen, manchmal nichts anderes ist als ein gemeinsam geteilter Moment.

Warum Pucci die vielleicht zeitgemäßeste Luxusmarke unserer Zeit ist

Während viele Luxusmarken auf Understatement und Zurückhaltung setzen, feiert Pucci etwas, das lange aus der Mode schien: Lebensfreude. Unter der kreativen Leitung von Camille Miceli wird das italienische Traditionshaus zu einem Manifest für Optimismus, Farbe und die Kunst, das Leben zu genießen.

Es gibt Modemarken, die Kleidung entwerfen. Und es gibt Marken, die ein Lebensgefühl vermitteln.

Pucci gehört seit jeher zur zweiten Kategorie.

Wer an Pucci denkt, denkt an leuchtende Farben, fließende Muster und den unverwechselbaren Geist des italienischen Sommers. An Capri. An das Mittelmeer. An Menschen, die neugierig auf die Welt sind und das Leben mit einer gewissen Leichtigkeit betrachten.

Was einst als revolutionäre Resortwear begann, wirkt heute überraschend aktuell. Denn in einer Zeit, die von Unsicherheit, Beschleunigung und permanenter Reizüberflutung geprägt ist, wächst die Sehnsucht nach etwas, das viele Menschen lange als selbstverständlich betrachtet haben:

Lebensfreude.

Die Rückkehr der Freude

Der aktuelle Trend des Color Blockings erzählt genau davon.

Natürlich geht es um Farben. Um kräftige Kontraste, mutige Kombinationen und den Abschied von jahrelanger Zurückhaltung. Doch hinter diesem Trend verbirgt sich mehr als eine ästhetische Entscheidung.

Color Blocking steht für Optimismus.

Für Selbstbewusstsein.

Für Individualität.

Für die Lust, sichtbar zu sein.

Nach Jahren, in denen Minimalismus, Quiet Luxury und gedeckte Farbwelten die Mode dominierten, scheint eine neue Energie zurückzukehren. Nicht laut oder schrill, sondern voller Neugier und Lebendigkeit.

Kaum eine Luxusmarke verkörpert dieses Lebensgefühl authentischer als Pucci.

Camille Miceli und die Neuerfindung einer Ikone

Seit 2021 steht die französische Designerin Camille Miceli an der kreativen Spitze des Hauses.

Miceli bringt eine außergewöhnliche Perspektive mit. Sie arbeitete für Chanel, Dior und Louis Vuitton, bevor sie zu Pucci wechselte. Statt die Marke grundlegend zu verändern, entschied sie sich dafür, ihre ursprüngliche DNA freizulegen.

Und diese DNA besteht nicht aus Trends.

Sie besteht aus Freude.

Unter ihrer Führung wurde Pucci zu einer Marke, die wieder offen über Emotionen spricht. Über die Freude am Anziehen. Über die Freude am Reisen. Über die Freude, sich selbst auszudrücken.

In einer Branche, die häufig von Exklusivität und Distanz geprägt ist, wirkt dieser Ansatz beinahe radikal.

Pucci spricht nicht über Status.

Pucci spricht über Lebensqualität.

Jenseits der Saison

Diese Haltung zeigt sich auch im neuen Rhythmus der Marke.

Während die klassische Luxusindustrie weiterhin in Saisonzyklen denkt, verfolgt Pucci einen anderen Ansatz. Statt weniger großer Kollektionen setzt das Haus zunehmend auf regelmäßige Drops und Capsule Collections.

Die einzelnen Releases entstehen häufig rund um bestimmte Orte, Stimmungen oder Momente. Präsentationen finden nicht zufällig in Capri, Portofino, St. Moritz oder an anderen Sehnsuchtsorten statt.

Pucci orientiert sich weniger an Modekalendern als an Lebenswelten.

Die Marke fragt nicht, welche Saison gerade beginnt.

Sie fragt, wo Menschen als Nächstes hinträumen.

Resort Wear als Philosophie

Die Geschichte von Pucci beginnt auf Capri.

Emilio Pucci war Aristokrat, Sportler und Weltreisender. Seine Mode entstand nie im Elfenbeinturm der Haute Couture, sondern aus der Beobachtung eines neuen Lebensstils.

Menschen wollten reisen.

Sie wollten sich bewegen.

Sie wollten die Welt entdecken.

Resort Wear wurde deshalb zum Kern der Marke.

Leichte Kaftane, Seidenkleider, Badebekleidung, Tuniken und Accessoires waren nicht für formelle Anlässe gedacht, sondern für das Leben selbst.

Für sonnige Tage.

Für spontane Begegnungen.

Für Abenteuer.

Für die Freude, unterwegs zu sein.

Auch heute prägt diese Haltung jede Kollektion.

Pucci verkauft keine Garderobe für bestimmte Anlässe.

Pucci verkauft eine Haltung zur Welt.

Die Kunst, das Leben zu feiern

Vielleicht erklärt genau das die aktuelle Relevanz der Marke.

In einer Zeit, in der vieles komplex erscheint, suchen Menschen nach Erfahrungen, die inspirieren und neue Energie schenken. Nach Orten, Menschen und Ideen, die das Leben bereichern.

Pucci antwortet darauf mit Farbe.

