Chaletdorf mit moderner alpiner Architektur im bayerischen Moorgebiet

Ein Chalet – ein schönes Wort, nicht wahr? Es weckt Bilder von Geborgenheit, von Ruhe, von den Bergen und jenem besonderen Moment, genau am richtigen Ort zu sein. Agrad, wie man in Bayern dazu sagt. So wohlklingend und voller Lokalkolorit scheint dieses Wort auch genau richtig als Name für das Chaletdorf im idyllischen Moor von Aschau im Chiemgau.

Das von Brüderl Architektur geplante Ensemble umfasst neben einem Haupthaus mit fünfzehn Suiten auch zwölf Chalets, die alpinen Traditionen einen zeitgenössischen Charakter verleihen. Aus heimischem Fichtenholz und Stein gebaut, strahlen sie Wärme und Natürlichkeit aus.

Doch wer dabei an eine rustikale Erscheinung denkt, wird überrascht: Die zweigeschossigen Chalets mit offener Galerie überzeugen durch großzügige Raumhöhen, ein zeitloses Design, hochwertige Materialien und ein beeindruckendes Gefühl von Weite und Offenheit.

Rückzug mit Sauna, Hot Tub & privatem Garten

Gleichzeitig schenken die Chalets genau den Halt, den man sich von einem Rückzugsort erhofft. Ein privater Garten eröffnet Raum für stille Momente – ausgestattet mit eigenem Weber-Grill, großzügiger Sauna und einem Hot Tub, der sich je nach Wunsch warm oder erfrischend kühl genießen lässt.

Ob man das Chalet überhaupt verlassen möchte? Notwendig ist es nicht.

In der Morgendämmerung wird der Frühstückskorb liebevoll vor die Tür gestellt, gefüllt mit selbstgemachtem Saft, noch warmem Sauerteigbrot und Käse aus dem Nachbardorf. Am Abend lockt ein Fondue mit geschmolzenem Käse oder herzhafter Rinderbrühe. Wer mag, wählt eine klassische Brotzeit oder À-la-carte-Gerichte wie Gulasch, Gnocchi oder Pasta.

Und für alle, die selbst ans Feuer treten möchten: Mit den Grillpaketen wird das Grillen zum unkomplizierten Fest.

Entschleunigung zwischen Moor, Pool und Büchern

Wie man sich sonst den Tag vertreiben kann? Mit Lesen zum Beispiel. In den maßgefertigten Bücherregalen stehen Kinderbücher, Romane, Krimis, Wanderführer und Coffee Table Books – und vielleicht genau jenes Buch, das Sie heimlich schon immer lesen wollten.

Die eigene Musik erklingt über Marshall-Boxen, während die gemütlichen Sofas daran erinnern, dass Glück manchmal einfach darin besteht, zu sitzen und die Zeit still vergehen zu lassen.

Wer sich doch einmal vor die Chalettür wagt, findet Möglichkeiten in alle Richtungen: ein Spaziergang durchs Dorf, ruhige Bahnen im Pool, eine Yoga-Stunde, eine Fitness-Einheit oder eine wohltuende Massage. Auch das angrenzende Moorgebiet lädt zu entschleunigenden Wegen durch Weite und Stille ein.

Und doch führt jeder dieser Momente ganz selbstverständlich wieder zurück – in das bayerische Zuhause auf Zeit.

Ein Chalet öffnet Türen, ohne sie zu bewegen; weist Wege, ohne dass man sie gehen muss; und schenkt Frieden, selbst wenn die Welt draußen tobt.

AGRAD Chalets is a member of Lifestylehotels

Deutschland / Bayern / Aschau im Chiemgau
Fotos: Andreas Jacob, Marika Unterladstätter

Zwischen pannonischer Weite und mediterraner Leichtigkeit entstehen im Mittelburgenland Weine mit Charakter, Tiefe und Persönlichkeit.

Im Mittelburgenland denkt man bei K+K nicht zwingend an die Monarchie. Obwohl das Weingut K+K Kirnbauer tatsächlich kaiserlich und königlich anmutende Weine hervorbringt, stehen die Initialen vielmehr für Marlene und Markus Kirnbauer – die sich nebenbei sogar die Anfangsbuchstaben ihrer Vornamen teilen.

Seit rund 350 Jahren ist die Familie Kirnbauer in Deutschkreutz verwurzelt – zwischen pannonischer Weite und toskanischem Lebensgefühl. Für Markus ist der hier verankerte Blaufränkisch nicht nur eine Rebsorte, sondern ein eigenständiger Charakter. Marlene gestaltet die Welt rund um den Wein mit Sinn für Ästhetik und der nötigen Dramatik. Gemeinsam prägen sie ein Weingut, dessen Handschrift weit über klassische Weintradition hinausgeht.

