Für die neue DETOXDENIM-Kampagne von ARMEDANGELS übernimmt Cara Delevingne das Kommando. „Never the Expected“ verbindet ihre kompromisslose Individualität mit innovativen Materialien, markanten Silhouetten und einer Denim-Produktion, die den Status quo hinterfragt.

Cara Delevingne lässt sich nur schwer auf eine Rolle reduzieren. Model, Schauspielerin, Musikerin – und immer wieder eine Persönlichkeit, die sich Erwartungen entzieht. Genau diese Unberechenbarkeit macht sie zum Gesicht der Autumn/Winter 2026 DETOXDENIM-Kollektion von ARMEDANGELS.

Unter dem Titel „Never the Expected“ inszeniert die Kölner Fashion Brand Denim nicht als zeitlosen Klassiker, sondern als Material im Wandel. Im fiktiven DETOXDENIM Lab übernimmt Delevingne die Kontrolle, bricht mit vertrauten Bildern und macht aus Jeans eine Haltung: neugierig, eigenständig und bereit für Veränderung.

Die Kunst, sich nicht festlegen zu lassen

Cara Delevingne bewegt sich seit Jahren zwischen unterschiedlichen kreativen Welten. Sie stand auf internationalen Laufstegen, spielte in Film- und Serienproduktionen und schlägt nun mit ihrem Debütalbum Not Normal, das am 25. September 2026 erscheint, ein neues Kapitel auf.

Der Albumtitel könnte ebenso gut über der Zusammenarbeit mit ARMEDANGELS stehen. Denn sowohl Delevingne als auch die Marke verbindet die Weigerung, sich in eine vorgegebene Form einfügen zu lassen.

„ARMEDANGELS macht vieles anders als die meisten Marken. Und das ist wichtig, denn man weiß genau, was man trägt und wie es hergestellt wurde“, sagt Cara Delevingne.

Dabei bleibt „Never the Expected“ nicht bei einer rebellischen Bildsprache stehen. Die Kampagne stellt die Frage, wie Denim heute aussehen, sich anfühlen und produziert werden kann.

Denim als Materialexperiment

Seit 2018 bündelt ARMEDANGELS seine alternativen Ansätze zur Jeansproduktion unter dem Namen DETOXDENIM. Materialien, Waschungen, Verarbeitung und Finishing werden dabei immer wieder überprüft. Das Ziel: Jeans zu entwickeln, die nach Angaben der Marke ohne synthetische Pestizide und gefährliche Chemikalien auskommen, weniger Ressourcen benötigen und dennoch bei Passform, Qualität und Ästhetik überzeugen.

Eine zentrale Rolle in der neuen Kollektion spielt SaXcell®. Die Lyocell-Faser der nächsten Generation besteht zu 30 Prozent aus recycelten Baumwolltextilabfällen und zu 70 Prozent aus FSC®-zertifiziertem Holzzellstoff. Das Material verbindet einen weichen Griff und fließenden Fall mit der Qualität einer neu produzierten Faser. ARMEDANGELS führte SaXcell® bereits im Frühjahr 2025 ein und baut dessen Einsatz seither weiter aus.

Daneben rückt Selvedge Denim in den Mittelpunkt. Er entsteht auf traditionellen Webstühlen und ist an seiner besonders sauberen und robusten Webkante erkennbar. Statt des klassischen roten Details verwendet ARMEDANGELS eine gelbe Kante – ein kleiner, aber charakteristischer Bruch mit der Denim-Tradition. Gefertigt wird der Stoff aus Bio-Baumwolle.

Auch bei Waschungen und Finishing setzt die Marke unter anderem auf Ozon- und Lasertechnologien, um Wasserverbrauch und Chemikalieneinsatz zu reduzieren. Unabhängige Zertifizierungen wie GOTS, GRS, OCS und RCS dokumentieren bereits bei Teilen der Kollektion die eingesetzten Materialien und Produktionsstandards.

Neue Silhouetten in Deep Indigo

Optisch bewegt sich die Autumn/Winter 2026 Kollektion zwischen kräftigem Deep Indigo, ausgeprägten Vintage-Waschungen und entspannten, selbstbewussten Silhouetten.

Bei den Damen gehören der von Workwear inspirierte Barrel Fit Aalthea, die Wide-Leg-Modelle Enijaa und Astraeaas sowie der Straight Fit Aikaala zu den prägenden Formen. Die Herrenkollektion erweitert das Spiel mit Volumen durch den Relaxed Tapered Fit Maakxy, den Baggy Fit Jaameo und den neuen Classic Straight Fit Maadox.

Die Schnitte folgen keinem einzelnen Trend. Sie zeigen vielmehr, wie vielseitig moderner Denim sein kann: konstruiert oder fließend, körpernah oder bewusst oversized, nostalgisch und gleichzeitig zukunftsorientiert.

So wird Cara Delevingne nicht nur zum prominenten Gesicht einer Kampagne. Sie verkörpert deren eigentliche Idee: Identität ist nichts Starres. Sie darf sich verändern, widersprechen und immer wieder neu erfinden.

Die DETOXDENIM-Kollektion mit Cara Delevingne ist ab dem 17. September 2026 unter armedangels.com und im ausgewählten stationären Handel erhältlich.

Forward Festival Wien 2026: Am 1. und 2. Oktober wird das Gartenbaukino wieder zum Treffpunkt der internationalen Kreativszene. Annie Atkins, Mirko Borsche und mehr als 25 Speaker:innen sprechen über Design, Autorenschaft und eine Frage, die plötzlich fast alle Kreativberufe betrifft: Was kann die Maschine – und wofür braucht es weiterhin den Menschen?

Es ist eine Frage, die Designer:innen, Fotograf:innen, Künstler:innen, Architekt:innen und Agenturen längst nicht mehr theoretisch diskutieren können. Generative KI produziert Bilder in Sekunden, entwickelt Varianten, imitiert Ästhetiken und verändert damit nicht nur Arbeitsprozesse, sondern auch die Vorstellung davon, was kreative Arbeit eigentlich wert ist.