Mit Leichtigkeit.

Mit Kreativität.

Und mit der Erinnerung daran, dass Luxus nicht immer still sein muss.

Vielleicht besteht moderner Luxus nicht mehr nur aus Perfektion, Exklusivität oder Besitz.

Vielleicht besteht er darin, neugierig zu bleiben.

Neue Perspektiven zu entdecken.

Sich begeistern zu lassen.

Und das Leben immer wieder als Abenteuer zu betrachten.

Mehr als ein Trend

Wer heute auf Pucci blickt, sieht deshalb mehr als Mode.

Die Marke steht für eine Haltung, die aktueller kaum sein könnte.

Für den Mut, Farbe zu bekennen.

Für die Freude am Ausdruck.

Für die Lust auf neue Erfahrungen.

Und für die Überzeugung, dass Optimismus keine Naivität ist, sondern eine bewusste Entscheidung.

Vielleicht ist das die eigentliche Botschaft hinter der Rückkehr der Farben.

Nicht die Farbe selbst verändert etwas.

Sondern das Lebensgefühl, das sie transportiert.

Pucci erinnert uns daran, dass Stil mehr sein kann als Kleidung.

Er kann Ausdruck von Lebensfreude sein.

Und genau darin liegt heute seine größte Stärke.

Österreichs Beitrag zur Biennale Venedig 2026 zwischen Performance, Mode und radikaler Körperlichkeit

Wenn die 61. Internationale Kunstausstellung der Biennale von Venedig ihre Tore öffnet, wird der österreichische Pavillon kaum zu übersehen sein. Nicht wegen spektakulärer Architektur oder technologischer Effekte, sondern wegen einer Künstlerin, die den menschlichen Körper seit Jahren zu ihrem zentralen Medium macht: Florentina Holzinger.

Mit SEAWORLD VENICE verwandelt die österreichische Choreografin und Performance-Künstlerin den Pavillon in eine lebendige Installation aus Wasser, Bewegung, Ritual und Transformation. Das Projekt, kuratiert von Nora-Swantje Almes, erstreckt sich über den Pavillon hinaus in die Lagune und die Stadt Venedig selbst. Gezeigt werden eine permanente Live-Installation sowie ortsspezifische Performances, die Holzingers langjährige Auseinandersetzung mit Wasser als Symbol, Lebensraum und politischer Metapher fortführen.

Der Körper als letztes Territorium

Kaum eine Künstlerin hat die Diskussion über den Körper in den vergangenen Jahren so konsequent vorangetrieben wie Florentina Holzinger. Während die Modeindustrie zunehmend über Identität, Gender, Selbstbestimmung und Körperbilder spricht, geht Holzinger einen Schritt weiter. Sie macht den Körper selbst zum Schauplatz dieser Verhandlungen.

Ihre Arbeiten bewegen sich zwischen Tanz, Theater, Stunt-Performance und bildender Kunst. Nacktheit erscheint dabei nie als Provokation um ihrer selbst willen, sondern als Werkzeug, um gesellschaftliche Konventionen sichtbar zu machen. Der Körper wird zur Projektionsfläche für Fragen nach Freiheit, Kontrolle, Verletzlichkeit und Widerstand.

Fashion ohne Kleidung

Dass dieser Beitrag in einer Fashion-Kategorie erscheint, mag auf den ersten Blick überraschen. Doch gerade Florentina Holzinger zeigt, wie sehr sich Mode heute über die Grenzen des Kleidungsstücks hinaus entwickelt hat.

Mode war immer mehr als Stoff. Sie war Inszenierung, Haltung und Ausdruck eines Zeitgeistes. Holzinger entfernt das Kleidungsstück beinahe vollständig und legt damit jene Fragen frei, die auch die interessantesten Designer unserer Zeit beschäftigen: Wer gestaltet den Körper? Wer definiert Schönheit? Welche Bilder von Weiblichkeit und Stärke tragen wir mit uns?

In einer Zeit, in der Labels wie Balenciaga, Rick Owens oder Comme des Garçons den Körper zunehmend als performativen Raum begreifen, wirkt Holzingers Werk fast wie eine radikale Weiterführung dieser Entwicklung. Nicht das Kleid steht im Mittelpunkt, sondern der Mensch selbst.

Wasser als Spiegel unserer Gegenwart

Für SEAWORLD VENICE nutzt Holzinger Wasser als zentrales Element. Die Künstlerin beschreibt es als Symbol für eine Welt im Wandel, in der Natur, Technologie und menschliche Existenz immer stärker miteinander kollidieren. Der österreichische Pavillon wird dabei zu einer hybriden Landschaft zwischen dystopischem Freizeitpark, Forschungsstation und Ritualraum.

Der Titel könnte kaum passender sein. Venedig selbst steht seit Jahrhunderten für die fragile Beziehung zwischen Mensch und Wasser. Die Stadt wird damit nicht nur zum Austragungsort der Arbeit, sondern zu ihrem eigentlichen Mitspieler.

Österreichs mutigste Modegeste

In einer Biennale, die unter dem Motto In Minor Keys nach neuen Formen des Zusammenlebens sucht, erscheint Holzingers Beitrag wie ein radikaler Vorschlag für die Zukunft. Nicht durch Objekte, sondern durch Körper. Nicht durch Repräsentation, sondern durch Erfahrung.