Auf rund 45 Hektar wird mit großer Sorgfalt gearbeitet – biologisch und mit klarem Blick in die Zukunft. Im Zentrum steht Blaufränkisch, interpretiert in all seinen Facetten: zugänglich oder tiefgründig, pur oder als tragendes Element großer Cuvées.

Ebenso markant wie die Weine sind die Namen, die sie tragen.
Das Phantom gilt als Ikone unter den blaufränkischen Cuvées. Seit 1987 erscheint der Wein nahezu jedes Jahr aufs Neue – tiefrot, kraftvoll und vielschichtig.

Der Forever Cuvée reift 38 Monate lang ausschließlich in neuen französischen Barriques und zeichnet sich durch außergewöhnliche Langlebigkeit aus.

Der Houdini Zweigelt wiederum entfesselt Lebensgeister – ein Wein wie eine Illusion: Man glaubt ihn zu kennen und wird dennoch überrascht.

Und dann kommt jener Moment, in dem die erste Flasche geöffnet wird. Im Weingut, dessen dunkelrote Fassade dieselbe Wärme ausstrahlt wie der Inhalt der Gläser, gelingt das besonders gut. Hoch über den Weingärten gelegen, öffnet sich der Blick weit in die Landschaft. Das Weingut verbindet mediterrane Leichtigkeit mit burgenländischer Klarheit.

Mit dem Rooftop 7301 wurde ein Ort geschaffen, der genau dieses Lebensgefühl einfängt. Hier treffen Architektur und Natur, Wein und Licht, Menschen und Momente aufeinander. Ein Sundowner wird schnell zu einem jener Abende, die man nicht vergisst.

Die Weine von K+K Kirnbauer begleiten besondere Augenblicke. Sie erzählen von langen Abenden, intensiven Gesprächen und Erinnerungen, die bleiben. Es sind Weine für die richtigen Momente – und für jene, die erst durch sie besonders werden.

Zwischen Architektur, Material und Atmosphäre inszeniert Mo.1950 in der Via Carducci eine immersive Wohnwelt, die Design neu denkt.

Im Rahmen der Milan Design Week 2026 verwandelt sich der Showroom von Mo.1950 in der Via Carducci 38 in Mailand in ein vielschichtiges Wohnkonzept: Architecture of Continuity. Statt einer klassischen Ausstellung entsteht ein atmosphärischer Lebensraum, der Design, Architektur und Materialität zu einer kohärenten Einheit verbindet.

Ein Raum wird zur Erfahrung

Was Besucher:innen in der Via Carducci erwartet, ist weit mehr als eine Inszenierung – es ist eine räumliche Erzählung. Der ehemals traditionelle Showroom wird zu einem vollständig gedachten Mailänder Apartment transformiert. Ein Ort, der nicht nur betrachtet, sondern erlebt wird.

Mo.1950, bekannt für seine Verbindung aus Designkultur, Handwerk und technischer Expertise, schafft hier eine Plattform, in der langjährige Partnerschaften weitergedacht werden. Gemeinsam mit den Marken Olivieri und Frag entsteht ein experimenteller Raum, der Architektur, Systeme und Materialien in einen kontinuierlichen Dialog bringt.

Das Konzept: Architecture of Continuity

Im Zentrum steht die Idee einer durchgängigen Gestaltungssprache: Architecture of Continuity. Jeder Bestandteil – von Wandverkleidungen über Türen bis hin zu maßgefertigten Möbeln – ist Teil eines ganzheitlichen Systems.

Ein wesentliches Element ist das architektonische „Band“, inspiriert von der Forschung Olivieris zur Gebäudehülle. Dieses zieht sich durch den Raum, definiert Wege, strukturiert Zonen und lenkt den Blick. Es schafft eine fließende Verbindung zwischen den einzelnen Bereichen und verleiht dem Raum eine organische Dynamik.

Materialität als Sprache

Auch die Möbelkollektionen von Frag tragen zur Kontinuität bei: Eine kuratierte Auswahl aus Best- und Longsellern wird nicht als Einzelstücke präsentiert, sondern als Teil eines größeren Ganzen. Materialien, Proportionen und Volumen greifen ineinander und formen eine ruhige, präzise Wohnsprache.

Oberflächen werden dabei nicht nur als ästhetisches Element verstanden, sondern als Ausgangspunkt für gestalterische Forschung – ein Ansatz, der Design auf eine tiefere Ebene hebt.

