Wie der Prix Versailles Architektur zur neuen Sprache der Gastlichkeit macht

Restaurants sind längst mehr als Orte zum Essen geworden.
Sie sind Bühnen für Atmosphäre, Architektur, Erinnerung und kulturelle Identität.

Mit der Veröffentlichung der „World’s Most Beautiful Restaurants List 2026“ richtet der Prix Versailles den Blick erneut auf jene Räume, in denen Gastlichkeit weit über Kulinarik hinausgeht. Die diesjährige Auswahl vereint sechzehn Restaurants aus aller Welt, die zeigen, wie Design, Architektur und emotionale Erfahrung zu einer neuen Form von Hospitality verschmelzen.

Von Dubai bis Kapstadt, von Helsinki bis Hongkong entsteht dabei ein Bild zeitgenössischer Gastlichkeit, das weniger von Luxus im klassischen Sinn erzählt als von Atmosphäre, kultureller Tiefe und räumlicher Inszenierung.

Was ist der Prix Versailles?

Der 2015 gegründete und von der UNESCO unterstützte Prix Versailles zählt heute zu den bedeutendsten internationalen Architektur- und Designpreisen im Bereich Hospitality und kultureller Räume.

Im Gegensatz zu klassischen Restaurant- oder Hotelrankings bewertet der Preis nicht allein Kulinarik oder Luxus, sondern die Verbindung aus Architektur, intelligenter Nachhaltigkeit, kultureller Relevanz und menschlicher Erfahrung. Ausgezeichnet werden Projekte, die Räume schaffen, die emotional wirken und zugleich Ausdruck ihrer Umgebung sind.

Gerade deshalb gilt der Prix Versailles mittlerweile als wichtiger Seismograf für die Zukunft von Hospitality Design.

The World’s Most Beautiful Restaurants 2026

Nobu One Za’abeel — Dubai, Vereinigte Arabische Emirate

Hundert Meter über Dubai schwebt Nobu One Za’abeel wie eine architektonische Brücke zwischen Kulturen.

Im spektakulären Sky Concourse des One Za’abeel verbinden sich Chef Nobu Matsuhisas japanisch-südamerikanische Einflüsse mit monumentaler Architektur, dramatischem Licht und einem Blick über die Skyline der Stadt.

Das Restaurant wirkt wie eine urbane Bühne zwischen Himmel, Kulinarik und Nachtleben.

Le Fou — Wien, Österreich

Le Fou übersetzt die sinnliche Atmosphäre der Pariser Nacht in einen zeitgenössischen Wiener Kontext.

Seide, Mohair-Samt, Naturstein und patinierte Metalloberflächen schaffen Räume, die weniger gestaltet als emotional komponiert wirken. Warme Terrakotta-Töne, gedämpftes Licht und intime Nischen verleihen dem Ort eine fast filmische Qualität.

Luxus zeigt sich hier nicht durch Perfektion, sondern durch Atmosphäre.

Monti — Gstaad, Schweiz

Mit Blick auf die alpine Landschaft interpretiert Monti traditionelle Bergarchitektur auf zeitgenössische Weise neu.

Warme Hölzer, gewebte Bronzeelemente und italienisch inspirierte Eleganz schaffen einen Ort, der zugleich lokal verwurzelt und international wirkt.

Die Atmosphäre bleibt intim, ohne ihre architektonische Klarheit zu verlieren.

Akira Back — Hong Kong, China

Im von Zaha Hadid Architects entworfenen Hochhaus The Henderson entsteht mit Akira Back eine multisensorische Komposition aus Design, Licht und Kulinarik.

Runde Formen, skulpturale Decken und sorgfältig inszenierte Lichtstimmungen spiegeln die Dynamik Hongkongs wider.

Das Restaurant wirkt gleichzeitig futuristisch und warm.

Hana no Kumo — Hong Kong, China

Hana no Kumo reduziert Gastlichkeit auf ihre essenziellsten Elemente: Ruhe, Handwerk und Konzentration.

Mit nur 24 Sitzplätzen erinnert das Restaurant an eine moderne japanische Berghütte. Holz, Washi-Papier und sakura-inspirierte Lichtobjekte erzeugen eine fast meditative Atmosphäre.

Jedes Detail scheint bewusst gesetzt zu sein.

Monsieur Dior by Anne-Sophie Pic — Peking, China

Im House of Dior in Peking verschmelzen Haute Couture, Architektur und Fine Dining zu einer poetischen Erzählung.

Fotografien ikonischer Dior-Silhouetten, Kunstwerke des chinesischen Künstlers Hong Hao und die kulinarische Handschrift von Anne-Sophie Pic schaffen einen Raum zwischen Frankreich und China.

Kulinarik wird hier zur Form von kultureller Couture

Peridot — Hong Kong, China

Peridot gleicht einer futuristischen Traumlandschaft.

Mehr als 20.000 handgefertigte Lichtobjekte, spiegelnde Oberflächen und tiefgrüne Farbtöne verwandeln die Cocktailbar in eine immersive Installation zwischen Disco-Glamour und Kunstwerk.

Der Raum scheint permanent in Bewegung zu sein.

Escā Playa — Ras El Hekma, Ägypten

Escā Playa erhebt sich aus der ägyptischen Küstenlandschaft wie eine vom Wind geformte Felsenlandschaft.