Beim Forward Festival Wien am 1. und 2. Oktober 2026 wird genau diese Verschiebung zum Ausgangspunkt für Gespräche über die Zukunft der Kreativität.

Nach Stationen in Berlin und Frankfurt kehrt Forward zum Saisonabschluss ins Wiener Gartenbaukino zurück – dorthin, wo die Geschichte des Festivals 2015 begann. Aus der ersten Wiener Ausgabe wurden inzwischen 35 Festivals in europäischen Städten, mehr als 600 Speaker:innen und eine Community von rund 50.000 Kreativen aus 70 Nationen.

Die Handschrift hinter den Bildern

Besonders spannend wird die Frage nach menschlicher Autorenschaft bei zwei Gästen, deren Arbeiten viele kennen dürften – auch wenn ihre Namen einem breiteren Publikum weniger geläufig sind.

Annie Atkins erschafft jene grafischen Welten, die wesentlich zur unverwechselbaren Ästhetik der Filme von Wes Anderson beitragen. Schriftzüge, Dokumente, Verpackungen und andere grafische Requisiten entstehen mit einer Präzision, bei der gerade die Details den Unterschied machen.

Mirko Borsche wiederum gehört zu den prägenden Stimmen des zeitgenössischen Editorial- und Grafikdesigns. Seine Arbeiten und Kollaborationen reichen von Balenciaga, Supreme und Inter Mailand bis zum Magazin 032c.

Beide verkörpern damit etwas, das im Zeitalter nahezu unbegrenzt reproduzierbarer Bilder wieder erstaunlich kostbar erscheint: eine erkennbare Handschrift.

Was also kaufen Auftraggeber:innen künftig, wenn sie einen Menschen statt eines Tools engagieren? Eine Dienstleistung? Einen Stil? Erfahrung? Urteilskraft? Oder gerade jene schwer definierbare Fähigkeit, Entscheidungen zu treffen, die nicht aus Wahrscheinlichkeiten entstehen?

Kreativität nach dem Automatisierungsschub

Forward belässt die Diskussion nicht bei ästhetischen Fragen. Ein Panel beschäftigt sich mit den konkreten Veränderungen innerhalb der Kreativwirtschaft: mit neuen Rollen in Studios und Agenturen, veränderten Erwartungen von Kund:innen sowie mit Autorenschaft und Honoraren, wenn Teile kreativer Produktion automatisiert werden.

Damit berührt das Festival einen Punkt, der womöglich entscheidender ist als die Frage, ob KI „kreativ“ sein kann.

Denn Werkzeuge haben kreative Arbeit immer verändert. Interessanter ist, welchen Wert wir der menschlichen Entscheidung beimessen, wenn das Produzieren selbst immer einfacher wird.

Neben Annie Atkins und Mirko Borsche stehen unter anderem Natasha Jen, Erik Kessels, Cachete Jack, Luna Maurer, Thomas Albdorf, Gabriela Namie, So Me, Jim Stoten und The Mill auf dem Programm. Talks werden durch Workshops, Ausstellungen, eine Expo Area, Side-Events und Networking ergänzt.

Eine Idee, die in Wien begann

Hinter Forward steht Gründer Othmar Handl. Was 2015 in Wien begann, ist längst zu einer internationalen Plattform der Kreativszene geworden. Der ursprüngliche Gedanke ist dabei erstaunlich analog geblieben: Menschen zusammenzubringen.

Vielleicht liegt gerade darin eine mögliche Antwort auf die große Frage des Festivals.

Je leistungsfähiger unsere Maschinen werden, desto interessanter könnte das werden, was sich nicht beliebig skalieren lässt: Persönlichkeit, Erfahrung, Haltung, Begegnung – und der Mut, aus einer Idee tatsächlich etwas zu machen.

Forward Festival Wien 2026
1.–2. Oktober 2026
Gartenbaukino, Wien

Im Bumburet Valley im Norden Pakistans begleitet Regisseurin Bea Austin die 20-jährige Alina. Ihr Film erzählt von einer jungen Generation der Kalasha, die zwischen jahrhundertealten spirituellen Traditionen, gesellschaftlichem Wandel und der digitalen Welt ihren eigenen Weg sucht.

Wie bewahrt man eine Kultur, ohne sich der Gegenwart zu verschließen? Im Bumburet Valley, umgeben von den mächtigen Bergen des Hindukusch und nahe der Grenze zu Afghanistan, bekommt diese Frage eine besondere Dringlichkeit.

Hier leben die Kalasha, die kleinste ethnische Minderheit Pakistans. Ihre polytheistische Religion, ihre Rituale, Feste und Traditionen unterscheiden sie deutlich von der muslimischen Mehrheitsgesellschaft des Landes. Doch ihre Lebensweise gerät zunehmend unter Druck. Klimawandel, politische Instabilität, gesellschaftliche Veränderungen und der Druck zur Konversion bedrohen eine Kultur, die über Jahrhunderte hinweg ihre Eigenständigkeit bewahrt hat.

Gleichzeitig zieht es immer mehr junge Kalasha in die Städte – und über Smartphones und Social Media kommt die Welt ohnehin längst zu ihnen.

Eine junge Frau zwischen zwei Welten

Für ihren Kurzfilm Alina reist Regisseurin Bea Austin in ein Dorf im Bumburet Valley und begegnet dort der 20-jährigen Alina. Statt den vermeintlichen Gegensatz zwischen Tradition und Moderne zu inszenieren, richtet der Film seinen Blick auf etwas Interessanteres: die Möglichkeit, beides gleichzeitig in sich zu tragen.