Innen und Außen im Dialog

Das Konzept endet nicht an der Tür. Zum zweiten Mal wird auch der historische Innenhof der Via Carducci in die Gestaltung einbezogen. Mit Outdoor-Möbeln von Varaschin sowie einer bioklimatischen Pergola und Beschattungssystemen von KE entsteht eine Erweiterung des Wohnraums ins Freie.

Der Hof wird so zu einem lebendigen Treffpunkt – für Begegnungen, Gespräche und Networking während der gesamten Design Week.

Textile Akzente

Abgerundet wird das Konzept durch Carpet Edition, die eine neue Teppichkollektion des Studios LualdiMeraldi präsentiert. Die Farbwelt ist gezielt auf das Raumkonzept abgestimmt und unterstreicht die harmonische Gesamtkomposition.

Architecture of Continuity zeigt eindrucksvoll, wie Design über das Objekt hinausgehen kann. Es entsteht ein Raum, der nicht aus Einzelteilen besteht, sondern aus Beziehungen – zwischen Materialien, Funktionen und Menschen. Ein stiller, aber kraftvoller Ansatz, der das Wohnen als ganzheitliche Erfahrung neu interpretiert.

Das Doshi Retreat am Vitra Campus – Architektur als Erfahrung jenseits des Objekts

Der Vitra Campus in Weil am Rhein ist seit Jahren ein Ort, an dem Architektur nicht nur gebaut, sondern gedacht wird. Unterschiedliche Positionen der Moderne stehen hier nebeneinander und bleiben dabei klar lesbar. Mit dem Doshi Retreat ist eine Intervention hinzugekommen, die sich dieser Ordnung bewusst entzieht – leise, aber konsequent.

Ein Campus als Argument: Architektur als Diskursraum

Was den Vitra Campus so außergewöhnlich macht, ist nicht die Ansammlung großer Namen, sondern die Art, wie diese miteinander in Beziehung treten. Unterschiedliche architektonische Sprachen – Dekonstruktion, Minimalismus, High-Tech und Spiritualität – stehen hier nebeneinander wie Stimmen in einem intellektuellen Dialog.

Der Campus folgt einer Idee von Rolf Fehlbaum: Architektur als kulturelle Praxis, die über Funktion und Form hinausgeht. Gebäude erscheinen nicht als abgeschlossene Objekte, sondern als Teil eines fortlaufenden Diskurses. Seit den frühen Interventionen von Frank Gehry, Zaha Hadid und Tadao Ando hat sich hier ein architektonisches Labor entwickelt.

Der Ort selbst wird so zu einem Dispositiv der Unterbrechung – ein Raum, der nicht einfach durchschritten, sondern gedacht wird.

Das Doshi Retreat: Ein Weg statt eines Objekts

Vor diesem Hintergrund erscheint das Doshi Retreat als radikale Zuspitzung. Entwickelt von Balkrishna Doshi und weitergeführt von Khushnu Panthaki Hoof und Sönke Hoof, ist es weder Pavillon noch Gebäude – sondern ein Prozess.

Ein gewundener Pfad führt unter die Erdoberfläche. Klang wird dabei nicht als Dekoration eingesetzt, sondern als physische Erfahrung: Gong- und Flötentöne durchdringen den Körper und machen Architektur zur Resonanz.

In dieser Logik ist das Retreat keine Erweiterung des Campus, sondern eine Verschiebung – eine minimale Geste, die weniger behauptet als einlädt.

Spiritualität als Gegenentwurf zur Beschleunigung

Die eigentliche Besonderheit liegt in der Haltung: Die Intervention basiert nicht auf Technologie, sondern auf Spiritualität. Inspiriert von der Idee des Kundalini – der „aufgerollten Energie“ – versteht Doshi Raum als Transformation.

Architektur wird hier nicht nur genutzt, sondern durchschritten wie ein Zustand. Der Campus, oft als Schaufenster der Avantgarde gelesen, öffnet sich damit als Ort der Entschleunigung.

Fehlbaums These: Architektur als Erweiterung des Wahrnehmbaren

Rolf Fehlbaum beschreibt den Campus als Ort, an dem Architektur, Landschaft und Wahrnehmung ineinandergreifen. Das Doshi Retreat radikalisiert diesen Ansatz:

„Es ist der Klang, der durch den Körper der Besucherin oder des Besuchers widerhallt, der die Grenze zwischen dem Selbst und der Struktur aufhebt.“

Am Ende steht kein klassisches Ziel, sondern ein kontemplativer Raum. Nicht das Ankommen zählt, sondern die Entkopplung von der Außenwelt.

Die Idee der Disruption: Unterbrechung als ästhetisches Prinzip

Disruption wird hier neu gedacht: nicht als Beschleunigung, sondern als Verlangsamung.