Architekt Mohamed Badie löst die Grenzen zwischen Architektur und Natur beinahe vollständig auf. Licht, Schatten und mineralische Oberflächen erzeugen einen Raum, der eher entdeckt als gebaut wirkt.

Die Architektur scheint direkt aus der Landschaft zu wachsen.

Finlandia Bistro — Helsinki, Finland

Das Finlandia Bistro befindet sich in einem der bedeutendsten Bauwerke Finnlands: der von Alvar Aalto entworfenen Finlandia Hall.

Die behutsame Neugestaltung durch das Designstudio Fyra verbindet den Geist der Moderne mit zeitgenössischer Zurückhaltung und bemerkenswerter Sensibilität.

Ein stiller Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart

Carbone — London, United Kingdom

Carbone London bringt die glamouröse Welt amerikanischer Supper Clubs nach Mayfair.

Samt, Mosaike, lackiertes Holz und Kunstwerke von Ai Weiwei bis René Ricard erschaffen eine dramatische Atmosphäre voller Nostalgie und Inszenierung.

Alles wirkt wie die Kulisse eines stilisierten Filmsets.

Rosso — Hinganigada, Indien

Mitten in einer weitläufigen Weinlandschaft verbindet Rosso mediterrane Eleganz mit indischer Architektur und Landschaft.

Poliertes Holz, grüner Marmor und warmes Licht schaffen eine Atmosphäre zwischen italienischem Barock und zeitgenössischer Zurückhaltung.

Der Ort wirkt gleichzeitig opulent und geerdet.

Marlow — Monaco

Marlow interpretiert britische Eleganz auf überraschend warme Weise neu.

Der Künstler und Architekt Hugo Toro erschafft im neuen Mareterra-Viertel einen Ort voller historischer Referenzen, maßgefertigter Möbel und subtiler Riviera-Nostalgie.

Wie ein fiktiver Members Club zwischen Vergangenheit und Gegenwart.

Lucia — Los Angeles, United States

Lucia bringt afro-karibische Kultur in die Nachtlandschaft von Los Angeles.

Tropische Muster, skulpturale Formen und Musik als integraler Bestandteil des Erlebnisses schaffen einen Ort voller Energie und Leichtigkeit.

Das Restaurant fühlt sich jung, mutig und lebendig an.

Monsieur Dior by Dominique Crenn — Beverly Hills, United States

m Dior House in Beverly Hills begegnen sich kalifornisches Licht und französische Raffinesse.

Peter Marino verbindet florale Elemente, Gartenreferenzen und offene Terrassen zu einer Atmosphäre zwischen Couture und entspanntem Westcoast-Lifestyle.

Innen- und Außenraum fließen beinahe nahtlos ineinander.

Mottai — Coral Gables, United States

Mottai verbindet japanische Präzision mit weichen, zeitgenössischen Formen.

Im Zentrum des Restaurants steht eine offene Sushi-Bar unter einem skulpturalen Baldachin, während geschwungene Linien und taktile Materialien eine ruhige Intimität erzeugen.

Dining wird hier zur Choreografie.

Amura by Ángel León — Cape Town, Süd Afrika

Amura interpretiert das Meer als räumliches Erlebnis.

Inspiriert von Unterwasserlandschaften und marinen Ökosystemen entsteht ein atmosphärischer Raum aus tiefen Grüntönen, Bronze und warmem Licht.

Das Restaurant wirkt wie ein cineastischer Tauchgang zwischen zwei Ozeanen.

Architektur als emotionale Erfahrung

Die Auswahl des Prix Versailles 2026 zeigt eindrucksvoll, wie sehr sich Hospitality verändert hat.

Die spannendsten Restaurants unserer Zeit definieren sich nicht allein über ihre Küche, sondern über die Emotionen, die ihre Räume erzeugen. Licht, Materialität, Klang, Kultur und Architektur werden Teil eines ganzheitlichen Erlebnisses.

Oder anders gesagt:
Architektur ist längst Teil der Speisekarte geworden.

Ein Besuch im Atelier eines der prägendsten abstrakten Künstler Chinas

Im lichtdurchfluteten Atelier am Fluss in Shanghai reflektiert der Künstler Ding Yi über vier Jahrzehnte künstlerischen Schaffens, die Kraft der Wiederholung – und die stille Transformation eines einzigen Symbols in ein universelles Vokabular.

Die Entscheidung für das Kreuz

Als Ding Yi 1988 an der Shanghai Academy of Fine Arts studierte, traf er eine radikale Entscheidung: Er wandte sich bewusst von der gegenständlichen Malerei ab und begann, das Kreuz – als „+“ oder „x“ – als zentrales Motiv zu verwenden.

Diese Reduktion war mehr als eine ästhetische Wahl. Sie wurde zu einem künstlerischen Manifest, das bis heute Bestand hat.

„Sobald ich mich für das Kreuzmotiv entschieden hatte, bin ich diesem Weg treu geblieben.“

Abstraktion als Haltung

In einer Zeit, in der China lange vom westlichen Kunstgeschehen isoliert war, bedeutete dieser Schritt auch eine Suche nach Identität.

Ding Yi erinnert sich an diese prägende Phase als eine Zeit des Fragens:
Was inspiriert mich wirklich? Welche Form von Kunst möchte ich schaffen?

Seine frühen Arbeiten folgten strengen, fast meditativen Rasterstrukturen. Mit der Zeit entwickelten sich daraus komplexe geometrische Kompositionen – lebendig, rhythmisch, oft in intensiven Farbwelten, die den urbanen Wandel Shanghais widerspiegeln.