Alina wächst mit den spirituellen Vorstellungen und Bräuchen ihrer Gemeinschaft auf und ist zugleich Teil einer Generation, für die Social Media und globale Popkultur selbstverständlich geworden sind. Ihre Identität scheint deshalb weniger an einen bestimmten Ort gebunden zu sein als an das Bewusstsein darüber, woher sie kommt.

„Alina erklärte, dass ihre Identität in ihrem Glauben verwurzelt ist und dass sie ihr kulturelles Erbe überallhin mitnehmen wird. Mich hat berührt, wie sehr das der Vorstellung der Kalasha vom Tod ähnelt – dem Glauben daran, dass Geist und Traditionen in den Zurückbleibenden weiterleben.“

— Bea Austin

Kultur in Bewegung

Gerade darin liegt die Stärke von Alina. Der Film erzählt kulturelle Bewahrung nicht als Stillstand. Denn vielleicht bedeutet Tradition heute nicht zwangsläufig, dort zu bleiben, wo frühere Generationen gelebt haben.

Während sich die Lebenswelt der Kalasha verändert und manche ihrer überlieferten Strukturen langsam verschwinden, zeigt Alina eine junge Frau, die ihre Herkunft nicht als Grenze versteht. Alinas Weg mag sie eines Tages an einen anderen Ort führen. Ihre Geschichte macht jedoch deutlich, dass kulturelle Identität mitreisen kann.

So wird das Porträt einer jungen Kalasha auch zu einer größeren Geschichte über eine Generation, die zwischen Herkunft und Zukunft ihren eigenen Platz sucht.

Film: Alina | Regie: Bea Austin | via NOWNESS

Wir planen, organisieren, optimieren – und dann kommt das Leben dazwischen. Unsicherheit lässt sich nicht vermeiden. Aber vielleicht müssen wir das auch gar nicht. Denn die Kunst besteht weniger darin, alles unter Kontrolle zu haben, als darin, mit dem Unvorhersehbaren umgehen zu können.

„In dieser Welt ist nichts gewiss außer dem Tod und den Steuern“, soll Benjamin Franklin einmal gesagt haben. Ein Satz, der mehr als zwei Jahrhunderte später erstaunlich zeitgemäß klingt.

Denn selten schien die Sehnsucht nach Sicherheit so groß wie heute. Wir planen Karrieren, Beziehungen, Reisen, unsere Finanzen und manchmal sogar unsere Freizeit bis ins Detail. Vision Boards treffen auf To-do-Listen, Fünfjahrespläne auf perfekt kuratierte Vorstellungen davon, wie unser Leben aussehen sollte.

Und dann passiert etwas, das darin nicht vorgesehen war.

Ein Flug wird gestrichen. Ein Job geht verloren. Eine Beziehung endet. Eine Chance, auf die wir gesetzt haben, verschwindet. Oder wir wachen einfach eines Morgens mit dem Gefühl auf, dass der Weg, den wir so sorgfältig geplant haben, plötzlich nicht mehr der richtige ist.

Unsicherheit beginnt oft genau dort: in der Lücke zwischen dem, was wir erwartet haben, und dem, was tatsächlich geschieht.

Eine Welt ohne Fahrplan

Technologische Entwicklungen, gesellschaftliche Veränderungen und eine permanente Flut an Informationen verstärken das Gefühl, dass sich die Welt schneller verändert, als wir sie verstehen können. Was gestern noch sicher erschien, kann morgen bereits infrage stehen.

Gerade jungen Menschen fällt es mitunter schwer, darin Orientierung zu finden. Eine 2023 veröffentlichte Untersuchung des Harvard Graduate School of Education zeigte, dass ein erheblicher Teil junger Erwachsener in den USA mit fehlendem Sinn, Orientierungslosigkeit und Zukunftssorgen kämpft.

Doch vielleicht liegt ein Teil des Problems in unserer Vorstellung, wir müssten jederzeit wissen, wohin unser Leben führt.

Schule und Studium vermitteln uns lange Zeit eine relativ klare Struktur: Semester folgen auf Semester, Prüfungen auf Lehrveranstaltungen, Abschlüsse auf Ausbildungsschritte. Danach öffnet sich plötzlich ein Raum voller Möglichkeiten – und Möglichkeiten können ebenso befreiend wie beängstigend sein.

Die entscheidende Frage lautet deshalb nicht: Wie werde ich Unsicherheit los? Sondern: Wie lerne ich, mich in ihr zu bewegen?

Kontrollieren, was kontrollierbar ist

Wenn etwas Unvorhergesehenes passiert, reagiert unser Kopf gerne mit einem paradoxen Reflex: Gerade weil wir die Kontrolle verlieren, versuchen wir, noch mehr zu kontrollieren.

Dabei hilft zunächst eine einfache Unterscheidung. Was kann ich beeinflussen – und was nicht?

Nicht kontrollierbar sind das Wetter, Entscheidungen anderer Menschen, wirtschaftliche Entwicklungen oder vieles von dem, was morgen passieren könnte. Beeinflussbar sind hingegen unsere Reaktion, unsere nächsten Schritte und die Art, wie wir mit einer Situation umgehen.

Das klingt banal, verändert aber die Perspektive.

Wird beispielsweise ein Flug wegen schlechten Wetters gestrichen, hilft hektisches Wechseln zwischen Gates ebenso wenig wie der Versuch, das Gewitter mental wegzuorganisieren. Hilfreicher ist es, Informationen zu sammeln, Alternativen zu prüfen und dann eine Entscheidung zu treffen.

Ruhe bedeutet dabei keineswegs Passivität. Im Gegenteil: Sie schafft erst den Raum, in dem vernünftiges Handeln möglich wird.

Pläne sind gut – solange sie beweglich bleiben

Planung ist nicht der Feind von Unsicherheit. Sie kann uns Orientierung geben, Komplexität reduzieren und aus einem scheinbar unlösbaren Problem eine Reihe kleiner, machbarer Schritte machen.