Vielleicht liegt genau darin seine Verbindung zur Mode. Denn die spannendsten Entwicklungen entstehen heute nicht mehr ausschließlich auf Laufstegen. Sie entstehen dort, wo Identität, Körper und Kultur neu verhandelt werden.

Mit SEAWORLD VENICE präsentiert Österreich keinen klassischen Pavillon. Es präsentiert eine Frage: Wie wollen wir als Menschen in Zukunft leben – und welchen Körper bringen wir in diese Zukunft mit?

Wie Kiichiro Asakawa mit außergewöhnlichen Stoffen und japanischer Präzision eine neue Form von Luxus definiert

Während viele Modemarken nach Aufmerksamkeit streben, verfolgt Kiichiro Asakawa einen anderen Weg. Der Gründer des japanischen Labels ssstein hat seine Marke nicht über spektakuläre Inszenierungen aufgebaut, sondern über etwas deutlich Subtileres: Stoffe, Schnitte und die Kunst, Kleidung entstehen zu lassen, die mit jeder Bewegung an Charakter gewinnt.

Monocle bezeichnete Asakawa jüngst als „The rising Japanese fashion designer with a keen eye for fabrics“ – eine treffende Beschreibung für einen Designer, dessen Karriere von einer beinahe obsessiven Liebe zu Materialien geprägt ist.

Vom Vintage-Denim zur eigenen Designsprache

Bevor Kiichiro Asakawa sein Label ssstein gründete, beschäftigte er sich intensiv mit Vintage-Kleidung. Besonders Denim faszinierte ihn. Er zerlegte alte Jeans, analysierte ihre Konstruktion, rekonstruierte einzelne Elemente und verkaufte die Stücke über seinen Multibrand-Store Carol in Tokio.

Diese frühe Auseinandersetzung mit Schnittführung, Stoffen und Verarbeitung prägt seine Arbeit bis heute. Als Asakawa 2016 ssstein ins Leben rief, bestand die Kollektion lediglich aus wenigen Kleidungsstücken. Doch bereits damals war erkennbar, worum es ihm ging: zeitlose Silhouetten, außergewöhnliche Stoffqualitäten und eine Reduktion auf das Wesentliche.

Luxus beginnt beim Material

Im Zentrum von ssstein steht nicht das Logo, sondern die Materialität.

Asakawa arbeitet eng mit japanischen Textilherstellern zusammen, entwickelt Stoffe nach eigenen Vorgaben und produziert konsequent in Japan. Die Beziehung zu den Manufakturen ist für ihn ebenso wichtig wie das fertige Kleidungsstück.

Das Ergebnis ist eine Garderobe, die vertraut wirkt und dennoch anders ist. Klassische Hemden werden großzügiger geschnitten, Strickwaren erhalten neue Proportionen und traditionelle Tailoring-Elemente erscheinen entspannter und zeitgemäßer.

Die aktuelle Kollektion zeigt diesen Ansatz besonders deutlich: Oversized-Hemden aus hochwertiger Baumwolle, leichte Kaschmir-V-Necks mit lockerer Strickstruktur und Sweatpants aus Baumwoll-Kaschmir-Mischungen verbinden Komfort mit handwerklicher Raffinesse.

Die Kraft der Zurückhaltung

In einer Branche, die sich oft über permanente Neuerfindung definiert, verfolgt Asakawa eine bemerkenswert ruhige Haltung.

Statt jede Saison eine neue Geschichte zu erzählen, verfeinert er bestehende Ideen. Seine Kollektionen entwickeln sich evolutionär statt revolutionär. Gerade diese Kontinuität macht den Reiz von ssstein aus.

Es ist Mode für Menschen, die Qualität erkennen, ohne dass sie laut kommuniziert werden muss. Die Eleganz liegt nicht im Spektakel, sondern in den Details – in der Art, wie ein Mantel fällt, wie sich ein Stoff bewegt oder wie ein Pullover über Jahre hinweg seine Form behält.

Der internationale Durchbruch

Lange galt ssstein als Geheimtipp innerhalb der japanischen Modeszene. Das änderte sich 2025, als das Label den Fashion Prize of Tokyo gewann.

Die Auszeichnung brachte Asakawa nach Paris und öffnete die Türen zu einem internationalen Publikum. Einkäufer und Brancheninsider reagierten begeistert auf die präzisen Schnitte, die entspannte Eleganz und die kompromisslose Qualität der Kollektionen.

Heute wird ssstein von rund 140 Händlern weltweit geführt – etwa 50 in Japan und weitere 90 international. Für Asakawa ist dieses Wachstum jedoch kein Selbstzweck.

Vielmehr verfolgt er weiterhin denselben Ansatz wie zu Beginn: bewusst, sorgfältig und in seinem eigenen Tempo.

Eine neue Generation japanischen Luxus

Japanische Mode hat immer wieder Designer hervorgebracht, die den internationalen Diskurs geprägt haben. Während frühere Generationen oft durch radikale Konzepte und avantgardistische Silhouetten auffielen, verkörpert Kiichiro Asakawa eine neue Form von Luxus.

