Zwei Künstler, zwei Generationen und ein gemeinsames Thema: der Mensch. Die ALBERTINA Wien bringt Pablo Picasso und Francis Bacon in einer großen Ausstellung zusammen – und zeigt, wie aus Bewunderung ein künstlerisches Ringen wurde.

Was bleibt vom Menschen, wenn man seine äußere Form nicht länger als unverrückbare Wahrheit begreift? Wenn ein Gesicht auseinanderfällt, ein Körper sich verdreht und Schönheit plötzlich nichts Harmonisches mehr sein muss?

Pablo Picasso und Francis Bacon haben darauf sehr unterschiedliche Antworten gefunden. Und doch führt ihr Werk immer wieder an denselben Ort: zum Menschen in all seiner Widersprüchlichkeit. Zu Begierde und Angst, Gewalt und Verletzlichkeit, Körper und Psyche.

Die Ausstellung „Picasso – Bacon. What It Feels Like to Be Human“, die vom 18. September 2026 bis 31. Januar 2027 in der ALBERTINA Wien zu sehen ist, stellt die beiden großen figurativen Maler des 20. Jahrhunderts einander gegenüber. Rund 70 Schlüsselwerke aus internationalen Museen und Privatsammlungen machen sichtbar, wie eng ihre künstlerischen Welten miteinander verbunden sind – obwohl zwischen ihnen keine Beziehung auf Augenhöhe bestand.

Der übermächtige Vorgänger

Für Francis Bacon begann vieles mit Picasso. Unter dem Eindruck von dessen Werk fasste er den Entschluss, selbst Maler zu werden. Picasso wurde zum Vorbild – und damit zwangsläufig auch zu jener Figur, von der Bacon sich emanzipieren musste.

Das Verhältnis lässt sich als künstlerischer Generationenkonflikt lesen. Picasso hatte die menschliche Figur zerlegt, Perspektiven aufgebrochen und den Körper von der Verpflichtung befreit, die sichtbare Realität abzubilden. Bacon konnte diese Revolution nicht ignorieren. Er musste dort beginnen, wo Picasso bereits gewesen war – und versuchen, weiterzugehen.

Sein Anspruch war entsprechend groß: Für die zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts wollte Bacon das werden, was Picasso für dessen erste Hälfte gewesen war – ein Chronist seiner Zeit und vor allem des Menschen darin.

Picasso wiederum blieb von Bacon künstlerisch unbeeinflusst. Dessen Karriere verfolgte er dennoch aufmerksam. Allein dieser Umstand macht die Gegenüberstellung faszinierend: Hier begegnen einander nicht Lehrer und Schüler, sondern zwei Künstler, zwischen deren Werken ein Dialog entstand, ohne dass er jemals tatsächlich geführt werden musste.

Der Körper als Schauplatz

Bei beiden wird der menschliche Körper zum Material. Er wird zerlegt, deformiert, neu zusammengesetzt und von seiner anatomischen Selbstverständlichkeit befreit. Doch diese Verzerrungen führen nicht vom Menschen weg. Im Gegenteil: Gerade dort, wo die äußere Ähnlichkeit verloren geht, scheint etwas Inneres sichtbar zu werden.

Picassos Körper können zugleich aus mehreren Perspektiven bestehen, Bacons Figuren scheinen unter der Oberfläche ihrer eigenen Existenz zu vibrieren. Gesichter werden zu Bewegungen, Münder zu Schreien, Körper zu Zuständen.

Themen wie Kreuzigung, Stierkampf, Akt oder die „Tränen des Eros“ tauchen in den Bildwelten beider Künstler auf. Schmerz und Begehren liegen dabei erstaunlich nahe beieinander. Der Körper ist nicht bloß Hülle, sondern Austragungsort dessen, was es bedeutet, lebendig zu sein.

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Verbindung zwischen Picasso und Bacon: Beide misstrauen der intakten Oberfläche.

Schönheit nach der Schönheit

Heute begegnen wir menschlichen Körpern häufiger denn je als optimierten Bildern. Gesichter werden geglättet, Proportionen korrigiert, digitale Oberflächen perfektioniert. Vor diesem Hintergrund besitzen Picasso und Bacon eine überraschende Aktualität.

Ihre Bilder verweigern die Idee, dass der Mensch erst durch Perfektion interessant wird. Sie suchen Wahrheit nicht in Symmetrie oder Makellosigkeit, sondern in Brüchen, Verschiebungen und Ambivalenzen.

Das macht ihre Kunst nicht unbedingt angenehm. Aber vielleicht muss Kunst das auch nicht sein.

„Picasso – Bacon. What It Feels Like to Be Human“ erzählt letztlich weniger von zwei großen Namen der Kunstgeschichte als von einer Frage, die sich nicht erledigt hat: Wie sieht ein Mensch aus, wenn man nicht nur seine Oberfläche zeigen möchte?

Picasso und Bacon geben darauf keine eindeutige Antwort. Sie zerlegen den Menschen, um ihm näherzukommen.

Und vielleicht liegt gerade darin ihre eigentümliche Form von Humanismus.

Picasso – Bacon. What It Feels Like to Be Human
18. September 2026 – 31. Januar 2027
ALBERTINA Wien

New York im Glas, Wien im Herzen

Mit dem Sanatorium bringen Jakob und Albert Trummer ihre internationale Erfahrung zurück nach Wien. Anfang September eröffnet am Dr.-Karl-Lueger-Platz ein Ort zwischen Cocktailbar, Salon, Kulinarik und Kultur – und mit einer durchaus ambitionierten Idee davon, was Gastfreundschaft heute sein kann.