Entscheidend ist nur, wie sehr wir uns an unseren Plan klammern.

Vielleicht ist ein guter Plan weniger eine exakt vorgezeichnete Route als eine Art Kompass. Er gibt eine Richtung vor, lässt aber zu, dass wir unterwegs den Weg verändern.

Das gilt für einen gestrandeten Flughafenpassagier ebenso wie für die großen Fragen des Lebens. Wir können Informationen sammeln, Entscheidungen treffen und handeln. Wir können aber nicht garantieren, dass daraus exakt das Ergebnis entsteht, das wir uns vorgestellt haben.

Und genau an diesem Punkt beginnt eine Fähigkeit, die in einer auf Kontrolle und Optimierung ausgerichteten Welt beinahe radikal erscheint: loszulassen.

Die Freiheit des Nichtwissens

Loslassen bedeutet nicht, gleichgültig zu werden. Es bedeutet auch nicht, darauf zu vertrauen, dass sich schon irgendwie alles zum Guten wenden wird.

Es bedeutet vielmehr, anzuerkennen, dass unser Einfluss Grenzen hat.

Vielleicht müssen wir nicht auf jede Frage sofort eine Antwort haben. Vielleicht darf ein Lebensabschnitt offen sein. Vielleicht darf eine Entscheidung vorläufig bleiben. Und vielleicht ist ein Umweg nicht automatisch ein Fehler.

Rückblickend entstehen schließlich erstaunlich viele entscheidende Veränderungen aus Situationen, die wir ursprünglich niemals gewählt hätten. Das macht Verlust, Enttäuschung oder Angst nicht automatisch zu etwas Positivem. Aber es erinnert daran, dass wir im Moment des Umbruchs noch nicht wissen können, welche Bedeutung er später haben wird.

Unsicherheit ist deshalb nicht das Gegenteil eines guten Lebens. Sie ist ein Teil davon.

Die eigentliche Sicherheit liegt vielleicht ohnehin an einem anderen Ort: nicht darin, zu wissen, was passieren wird – sondern darauf vertrauen zu können, dass wir mit dem umgehen werden, was passiert.

Zwischen unvollendeten Gebäuden und gelebter Realität erzählt der Kurzfilm Liminal von NOWNESS eine Geschichte über Räume, die weder Vergangenheit noch Zukunft sind. In Accra wird Architektur dabei nicht zur Kulisse, sondern zum Gegenüber einer Performerin, deren Körper die Spannungen einer Stadt sichtbar macht.

Zwischen Aufbruch und Stillstand

Accra gilt als eine der dynamischsten Metropolen Westafrikas. Die ghanaische Hauptstadt wächst rasant, verändert sich beinahe täglich und steht zugleich vor Herausforderungen, die viele schnell wachsende Städte teilen. Unvollendete Bauprojekte, vernachlässigte Infrastruktur und Orte, die scheinbar auf ihre Zukunft warten, gehören ebenso zum Stadtbild wie neue Visionen.

Genau in diesem Spannungsfeld setzt der Kurzfilm Liminal an. Regisseurin und bildende Künstlerin Naafia Naahemaa verlegt die Handlung in einen nie fertiggestellten brutalistischen Bau. Sichtbeton, offene Treppenhäuser und freistehende Pfeiler bilden eine Architektur, die weder verlassen noch belebt wirkt – ein Ort im Schwebezustand.

Der Körper als Spiegel der Stadt

Im Zentrum steht die Performance-Künstlerin Nana Yaa Poku Asare-Boadu. Ihre Bewegungen folgen keiner klassischen Choreografie. Stattdessen entstehen sie unmittelbar aus der Begegnung mit dem Gebäude selbst. Jeder Schritt, jede Pause und jede Geste scheint auf den Raum zu reagieren und macht sichtbar, wie eng Architektur und menschliche Erfahrung miteinander verbunden sind.

Begleitet von der atmosphärischen Komposition von Malick Koly entwickelt sich ein Dialog zwischen Körper und Bauwerk. Die Architektur wirkt dabei nicht statisch, sondern beinahe lebendig – als würde sie auf jede Bewegung antworten.

Der Film verzichtet bewusst auf eindeutige Botschaften. Stattdessen eröffnet er einen emotionalen Erfahrungsraum, in dem Fragen nach Entwicklung, Veränderung und gesellschaftlicher Verantwortung körperlich erfahrbar werden.

Räume, die Geschichten speichern

Liminal entstand nicht isoliert von seinem Umfeld. Gespräche mit Bewohnerinnen einer in den 1960er-Jahren errichteten Wohnsiedlung im Stadtteil Kaneshie flossen in das Projekt ein. Ihre Erfahrungen mit Verdrängung, ungeklärten Besitzverhältnissen und schleichendem Verlust öffentlicher Infrastruktur bilden den unsichtbaren Hintergrund der Performance.

Gerade dadurch gewinnt der Film an Tiefe. Die Architektur erzählt nicht nur von Beton und Konstruktion, sondern von Erinnerungen, Hoffnungen und den Spuren gesellschaftlicher Entwicklungen.

Wie viele der außergewöhnlichen Kurzfilme auf NOWNESS bewegt sich Liminal zwischen Kunstfilm, Architekturbetrachtung und Performance. Das Ergebnis ist kein klassischer Dokumentarfilm, sondern eine poetische Reflexion darüber, wie Menschen Räume prägen – und wie Räume wiederum ihre Bewohner formen.

Mit der Black Bay Ceramic zeigt TUDOR, dass zeitgenössischer Luxus nicht lauter, sondern intelligenter geworden ist.