Eine Form, die nicht auf Lautstärke setzt, sondern auf Präzision. Nicht auf Trends, sondern auf Beständigkeit. Nicht auf Aufmerksamkeit, sondern auf Qualität.

Vielleicht ist genau das der Grund, warum ssstein gerade jetzt weltweit Aufmerksamkeit erhält. In einer Zeit permanenter Beschleunigung wirkt Asakawas Mode wie ein Gegenentwurf – ruhig, bewusst und außergewöhnlich gut gemacht.

Weitere Informationen unter ssstein.com

Mit der neuen Polsterkollektion Jazz übersetzt Designer Giuseppe Viganò musikalische Improvisation in eine zeitlose Formensprache für Turri.

Musik war schon immer mehr als Klang. Sie kann Atmosphäre schaffen, Geschichten erzählen und Emotionen transportieren. Genau diesen Gedanken greift der italienische Designer Giuseppe Viganò mit seiner neuen Sofakollektion Jazz für Turri auf. Nach der erfolgreichen Serie Blues erweitert er die musikalische Inspirationswelt nun um eine weitere Designkomposition.

Vorgestellt wurde die Kollektion auf dem Salone del Mobile.Milano 2026. Die Linie umfasst Zwei- und Dreisitzer-Sofas, deren Gestaltung von einer bemerkenswerten Balance geprägt ist: klare Linien, eine leichte visuelle Präsenz und eine handwerkliche Detailtiefe, die typisch für Turri ist. Charakteristisch sind die lederbezogene Basis mit doppelten Ziernähten und feinen Metalleinsätzen sowie die hochwertige Verarbeitung von Leder- oder Stoffbezügen mit ledernen Paspelierungen.

Dabei steht nicht nur die Ästhetik im Mittelpunkt. Großzügige Armlehnen und komfortabel gepolsterte Sitz- und Rückenelemente schaffen einen Ort der Ruhe und des Ankommens. Luxus zeigt sich hier nicht als Inszenierung, sondern als Selbstverständlichkeit.

Zwischen Kunst, Mode und Poesie

Die Handschrift von Giuseppe Viganò entsteht seit Jahren an der Schnittstelle von Design, Kunst und Kultur. Seine Entwürfe greifen immer wieder Impulse aus Malerei, Mode und Poesie auf und übersetzen sie in Möbel mit eigener Identität. Dabei entstehen oft ganze Kollektionen aus der Auseinandersetzung mit neuen Materialien oder ungewöhnlichen gestalterischen Ansätzen.

Mit Studio Viganò arbeitet der Designer international für renommierte Marken der Möbelbranche und verbindet industrielle Präzision mit kreativer Experimentierfreude. Zu seinen langjährigen Partnern zählen unter anderem Poliform, Arflex, Bonaldo, Visionnaire, Lema, Minotti und Porada.

Die Leichtigkeit des Jazz

Wie die Musik, nach der sie benannt ist, lebt die Kollektion Jazz von Harmonie und Freiheit zugleich. Sie verbindet die handwerkliche Tradition des italienischen Möbeldesigns mit einer zeitgenössischen Eleganz, die sich selbstverständlich in internationale Wohnwelten einfügt.

Ein Sofa als stille Komposition – geprägt von Komfort, Materialität und dem Rhythmus guter Gestaltung.

Zwischen Tradition und Zukunft: Warum Südkorea zu den faszinierendsten Reisezielen unserer Zeit gehört

Es gibt Orte, die man besucht. Und es gibt Orte, die einen verändern. Südkorea gehört zweifellos zur zweiten Kategorie. Zwischen jahrhundertealten Tempeln, futuristischer Architektur, innovativer Kulinarik und einer Kreativszene, die die Welt prägt, erzählt das Land eine Geschichte von Transformation. Eine Geschichte, die weit über K-Pop, Beauty-Trends oder Design hinausgeht.

Wer heute auf dem Flughafen von Seoul landet, betritt eines der innovativsten Länder der Welt.

Eine Nation mit Hochgeschwindigkeitszügen, digitaler Infrastruktur und globalen Kulturmarken. Ein Land, dessen Musik Stadien auf allen Kontinenten füllt, dessen Filme Oscars gewinnen und dessen Kosmetikindustrie Trends setzt.

Was leicht vergessen wird: Noch vor wenigen Jahrzehnten war Südkorea eines der ärmsten Länder der Welt.

Nach dem Koreakrieg lag das Land weitgehend in Trümmern. Die wirtschaftlichen Perspektiven waren begrenzt, die Infrastruktur zerstört. Kaum jemand hätte damals vorhergesagt, dass ausgerechnet Südkorea zu einer der kulturellen und wirtschaftlichen Erfolgsgeschichten des 21. Jahrhunderts werden würde.

Heute spricht man vom „Miracle on the Han River“ – dem Wunder am Han-Fluss.

Doch vielleicht liegt die wahre Leistung nicht allein im wirtschaftlichen Aufstieg.

Sondern darin, dass Südkorea seine kulturelle Identität nie verloren hat.

Seoul – wo Vergangenheit und Zukunft denselben Rhythmus teilen

Seoul ist keine Stadt, die sich sofort erschließt.