Eine Bar ist zunächst einmal ein Ort, an dem man etwas trinkt. In ihren besten Momenten war sie aber immer viel mehr: Treffpunkt, Bühne, Rückzugsort, manchmal sogar ein kleines gesellschaftliches Labor. Genau an diese Tradition wollen Jakob und Albert Trummer mit dem Sanatorium anknüpfen.

Anfang September 2026 eröffnet das neue Konzept in der Wiener Innenstadt. Und schon der Name verrät, dass hier nicht einfach eine weitere Cocktailbar entstehen soll. Wissenschaft, Kräuterkunde, Kulinarik, Kunst und Nightlife treffen auf die Wiener Tradition von Kaffeehaus und Salon – ergänzt um jene internationale Dynamik, die Jakob und Albert Trummer über Jahre vor allem in New York geprägt hat.

Von New York zurück nach Wien

Jakob Trummer kehrt mit viel internationaler Hospitality-Erfahrung in seine Heimatstadt zurück. Seine Arbeit führte ihn unter anderem in das Umfeld erfolgreicher Konzepte wie Tao Group und Bagatelle Group. Dabei geht es ihm weniger um Luxus im klassischen Sinn als um die Atmosphäre, die einen Ort unverwechselbar macht.

Albert Trummer wiederum gilt als Pionier einer pharmazeutisch inspirierten Mixologie. Kräuter, botanische Infusionen und präzise komponierte Zutaten werden bei ihm zu Cocktails, die fast wie Rezepturen gedacht sind. Im Sanatorium sollen seine bekannten Kreationen weiterentwickelt und mit saisonalen Zutaten neu interpretiert werden.

Der Austausch mit New York bleibt dabei bestehen: Die Barteams aus Wien und New York sollen regelmäßig die Plätze wechseln und damit neue Ideen, Techniken und Einflüsse in die jeweilige Stadt bringen.

Cocktails als Rezepturen

Die Nähe zur Welt der Pharmazie ist im Sanatorium mehr als eine ästhetische Spielerei. Cocktails werden hier als Kompositionen verstanden, in denen Geschmack, Wirkung, Handwerk und botanisches Wissen zusammenspielen.

Ein wichtiger Einfluss stammt dabei vom 2024 verstorbenen New Yorker Spitzenkoch David Bouley, der ein enger Freund und Mentor der Trummers war. Seine Vorstellung von Gastfreundschaft, die Genuss mit Qualität, Saisonalität und Wohlbefinden verbindet, soll im neuen Wiener Konzept weiterleben.

Tagsüber versteht sich das Sanatorium als Ort für Essen, Gespräche und Begegnungen. Abends verändert sich die Atmosphäre: Cocktails, Musik, Kunst und Nightlife rücken in den Mittelpunkt. Intime Salons und kuratierte Ausstellungen sollen zusätzlich dafür sorgen, dass aus der Bar ein kultureller Treffpunkt wird.

Ein neuer Ort für den X Club

Auch unterhalb des Sanatoriums beginnt ein neues Kapitel der Wiener Nachtkultur. Der X Club von Martin Hos RICEMONEY HOSPITALITY GROUP zieht nach rund 15 Jahren von der Wollzeile in das Souterrain des Hauses.

Der Private Members Club bleibt seinem Konzept treu, bekommt jedoch eine neue kulinarische Dimension. Serviert wird ein Auszug aus der Welt von Ay-Vy, dem neuen Restaurantkonzept der Gruppe. Nach der ersten Eröffnung am 20. August 2026 in Hanoi folgt Mitte September Dubai.

Verantwortlich für die Küche ist Yuki Sakamoto, Sushimeister in vierter Generation. Neben seinem Omakase-Konzept sollen auch einige jener avantgardistischen Sushi-Kreationen weiterleben, die über viele Jahre die DOTS-Restaurants in Wien geprägt haben.

Die Bar als sozialer Raum

Am spannendsten ist am Sanatorium vielleicht weniger ein einzelner Cocktail oder ein bestimmtes Gericht als die Idee hinter dem gesamten Haus. Jakob und Albert Trummer wollen die Bar wieder als einen Ort verstehen, an dem Menschen nicht nur konsumieren, sondern miteinander in Kontakt kommen, Geschichten entstehen und ein Abend eine unerwartete Richtung nehmen kann.

Damit verbindet das Sanatorium zwei Städte, deren Barkultur auf sehr unterschiedliche Weise legendär geworden ist: die Eleganz und Salonkultur Wiens mit der Energie und Experimentierfreude New Yorks.

Ob daraus tatsächlich eine neue Wiener Institution entsteht, wird sich zeigen. Die Zutaten dafür jedenfalls sind ungewöhnlich genug.

Design ist dann zeitlos, wenn es sich nicht an Trends orientiert, sondern an Menschen. Die österreichische Möbelmanufaktur Wittmann zeigt zum 130-jährigen Bestehen, warum wahre Klassiker Jahrzehnte überdauern – und inszeniert ihre bedeutendsten Entwürfe in einem kraftvollen Farbtrio aus Rot, Schwarz und Weiß.

Es gibt Möbel, die einen Raum einrichten. Und es gibt Möbel, die ihm Charakter verleihen. Seit 130 Jahren verfolgt die niederösterreichische Manufaktur Wittmann einen Anspruch, der weit über Funktionalität hinausgeht: Möbel entstehen hier als Ausdruck von Haltung, Handwerkskunst und zeitloser Gestaltung.

Zum Jubiläum richtet das Unternehmen den Blick bewusst auf jene Entwürfe, die seine Geschichte geprägt haben. Statt nostalgisch zurückzublicken, werden die ikonischen Modelle in einer reduzierten, beinahe musealen Inszenierung neu erlebbar – konzentriert auf Form, Material und Proportion.