Manche Uhren beeindrucken durch Komplikationen, andere durch ihre Geschichte. Die neue TUDOR Black Bay Ceramic geht einen anderen Weg: Sie verbindet kompromisslose Ingenieurskunst mit einer radikal reduzierten Ästhetik und zeigt, dass Innovation oft dort beginnt, wo Funktion und Design untrennbar miteinander verschmelzen. Mit ihrem vollständig schwarzen Erscheinungsbild und dem erstmals aus Keramik gefertigten Armband interpretiert sie die ikonische Black Bay Linie konsequent neu.

Schwarz als Ausdruck technischer Präzision

Schwarz gilt in der Gestaltung häufig als Farbe der Reduktion. Bei der Black Bay Ceramic ist es jedoch weit mehr als eine gestalterische Entscheidung. Das mattschwarze Keramikgehäuse trifft auf ein harmonisch abgestimmtes Keramikarmband, dessen Entwicklung als eine der größten technischen Herausforderungen dieses Modells gilt. Keramik ist außergewöhnlich hart, leicht und kratzfest – gleichzeitig aber anspruchsvoll in der Verarbeitung. Dass TUDOR nun ein vollständig integriertes Keramikarmband mit hohem Tragekomfort realisieren konnte, unterstreicht den technologischen Anspruch der Marke.

Das Zusammenspiel aus sandgestrahlten Oberflächen, polierten Kanten und fein abgestuften Schwarztönen verleiht der Uhr eine skulpturale Präsenz. Sie wirkt kraftvoll, ohne laut zu sein – eine Form von Luxus, die sich nicht über Glanz, sondern über Materialqualität und Präzision definiert.

Master Chronometer – wenn Präzision messbar wird

Was äußerlich minimalistisch erscheint, ist im Inneren hochkomplex. Die Black Bay Ceramic trägt die begehrte METAS Master Chronometer-Zertifizierung – eine der anspruchsvollsten Prüfungen der modernen Uhrmacherei. Dabei werden nicht nur die Ganggenauigkeit, sondern auch Magnetfeldresistenz, Wasserdichtheit und Gangreserve unabhängig überprüft.

Das Manufakturkaliber MT5602-U arbeitet mit einer Siliziumspiralfeder, widersteht Magnetfeldern bis 15.000 Gauß und bietet eine zertifizierte Gangreserve von 70 Stunden. Für den Alltag bedeutet das nicht nur außergewöhnliche Präzision, sondern auch die Freiheit, die Uhr über ein Wochenende abzulegen, ohne sie anschließend neu einstellen zu müssen.

Tradition neu interpretiert

Obwohl die Black Bay Ceramic technologisch zu den modernsten Modellen der Marke zählt, bleibt sie ihren Wurzeln treu. Die charakteristischen Snowflake-Zeiger, seit 1969 fester Bestandteil der TUDOR-DNA, verbinden die Geschichte der legendären Taucheruhren mit zeitgenössischer Uhrmacherkunst. Das Ergebnis ist keine nostalgische Neuauflage, sondern eine Evolution, die Vergangenheit und Zukunft selbstverständlich miteinander verbindet.

Luxus durch Substanz

In einer Zeit, in der Luxus häufig über Sichtbarkeit definiert wird, setzt die Black Bay Ceramic auf eine andere Form von Exklusivität. Ihre Qualitäten offenbaren sich nicht auf den ersten Blick, sondern im Detail: in der Materialforschung, der Präzision des Uhrwerks, den hohen Zertifizierungsstandards und der außergewöhnlichen Verarbeitung.

Gerade diese Haltung macht sie interessant. Sie versteht Luxus nicht als Inszenierung, sondern als Ergebnis konsequenter Entwicklung. Eine Uhr für Menschen, die Design nicht nur sehen, sondern verstehen möchten.

Shanghai weiß sowohl mit seinen historischen Gassen als auch mit einer futuristischen Skyline zu bestechen. Mit der Jia Art Gallery zeigen Foster + Partners hier nun ein neues architektonisches Highlight, das selbst zum eindrucksvollen Kunstwerk wird.

Shanghai ist neben Seoul und Tokio die wohl am meisten gehypte Großstadt Ostasiens – auf Instagram-For-You-Pages und darüber hinaus. Nicht zuletzt wegen ihrer aufstrebenden Kreativszene, die sowohl Mode, Kunst, Kultur als auch Architektur in ein völlig neues Scheinwerferlicht stellt.

Shanghai ist eine Stadt der Gegensätze: Die Stadt lebt von der Dualität historischer Ecken und Bauten einerseits und einer hoch modernen Skyline andererseits. Wer gerne bummelt und sich einen guten Kaffee to go mitnehmen möchte, ist hier allemal an der richtigen Stelle. Somit ist Shanghai auch eine Stadt, die auch unter westlichen Besuchern immer beliebter wird. Zudem scheint die Metropole auch vom politischen Trubel Chinas unberührt zu sein. Vielmehr lädt sie dazu ein, dem Trubel der Stadt zu folgen, sich treiben zu lassen – und die so gegensätzliche Architektur zwischen Tradition und Moderne zu bewundern. 

Für Kunst und Kultur

Eine der neuen architektonischen Highlights ist die Jia Art Gallery. Versteckt innerhalb eines kleinen, unscheinbaren Bezirks namens Putuo im nordwestlichen Zentrum der Großstadt, realisieren Foster + Partners damit ein Projekt, das das ganz besondere Flair des Ortes einfängt und neben der ausgestellten Kunst im Inneren ein ganz eigenes Kunstwerk zu sein scheint.

Putuo hat sich in der Vergangenheit als Industrie- und Arbeiterbezirk etabliert, zeigt sich heute jedoch stark gentrifiziert und als bunter Stadtteil mit vielfältigen kulturellen und innovativen Einflüssen. Die Gestaltung der Galerie ist Teil des Changfeng-Stadtteilprojekts, das ebenfalls von den Architekten konzipiert wurde. Dieses wiederum gehört zum Shanghai 2035 Masterplan, der ein lebendiges Viertel mit gemischter Nutzung, einer optimierten Vernetzung und hoher Lebensqualität für dessen Bewohner vorsieht. Im Zentrum soll Jia Art stehen und auf rund 5.000 Quadratmetern genügend Raum für Ausstellungen sowie Events und Bildungseinrichtungen bieten. 