Sie entfaltet sich langsam.

In den frühen Morgenstunden vor dem Gyeongbokgung-Palast. Zwischen den traditionellen Hanok-Häusern von Bukchon. In den stillen Innenhöfen buddhistischer Tempel.

Und gleichzeitig in den futuristischen Kurven des Dongdaemun Design Plaza, den digitalen Fassaden von Gangnam oder den kreativen Vierteln von Seongsu-dong.

Vielleicht liegt genau darin die Magie dieser Metropole.

Hier existieren mehrere Zeitebenen gleichzeitig.

Tradition wird nicht konserviert, sondern weiterentwickelt.

Modernität wird nicht als Bruch verstanden, sondern als Fortsetzung.

Must See in Seoul

Bukchon Hanok Village
Traditionelle koreanische Architektur zwischen engen Gassen und kleinen Innenhöfen.

Gyeongbokgung Palace
Der bedeutendste Königspalast Koreas und ein eindrucksvoller Einstieg in die Geschichte des Landes.

Dongdaemun Design Plaza (DDP)
Die ikonische Architektur von Zaha Hadid gilt als Symbol des kreativen Seoul.

Seongsu-dong
Ehemaliges Industrieviertel, heute Heimat unabhängiger Designer, Concept Stores und innovativer Cafés.

Leeum Museum of Art
Eine außergewöhnliche Verbindung aus traditioneller koreanischer Kunst und zeitgenössischen Positionen.

Wo man in Korea übernachtet

Die Hotelwelt Koreas spiegelt die Vielfalt des Landes wider.

Josun Palace Seoul

Zeitgenössischer Luxus mit spektakulärem Blick über die Skyline von Gangnam. Elegant, zurückhaltend und tief in der koreanischen Gastfreundschaft verwurzelt.

RYSE Hotel Seoul

Im kreativen Viertel Hongdae gelegen. Kunst, Design und urbane Kultur verschmelzen hier zu einem modernen Lifestyle-Hotel.

Rakkojae Seoul

Wer Korea verstehen möchte, sollte zumindest eine Nacht in einem traditionellen Hanok verbringen. Rakkojae zählt zu den schönsten Adressen des Landes.

Signiel Seoul

Untergebracht im Lotte World Tower. Moderne koreanische Luxushotellerie in ihrer vielleicht spektakulärsten Form.

Parnas Hotel Jeju

Auf Jeju Island verbindet sich Natur mit entspanntem Luxus und dem Gefühl, weit entfernt vom Tempo der Großstadt zu sein.

K-Beauty – Schönheit als Ritual

Kaum ein kultureller Export hat die Welt in den vergangenen Jahren so nachhaltig beeinflusst wie K-Beauty.

Doch hinter den innovativen Produkten verbirgt sich eine Philosophie, die weit über Kosmetik hinausgeht.

Schönheit wird in Korea nicht als Korrektur verstanden.

Sie beginnt mit Aufmerksamkeit.

Mit Zeit.

Mit Pflege.

Die tägliche Hautpflege ist weniger Routine als Ritual.

Dieser Gedanke zieht sich durch viele Bereiche des koreanischen Lebens: Qualität entsteht durch Kontinuität.

Wer tiefer eintauchen möchte, sollte durch die Beauty-Distrikte von Myeong-dong spazieren oder die Flagship Stores koreanischer Marken besuchen.

K-Pop und die kreative Explosion

Was einst als regionale Musikszene begann, hat sich zu einem globalen Kulturphänomen entwickelt.

K-Pop prägt heute nicht nur Musik, sondern auch Mode, Design, Social Media und visuelle Kommunikation.

Interessanter als die Musik selbst ist jedoch, was sie über Korea erzählt.

Disziplin und Kreativität.

Perfektion und Emotion.

Tradition und Innovation.

Werte, die sich auch in Architektur, Design und Unternehmenskultur des Landes wiederfinden.

Korean Cinema – Die neue Filmsprache der Welt

Mit Filmen wie „Parasite“ und Serien wie „Squid Game“ hat Südkorea endgültig seinen Platz auf der globalen Kulturkarte eingenommen.

Dabei beeindruckt weniger der kommerzielle Erfolg als die erzählerische Qualität.

Koreanische Filme verbinden gesellschaftliche Themen mit visueller Präzision und emotionaler Tiefe.

Wer Korea bereist, sollte daher auch einen Blick in die unabhängigen Kinos Seouls werfen oder – wenn möglich – das Busan International Film Festival besuchen, das als wichtigstes Filmfestival Asiens gilt.

K-Food – Die Kultur der Fermentation

Die koreanische Küche erlebt aktuell einen ähnlichen Moment, wie ihn die nordische Gastronomie vor einigen Jahren erfahren hat.

Internationale Spitzenköche interessieren sich zunehmend für koreanische Fermentationstechniken, regionale Zutaten und traditionelle Herstellungsverfahren.

Kimchi ist dabei nur der Anfang.

Die eigentliche Entdeckung liegt in den vielen Facetten koreanischer Esskultur.

Von kleinen Straßenständen über traditionelle Tempelküche bis hin zu einigen der spannendsten Fine-Dining-Restaurants Asiens.

Wer Seoul besucht, sollte sich Zeit nehmen.