Design, das Generationen verbindet

Die Geschichte Wittmanns erzählt zugleich ein Stück europäischer Designgeschichte. Bereits lange bevor Nachhaltigkeit zum Schlagwort wurde, setzte die Manufaktur auf Möbel, die für Jahrzehnte geschaffen werden. Nicht kurzfristige Trends bestimmten die Gestaltung, sondern Qualität, Komfort und handwerkliche Präzision.

Diese Philosophie führte früh zur Zusammenarbeit mit einigen der bedeutendsten Designer und Architekten ihrer Zeit. Gemeinsam entstanden Möbel, die bis heute nichts von ihrer Aktualität verloren haben.

Allen voran stehen die Entwürfe von Josef Hoffmann. Der KUBUS Fauteuil gilt als Ikone geometrischer Klarheit und zählt zu den bekanntesten Sitzmöbeln der Wiener Moderne. Ebenso prägen der elegante ALLEEGASSE Fauteuil sowie die legendären FLEDERMAUS Stühle bis heute das Erscheinungsbild der Wittmann Classics Collection und zeigen Hoffmanns Verständnis eines harmonischen Zusammenspiels von Architektur, Interieur und Funktion.

Zeitlos statt nostalgisch

Dass Designklassiker keineswegs museal wirken müssen, beweisen auch die späteren Entwürfe der Kollektion. Der AURA Fauteuil von Paolo Piva gehört seit Jahrzehnten zu den erfolgreichsten Modellen der Manufaktur. Seine weichen, organischen Linien schaffen eine einladende Präsenz, ohne sich jemals in den Vordergrund zu drängen.

Mit dem VUELTA Fauteuil ergänzt Wittmann die Auswahl um einen Entwurf, der moderne Eleganz mit außergewöhnlichem Sitzkomfort verbindet. Klare Linien, hochwertige Materialien und eine sinnliche Haptik zeigen jene Zurückhaltung, die langlebiges Design oft auszeichnet.

Gemeinsam entsteht eine Kollektion, die unterschiedliche Epochen vereint und dennoch wie aus einem Guss wirkt.

Drei Farben, eine Designphilosophie

Zum Jubiläum verzichtet Wittmann bewusst auf dekorative Inszenierungen. Stattdessen stehen die Möbel ausschließlich in den Unternehmensfarben Rot, Schwarz und Weiß im Mittelpunkt.

Das intensive Rot setzt kraftvolle Akzente, Schwarz unterstreicht die architektonische Klarheit der Formen und Weiß lenkt den Blick auf die Silhouetten und Proportionen. Hochwertige Leder- und Stoffbezüge verstärken diese Wirkung und machen sichtbar, wie wenig ein guter Entwurf benötigt, um zeitlos zu wirken.

Die reduzierte Farbwelt funktioniert dabei nicht als Styling, sondern als Verdichtung der Markenidentität: Sie lenkt die Aufmerksamkeit konsequent auf das Wesentliche – die Qualität des Designs.

Handwerk als Zukunftsmodell

Während viele Möbel heute industriell und für kurze Lebenszyklen produziert werden, bleibt Wittmann seinem Ursprung treu. Seit der Gründung im Jahr 1896 entstehen sämtliche Möbel in der eigenen Manufaktur in Niederösterreich.

Hier treffen traditionelle Polsterhandwerkskunst, hochwertige Materialien und moderne Fertigungstechnologien aufeinander. Jeder Entwurf wird mit derselben Sorgfalt gefertigt, mit der bereits frühere Generationen Möbel geschaffen haben.

Gerade in einer Zeit, in der Nachhaltigkeit zunehmend über Langlebigkeit definiert wird, gewinnen solche Möbel eine neue Bedeutung. Sie sind nicht für den schnellen Austausch gedacht, sondern dafür, über Jahrzehnte Teil des eigenen Lebens zu werden.

Wittmann zeigt damit eindrucksvoll, dass gutes Design nicht lauter werden muss, um relevant zu bleiben. Es genügt, wenn Form, Komfort und Handwerk so konsequent zusammenspielen, dass Möbel entstehen, die Generationen überdauern.

Wie die Fotografie unsere Vorstellung vom Reisen für immer verändert hat

Von den ersten Expeditionen des 19. Jahrhunderts bis zur privaten Reisefahrung mit der Kamera – die neue Ausstellung „Die Welt im Fokus“ in der ALBERTINA zeigt, dass Fotografie niemals nur dokumentiert hat. Sie hat unsere Vorstellung von der Welt überhaupt erst erschaffen.

Heute scheint es selbstverständlich, einen Ort zu fotografieren. Kaum angekommen, wird das Smartphone gezückt, Erinnerungen werden festgehalten und Augenblicke geteilt. Doch lange bevor Social Media existierte, veränderte die Fotografie bereits grundlegend, wie Menschen ferne Länder wahrnahmen.

Mit der Ausstellung „Die Welt im Fokus“ widmet sich die ALBERTINA einem faszinierenden Kapitel der Kulturgeschichte: der Reise- und Expeditionsfotografie des 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Rund 107 Fotografien aus der bedeutenden fotografischen Sammlung des Museums zeigen, wie Bilder nicht nur Reisen dokumentierten, sondern ganze Weltbilder formten.