Vom Raster zum Universum

Seit etwa 2011 hat sich Ding Yis Blick erweitert. Seine Arbeiten bewegen sich zunehmend zwischen Rationalität und Intuition – zwischen Struktur und Spiritualität.

Seine Muster erinnern heute an Sternenkonstellationen, an kosmische Ordnungen und natürliche Rhythmen. Das Kreuz bleibt – doch es transformiert sich, wird Teil eines größeren, fast universellen Zusammenhangs.

Vergangenheit und Zukunft im Dialog

Für seine Ausstellung „Cosmotechnics“ in der Fondazione Querini Stampalia, entstanden in Zusammenarbeit mit Lisson Gallery und ShanghArt Gallery, verbindet Ding Yi neue und historische Arbeiten.

Neben Archivwerken präsentiert er eine Serie von zwölf schwarz-weißen Reliefgemälden aus Lindenholz sowie zwei monumentale Steinstelen – graviert mit seinem ikonischen Kreuzmotiv.

„Fast jede Zivilisation hat Steinstelen genutzt, um ihre Geschichte festzuhalten“, erklärt der Künstler.
„Ich blicke nicht nur in den Himmel, sondern auch zurück in die Vergangenheit – und lasse beides in meine Arbeit einfließen.“

Ausstellungsinfo

„Cosmotechnics“
Fondazione Querini Stampalia
9. Mai – 22. November 2026
Venice

Wie eine junge Designerin die Grenzen zwischen digitaler und physischer Welt neu definiert

Mit einer faszinierenden Verbindung aus CGI, Produktdesign und räumlicher Inszenierung betritt die Amsterdamer Designerin Kilian Vos die internationale Bühne. Im Rahmen der Milan Design Week 2026 präsentiert sie erstmals Arbeiten in Zusammenarbeit mit dem renommierten Designlabel Moooi – und eröffnet dabei eine neue Dimension des Erlebens zwischen Realität und Virtualität.

Das Surreale wird greifbar

Kilian Vos gehört zu einer neuen Generation von Designer:innen, die nicht mehr zwischen digital und analog unterscheiden – sondern beide Welten bewusst verschmelzen. Mit ihrem Hintergrund in CGI erschafft sie Objekte und Räume, die zugleich vertraut und fremd wirken. Ihre Arbeiten bewegen sich in einem Spannungsfeld aus Materialität und Illusion: Das Digitale fühlt sich physisch an, das Physische erscheint surreal.

Ihre Entwürfe sind mehr als Produkte – sie sind Experimente der Wahrnehmung. Skulpturale Möbelstücke, imaginierte Räume und hybride Objekte laden dazu ein, die eigene Realität neu zu hinterfragen. Dabei geht es Vos nicht nur um Ästhetik, sondern um ein neues Verhältnis zwischen Mensch, Objekt und Raum.

Mailand als Bühne für eine neue Design-Dimension

Im Rahmen der Milan Design Week 2026 feiert Vos ihr internationales Debüt – und das gleich mit einem starken Partner: Moooi. Ihre Teppichdesigns, ursprünglich als Vorschlag für Moooi Carpets entwickelt, überzeugten so sehr, dass sie nun Teil der offiziellen Kollektion sind. Sie werden exklusiv in Mailand präsentiert und markieren die einzigen neuen Teppichlaunches des Labels in diesem Jahr.

Die Präsentation findet sowohl im Superstudio Più als auch im Moooi Store im Zentrum Mailands statt – zwei Orte, die für immersive Design-Erlebnisse stehen und Vos’ visionären Ansatz perfekt ergänzen.

Dialog zwischen Vision und Handwerk

Was Vos’ Arbeit besonders macht, ist die konsequente Verbindung von virtueller Gestaltung und physischer Umsetzung. Ihre Designs entstehen im digitalen Raum, werden jedoch in reale Objekte übersetzt – ohne dabei ihre experimentelle Herkunft zu verlieren.

Dieser Dialog eröffnet neue Möglichkeiten:

• Formen, die physikalische Grenzen scheinbar überwinden
• Materialien, die sich visuell transformieren
• Räume, die zwischen Realität und Simulation oszillieren

Vos sieht hierin die Zukunft des Designs: eine Disziplin, die nicht mehr nur gestaltet, sondern erlebbar macht.

Moooi: 25 Jahre visionäres Design

Die Zusammenarbeit mit Moooi ist dabei mehr als ein Karriereschritt – sie ist ein Statement. Das niederländische Designlabel, gegründet 2001, steht seit jeher für experimentelle, emotionale und grenzüberschreitende Gestaltung.

Zur Milan Design Week 2026 feiert Moooi sein 25-jähriges Bestehen mit einer spektakulären, silbernen Inszenierung. Die Ausstellung reflektiert die Geschichte der Marke und blickt gleichzeitig in die Zukunft – eine Zukunft, die perfekt mit Vos’ Vision harmoniert:

Design als Erlebnis, als Emotion, als kontinuierlicher Wandel.

Ein Blick in die Zukunft des Designs

Kilian Vos zeigt eindrucksvoll, wohin sich Design bewegt: weg von klaren Kategorien, hin zu fluiden Übergängen. Ihre Arbeit steht für eine neue Ära, in der digitale Technologien nicht nur Werkzeuge sind, sondern kreative Räume eröffnen.