Gehry bricht die Form, Hadid die Geometrie, Ando das Licht – Doshi hingegen bricht den Begriff des Gebäudes selbst.

Statt eines Objekts entsteht eine Situation.
Statt eines Programms ein Möglichkeitsraum.
Statt eines Blicks eine Bewegung.

Ein leiser Schluss: Die Architektur der Pause

Am Ende bleibt ein Paradox: eine Architektur, die sich zurücknimmt, um intensiver zu werden. Ein Ort, der nicht monumental ist, sondern intim.

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Modernität des Doshi Retreat – in seiner Fähigkeit, den Menschen für einen Moment aus der Logik permanenter Bewegung herauszulösen.

Zwischen Disruption und Ruhe, Ästhetik und Veränderung, Architektur und Bewusstsein bewegt sich die neue Ausgabe von THE Stylemate Issue No 02 | 2026 – PANTA RHEI. Inspiriert vom Gedanken des ständigen Wandels widmet sich die aktuelle Ausgabe jenen Momenten, in denen sich Systeme verschieben, Räume neu gedacht werden und Schönheit nicht mehr statisch, sondern fließend erscheint.

„Panta Rhei“ – alles fließt. Kaum ein Gedanke beschreibt unsere Gegenwart treffender. Die neue THE Stylemate begreift Wandel nicht als Störung, sondern als Einladung: zum Perspektivwechsel, zum bewussteren Leben und zum offenen Denken.

Im Zentrum der Ausgabe stehen Themen wie Disruption, Transformation und die Frage, wie wir in Zukunft leben, arbeiten und gestalten wollen. Philosophische Essays treffen auf visionäre Architektur, innovative Hospitality-Konzepte auf Design, das Haltung zeigt. Bereits das Editorial beschreibt Disruption nicht als Buzzword, sondern als Zustand unserer Zeit – leise, subtil und dennoch unumkehrbar.

Besondere Highlights der Ausgabe:

• Das Gespräch mit Transformationsexperte Markus Petzl über KI, Zukunftsdenken und warum echte Innovation niemals im Kern eines Systems beginnt.
• Der essayistische Beitrag „How We Might Unlearn Coherence“, der sich zwischen Philosophie, Gesellschaft und Ästhetik bewegt und Fragen nach Identität, Räumen und Auflösung stellt.
• Inspirierende Orte und Hotels zwischen Südtirol, Mexiko, Menorca und Österreich, die Rückzug, Design und neue Formen von Luxus neu interpretieren.
• Architektur, Kunst und Design als Spiegel einer Welt im Übergang – poetisch, visionär und bewusst kuratiert.

Wie gewohnt verbindet THE Stylemate anspruchsvollen Journalismus mit außergewöhnlicher Bildsprache und einem feinen Gespür für Ästhetik, Nachhaltigkeit und kulturelle Relevanz. Die neue Ausgabe lädt dazu ein, sich Zeit zu nehmen. Zum Lesen. Zum Nachdenken. Zum Neu-Sehen.

Denn vielleicht ist genau das die wichtigste Erkenntnis dieser Ausgabe:
Wir sind nicht verloren. Wir sind einfach noch nicht fertig.

Die neue Ausgabe PANTA RHEI ist ab sofort hier erhältlich >>>

OLM NATURE ESCAPE

Kreisrundes energieautarkes Eco-Aparthotel im Südtiroler Ahrntal mit außergewöhnlicher Architektur und visionärer regionaler Küche.

Kulinarik mit Persönlichkeit

Seine Menüs sind außergewöhnlich. Unsere Fragen sind es auch. Berni Aichner ist Kulinarik-Chef im hauseigenen Restaurant PRENN° des Eco-Aparthotel OLM Nature Escape und wird für seine Warmherzigkeit, Kreativität und Bodenständigkeit geschätzt. Im Gespräch mit THE Stylemate erfahren wir, welche außergewöhnliche Kreation es doch nicht auf die Karte geschafft hat, welche Südtiroler Zutat Geschichte erzählt und welches runde Gericht er am liebsten hat.

Bewusster Umgang mit Lebensmitteln

Gibt es ein Lebensmittel(teil), das Sie früher verschwendet hätten, aber heute für Sie „heilig“ ist?
Schon in meiner Lehrzeit habe ich gelernt, mit Lebensmitteln verantwortungsvoll umzugehen, auch als Wertschätzung dem Produzenten gegenüber. Aus Abschnitten werden die besten Saucen und Fonds zubereitet.