Bilder, die die Welt erschufen

Als sich die Fotografie Mitte des 19. Jahrhunderts etablierte, bedeutete sie weit mehr als eine technische Innovation. Zum ersten Mal konnten Landschaften, Monumente und fremde Kulturen mit einer bis dahin ungekannten Präzision festgehalten und vervielfältigt werden. Zeichnungen, Skizzen und Stiche wurden zunehmend durch Fotografien ersetzt, die den Anspruch objektiver Wirklichkeit vermittelten.

Doch genau darin liegt die eigentliche Spannung der Ausstellung: Fotografien erscheinen objektiv – sie sind es jedoch nie.

Jedes Bild erzählt ebenso viel über den Blick der fotografierenden Person wie über den fotografierten Ort. Expeditionen wurden von wissenschaftlichen, politischen oder wirtschaftlichen Interessen begleitet. Fotografien dienten der Forschung ebenso wie imperialen Ambitionen, touristischer Werbung oder kommerziellen Vermarktung.

Reisen als kulturelle Konstruktion

Die Ausstellung führt Besucher von den Alpen über Ägypten und das Heilige Land bis nach Japan, Indien oder Bosnien. Dabei wird sichtbar, dass viele Vorstellungen, die Europa über diese Regionen entwickelte, maßgeblich durch Fotografien geprägt wurden.

Besonders spannend ist der Blick auf die Bedingungen, unter denen diese Bilder entstanden. Fotografen transportierten schwere Kameras, Glasplatten und Chemikalien über Kontinente. Oft arbeiteten sie im Auftrag von Regierungen, Expeditionen oder wissenschaftlichen Institutionen. Ihre Bilder wurden anschließend in Ausstellungen, Büchern oder Mappenwerken verbreitet und beeinflussten nachhaltig das Wissen über bis dahin unbekannte Regionen.

Von der Expedition zum persönlichen Blick

Gegen Ende des 19. Jahrhunderts beginnt sich die Perspektive zu verändern.

Leichtere Kameras und neue fotografische Verfahren ermöglichen erstmals spontane Aufnahmen. Reisen wird persönlicher. Wohlhabende Amateurfotografen dokumentieren nicht mehr ausschließlich Sehenswürdigkeiten, sondern alltägliche Begegnungen, Landschaften und individuelle Eindrücke. Mit den ab 1907 verfügbaren Autochromplatten entstehen schließlich die ersten farbigen Reisebilder – Vorläufer dessen, was wir heute als persönliche Reisefotografie kennen.

Plötzlich verändert sich nicht nur die Technik, sondern auch der Blick selbst.

Warum diese Ausstellung heute aktueller denn je ist

Gerade in einer Zeit, in der täglich Milliarden Bilder entstehen, erinnert „Die Welt im Fokus“ daran, dass Fotografien niemals neutrale Abbilder der Realität sind. Sie wählen aus, interpretieren und erzählen Geschichten. Schon die ersten Reisefotografien entschieden darüber, welche Orte Sehnsuchtsorte wurden und welche Bilder sich dauerhaft in unserem kulturellen Gedächtnis verankerten.

Die Ausstellung macht deutlich, dass jede Generation ihre eigene Vorstellung von der Welt durch Bilder entwickelt. Damals geschah dies über aufwendig produzierte Fotografien und Projektionsabende, heute über digitale Feeds und Algorithmen.

Vielleicht hat sich also weniger verändert, als wir glauben.

Eine Reise durch die Geschichte des Sehens

Mit „Die Welt im Fokus“ gelingt der ALBERTINA weit mehr als eine historische Fotografieausstellung. Sie erzählt von Neugier, Entdeckung, technischer Innovation und der Macht visueller Medien – und stellt eine überraschend aktuelle Frage:

Sehen wir die Welt wirklich so, wie sie ist – oder so, wie Bilder sie uns seit über 150 Jahren zeigen?

Eine duftige Rose aus den 1920er Jahren, eine Champagner-Schale in Form von Marie Antoinettes Busen und eine täuschend echte Semmel, die definitiv nicht essbar ist? Um das Augarten Porzellan ranken sich zahlreiche Geschichten. Bekannte und weniger bekannte. In einer Manufakturführung in Wien kommt man der ein oder anderen auf die Spur…

Neben einer lieben Tante, die mir zu besonderen Anlässen ausgewählte Stücke der Wiener Rose schenkte und akribisch festhielt, welches Teil des Services ich bereits besaß, sind mir vor allem die warnenden Blicke meiner Mutter in Erinnerung geblieben. Diese warf sie mir zu, wenn ich mich dem Bücherregal näherte, auf dem ihre Sammlung aus Keramikhunden und -pferden der Manufaktur thronte.

Mit genau dieser Mischung aus Ehrfurcht, Vorsicht und kindlicher Erinnerung betrete ich das Schloss der zweitältesten Porzellanmanufaktur Europas — stets in Sorge, selbst zum sprichwörtlichen Elefanten im Porzellanladen zu werden.

Regelmäßig öffnen sich hier die Türen für Führungen, die einen seltenen Blick hinter die Kulissen dieser Wiener Institution erlauben. Eine feine Gelegenheit, Mäuschen und hoffentlich nicht Elefant zu spielen.

Vom Gießen der Rohmasse über das Brennen bis hin zum Bemalen: Schritt für Schritt bewegen wir uns von einem Raum zum nächsten und damit durch 300 Jahre Unternehmensgeschichte. Dass eine Figur aus Dutzenden gegossenen Einzelteilen von Hand zusammengesetzt wird, dass schon gebrannte Teile liebevoll nachbearbeitet werden und, dass stundenlang präzise ein Pinselstrich nach dem anderen gesetzt wird, zeigt, wie anspruchsvoll dieses Handwerk ist. Kein Wunder also, dass sein Erlernen mehrere Jahre dauert.