Die Grenze zwischen real und virtuell? Sie wird zunehmend irrelevant.

Und genau darin liegt die Kraft ihrer Entwürfe: Sie machen das Unsichtbare sichtbar – und das Unvorstellbare greifbar.

Wie ein Fotograf Mode neu erzählt – und dabei selbst verschwindet

Zwischen Erinnerung und Inszenierung, zwischen Modebild und kulturellem Archiv: Die Arbeiten von Leslie Zhang wirken wie visuelle Gedichte. Sie erzählen nicht nur von Kleidung, sondern von Herkunft, Identität und einer neuen, selbstbewussten Ästhetik Chinas. Und während seine Bilder laut sprechen, bleibt er selbst leise.

Eine neue Bildsprache

Leslie Zhang gehört zu jener neuen Generation von Fotograf:innen, die Mode nicht nur inszenieren, sondern kulturell neu codieren. Seine Bildwelten sind durchzogen von Symbolen, Farben und Objekten, die tief in der chinesischen Alltagskultur verwurzelt sind – oft inspiriert von den 80er- und 90er-Jahren.

Zwischen üppigen Blumenarrangements, alltäglichen Gegenständen und sorgfältig komponierten Stillleben entstehen Szenen, die sich jeder schnellen Lesbarkeit entziehen. Mode wird hier nicht zum Selbstzweck, sondern Teil eines größeren Narrativs.

Zwischen Nostalgie und Gegenwart

Seine Arbeiten bewegen sich in einem Spannungsfeld zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Es ist eine Form der visuellen Nostalgie, die jedoch nie sentimental wird. Vielmehr schafft Zhang eine neue Realität – eine, in der kulturelle Erinnerung und zeitgenössische Mode miteinander verschmelzen.

Dabei entsteht eine Ästhetik, die sich bewusst von westlich geprägten Bildsprachen löst. Seine Fotografien sind keine Referenz, sondern ein eigenständiges visuelles System.

Die stille Haltung

Bemerkenswert ist nicht nur seine Bildsprache, sondern auch seine Haltung: Leslie Zhang tritt selbst kaum in Erscheinung. In einer Branche, die oft von starken Persönlichkeiten lebt, wirkt seine Zurückhaltung fast radikal.

Seine Bilder sprechen für sich – vielschichtig, emotional und offen für Interpretation. Der Fotograf bleibt im Hintergrund, als würde er bewusst Raum schaffen für das, was wirklich zählt: die Geschichte im Bild.

Leslie Zhang ist mehr als ein Modefotograf. Er ist ein visueller Erzähler, der Mode als Medium nutzt, um kulturelle Identität neu zu denken. Seine Arbeiten markieren einen Wandel – weg von global vereinheitlichten Ästhetiken hin zu einer vielstimmigen, lokal verwurzelten Bildsprache.

Seine Bilder sind laut in ihrer Symbolik, doch ihr Urheber bleibt leise.

Im Xuhui-Distrikt von Shanghai hat das chinesische Studio AAN Architects einen Skatepark entworfen, der das Skaten über den Dächern der Metropole möglich machen soll: den Moreprk Skyline Skatepark.

Schon mal 20 Meter über dem Boden geskatet? In Shanghai soll genau das dank des chinesischen Architekturstudios AAN Architects möglich werden, die mit ihrem Projekt namens Moreprk Skyline einen ganz besonderen Skatepark erschaffen haben. Dieser soll nicht nur für ein einmaliges Sporterlebnis sorgen, sondern den Blick zugleich auf eine weitere Attraktion lenken: die Skyline Shanghais. Die Metropole ist nicht nur eine der größten und bevölkerungsreichsten Städte Chinas, sondern auch eine der Must-See-Reisedestinationen weltweit – nicht zuletzt, da sie eine beeindruckende Mischung aus Geschichte, Kultur und hochmodernem Stadtleben bietet.

Dieser Skatepark befindet sich im Xuhui-Bezirk, im Südwesten Shanghais. Der Standort ist insofern bedeutsam, da der Distrikt als Pionierregion für den Austausch zwischen chinesischer und westlicher Kultur gilt. In Xuhui allein leben rund 1,1 Millionen Menschen, die sich an einer Mischung aus moderner Urbanität und historischen Architekturstilen erfreuen können. Neben zahlreichen Kulturzentren wurde der Bezirk nun dank dieses außergewöhnlichen Skateparks erneut bereichert – und die Skyline sogar bis ins kleinste Detail integriert.

Rampenpoesie

Die Anlage befindet sich auf der dritten und vierten Etage des Einkaufskomplexes Xuhui Vanke Center. Dank der unmittelbaren Nähe zum Shanghai South Railway Station ist der Komplex hervorragend angebunden und dient als Anlaufstelle für so ziemlich alles: Einzelhandel, Büros, Gastronomie und Freizeitangebote vereinen sich hier unter einem Dach. In Form einer Glasbox schwebt der Skatepark geradezu über dem Gebäude, während das Innenleben von der Stadt selbst bestimmt wird. Denn das Architekturbüro orientierte sich beim Design des Skateparks direkt an der Skyline. Die Konturen der Hochhäuser wurden in geschwungene Skateflächen und Rampen übersetzt, die fließende Bewegungen simulieren sollen.