Teamwork in der Küche

Chef und Sous-Chef – wie funktioniert die Rangordnung zwischen Ihnen? Wie schaffen Sie es, dass der Sous-Chef nicht untergeht und der Chef den Überblick behält?
Egon ist genial und ich könnte mir keinen besseren Stellvertreter vorstellen. Wir sind nicht nur Arbeitskollegen, sondern auch richtig gute Freunde. Er unterstützt und motiviert mich und genießt mein volles Vertrauen. Bei Entscheidungen ist mir seine Meinung enorm wichtig.

Die Zutaten für ein gutes Miteinander

Ein Lächeln, ein besonderer Löffel, die Lieblingstasse – welche sieben „Zutaten“ dürfen im täglichen Miteinander in Ihrer Küche nicht fehlen?
Humor, gegenseitiger Respekt, Wertschätzung, ein Plausch im Team, ein Espresso, Spaß an der Arbeit und der Blick nach vorne.

Was manchmal fehlt

Und welche „Zutaten“ fehlen Ihnen manchmal in der Küche im täglichen Miteinander?
Zeit und Geduld und manchmal auch die nötige Gelassenheit.

Drei Worte für die Küche

Wenn O, L und M jeweils für ein Wort in Bezug zu Ihrer kulinarischen Arbeit stehen würden – welche wären das?
Originell
Leidenschaft
Menschen begeistern

Lieblingsgerichte

Pizza, Mochi, Arancini – welches runde Gericht mögen Sie am liebsten?
Die Pressknödel. Mein Lieblingsgericht, und nebenbei spiegeln sie in ihrer Form die Architektur des OLM wider.

Kindheit neu interpretiert

Wenn Sie ein Gericht aus Ihrer Kindheit in ein modernes Fine-Dining-Konzept umsetzen: Wie sieht es aus und wie schmeckt es?
Ich erinnere mich gerne an die Brennsuppe meines Großvaters. Die einfache Suppe aus gebräuntem Mehl, Butter, Wasser, Salz und etwas Kümmel gab es täglich zum Frühstück. In meiner Küche wird das Wasser mit einem gehaltvollen Rinderfond ausgetauscht und mit brauner Butter aufmontiert. Mit Schwarzbrotchips, gehobelten rohen Steinpilzen und Schnittlauchöl – ein Traum!

Mutige Zutaten

Welche Zutat lieben Sie, könnte aber vielleicht den einen oder anderen Gast abschrecken?
Ich liebe Innereien, habe diese aber fast zur Gänze aus dem Angebot gestrichen. Diese werden inzwischen von vielen Gästen abgelehnt. Auf Nachfrage und für Liebhaber bereiten wir sie aber gerne zu.

Regionale Geschichten

Welche Zutat aus Südtirol erzählt für Sie die spannendste Geschichte?
Der Ahrntaler Graukäse: Vom Arme-Leute-Essen ist er zum kulinarischen Highlight avanciert. Er ist vielseitig einsetzbar und von „Slow Food“ geschützt.

Kulinarik ohne Grenzen

Welche Speise sehen Sie als universell an und kann von allen Kulturen verstanden werden?
Tolle Pasta mit frischen Zutaten macht weltweit jeden glücklich, ob Alt oder Jung.

Ideen, die es nicht auf die Karte schaffen

Welches Gericht haben Sie zum Spaß entwickelt, ist aber nie auf der Karte gelandet?
Das Wiener Schnitzel in Knödelform, gefüllt mit Kartoffelsalat. Geniale Klassiker sollen das auch bleiben.

Eine Zutat, unendliche Möglichkeiten

Wenn Sie nur eine Zutat auswählen dürften, mit der Sie ein gesamtes Menü kochen müssten, welche wäre das?
Der Spargel. Vom rohen Spargelsalat über ein sämiges Süppchen bis hin zum cremigen Risotto – oder einfach Spargel mit Bozner Sauce.

Fotos: Andreas Gruber, Kottersteger, Andreas Niederkogler, Julia Rieck

„Miiro“ ist ein leiser Imperativ, angelehnt an das lateinische „bewundern“, wobei das doppelte „ii“ dieses Innehalten betont. Das spiegelt sich nicht nur im Boutique-Hotel Palais Rudolf selbst wieder, sondern auch in der Geschichte seiner Entstehung – von Generalunternehmer Voglauer aus Abtenau umgesetzt.

Während neues Leben in wenigen Monaten zur Vollendung findet, verlangt die Metamorphose eines Gründerzeithauses in ein Hotel gewöhnlich nach mehr Zeit. Am Rudolfsplatz in Wien jedoch scheint dieser Rhythmus neu geschrieben worden zu sein. In nur neuneinhalb Monaten ist hier – dank des Generalunternehmers Voglauer – ein Ort entstanden, der Vergangenheit und Gegenwart in eine stille, selbstverständliche Balance bringt.