Dass hier etwas zu Bruch geht, ist dennoch selten. Und wenn, dann mit Absicht — darauf deutet zumindest eine Kiste samt Hammer und sorgfältig zerschlagenem Porzellan hin. Ob es sich dabei um eine „Wutbox“ für den Pausenraum handelt, bleibt offen. Der Gedanke daran wirkt inmitten der konzentrierten Präzision der Manufaktur jedenfalls fast beruhigend menschlich.

Mit dem neu eröffneten Schanigarten im Hotel Zur Wiener Staatsoper in Wien offenbart sich eine neue Facette des Stadtjuwels. Hoteldirektorin Victoria Klinkhammer verrät, welche kulinarischen Spots in der Wiener Innenstadt für sie außerdem noch besonders funkeln.

Der neue Schanigarten vor dem Boutiquehotel Zur Wiener Staatsoper wird zum leisen Innehalten im Rhythmus der Stadt. Wie ein sanfter Übergang zwischen dem geschützten Kosmos des Hauses und dem pulsierenden Leben Wiens lässt er die Grenzen zwischen Ankommen und Entdecken verschwimmen. Zugleich ist er eine Einladung, die kulinarische Vielfalt der Wiener Innenstadt neu zu entdecken.

Schanigarten vor dem Hotel Zur Wiener Staatsoper

„So wie das Hotel selbst ist auch der Schanigarten klein, sehr privat, gemütlich und trotzdem mitten in der Wiener Innenstadt. Genau das macht für mich den besonderen Charme aus. Aktuell ist mein Favorit unser Martini Spritz, dazu die Burrata Harmonie mit Burrata, Pesto und Ofentomaten. Es ist ein feiner Ort für den ersten Kaffee des Tages, eine kleine Auszeit zwischendurch oder die goldenen Stunden des Abends.“

Kleines Café am Franziskanerplatz

„Einer meiner Lieblingsplätze in der Innenstadt. Die gemütliche Atmosphäre und der wunderschöne Franziskanerplatz machen jeden Besuch besonders. Etwas abseits der Kärntner Straße und doch mittendrin. Bei einer klassischen Melange und etwas Süßem dazu lässt sich das Treiben am Platz entspannt beobachten.“

Beaulieu im Palais Ferstel

„Ein stilvoller Ort mit besonderem Ambiente. Das historische Palais und die französische Küche machen jeden Besuch zu einem Erlebnis. Meine persönlichen Empfehlungen: eine Quiche zu Mittag, Baguettes für zwischendurch oder Muscheln am Abend.“

Feinkosterei am Neuen Markt

Ich mag besonders das Konzept, österreichische Klassiker im Kleinformat zu servieren – perfekt, um sich durch die Wiener Küche zu probieren. Besonders gerne bestelle ich Kalbsrahmgulasch oder Lachsrisotto. Dazu Grüner Veltliner oder Gemischter Satz.

Tartarie Marie in der Freisingergasse

„Mein Tipp für einen schnellen, aber außergewöhnlich hochwertigen Snack. Das kleine Lokal bietet nur wenige Sitzplätze, überzeugt dafür mit erstklassigen Zutaten und kreativen Tartare-Variationen in entspannter Atmosphäre.“

Reserva Ibérica by Paco in der Wallnerstraße

„Perfekt für einen Aperitif oder einen entspannten Ausklang des Tages. Besonders schätze ich die spanischen Spezialitäten, die ausgezeichnete Weinauswahl und die ungezwungene Atmosphäre. Zum Teilen bestelle ich gerne Tapas – von Patatas Bravas über Gambas al Ajillo hin zu Jamón Ibérico. Dazu ein Glas spanischer Weißwein oder an warmen Sommertagen einen Krug der hervorragenden Sangria.“

ÜBER DAS HOTEL ZUR WIENER STAATSOPER

Zwischen dem Trubel der Wiener Innenstadt und den Klängen der nahen Staatsoper liegt dieses familiäre Hotel mit zwölf Zimmern und Suiten in einem Gründerzeithaus in einer ruhigen Seitengasse. Das von Nina Campbell gestaltete Interieur des historischen Stadthotels verbindet Eleganz mit Behaglichkeit und macht das Haus zu einem ebenso stilvollen wie gemütlichen Rückzugsort. Mit dem neu eröffneten Schanigarten vor dem Haus setzt sich diese besondere Atmosphäre bis hinaus in die Wiener Gassen fort.

Hotel Zur Wiener Staatsoper is a member of Lifestylehotels

Fotos: Hotel Zur Wiener Staatsoper

Wie das Palais Chotek ein Wiener Palais des 19. Jahrhunderts in die Gegenwart übersetzt

Hinter den Mauern eines sorgfältig restaurierten Palais im neunten Bezirk entsteht ein neues Stück Stadt. Mit versteckten Gärten, einer Bar als neuer Treffpunkt für das Grätzl und Räumen, die sich mit historischer und zeitgenössischer Eleganz präsentieren, zeigt das Palais Chotek, wie ein Wiener Haus des 19. Jahrhunderts im 21. Jahrhundert ankommen kann.

Wien liebt seine Palais. Aber Wien weiß auch, wie schwierig sie sein können. Zu groß für die Gegenwart, zu kostbar für den Abriss und oft gefangen zwischen Denkmalschutz, Nostalgie und dem Wunsch nach einem zweiten Leben.

Im neunten Bezirk hat eines dieser Häuser nun genau das bekommen.

Wer durch das Tor des Palais Chotek tritt, lässt den Verkehr der Währinger Straße überraschend schnell hinter sich. Ein paar Schritte genügen und die Stadt verliert ihre Geschäftigkeit. Es raschelt, irgendwo bewegt sich ein Ast im Wind, Türen stehen offen zu kleinen Höfen, Terrassen und begrünten Winkeln.