„Jia Art ist ein Projekt, das verdeutlicht, wie wichtig es ist, Kunst und Kultur in unsere Städte zu integrieren“, so Gerard Evenden, Head of Studio bei Foster + Partners. Kein Wunder also, dass sich die Architekten hierfür auch gestalterisch so richtig ausgetobt haben. Entstanden ist ein Ort, der sowohl die umliegende Natur aufgreift als auch Menschen zusammenbringt und der Kunst einen eigenen Raum schafft. Dafür blickten sie in den nahegelegenen Changfeng-Park.

Wahrlich blumig

Dieser liegt ebenfalls im Putuo-Distrikt. Hier ist nicht nur eine klassische chinesische Gartenlandschaft angelegt, sondern auch ein kleinerer See namens Yinchu Lake. Die Anlage wurde größtenteils künstlich erschaffen und orientiert sich in ihrer Ausrichtung am Sommerpalast in Beijing, wobei auch die Gartenkunst an die beiden Großstädte Hangzhou und Suzhou erinnern soll. Hier blühen die verschiedensten Blumen, wie etwa Pfingstrosen, Magnolien und Kirschblüten. Von ihnen holten sich die  Architekten die Inspiration für ihr Projekt, das sich an der Besonderheit dieser Blumen orientiert und sie in ein komplexes architektonisches Gesamtwerk übersetzt.

Konkret zeigt sich das an der imitierten vierblättrigen blütenförmigen Form der Galerie, die an eine fein geschliffene Skulptur erinnert. „Mit seiner unverwechselbaren Form, der dynamischen Fassade und den lichtdurchfluteten Galerieräumen bereichert das Gebäude das Stadtviertel und stärkt den Gemeinschaftsgeist des Bauprojekts“, sagt Evenden.

Licht sei Dank

Das Gebäude ist zweigeteilt in den Nord- und Südbau. Nördlich gelegen befinden sich alle Hauptausstellungsräume, südlich hingegen zusätzliche Ausstellungsflächen, Räumlichkeiten für Vorträge sowie ein Gastronomiebereich. Beide Bereiche sind über ein doppelstöckiges Atrium miteinander verbunden und erhalten dank der gläsernen Fassade zusätzliches natürliches Licht. Generell legten Foster + Partners den Fokus auf natürlichen Lichteinfall und integrierten zahlreiche Fenster in die Entwürfe, die Jia Art zu einem lichtdurchfluteten, warmen Ort machen. Auch das Dach besteht aus Glas und reduziert dadurch die Notwendigkeit von künstlicher Beleuchtung in den Ausstellungsräumen.

Die Fassade wiederum besteht aus veredelten Edelstahlpaneelen, die entsprechend der extravaganten Blütenform gebogen sind. Ihre Textur erinnert an ein geripptes Muster und ist zudem verspiegelt. Nachts können die einzelnen Paneele sogar beleuchtet werden. Somit strahlt die Galerie auch im Dunkeln. Besucher und zukünftige Bewohner können die Jia Art Galerie jederzeit bestaunen und dank dieser besonderen Beleuchtung keineswegs übersehen.

Text: Katarina Andraschko
Bilder: Foster + Partners

Wie Bode Erinnerungen in Kleidung verwandelt und zeigt, dass wahre Transformation nicht im Neuen, sondern im Weiterleben liegt.

Mode ist eine der vergänglichsten Ausdrucksformen unserer Zeit. Kaum ist eine Kollektion präsentiert, richtet sich der Blick bereits auf die nächste Saison. Trends entstehen, verschwinden und werden durch neue ersetzt. Was gestern noch begehrenswert war, wirkt heute oft schon überholt.

Und doch gibt es Labels, die einen völlig anderen Weg einschlagen.

Das New Yorker Label Bode, gegründet von Emily Adams Bode Aujla, versteht Kleidung nicht als kurzlebiges Produkt, sondern als Träger von Erinnerungen. Viele ihrer Entwürfe entstehen aus historischen Quilts, bestickten Tischdecken, Bettwäsche oder Stoffen, die über Jahrzehnte hinweg Teil eines Familienlebens waren. Textilien, die ursprünglich nie für einen Laufsteg gedacht waren, erhalten eine neue Bestimmung. Aus Alltagsgegenständen werden Kleidungsstücke. Aus Erinnerungen entsteht Gegenwart.

Diese Transformation ist weit mehr als Upcycling. Sie verändert nicht nur das Material, sondern auch dessen Bedeutung.

Die Schönheit gelebter Zeit

In einer Welt, die Perfektion oft mit Makellosigkeit verwechselt, erinnert Bode daran, dass gerade Gebrauchsspuren Charakter schaffen.

Ein geflickter Quilt erzählt von Händen, die ihn gefertigt haben. Eine gestickte Tischdecke erinnert an gemeinsame Mahlzeiten, an Feste, an Generationen, die sich um denselben Tisch versammelt haben. Ein Stoff wird dadurch mehr als eine textile Oberfläche. Er wird zum stillen Zeugen eines gelebten Lebens.

Indem Bode diese Materialien in moderne Silhouetten übersetzt, entstehen Kleidungsstücke, die Vergangenheit nicht konservieren, sondern weiterführen. Sie tragen Geschichte nicht als Dekoration, sondern als Identität.

Transformation bedeutet hier nicht, Altes zu ersetzen. Sie bedeutet, ihm eine neue Zukunft zu schenken.

Erinnerungen als Luxus

Vielleicht verändert sich gerade deshalb auch unsere Vorstellung von Luxus.

Lange wurde Luxus über Seltenheit, Exklusivität oder den Preis definiert. Heute gewinnt eine andere Qualität an Bedeutung: Bedeutung selbst.