Errichtet zwischen 1880 und 1883 und heute nach Kronprinz Rudolf benannt, erzählt das klassische Wiener Gründerzeithaus von Vergangenheit. Seine Verwandlung jedoch verweist auf die Gegenwart: Denn eine Kernsanierung dieser Größenordnung ist weit mehr als ein Bauprozess – sie ist ein sensibles Austarieren zwischen Bewahren und Erneuern, zwischen Substanz und Vision. Genau darin liegt die besondere Qualität von Voglauer: historische Architektur nicht zu überformen, sondern sie weiterzudenken – mit Respekt, Klarheit und handwerklicher Konsequenz.

Man erhielt die Fassade und restaurierte sie behutsam. In den Innenräumen hingegen galt es, die gesamte Haustechnik auf den neuesten Stand zu bringen und zugleich Türen, Fischgrätböden, Wände, Stuckdecken neu zu denken. Kein Zentimeter blieb dabei unberührt – Voglauer arbeitete mit größter Sorgfalt an der Substanz.

Doch nicht nur die bauliche Struktur erzählt davon: Auch die 64 Zimmer und Suiten sowie die öffentlichen Räume spiegeln diesen Ansatz – dank maßangefertigter Möbel und passender Beleuchtung -wieder. Darunter der in den Miiro Hotels so beliebte Refresh Room – ein Ort zum Frischmachen bei frühen Anreisen oder späten Abreisen.

Heute fügt sich das von James Thurstan Waterworth und Studio Archisphere geplante Boutiquehotel mit feinem Gespür für Lokalkolorit mühelos in seine Nachbarschaft ein und vermittelt den Gästen authentisches Neighbourhood-Feeling. Es ist eine Komposition aus warmen, natürlichen Farbtönen, Vintage-Möbeln und feinen Materialien – eine Interpretation des klassischen Wiener Stadthauses, die Intimität und Leichtigkeit ausstrahlt.

Gerade diese mühelos wirkende Atmosphäre ist das Ergebnis präziser Planung. Voglauer gelingt es dabei, Räume zu schaffen, die selbstverständlich wirken – obwohl ihre Entstehung alles andere als gewöhnlich ist.

Eine Leistung, die Voglauer auch im zweiten Wiener Miiro Hotel am Spittelberg umgesetzt hat, das kürzlich eröffnet wurde.

Das Palais Rudolf wurde als lebendiger Ort konzipiert, nicht als Denkmal. Jede Proportion, jedes Licht und jede Textur wurde bewusst gewählt, um Wiens poetische Dualität einzufangen – seine stille Eleganz und seine kreative Kühnheit.

Architekt Gabriel Kacerovsky, Gründer des Wiener Studios Archisphere

Fotos: James McDonald

Gradonna**S Mountain Resort, Osttirol / Kals am Großglockner

Alpiner Luxus und die Kraft der Natur verschmelzen hier in atemberaubender Höhenlage zu einem harmonischen Erlebnis aus Aktivität, Wellness und Kunst.

Wenn sich die majestätischen Gipfel der Hohen Tauern in den Fensterscheiben des Gradonna Mountain Resort spiegeln, ist es fast, als stünde man vor einem Kunstwerk. Einem Kunstwerk, das aus dem Zusammenspiel von Natur und Mensch entstanden ist.

Es ist ein subtiler Hinweis auf das, was im Gradonna Mountain Resort am Großglockner auf uns wartet: eine kuratierte Auswahl an Werken, die die Magie und Kraft der Bergwelt ins Innere holt. Ausgestellt an einem Ort, der ihre Wirkung auf natürliche Weise vollendet.

Begleiten Sie uns auf dieser Seite zu einer kleinen, feinen Vernissage mit sieben ausgewählten Werken:

LOIS SALCHER

Welche Gefühle werden beim Betrachten bestimmter Farbflächen ausgelöst – und umgekehrt: Welche Farben vermögen bestimmte Emotionen auszudrücken?

Der in Lienz lebende Künstler denkt und malt in Farbräumen, in denen Emotion und Fläche ineinander übergehen.

Ohne Titel
Tempera auf Leinwand

HELENE MARIA SCHORN

Von ihrem Elternhaus blickte sie schon als Kind auf die Hohen Tauern. Es war also im wahrsten Sinne naheliegend, sich auch künstlerisch mit den Bergen auseinanderzusetzen.