Das neue Hotel ist das Ergebnis einer Restaurierung, die mit bemerkenswerter Geduld betrieben wurde. Man begegnet dem Gebäude nicht mit dem Ehrgeiz, ihm eine neue Identität aufzuzwingen, stattdessen wurde freigelegt, repariert, ergänzt und weitergebaut.

Alte Türen tragen ihre Geschichte sichtbar weiter, historische Details wurden bewahrt, während neue Elemente selbstverständlich ihren Platz gefunden haben. Hinter dieser Achtsamkeit steckt eine österreichische Eigentümerfamilie, die dem Haus Zeit gegeben hat. Das spürt man in den Proportionen, in den Materialien und in den vielen Entscheidungen, die sich nicht sofort rechnen müssen, aber lange Freude machen.

Das Palais als Stadtoase

Zwischen den Gebäudeteilen öffnen sich Gärten unterschiedlicher Größe. Die Gestaltung spielt mit historischen Motiven, barocke Anklänge tauchen auf, verschwinden wieder, Wege und Pflanzungen zitieren die große Wiener Gartenkultur mit leichter Hand.

Man erkennt Anspielungen auf Schönbrunn, schließlich ist man ja in Wien. Da macht es Sinn, dass das Palais weniger für den schnellen Aufenthalt konzipiert zu sein scheint als für jene angenehme Form des Verweilens, die Wien seit jeher kultiviert.

Das zeigt sich besonders auf der Beletage. Hier wird gefrühstückt und gebruncht, gelesen und beobachtet. Unterschiedliche Tapeten setzen eigene Stimmungen, Farben verändern die Atmosphäre von Salon zu Salon. Dazwischen stehen Thonet-Stühle, gemütliche Sitznischen, darüber historische Stuckaturen.

Holzarbeiten, Stoffe und Oberflächen, Luster und Möbel verstehen sich gut, ob historisch oder zeitgenössisch. Das Alte wird nicht ausgestellt, das Neue nicht demonstriert. Beides existiert nebeneinander, ohne viel Aufhebens darum zu machen.

Räume der Ruhe

Auch in den Zimmern setzt sich diese Idee fort. Statt historisches Dekor zu inszenieren, arbeitet das Palais Chotek mit einer ruhigeren Form von Eleganz.

Fischgrätparkett, warme Sandtöne, Messingdetails, Marmor und die charakteristischen Grüntöne des Hauses schaffen Räume, die Gelassenheit ausstrahlen. Viele Zimmer blicken in die begrünten Innenhöfe, einige verfügen über eigene Garten- oder Dachterrassen.

Besonders angenehm ist dabei die Atmosphäre: viel Licht, großzügige Proportionen und eine wohltuende Ruhe, die man mitten in der Stadt nicht unbedingt erwartet. Die Zimmer verstehen sich nicht als Schaubühnen für Design, obwohl sie das durchaus leisten können, sondern als Rückzugsorte.

Treffpunkt der Nachbarschaft

Im Erdgeschoss, in der Bar „Sophie“, werden ausgezeichnete Cocktails serviert. Statt eines Restaurants gibt es hier eine kleine, aber feine Speisenauswahl.

Der Name klingt nach Wiener Grande Dame, die Stimmung ist entspannt und lädt dazu ein, den Blick schweifen zu lassen. Die Bar ist wie eine Guckkastenbühne angelegt, allerdings kann man dem „Spektakel“ von zwei Seiten folgen.

Hotelgäste treffen auf Menschen aus der Nachbarschaft, jemand kommt auf einen schnellen Aperitif vorbei und bleibt bis zum Dessert.

Darin könnte auch der Reiz des Palais Chotek liegen. Es möchte auch Teil seines Viertels sein. Für Nachbarn, Freunde, Geschäftsleute, Flaneure und jene Wiener, die immer auf der Suche nach einem neuen Lieblingsplatz sind.

Als hätte dieses Haus nur darauf gewartet, wieder das zu werden, was gute Wiener Häuser immer waren: Orte der Begegnung.

Kanadas Megaprojekt Waterfront Toronto bekommt mit dem Quartier Quayside eine vollelektrische und klimaneutrale Community. Die Highlights: 8.000 Quadratmeter urbaner Wald und das Timber House von Architekt David Adjaye.

Die kanadische Metropole Toronto hat in Sachen Stadtentwicklung ihre Hausaufgaben gemacht. „Think big“ lautet das Motto der Stadtplaner – ob in Downsview im Norden von Toronto oder im großen Revitalisierungsprojekt an der Hafenkante, der Waterfront Toronto. Dabei steht das „big“ nicht für die tatsächliche Größe, sondern für das „bigger picture“, also das große Ganze. Dafür reicht es ihnen nicht, Flächen zu bebauen und dazwischen etwas Grün einzustreuen. Die Task Force des Megaprojektes am Lake Ontario will einen Stadtteil schaffen, der das akute Problem der Klimakrise tatsächlich angeht. 

Die klimaneutrale Community

Der neue Masterplan für Quayside, einen Teilabschnitt der Hafenentwicklung, bringt unter anderem 800 leistbare Wohneinheiten, urbane Waldparks und konstruktiven Holzbau von beachtlicher Größe. Laut dem öffentlichen Entwicklungsmanagement Waterfront Toronto wird Quayside „die erste vollelektrische, klimaneutrale Community in dieser Größenordnung“.