Der beim Skaten so wichtige Flow sollte keinesfalls unterbrochen werden, weshalb die sogenannte Bowl dank der vielen vertikalen Flächen für ein ganzheitliches Erlebnis sorgt. Dieses große, schüsselförmige Betonbecken ist mit weiteren geschwungenen Flächen verbunden, sodass man ohne Unterbrechung von einem zum nächsten Hindernis fahren kann. Ergänzt wird das Ganze durch Rampen und Street-Elemente. Letztere erzeugen ein echtes städtisches Skategefühl – sprich: Geländer, Kanten und Treppen, die authentisches Skaten in urbaner Atmosphäre ermöglichen. Außerdem passt sich Moreprk Skyline damit flexibel an verschiedenste Skatestile und Erfahrungslevel an. Die Rampen und die Bowl bestehen aus speziell geglättetem Beton, der optimal fürs Skaten geeignet ist.

In der Schwebe

Die Glasbox hängt förmlich an der Gebäudefassade und ist so gestaltet, dass man auf mehreren Ebenen fahren kann. Diese Dreidimensionalität soll Skatern das Gefühl vermitteln, über der Stadt zu schweben. Der vertikale Charakter des Skateparks macht das Projekt zu einem umfassenden Sporterlebnis, das in dieser Form nur einmal in der Stadt zu finden ist. Die riesige Glasfront verstärkt das urbane Gefühl zusätzlich: Nicht nur erinnern die Rampen an die Metropole, auch der Ausblick bindet die Skyline direkt in das gesamte Konzept ein. Zusätzlich kann der Skatespaß auch draußen genossen werden – dank der Terrasse, die sich auf der Glasbox befindet.

Während der Park im Inneren wetterunabhängig ist, bietet der Außenbereich mit einer Rundbahn einen zusätzlichen Track sowie eine Kuppel für schnelle Skateabschnitte. Dazu zählen auch Bereiche für BMX- und Scooter-Fahrer. Moreprk Skyline soll aber vor allem zur perfekten Schnittstelle zwischen Sport, Stadtraum und Öffentlichkeit werden. Dank der Glasbox können auch Passanten das rege Treiben im Skatepark von der Straße aus mitverfolgen. Darüber hinaus ist der Park frei zugänglich und soll als Anlaufstelle für Sportler und neugierige Zuschauer dienen – stets mit der Stadt und ihrer Skyline im Hintergrund.

Architektur mit Storyline

AAN Architects haben neben dem Morepark Skyline bereits einige Projekte, vor allem im Bereich Innenarchitektur, umgesetzt. Dabei ist der vollständige Name des Büros Programm: Architecture As Narration, Architektur als Erzählung; legt das Studio doch großen Wert auf die Geschichten, die hinter ihren Werken stecken.

Ob der Skatepark die Geschichte der Stadt, der Skyline und ihrer Sportler erfolgreich erzählt, liegt im Auge des Betrachters. Fest steht jedoch: Das Projekt ist unter anderem auf der Longlist der Dezeen Awards 2025 und in der Shortlist des World Architecture Festival 2025 vertreten.

Text: Katarina Andraschko
Bilder: Lv Xiaobin 

Wenn Mythologie den Kosmos berührt

Was passiert, wenn zeitlose Mythen auf modernste Raumfahrt treffen? Der chinesische Multimedia-Künstler Jacky Tsai hebt mit Chang E Flying to the Moon nicht nur symbolisch ab, sondern schickt die legendäre Mondgöttin buchstäblich ins All – auf der weltweit ersten vollständig kunstbemalten Rakete.

Von der Neuinterpretation traditioneller chinesischer Handwerkskunst bis hin zu großformatigen Interventionen, die Kunst in reale Bewegung versetzen: Jacky Tsai hat über Jahre hinweg eine kraftvolle visuelle Sprache entwickelt, die Vergangenheit und Gegenwart Chinas miteinander verbindet. Seine Arbeiten verschmelzen östliche Erzähltraditionen mit zeitgenössischer Ästhetik – poetisch, politisch und stets visionär.

In seinem jüngsten Projekt greift Tsai auf die chinesische Mythologie zurück und rückt die Mondgöttin Chang E ins Zentrum einer intergalaktischen Erzählung. Die Legende wird zur kosmischen Metapher für Sehnsucht, Transformation und kollektive Imagination.

„Mein Kunstwerk auf einer echten Rakete ins All starten zu sehen, war einer der emotionalsten Momente meiner Karriere. Mit diesem Projekt möchte ich unsere gemeinsamen Träume und Vorstellungen tatsächlich in den Kosmos senden.“

In Zusammenarbeit mit dem kommerziellen Raumfahrtunternehmen LandSpace überschritt Tsai Anfang des Jahres eine neue Grenze: Sein Kunstwerk passierte die Kármán-Linie und machte die ZQ-2E Y2 zur ersten vollständig kunstbemalten Rakete im Weltraum. Der begleitende Kurzfilm Chang E Flying to the Moon dokumentiert diesen außergewöhnlichen Prozess und zeigt, wie Kunst, Technologie und Mythos zu einer neuen Form zeitgenössischer Erzählung verschmelzen.

Ein Projekt, das nicht nur Raumfahrt neu denkt, sondern auch die Frage stellt, wie weit Kunst reichen kann – im wörtlichen wie im übertragenen Sinn.

Das Architekturbüro LUO Studio hat ein kostengünstiges, modulares Holzbausystem entworfen. Das Longfu Life Experience Center ist der Prototyp und kann nach Bedarf verkleinert, vergrößert oder abgebaut und umgesiedelt werden.