Nicht nur zum Essen.

Sondern zum Verstehen.

Denn in kaum einer anderen Küche spiegeln sich Geschichte, Landschaft und Kultur so unmittelbar wider.

Jeju Island – Koreas stille Seite

Während Seoul für Dynamik steht, erzählt Jeju eine andere Geschichte.

Vulkanlandschaften, Küstenpfade, Teeplantagen und eine Atmosphäre, die an manchen Stellen eher an Hawaii oder die Azoren erinnert als an Ostasien.

Viele Koreaner reisen hierher, um Abstand vom urbanen Alltag zu gewinnen.

Für Besucher eröffnet sich eine Seite des Landes, die überraschend ruhig, ursprünglich und entschleunigt wirkt.

Warum Korea gerade jetzt relevant ist

Südkorea ist mehr als ein Trend.

Mehr als K-Pop.

Mehr als Hautpflege.

Mehr als Technologie.

Das Land zeigt, wie sich kulturelle Identität und Fortschritt gegenseitig stärken können.

Wie Tradition Inspiration für Innovation werden kann.

Und wie aus den Herausforderungen der Vergangenheit eine kreative Kraft entsteht, die heute Menschen auf der ganzen Welt beeinflusst.

Vielleicht ist genau das die eigentliche Faszination Koreas.

Nicht die Geschwindigkeit seines Aufstiegs.

Sondern die Art und Weise, wie es gelungen ist, dabei seine eigene Geschichte weiterzuerzählen.

Wenn Outdoor-Design zur stillen Geste wird

Es gibt Objekte, die nicht laut auftreten müssen, um Präsenz zu zeigen. Die neue Outdoor-Kollektion EGADI von Unopiù gehört genau in diese Kategorie. Entworfen von Designer Andrea Steidl und präsentiert im Rahmen des Salone del Mobile 2026, bewegt sich das Projekt zwischen Funktionalität und skulpturaler Klarheit – reduziert, materialbetont und geprägt von einer stillen Selbstverständlichkeit.

Die Beistelltische und Hocker der Kollektion wirken beinahe wie architektonische Fragmente. Ihre Formen erinnern an Poller und Klampen aus maritimen Landschaften – funktionale Elemente, die seit jeher mit Beständigkeit, Handwerk und Küstenkultur verbunden sind. Diese Referenz übersetzt EGADI in eine zeitgenössische Designsprache, die nicht dekorativ wirken möchte, sondern selbstverständlich.

Zwischen Objekt und Atmosphäre

Gefertigt aus Fiberstone mit glänzend glasierter Oberfläche entstehen kompakte Volumen mit einer beinahe monolithischen Wirkung. Besonders das Zusammenspiel der beiden geometrischen Formen verleiht den Objekten ihre Identität: eine grafische Spannung, die subtil bleibt und dennoch Aufmerksamkeit erzeugt.

Dabei geht es weniger um reine Funktion als um Atmosphäre. EGADI fügt sich in Terrassen, Gärten oder Poolbereiche ein, ohne den Raum dominieren zu wollen. Die Objekte wirken wie Ruhepunkte – flexibel nutzbar als Beistelltisch, spontane Sitzgelegenheit oder skulpturales Element.

Gerade diese Vielseitigkeit macht die Kollektion interessant. Durch ihr geringes Gewicht lassen sich die Elemente leicht bewegen und immer wieder neu arrangieren. Einzelne Stücke funktionieren ebenso selbstverständlich wie Gruppenkompositionen.

Mediterrane Materialität mit zeitgenössischer Zurückhaltung

Die Farbpalette aus Cioccolato, Dove, Stone und Terracotta unterstreicht den zurückhaltenden Charakter der Kollektion. Erdige Töne treffen auf glänzende Oberflächen und erzeugen jene Balance zwischen Natürlichkeit und Präzision, die viele zeitgenössische Outdoor-Konzepte derzeit prägt.

EGADI ist Teil eines kollektiven Projekts von Unopiù, bei dem unterschiedliche Designerperspektiven in Form eines gemeinsamen „Reisetagebuchs“ zusammengeführt werden. Damit erzählt die italienische Outdoor-Marke nicht nur von Produkten, sondern von Lebensräumen – und von einer Form des Wohnens im Freien, die zunehmend fließend wird.

Vielleicht liegt genau darin die Stärke dieser Kollektion: Sie versucht nicht, Mittelpunkt zu sein. Und bleibt gerade deshalb im Gedächtnis.

Im Hotel Heureka fügt sich jedes Zimmer wie ein eigener Mosaikstein zu einem Gesamtbild, dem Angela’s Suite nun als himmlisches Fragment hinzugefügt wurde.

Angela – ein Name, der die Leichtigkeit eines Engels trägt und in der neuen Suite im Hotel Heureka spürbar werden lässt, was Ruhe wirklich bedeuten kann.

Wer Angela ist, fragen Sie sich? Sie ist die Besitzerin des Hotels, die Designerin der Räumlichkeiten und die Seele, aus der dieses besondere Refugium in einem beschaulichen, authentischen Teil Venedigs entstanden ist.