Es ist der zweite Anlauf für den grünen Vorbildbezirk. Der erste Masterplan stammte vom Google-Schwesterunternehmen Sidewalk Labs, das eine ökologische und voll vernetzte Smart City vorsah. Das Projekt ist allerdings am Widerstand der Bürger gescheitert, die eine totale Überwachung fürchteten.

Drei namhafte Architekturbüros sind an der neuen Vision von Quayside beteiligt. Der kurvenreiche Bau Western Curve mit einer Vielzahl an runden Balkonen stammt vom Londoner Büro Alison Brooks Architects. Direkt daneben hat das dänische Architekturbüro Henning Larsen das Hochhaus Overstorey mit abgestuften Kubaturen geplant. Der wohl spektakulärste Baustein des nachhaltigen Quartiers ist das Timber House vom britischen Architekturbüro Adjaye Associates.

Ein Superblock in Holzbauweise

Es wird in zweiter Reihe, hinter den insgesamt fünf Hochhäusern, liegen und zur Gänze aus Holz gebaut sein. Erstrecken wird es sich über einen ganzen Straßenblock, und damit wird es nach seiner Fertigstellung zu den größten Holz-Wohnbauten Kanadas zählen. Am Dach der 12 Geschosse liegen Urban-Farming- und Garten-Anlagen, die nicht nur regionales Gemüse erzeugen, sondern auch zur Verbesserung des Stadtklimas beitragen.

Wir wollen Quayside zu einer Community machen, die das Leben seiner Bewohner, Nachbarn und Besucher nachhaltig verbessert.

George Zegarac, Vorsitzender von Waterfront Toronto

In seiner langgestreckten und wehrhaften Form erinnert das Timber House an die Superblocks des Roten Wien. Auch in seinem sozialen Programm kann man durchaus Parallelen erkennen. Neben leistbarem Wohnraum mit hoher Lebensqualität und viel Grünraum soll es hier auch Wohnmöglichkeiten für alte Menschen geben. „Wir wollen Quayside zu einer Community machen, die das Leben seiner Bewohner, Nachbarn und Besucher nachhaltig verbessert“, formuliert es George Zegarac, der Vorsitzende von Waterfront Toronto.

8.000 Quadratmeter urbaner Wald

Die intensiv begrünten Terrassen und Loggien des Timber House treffen auf das üppige Grün, das den Freiraum zwischen den Häuserblöcken füllt. Hier soll laut Entwurf ein urbaner Wald sprießen, der den Bewohnern Naherholung bietet und sogenannten Hitzeinseln in der Stadt entgegenwirkt.

Dieser 8.000 Quadratmeter große Community Forest wird von SLA Landscape Architects gestaltet. Das preisgekrönte Büro des dänischen Landschaftsarchitekten Stig Lennart Andersson ist auf sensorische urbane Räume spezialisiert. Die bewaldete Fläche bietet „ein Netzwerk an autofreien Grünflächen für Bewohner und Besucher“, wie es heißt.

Fluchträume für Wetterextreme

Was die Klimakrise angeht, so verfolgt Waterfront Toronto einen pragmatischen Ansatz. Neben all den Maßnahmen, die auf eine drastische Reduktion der Treibhausgas-Emissionen abzielen, setzen die Stadtplaner auch Maßnahmen, die den direkten Auswirkungen des Klimawandels Rechnung tragen. So gibt es die Auflage, dass alle Gebäude über Fluchträume verfügen müssen, in denen die Stromversorgung für 72 Stunden gesichert ist. 

Hier können sich Bewohner und Arbeitskräfte im Fall von Stromausfällen, Wetterextremen und anderen Notsituationen in Sicherheit bringen. „Auch wenn alle CO₂-Emissionen heute auf Null gesenkt würden, ist eine globale Erwärmung über 1,5 Grad Celsius in diesem Jahrhundert wahrscheinlich. Dies bedeutet, dass es einen Anstieg in der Stärke und Häufigkeit von Wetterextremen geben wird“, so die nüchterne Einschätzung der städtischen Entwicklungsgesellschaft. Und darauf will man in der Stadt von morgen vorbereitet sein.

Text: Gertraud Gerst
Visualisierungen: Waterfront Toronto

Wie der Prix Versailles Architektur zur neuen Sprache der Gastlichkeit macht

Restaurants sind längst mehr als Orte zum Essen geworden.
Sie sind Bühnen für Atmosphäre, Architektur, Erinnerung und kulturelle Identität.

Mit der Veröffentlichung der „World’s Most Beautiful Restaurants List 2026“ richtet der Prix Versailles den Blick erneut auf jene Räume, in denen Gastlichkeit weit über Kulinarik hinausgeht. Die diesjährige Auswahl vereint sechzehn Restaurants aus aller Welt, die zeigen, wie Design, Architektur und emotionale Erfahrung zu einer neuen Form von Hospitality verschmelzen.

Von Dubai bis Kapstadt, von Helsinki bis Hongkong entsteht dabei ein Bild zeitgenössischer Gastlichkeit, das weniger von Luxus im klassischen Sinn erzählt als von Atmosphäre, kultureller Tiefe und räumlicher Inszenierung.

Was ist der Prix Versailles?

Der 2015 gegründete und von der UNESCO unterstützte Prix Versailles zählt heute zu den bedeutendsten internationalen Architektur- und Designpreisen im Bereich Hospitality und kultureller Räume.

Im Gegensatz zu klassischen Restaurant- oder Hotelrankings bewertet der Preis nicht allein Kulinarik oder Luxus, sondern die Verbindung aus Architektur, intelligenter Nachhaltigkeit, kultureller Relevanz und menschlicher Erfahrung. Ausgezeichnet werden Projekte, die Räume schaffen, die emotional wirken und zugleich Ausdruck ihrer Umgebung sind.