Als Mies van der Rohe 1956 die Crown Hall in Chicago entwarf, nannte er sie einen universellen Raum. Sie ist das Hauptgebäude des College of Architecture, Planning and Design des Illinois Institute of Technology. Auch heute noch – fast 70 Jahre nach ihrer Errichtung – gilt sie als eines der bedeutendsten Gebäude der Moderne. „Ich glaube, das ist die klarste Konstruktion, die wir je geschaffen haben, und sie drückt am besten unsere Philosophie aus“, erklärte van der Rohe damals. 

Das Zeitgemäße an der Crown Hall ist der stützenfreie Raum auf einer Grundfläche von 36 mal 67 Meter und die hohe Flexibilität, die damit einhergeht. Also genau jene zum Mantra erhobene Anforderung, die in der Architektur heute angestrebt wird. Denn je wandelbarer ein Gebäude ist, umso länger hat es Bestand. Ressourcen und Primärenergien werden somit im Sinne der Klimaziele effizienter genutzt und – im Idealfall – im Stoffkreislauf gehalten.

Klare Entscheidung für den Holzbau

Einen Raum zu schaffen, der seine Funktion nach Bedarf ändern kann, das strebten auch die Architektinnen und Architekten von LUO Studio an. Obwohl das Longfu Life Experience Center in der chinesischen Stadt Puyang nur als temporäres Verkaufsbüro für Immobilien gedacht war, wollte man mehr als bloß einen Container aufstellen. Entstanden ist am Ende ein Gebäude, das ein immersives Erlebnis bietet, die Gegend aufwertet und zugleich komplett rückbaubar ist.

Das Architekturbüro LUO Studio mit Sitz in Peking hat bereits viele Holzbauprojekte umgesetzt, unter anderem auch einen spektakulären Holzkuppelbau im Kreis Xiuwu. Dass die Wahl auch bei diesem Projekt auf Holz fiel, lag auch am ökologischen Engagement des Auftraggebers. 

Der natürliche Baustoff Holz war ganz eindeutig die beste Wahl für das Gebäude und die Corporate Identity des Kunden.

LUO Studio, Architekturbüro

„Ein nachhaltiger Lifestyle war genau das, was der Bauherr mit dem Verkaufszentrum vermitteln wollte“, so LUO Studio. „Der natürliche Baustoff Holz war ganz eindeutig die beste Wahl für das Gebäude und die Corporate Identity des Kunden.“

Ein multifunktionales Tragwerk

Auch wenn ihnen Mies van der Rohes Crown Hall als Inspiration diente, gingen die Designer ihren universellen Raum auf eine andere Art und Weise an als der Avantgardist der Moderne. Nicht den weitgespannten, stützenfreien Raum strebten sie an, sondern ein multifunktionales Tragwerk und einen möglichst funktionsfreien Raum.

Dafür setzten sie einerseits auf eine Holzbauweise mit einfach reproduzierbaren Modulen aus standardmäßigem Bauholz. Dies sorgte nebenbei auch dafür, dass die Baukosten überschaubar blieben. Andererseits limitierten sie die funktionalen Bereiche, wie Treppenaufgänge, Bäder und Büros, auf kleinstmögliche räumliche Einheiten.

Wir trennten Funktion und Raum von einander, sodass es keine funktionalen Einschränkungen der Räume gibt.

LUO Studio, Architekturbüro

Gebäudetechnik und Leitungen packten sie in das modulare Tragwerk, das an manchen Stellen auch Tische und Sitzgelegenheiten ausbildet. „Auf diese Weise trennten wir Funktion und Raum von einander, sodass es keine funktionalen Einschränkungen der Räume gibt.“

Modulare Custersäulen

Das Longfu Life Experience Center ist ein Paradebeispiel für biophiles Design. Die komplett verglaste Fassade hebt die Grenze zwischen Innen und Außen auf. Die Pflanzen vor dem Gebäude scheinen somit Teil des – bis auf wenige Ausnahmen – wandlosen Raums zu sein.

Die modularen „Clustersäulen“, wie die Architekten sie nennen, können mit handelsüblichen Hölzern und herkömmlichen Techniken zusammengesetzt werden.

Sie verzweigen sich nach oben hin und wachsen an der Decke zu einer geschlossenen Konstruktion zusammen. Eine Form, die man sich von der Natur abgeschaut hat. „Für das Design der vertikalen Konstruktionseinheiten haben wir uns an der Form von Bäumen orientiert“, erklärt LUO Studio. 

Je größer, umso stabiler

Wie den Illustrationen zu entnehmen ist, funktionieren diese modularen Einheiten in unterschiedlicher Zusammensetzung: als einzelnes Element etwa für Baumhäuser bis hin zu großen Konstruktionen wie Bahnhofshallen. Im Fall des Verkaufspavillons sind es 14 Clustersäulen, die zusammen das Tragwerk bilden. „Je mehr Einheiten zusammengeschlossen sind, umso stabiler wird die Konstruktion“, erklären die Architekten. 