Und wenn „Heureka“ im wortwörtlichen Sinne für einen Ort steht, an dem die Freude des Findens spürbar wird, dann verdichtet sich dieses Gefühl in Angela’s Suite noch einmal auf besondere Weise.

Es ist ein persönlicher Mix aus Alt und Neu – ein Dialog zwischen Venedig und der Welt, ein eklektischer Ausdruck von Angela Valachs Gedanken und zugleich eine Einladung, sich dieser Szenerie ganz hinzugeben. Ja, vielleicht sogar so sehr, dass man selbst Teil davon wird.

In der Suite spiegelt sich die Philosophie von Angela Valachs Interior-Design-Studio MasterPlan A wider. Schönheit, Komfort und emotionale Resonanz stehen hier in harmonischem Einklang.

Mit Angela’s Suite wurde in diesem historischen Palazzo ein weiteres Mosaikstück eingefügt. Jeder Raum trägt seine eigene Handschrift, jeder ist einzigartig. Doch Angela’s Suite besitzt vielleicht noch ein wenig mehr Einzigartigkeit. Ein leiser Hauch von Himmel liegt über diesem Raum – ganz so, wie es der Name Angela verspricht.

Fotos: Hotel Heureka

Hotel Heureka is a Member of Lifestylehotels

Abgesehen von der atemberaubenden Aussicht ist es vor allem die Handschrift zweier Frauen, die den Küglerhof ausmacht: Karoline Dilitz und ihre Mutter Edith haben dem Südtiroler Boutiquehotel mit feinem Gespür, Persönlichkeit und Charme eine Seele gegeben.

Im Gespräch verrät uns Karoline, was den Stil des Hauses ausmacht, was sie als Tochter einer einstigen Design-Shop Besitzerin für Grundsätze mitbekommen hat und von welchem Interior-Piece Gäste am öftesten schwärmen.

Mit welchen Adjektiven würden Sie den Küglerhof-Stil beschreiben?

Elegant, weil das gesamte Haus eine sehr stilvolle und hochwertige Atmosphäre ausstrahlt. 
Persönlich, weil man hier statt einer eher formellen und anonymen Hotelatmosphäre sofort spürt, dass das Haus mit viel Herz und Individualität gestaltet wurde.
Modern, weil der Küglerhof traditionelle Elemente mit zeitgemäßem Design verbindet persönlich und modern. Die Gestaltung wirkt aktuell, lässig und anders.

Woher stammen die Möbel im Küglerhof?

Unsere Einrichtung ist über die Jahre gewachsen und spiegelt eine persönliche Mischung wider. Ein Teil der Möbel stammt noch aus der Zeit der Entstehung des Hauses in den 1970er Jahren, ergänzt durch ausgewählte Möbel, meist entdeckt bei Lebensraum in Lana oder auf Messen. Keine klassischen Designerstücke, vielmehr Objekte, die uns durch Qualität und Optik überzeugt haben.

Gibt es aus Ihrer Kindheit einen Interior Grundsatz, den Sie als Tochter einer Design-Shop-Besitzerin verinnerlicht haben?

Am ehesten habe ich mitgenommen, dass man seinen eigenen Stil finden muss – und ihn nicht für kurzfristige Trends aufgibt. Dieses Gefühl, sich treu zu bleiben, begleitet mich bis heute, sowohl im Interior als auch in der Mode.

Worüber diskutieren Sie mit Ihrer Mutter am häufigsten, wenn es um das Thema Einrichten geht? 

Eigentlich sind wir uns erstaunlich oft einig. Mal bringt die eine eine Idee ein, mal die andere – und so entwickelt sich vieles ganz natürlich im Austausch. Es ist weniger ein Diskutieren im klassischen Sinn, sondern eher ein gemeinsames Weiterdenken und Ergänzen.

Welches Designpiece begleitet Sie hier schon lange und welches ist Ihr jüngster Neu-Zugang? 

Unser jüngster Zugang ist das große Sofa für die Terrasse, das wir im letzten Jahr neu angeschafft haben. Schon deutlich länger begleitet uns dagegen der alte Holztisch, der als Rezeptionstisch dient. Er ist ein Stück mit Geschichte und gibt dem Eingangsbereich eine besondere Wärme.

Welches Interior Piece wird im Küglerhof bei Gästen oft zum Gesprächsthema?

Die Filiph Sofas im Barbereich. Sie sind nicht nur bequem, sondern überzeugen auch durch ihren hochwertigen Stoff, der sich besonders angenehm anfühlt.
Viele Gäste bleiben genau dort gerne länger sitzen – und tatsächlich kam es schon mehrmals vor, dass jemand die Sofas so gut fand, dass er sie sich für zu Hause angeschafft hat.

Welches Möbelstück verkörpert hier am ehesten Ihre Heimat Südtirol?

Die alten Truhen und Bauernschränke. Diese traditionellen Stücke sind typisch für die Gegend. Zwei davon haben bei uns im Haus noch ihren Platz gefunden. Sie bilden einen schönen Kontrast zum übrigen Interior und bringen gleichzeitig ein Stück Ursprünglichkeit und regionale Identität rein.

Design geht ja auch ins Olfaktorische: wonach riecht es im Küglerhof? 