Das Kitzsteinhorn, 2012
Fenster zum Nationalpark Hohe Tauern
Öl auf Leinwand

HELMUT STROBL

Mit der Gestaltung der Maximiliankapelle im Gradonna und dem dort schwebenden Fragment seines „Weltbilds des Friedens“ hat Helmut Strobl einen stillen, kraftvollen Ort der Erinnerung geschaffen.

In der Kapelle: Welttuch des Friedens
Acryl auf Leinwand, 2003

PETER NIEDERTSCHEIDER

Schon in der Antike lebte man die Badekultur – eine Tradition, die auch im Gradonna zelebriert wird.

Statuen aus Zirbenholz, kunstvoll aufeinandergeschichtet und im Stil antiker Akte gestaltet, begrüßen die Gäste im Eingangsbereich – ein dezenter Hinweis auf den Wellnessbereich.

Eingangshalle, Skulpturen
Zweiergruppe, Zirbe, 2012
Dreiergruppe, Zirbe, 2011–2012

WOLFGANG BÖHMER

Der Künstler aus Innsbruck schafft Naturbilder, die existenzielle Erfahrungen wie Glück, Trauer oder Freude ausdrücken.

Mit „Naturalized“ entstehen Werke direkt in und mit der Natur, inspiriert von Kraftplätzen wie dem Gradonna-Felsen – einem Ort von besonderer Ruhe und Stärke.

Kraftplatz #7
Natur in Leinwand, 125 × 90 cm

GISELBERT HOKE

Schwarz, braun, weiß: Die Farben dieses Werks, das in der Lobby hängt, harmonieren gut mit den Naturtönen im Gradonna.

Es stammt von Giselbert Hoke, der im Jahr 1956 mit den Bahnhofsfresken in Klagenfurt berühmt geworden ist.

Stadt
Ölfarbe auf Hartfaserplatte, 170 × 260 cm

BIRGIT SCHRÖTTNER-THURNER

Wärme, Kraft und Wandlung sind Stichworte, die dem „Feuer-Salamander“ in der Naturwesen-Numerologie zugeordnet sind.

Das gleichnamige Bild aus eigens hergestellten Naturfarben wie Tagetes, Mahonien oder Petunien ist eines von insgesamt zwölf Werken.

Feuer-Salamander
Pflanzensaftfarbe mit Ei auf Leinwand

Ort & Info

Gradonna****S Mountain Resort is a member of Lifestylehotels
Österreich / Osttirol / Kals am Großglockner
gradonna.at

Kunst, Wasser, Licht: das Water Light Festival Brixen findet dieses Jahr vom 29. April bis zum 16. Mai statt. Idealer Ausgangspunkt: das Arthotel Lasserhaus.

Reflexion, Brechung, Bewegung: wenn Wasser und Licht aufeinandertreffen entsteht Kunst: ein stilles Schauspiel, das sich in Brixen entfaltet. Alle zwei Jahre entsteht durch die Zugabe von Technik, Farbe und Klang dabei ein ganz eigenes mehrtägiges Erlebnis.

Tauscht man den ersten Buchstaben, so wird aus dem Lasserhaus ein Wasserhaus. Weit hergeholt ist das nicht, befindet es sich doch schließlich in der Wasserstadt Brixen, ganz nahe der Altstadt in einem noch älteren Teil der Stadt im Künstlerviertel Stufels. Über die Adlerbrücke, den Eisack unter sich, führt der Weg direkt zum Kunsthotel.

Das historische Haus, hinter dessen Mauern zeitgenössische Kunst mit klassischen Werken in Dialog treten, ist eine wunderbare Einstimmung, um sich dem immersiven Erlebnis, das Brixen im Zuge des Water Light Festivals bietet, hinzugeben.

Kaum tritt man hinaus, scheint sich die Kunst über das Haus hinaus in die Stadt auszudehnen. Wasserorte und kulturhistorische Schätze, wie die Hofburg, die Festung Franzenfeste oder die Stadtgalerie werden in ein anderes Licht gerückt. Auch das zum Lasserhaus zugehörige Boutique Hotel Badhaus lockt im Innenhof mit zwei Lichtinstallationen von Petar Šćulac, die das Zusammenspiel von Licht, Schatten und Architektur wortwörtlich beleuchten.

So wird Brixen zu einer Open Air Galerie, die reflektiert, aber auch zum Reflektieren anregt.

Das Thema des diesjährigen Festivals lautet „Wasser ist Leben – Licht ist Kunst“ und ist damit auch Teil von IMAGINE PEACE, einem übergeordnetem EU-Projekt, das fünf Lichtfestivals in Europa verbindet.