Auch die in die Clustersäulen integrierten Möbel sollen demnach dabei helfen, die allgemeine Statik zu verbessern. Gemäß dem modularen Prinzip kann jede Grundrissform individuell bespielt werden. „Es ist dasselbe wie bei Lego-Bausteinen. Jede Einheit ist unabhängig, und wenn man sie miteinander kombiniert, lässt sich jeder gewünschte Raum errichten.“

Mit dem Longfu Life Experience Center hat LUO Studio nicht nur ein temporäres Verkausgebäude geschaffen. Vielmehr ist ein Bausystem entstanden, das sich auf vielfältige Weise anwenden und bei Bedarf komplett rückbauen lässt. Eine Meisterleistung, wenn man die kurze Planungs- und Bauzeit von nicht einmal zwei Monaten bedenkt. Und dazu die Vorgabe vom Bauherren, dass es auch noch wenig kosten soll. Da verwundert es nicht, wenn die Architekten meinen: „Für uns war das eine große Herausforderung.“

Text: Gertraud Gerst
Translation: Rosemary Bridger-Lippe
Photos: Weiqi Jin

Wie die Architektur mit „Adaptive Reuse“ neue Bedeutung schafft

Wenn Gebäude ihre ursprüngliche Funktion verlieren, steht oft der Abriss bevor. Doch was, wenn darin die Chance liegt, ihnen neues Leben einzuhauchen? Adaptive Reuse nennt sich das architektonische Konzept, das Bestehendes bewahrt und es mit Feingefühl transformiert. Von der Kirche zum Schwimmbad, vom Labor zum Modehauptquartier – diese Projekte erzählen Geschichten von Wandel, Erinnerung und Zukunft.

HUANGYAN QUARRY CULTURAL & ART CENTER

DnA Design and Architecture | 2024 | Jinyun, China
Vorher: Steinbruch | Jetzt: Kunst- und Kulturzentrum

Jahrhundertelang wurde in der bergigen Jinyun-Region Stein abgebaut. Aus der Naturgewalt entstand eine eindrucksvolle Landschaft aus Höhlen und unterirdischen Seen. Heute verwandelt sich diese Kulisse in ein Kunst- und Kulturzentrum auf über 20.000 m².

Der Eingriff in die Natur blieb minimal: Holzgeflecht-Brücken verbinden die Räume, Boote gleiten über türkisblaues Wasser, und in den Felswänden entstanden Galerien und ein Café. Die bis zu 38 Meter hohen Höhlen mit ihren gelblich schimmernden Wänden dienen nun als natürliche Konzertsäle – Orte, an denen die Akustik ebenso beeindruckt wie die Stille.

Fotos: Wang Ziling

ACNE STUDIOS HEADQUARTER PARIS

Halleroed | 2025 | Paris, Frankreich
Vorher: Labor einer pharmazeutischen Kosmetikmarke | Jetzt: Headquarter eines Modelabels

In einem Pariser Stadtpalais aus den 1930er-Jahren, einst Laboratorium für Kräuter-Tinkturen und Öle, hat Acne Studios ein neues Zuhause gefunden. Creative Director Jonny Johannsson und das schwedische Designstudio Halleroed bewahrten die goldenen Stuckverzierungen, Holzvertäfelungen und Parkettböden – und kombinierten sie mit zeitgenössischen Möbeln und Kunst.

Zwischen rohem Beton, rosa Vinylsofas von Max Lamb und einer industriellen Edelstahlküche entsteht ein Dialog zwischen Alt und Neu, zwischen Pragmatik und Poesie. Ein Sinnbild dafür, wie Adaptive Reuse nicht nur Raum, sondern auch Identität transformiert.

Fotos: Acne Studios / Benoit Florençon

HEERLEN HOLY WATER

MVRDV & Zecc Architecten | 2027 | Heerlen, Niederlande
Vorher: Kirche | Jetzt: Öffentliches Schwimmbad

Wenn aus einer Kirche ein Schwimmbad wird, bekommt der Begriff heiliges Wasser eine neue Bedeutung. In der 100 Jahre alten Sint-Franciscus van Assisiëkerk entsteht ein öffentlicher Ort der Begegnung, der Spiritualität und Bewegung verbindet.

Das Kirchenschiff wird bis zur Eröffnung 2027 geflutet sein. Die Kanzel wird zum Platz des Bademeisters, die Kirchenbänke finden am Beckenrand neuen Halt. Bei niedrigem Wasserstand verwandelt sich der Raum in eine Bühne für kulturelle Veranstaltungen. Zwischen Spiegelungen und Wasserflächen entsteht eine Atmosphäre, die das Sakrale mit dem Alltäglichen versöhnt.

Fotos: MVRDV

AMASSA RETREAT

Bindloss Dawes | 2025 | Gascogne, Frankreich
Vorher: Bauernhaus | Jetzt: Wellbeing Retreat

In der stillen Hügellandschaft Südwestfrankreichs fand ein verfallenes Bauernhaus seine neue Bestimmung: ein Ort für Achtsamkeit und Einkehr. Das Ensemble aus Haupthaus, Bäckerei und Traktorschuppen wurde behutsam renoviert – mit Respekt für die Patina der Vergangenheit und der Klarheit moderner Architektur.

Herzstück ist die 300 Jahre alte Scheune, deren zehn Meter hohe Räume heute für Yoga und Meditation genutzt werden. Eine Betonkonstruktion stabilisiert das alte Gebälk und schafft zugleich eine Plattform – eine Bühne für Ruhe, Balance und Bewusstsein.