Ein Objekt wird wertvoll, weil es eine Geschichte erzählt. Weil es Herkunft besitzt. Weil es nicht beliebig reproduzierbar ist.

Bode zeigt eindrucksvoll, dass Kleidung mehr sein kann als Mode. Sie wird zum kulturellen Gedächtnis. Jeder Stoff trägt Spuren seines früheren Lebens in sich und macht jedes Kleidungsstück zu einem Unikat – nicht nur aufgrund seiner Verarbeitung, sondern aufgrund seiner Geschichte.

Gerade in einer Zeit, in der Algorithmen Trends beschleunigen und künstliche Intelligenz Bilder in Sekunden erzeugt, wächst die Sehnsucht nach etwas Echtem. Nach Dingen, die Zeit in sich tragen.

Die Kunst der Verwandlung

Transformation ist eines der ältesten kreativen Prinzipien überhaupt. Künstler verwandeln Stein in Skulpturen, Architekten geben historischen Gebäuden eine neue Funktion, Designer interpretieren Tradition neu, ohne sie zu verlieren.

Bode folgt genau diesem Gedanken.

Die Vergangenheit wird nicht romantisiert und auch nicht museal konserviert. Sie bleibt lebendig, weil sie Teil der Gegenwart wird. Aus einer Familiengeschichte entsteht eine neue Geschichte. Aus einem Stoff, der Jahrzehnte in einer Truhe lag, wird ein Kleidungsstück, das wieder getragen wird.

Vielleicht liegt genau darin die nachhaltigste Form von Design: nicht immer Neues zu erschaffen, sondern das Vorhandene mit neuen Augen zu betrachten.

Mehr als Kleidung

Bode beweist, dass Mode weit mehr sein kann als ein Spiegel des Zeitgeists. Sie kann Erinnerungen bewahren, Identität sichtbar machen und Vergangenheit in die Zukunft tragen.

Vielleicht liegt die wahre Innovation heute nicht darin, immer schneller Neues zu produzieren.

Vielleicht beginnt sie genau dort, wo wir lernen, das Vorhandene neu zu sehen.

Denn die schönsten Geschichten sind oft jene, die nicht neu geschrieben werden müssen – sondern weitererzählt.

Wie die Comcaac an Mexikos Sonoraküste ihr überliefertes Wissen bis heute bewahren

An der abgelegenen Küste der Sonora-Wüste im Norden Mexikos lebt eines der kleinsten indigenen Völker des Landes: die Comcaac, auch als Seri bekannt. Weniger als tausend Menschen bewahren hier bis heute eine Lebensweise, die seit Generationen eng mit Wüste, Meer und den Rhythmen der Natur verbunden ist. Der NOWNESS-Kurzfilm Un Canto por el Desierto („Ein Lied für die Wüste“) begleitet diese außergewöhnliche Gemeinschaft und zeigt, wie Kultur, Erinnerung und Spiritualität in einem einzigen Handwerk zusammenfinden.

Geflochtenes Wissen

Im Mittelpunkt des Films steht die traditionelle Korbflechterei der Comcaac-Frauen. Aus den Fasern der Torote-Pflanze – auch Elefantenbaum genannt – entstehen Gefäße, die seit Jahrhunderten den Alltag begleiten: Sie transportieren Wasser, Nahrung, Saatgut oder sogar Kinder.

Doch diese Körbe erfüllen weit mehr als einen praktischen Zweck. Jeder einzelne ist Ausdruck eines kulturellen Gedächtnisses, das über Generationen ausschließlich mündlich weitergegeben wurde. In den Mustern, Materialien und Techniken lebt das Wissen einer Gemeinschaft weiter, deren Identität untrennbar mit ihrer Landschaft verbunden ist.

„Die Körbe der Comcaac sind niemals nur Körbe. Sie sind Gefäße – für Samen, Früchte, Wasser, Kinder und manchmal auch für Geschichten aus einer anderen Welt.“
– Enrique M. Rizo

Zwischen Natur und Mythos

Gemeinsam mit Ana María, einer Angehörigen der Comcaac, die in ihrer Muttersprache Cmiique Iitom spricht, führt Regisseur Enrique M. Rizo den Zuschauer in eine Welt, in der Natur und Spiritualität nicht voneinander getrennt werden.

Lieder an den Wind, die Sonne, das Meer oder die Wüste sind keine Folklore für Besucher, sondern lebendiger Teil einer Weltsicht, in der jedes Element eine eigene Stimme besitzt. Der Film macht deutlich, dass sich kulturelles Wissen nicht ausschließlich in geschriebenen Archiven bewahren lässt – sondern ebenso in Ritualen, Erzählungen und handwerklichen Gesten.

Ein Porträt kultureller Widerstandskraft

Un Canto por el Desierto erzählt nicht nur von einer seltenen Flechttechnik. Es ist ein sensibles Porträt über Identität, weibliches Wissen und die Kraft kultureller Kontinuität. Gerade in einer Zeit, in der viele indigene Traditionen zu verschwinden drohen, erinnert der Film daran, dass Handwerk ein lebendiges Archiv sein kann – eines, das Vergangenheit und Zukunft miteinander verbindet.

Wie so oft gelingt NOWNESS dabei kein dokumentarischer Bericht im klassischen Sinn, sondern eine poetische Annäherung an einen Ort und seine Menschen. Ein Film, der weniger erklärt als spüren lässt.

Ein Künstler zwischen Kunst, Design und Handwerk

Manche Objekte lassen sich nicht eindeutig einordnen. Sie sind weder bloße Designstücke noch reine Kunstwerke – sie bewegen sich in einem Zwischenraum, in dem Material, Erinnerung und Emotion miteinander verschmelzen. Genau dort arbeitet der französische Künstler und Designer Alan Louis. Seine skulpturalen Möbel und Objekte wirken zugleich archaisch und zeitgenössisch, funktional und poetisch. Jedes einzelne scheint bereits eine Geschichte erlebt zu haben.