Über das Arthotel Lasserhaus:

Rückzugsort im Künstlerviertel im Herzen von Brixen, mit zehn individuellen Zimmern in historischem Adelshaus aus dem Jahr 1642. Ein Treffpunkt für Kulturinteressierte mit umfangreicher Sammlung von klassischen, aber auch zeitgenössischen Werken etwa von Esther Stocker und Peter Kogler.

Arthotel Lasserhaus is a member of Lifestylehotels

Fotos: Brixen-Tourismus: Pierluigi-Orler / Matthias-Gasser / Santifaller Photography; Freiundzeit; Franziska Unterholzner; Paolo Valentini

Hinweis: Die Fotos in diesem Beitrag vom Water Light Festival zeigen vergangene Installationen

Wie der japanische Künstler die Verbindung von Natur, Architektur und Champagner neu interpretiert

Mit der Fortsetzung der Kunstreihe “Conversations with Nature” setzt die Maison Ruinart 2026 ein poetisches Zeichen für Nachhaltigkeit, Wahrnehmung und die stille Kraft der Natur. Der japanische Künstler Tadashi Kawamata verwandelt Orte in sinnliche Erfahrungsräume – und lädt dazu ein, die Welt neu zu sehen.

Kunst, die Perspektiven verschiebt

Seit Jahren pflegt Ruinart einen einzigartigen Dialog zwischen Kunst und Natur. 2026 wird dieser Dialog mit Tadashi Kawamata fortgeführt – einem Künstler, der für seine ephemeren, architektonischen Interventionen bekannt ist. Seine Werke entstehen aus Holz, oft aus recycelten Materialien, und greifen subtil in bestehende Landschaften ein.

Ob fragile Stege, Hütten oder Beobachtungsplattformen: Kawamatas Installationen eröffnen neue Blickwinkel und verändern bewusst unsere Wahrnehmung von Raum, Maßstab und Natur.

Reims als Inspirationsquelle

Bei seinem ersten Besuch in den Weinbergen rund um die historische Adresse 4 RUE DES CRAYÈRES zeigte sich Kawamata tief beeindruckt von der Atmosphäre des Ortes – vom Morgennebel, der Feuchtigkeit der Luft bis hin zu den kaum sichtbaren Lebenswelten von Vögeln und Insekten.

Diese Eindrücke übersetzt der Künstler in Zeichnungen, Modelle und schließlich in großformatige Installationen. Seine Werke verstehen sich als „imaginäre Zufluchtsorte“ – poetische Antworten auf die Fragilität des Lebendigen.

Drei Installationen – ein Gesamtkunstwerk

Im Sommer 2026 entstehen in Reims drei permanente In-situ-Arbeiten:
Cabane, Nid und Observatoire.

Sie bilden ein Ensemble, das Kunst, Handwerk und Natur miteinander verbindet. Besucher:innen können die Installationen begehen, erleben und die „Schwingungen der Natur“ bewusst wahrnehmen – ein zentrales Element für die Harmonie des Champagners.

„Hier oben nimmt man jede Wetterlage ganz deutlich wahr … Ich möchte, dass die Besucher dem Vergehen der Zeit bewusst nachspüren.“

Zwischen Miniatur und Monument

Ein spannender Aspekt von Kawamatas Arbeit ist das Spiel mit Maßstäben. Modelle aus recyceltem Holz fungieren als konzeptuelle Vorstudien, bevor sie in monumentale Installationen übersetzt werden.

Diese Transformation vom Kleinen ins Große eröffnet neue Perspektiven auf Material, Raum und Zeit – und macht den kreativen Prozess selbst sichtbar.

Ruinart & die Kunst des Dialogs

Die Verbindung von Kunst und Natur ist tief in der DNA von Ruinart verankert. Bereits im 19. Jahrhundert setzte das Haus auf künstlerische Ausdrucksformen – heute arbeiten internationale Künstler:innen daran, ökologische Fragestellungen erfahrbar zu machen.

Kawamata reiht sich damit in eine Tradition ein, die Kunst nicht als Dekoration versteht, sondern als Medium für Bewusstsein und Veränderung.

Ein sinnliches Erlebnis zwischen Natur und Champagner

Die 4 RUE DES CRAYÈRES ist heute mehr als ein Ort der Champagnerproduktion – sie ist ein kultureller Erlebnisraum. Zwischen historischen Kreidekellern (UNESCO-Weltkulturerbe) und zeitgenössischer Architektur entsteht ein Ort, an dem sich Natur, Kunst und Handwerk verbinden.

Mit Kawamatas Intervention wird dieser Ort um eine weitere Dimension erweitert: eine Einladung, die Natur nicht nur zu sehen, sondern zu fühlen.