Am Morgen liegt beim Reinkommen der Duft von frischem Kaffee in der Luft, und an regnerischen Tagen mischt sich das mit dem Geruch des Holzes im Kamin. Da bei uns die Türen in der Regel offen sind, riecht es oft nach Frische: im Frühling ganz leicht und klar, im Sommer nach frisch gemähtem Gras. Jede Jahreszeit bringt ihre eigene Stimmung mit sich.

An welchem Platz im Küglerhof fühlen Sie sich am allerwohlsten und warum? 

Eigentlich an der Bar – genauer gesagt am kleinen runden Tisch dort. Von hier aus hat man das ganze Haus gut im Blick und ist doch für sich. Es ist ein Platz mit vielen Erinnerungen, an dem wir schon als Kinder gerne saßen. Im Sommer zieht es uns zusätzlich oft in den Innenhof. In der warmen Abendsonne, zu einem Aperitif.

Küglerhof is a member of Lifestylehotels
Fotos: Gerd Eder

Eine Kollektion zwischen Kontinenten und Kulturen

Was passiert, wenn aus einer persönlichen Begegnung eine gestalterische Haltung wird?
Mit der Bonguile Collection zeigt die österreichische Designerin Gina Drewes, wie Mode weit über Ästhetik hinauswirken kann. Für ihr Label Monkey on my Shoulder entstand eine limitierte Serie sommerlicher Unisex-Sets, die nicht nur stilistisch, sondern auch sozial Wirkung entfalten.

Ein Teil der Erlöse fließt direkt in das Bonguile Project in Mosambik – eine Vorschule, die Kindern früh Zugang zu Bildung und Gemeinschaft ermöglicht.

Ursprung in Vilankulos

Die Geschichte dieser Kollektion beginnt in Vilankulos, einer Küstenstadt in Mosambik. Während eines Aufenthalts kam Gina Drewes erstmals mit dem Bonguile Project im Stadtteil Quinto Congresso in Kontakt. Was als flüchtige Begegnung begann, entwickelte sich zu einer langfristigen Verbindung.

Getragen wird das Projekt von ParCo, einer lokal verankerten Organisation, die nachhaltige Bildungs- und Sozialprojekte initiiert. Rund 70 Kinder im Alter von drei bis fünf Jahren finden hier jährlich einen geschützten Raum für frühkindliche Bildung – inklusive erster Berührungspunkte mit der portugiesischen Sprache, die für ihren weiteren Bildungsweg entscheidend ist.

Stoff als Medium der Wertschätzung

Zurück in Europa wurde aus Erinnerung Gestaltung. Mit einem Koffer voller afrikanischer Baumwollstoffe begann ein kreativer Prozess, der nicht auf Aneignung, sondern auf Interpretation basiert.

Keine direkten Zitate – vielmehr textile Liebesbriefe.

Die Designerin übersetzt Farben, Rhythmen und Strukturen in eine eigene Formsprache. Dabei steht ein respektvoller Umgang mit kultureller Vielfalt im Mittelpunkt. Mode wird hier zum Medium, das Verbindung sichtbar macht, ohne sie zu vereinnahmen.

„Es geht nicht darum, etwas zu übernehmen, sondern etwas Eigenes daraus entstehen zu lassen und damit einen Beitrag zu leisten.“ – Gina Drewes

Design mit Haltung

Die Bonguile Collection umfasst zehn sogenannte Surfer-Sets – kombinierte Looks, die sich mühelos zwischen Alltag und Urlaub bewegen.

• luftige Baumwollstoffe
• fließende, großzügige Schnitte
• bewusst reduzierte Silhouetten
• oversized und unisex gedacht

Die Designs passen sich den Träger:innen an – nicht umgekehrt. Eine Haltung, die Freiheit und Individualität in den Mittelpunkt stellt.

Die Prints entstehen aus einem fein abgestimmten Zusammenspiel von Farbe, Struktur und Rhythmus. Jedes Set wirkt für sich, bleibt aber Teil eines größeren visuellen Narrativs.

Mode als Prozess, nicht als Moment

Statt klassischen Drop-Zyklen folgt die Kollektion einem offenen System:
Vergriffene Modelle werden durch neue ersetzt. Die Linie entwickelt sich weiter – organisch, dynamisch, lebendig.

Mode wird hier nicht als abgeschlossenes Produkt verstanden, sondern als fortlaufender Prozess.

Wirkung über das Produkt hinaus

35 Prozent des Reinerlöses fließen direkt in die Zusammenarbeit mit ParCo und unterstützen die kontinuierliche Arbeit des Bonguile Projects vor Ort.

Eine Kollektion, die zeigt, dass Mode Verantwortung übernehmen kann – leise, aber wirkungsvoll.

Über die Designerin

Seit über einem Jahrzehnt steht Gina Drewes für präzise Schnittführung, detailverliebte Verarbeitung und eine unverwechselbare Handschrift zwischen Klassik und Avantgarde. Ihre Entwürfe verbinden Vintage-Referenzen mit zeitgenössischem Design und richten sich an Menschen, die ihren eigenen Stil definieren.

Erhältlich

Die Bonguile Collection ist in der Gina-Drewes-Boutique in Velden sowie online unter
www.monkeyonmyshoulder.com erhältlich.