Fotos: Ellen Christina Hancock, Bindloss Dawes Architect

Adaptive Reuse ist mehr als ein architektonischer Trend – es ist eine Haltung. Sie verbindet Vergangenheit und Gegenwart, ohne das eine zugunsten des anderen aufzugeben. Zwischen Erinnerung und Neuerfindung entstehen Räume, die Geschichten weitertragen – nicht als Kopie, sondern als Fortsetzung.

WHITE Milano 25. bis 28. September als stilprägender Salon für Brands, Einkäuferinnen und Visionärinnen

Mailand ist im September 2025 wieder der Ort, an dem die internationale Fashion-Welt den Atem anhält. Vom 25. bis 28. September verwandelt sich die Via Tortona in den vibrierenden Mittelpunkt der Womenswear – mit WHITE Milano als stilprägendem Salon für Brands, Einkäuferinnen und Visionärinnen.

Business mit Relevanz

WHITE Milano liefert keine bloßen Trends, sondern echte Orientierung. Mit klarer Handschrift im Markenmix und globalem Reach zeigt die September Edition, wohin sich die Modeindustrie bewegt. Einkäuferinnen und Entscheiderinnen finden hier Impulse für die kommende Saison Frühjahr/Sommer 2026 – präzise kuratiert und inspirierend zugleich.

RLC Fashion Summit – die Branche im Dialog

Ein Highlight ist das erste RLC Fashion Summit am 25. September im MUDEC. CEOs, Top-Manager und Industriegrößen diskutieren über Lieferketten, neue Märkte und die Transformation des Retail. „Hier wird nicht über Trends gesprochen, sondern über die Zukunftsfähigkeit unserer Industrie“, so Panos Linardos, Präsident des RLC Global Forums.

Ein Markenmix mit globaler Tiefe

Das ExpoWHITE-Programm wächst rasant und bringt Newcomer aus China, Indien, Brasilien oder Katar zusammen mit etablierten Playern aus Europa und den USA. Dank der Incoming-Strategie von ICE steigt die Zahl internationaler Einkäufer*innen deutlich – von Japan bis Saudi-Arabien.

Neue Formate, neue Vibes

• WHITE Resort @Superstudio Daylight: Resort- und Leisurewear in einem kuratierten, saisonübergreifenden Setting.
• Inside WHITE @BASE: ein offenes, kreatives Format mit Networking-Events und DJ-Sets.
• Osteuropa im Fokus: eine neue Partnerschaft mit der Talents International Association öffnet Türen zu dynamischen Märkten.

„WHITE will Brücken bauen und Business beschleunigen – mit maximaler Relevanz für Marken und Handel“, sagt Brenda Bellei, CEO von M.SEVENTY – WHITE.

WHITE Milano im September ist mehr als eine Messe – es ist ein Lebensgefühl zwischen Business, Kultur und internationalem Stilbewusstsein.

Mit der Lancierung von La Beauté startet Louis Vuitton eine neue Reise – eine Reise in die Welt der Schönheit, die nicht nur das Äußere berührt, sondern Identität, Emotion und Objektkultur vereint. Die Maison präsentiert eine sorgfältig kuratierte Make-up-Linie, die wie tragbare Kunstobjekte gestaltet ist, allen voran die neuen LV Ombres Eyeshadow-Paletten.

Eyes That Speak Volumes

Unter dem Leitsatz „Eyes that speak volumes“ stehen die Augen im Zentrum: Die LV Ombres umfassen acht harmonisch abgestimmte Farbwelten – elegante Nuancen, kombiniert mit einem mutigen Akzent. Jede Palette enthält vier Töne, die alltagstauglich sind, aber dennoch überraschend wirken: mal als weicher Bronze, mal als glamouröses Rosé oder warmes Caramel. Die Paletten tragen Namen wie Monogram Rouge, Beige Memento oder Nude Mirage – inspiriert von den ikonischen Louis Vuitton Materialien und Farben.

Zwischen Science & Sensuality

Die Formulierung verbindet High-Tech Pigmente mit luxuriöser Haptik:

• LV Pigment Originals: reine Farbpigmente für intensive Brillanz
• Light-Up Technology: funkelnde Highlights für Tiefe & Lichtspiel
• Plant-derived Squalane: pflanzliche Pflege für samtiges Hautgefühl

So verschmilzt Farbe mit Haut – nicht als Make-up-Schicht, sondern als zweite Haut mit Glow.

Pat McGrath trifft Louis Vuitton

Für die kreative Leitung der Produktlinie wurde niemand Geringerer als Dame Pat McGrath berufen – eine Ikone der internationalen Make-up-Kunst. Die Kollektion wird am 20. August in China gelauncht, gefolgt vom globalen digitalen Launch am 25. August.

„Die Eyeshadows setzen den Ton für La Beauté Louis Vuitton – sie sind kühn, bewusst und geschaffen, um erinnert zu werden.“
– Dame Pat McGrath

Beauty als Objekt der Begierde

Alle Produkte sind in kunstvoll gestalteten, goldglänzenden objets d’art verpackt – Sammlerstücke, die dauerhaft aufbewahrt werden sollen und Beauty als Ritual neu definieren. Die Linie umfasst Lippenstifte, Balsame und Eyeshadows – jedes Detail wurde durchdacht, verfeinert und perfektioniert.

Louis Vuitton versteht Schönheit hier als Lifestyle, als Kunstform – und als Ausdruck von Empowerment.

Photography
Steven Meisel
Julien Thomas Hamon
Vincent Levrat
Archives Louis Vuitton Malletier