Was Alan Louis erschafft, ist mehr als Design. Es sind Werke, die Architektur, Natur und kulturelles Erbe miteinander verbinden und den Betrachter dazu einladen, genauer hinzusehen.

Der ungewöhnliche Weg zum Design

Bevor Alan Louis seinen Platz in der Designwelt fand, arbeitete er in der Handelsschifffahrt. Dort lernte er Materialien nicht theoretisch, sondern im täglichen Umgang kennen – wie sie funktionieren, wie sie sich verbinden lassen und wie Probleme durch handwerkliches Können gelöst werden.

Diese Erfahrung prägt seine Arbeit bis heute. Seine Entwürfe entstehen nicht allein aus einer ästhetischen Idee, sondern aus einem tiefen Verständnis für Materialität. Jedes Projekt beginnt mit einer Vision, entwickelt sich jedoch erst durch zahllose Experimente, Tests und überraschende Wendungen zu seiner endgültigen Form.

Gerade weil er keine klassische Designausbildung absolvierte, nähert sich Alan Louis seinen Arbeiten mit einer bemerkenswerten Freiheit. Konventionen interessieren ihn wenig. Formen und Materialien dürfen Erwartungen bewusst widersprechen – genau darin liegt für ihn kreatives Potenzial.

Keramik als Chamäleon

Im Zentrum seines Schaffens steht Keramik. Allerdings nutzt Alan Louis das Material auf eine Weise, die vertraute Wahrnehmungen infrage stellt.

Was wie patiniertes Kupfer, massives Holz, Kork oder geschwärzter Stahl aussieht, entpuppt sich bei näherem Hinsehen als sorgfältig glasierte Keramik. Dabei geht es ihm nicht um eine perfekte Illusion, sondern um die Idee, dass Materialien keine feste Identität besitzen müssen.

Diese bewusste Irritation macht seine Arbeiten unverwechselbar. Der Betrachter beginnt automatisch zu hinterfragen, was er eigentlich sieht – und entdeckt dabei die erstaunliche Vielseitigkeit keramischer Oberflächen.

Portugal als kreativer Wendepunkt

Der eigentliche Beginn seiner künstlerischen Laufbahn fiel mit einem persönlichen Umbruch zusammen. Nach seiner Zeit auf See stellte sich Alan Louis die Frage, welchen Weg er künftig einschlagen wollte.

Während der Pandemie zog er nach Portugal. Die erzwungene Ruhe wurde für ihn zu einer Phase intensiver Selbstreflexion. Gleichzeitig entdeckte er die außergewöhnliche Bedeutung der Keramik innerhalb der portugiesischen Kultur.

Heute lebt und arbeitet er im Ribatejo, einer Landschaft, deren Natur seine Arbeiten nachhaltig beeinflusst. Zwischen Bäumen, Licht und der Weite der Serra de Montejunto entstehen Objekte, die organische Formen mit architektonischer Klarheit verbinden.

Zwischen Natur und europäischem Kulturerbe

Besonders deutlich zeigt sich dieser Dialog in der Serie Narciso.

Die Kollektion erinnert an skulpturale Pflanzenformen, trägt jedoch ebenso die Atmosphäre historischer Museen, barocker Paläste und alter Kirchen in sich. Vergoldete Bilderrahmen, restaurierte Ornamente, sakrale Architektur und jahrhundertealte Handwerkskunst verschmelzen mit natürlichen Strukturen zu einer ganz eigenen Formensprache.

Dem gegenüber steht die Kollektion Era: reduziert, geometrisch und nahezu architektonisch. Beide Serien könnten unterschiedlicher kaum sein – und gehören dennoch untrennbar zusammen.

Gerade dieses Spannungsfeld beschreibt Alan Louis als Kern seiner Arbeit. Stärke trifft auf Sensibilität, Minimalismus auf Ornament, Vergangenheit auf Gegenwart.

Die Schönheit des Unvorhersehbaren

Ein entscheidender Partner seiner Arbeit ist das Material selbst. Alan Louis arbeitet bevorzugt mit Schamott-Steinzeug – einer Keramik, die für ihre Unberechenbarkeit bekannt ist.

Risse, Verformungen oder Brüche gehörten anfangs zum kreativen Alltag. Mit der Zeit entwickelte sich jedoch eine Art Dialog zwischen Künstler und Material. Nicht vollständige Kontrolle ist das Ziel, sondern das Verständnis der jeweiligen Möglichkeiten und Grenzen.

Dasselbe gilt für seine Glasuren. Sie bringen zusätzliche Unvorhersehbarkeit in den Entstehungsprozess und verleihen den Oberflächen jene faszinierende Tiefe, die seine Arbeiten charakterisiert.

Objekte mit Vergangenheit

Bei der Lisbon Design Week präsentierte Alan Louis seine Kollektionen in historischen Räumen, die er bewusst wie Schmuckschatullen inszenierte. Die Architektur sollte die Objekte begleiten, ohne ihnen die Aufmerksamkeit zu nehmen.

Denn letztlich geht es ihm nicht allein um schöne Formen.

Seine Arbeiten tragen Erinnerungen, Sehnsucht, Beharrlichkeit und Emotionen in sich. Sie wirken, als hätten sie bereits Generationen überdauert – obwohl sie gerade erst entstanden sind.

Vielleicht liegt genau darin ihre größte Stärke: Sie bleiben nicht neutral. Sie lösen Reaktionen aus, erzählen Geschichten und lassen Raum für eigene Erinnerungen.

Alan Louis gestaltet keine Möbel im klassischen Sinn. Er erschafft Objekte, die Vergangenheit und Zukunft miteinander verbinden – und damit beweisen, dass gutes Design weit über Funktion hinausgehen kann.