Gerade deshalb gilt der Prix Versailles mittlerweile als wichtiger Seismograf für die Zukunft von Hospitality Design.

The World’s Most Beautiful Restaurants 2026

Nobu One Za’abeel — Dubai, Vereinigte Arabische Emirate

Hundert Meter über Dubai schwebt Nobu One Za’abeel wie eine architektonische Brücke zwischen Kulturen.

Im spektakulären Sky Concourse des One Za’abeel verbinden sich Chef Nobu Matsuhisas japanisch-südamerikanische Einflüsse mit monumentaler Architektur, dramatischem Licht und einem Blick über die Skyline der Stadt.

Das Restaurant wirkt wie eine urbane Bühne zwischen Himmel, Kulinarik und Nachtleben.

Le Fou — Wien, Österreich

Le Fou übersetzt die sinnliche Atmosphäre der Pariser Nacht in einen zeitgenössischen Wiener Kontext.

Seide, Mohair-Samt, Naturstein und patinierte Metalloberflächen schaffen Räume, die weniger gestaltet als emotional komponiert wirken. Warme Terrakotta-Töne, gedämpftes Licht und intime Nischen verleihen dem Ort eine fast filmische Qualität.

Luxus zeigt sich hier nicht durch Perfektion, sondern durch Atmosphäre.

Monti — Gstaad, Schweiz

Mit Blick auf die alpine Landschaft interpretiert Monti traditionelle Bergarchitektur auf zeitgenössische Weise neu.

Warme Hölzer, gewebte Bronzeelemente und italienisch inspirierte Eleganz schaffen einen Ort, der zugleich lokal verwurzelt und international wirkt.

Die Atmosphäre bleibt intim, ohne ihre architektonische Klarheit zu verlieren.

Akira Back — Hong Kong, China

Im von Zaha Hadid Architects entworfenen Hochhaus The Henderson entsteht mit Akira Back eine multisensorische Komposition aus Design, Licht und Kulinarik.

Runde Formen, skulpturale Decken und sorgfältig inszenierte Lichtstimmungen spiegeln die Dynamik Hongkongs wider.

Das Restaurant wirkt gleichzeitig futuristisch und warm.

Hana no Kumo — Hong Kong, China

Hana no Kumo reduziert Gastlichkeit auf ihre essenziellsten Elemente: Ruhe, Handwerk und Konzentration.

Mit nur 24 Sitzplätzen erinnert das Restaurant an eine moderne japanische Berghütte. Holz, Washi-Papier und sakura-inspirierte Lichtobjekte erzeugen eine fast meditative Atmosphäre.

Jedes Detail scheint bewusst gesetzt zu sein.

Monsieur Dior by Anne-Sophie Pic — Peking, China

Im House of Dior in Peking verschmelzen Haute Couture, Architektur und Fine Dining zu einer poetischen Erzählung.

Fotografien ikonischer Dior-Silhouetten, Kunstwerke des chinesischen Künstlers Hong Hao und die kulinarische Handschrift von Anne-Sophie Pic schaffen einen Raum zwischen Frankreich und China.

Kulinarik wird hier zur Form von kultureller Couture

Peridot — Hong Kong, China

Peridot gleicht einer futuristischen Traumlandschaft.

Mehr als 20.000 handgefertigte Lichtobjekte, spiegelnde Oberflächen und tiefgrüne Farbtöne verwandeln die Cocktailbar in eine immersive Installation zwischen Disco-Glamour und Kunstwerk.

Der Raum scheint permanent in Bewegung zu sein.

Escā Playa — Ras El Hekma, Ägypten

Escā Playa erhebt sich aus der ägyptischen Küstenlandschaft wie eine vom Wind geformte Felsenlandschaft.

Architekt Mohamed Badie löst die Grenzen zwischen Architektur und Natur beinahe vollständig auf. Licht, Schatten und mineralische Oberflächen erzeugen einen Raum, der eher entdeckt als gebaut wirkt.

Die Architektur scheint direkt aus der Landschaft zu wachsen.

Finlandia Bistro — Helsinki, Finland

Das Finlandia Bistro befindet sich in einem der bedeutendsten Bauwerke Finnlands: der von Alvar Aalto entworfenen Finlandia Hall.

Die behutsame Neugestaltung durch das Designstudio Fyra verbindet den Geist der Moderne mit zeitgenössischer Zurückhaltung und bemerkenswerter Sensibilität.

Ein stiller Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart

Carbone — London, United Kingdom

Carbone London bringt die glamouröse Welt amerikanischer Supper Clubs nach Mayfair.

Samt, Mosaike, lackiertes Holz und Kunstwerke von Ai Weiwei bis René Ricard erschaffen eine dramatische Atmosphäre voller Nostalgie und Inszenierung.

Alles wirkt wie die Kulisse eines stilisierten Filmsets.

Rosso — Hinganigada, Indien

Mitten in einer weitläufigen Weinlandschaft verbindet Rosso mediterrane Eleganz mit indischer Architektur und Landschaft.

Poliertes Holz, grüner Marmor und warmes Licht schaffen eine Atmosphäre zwischen italienischem Barock und zeitgenössischer Zurückhaltung.

Der Ort wirkt gleichzeitig opulent und geerdet.

Marlow — Monaco

Marlow interpretiert britische Eleganz auf überraschend warme Weise neu.

Der Künstler und Architekt Hugo Toro erschafft im neuen Mareterra-Viertel einen Ort voller historischer Referenzen, maßgefertigter Möbel und subtiler Riviera-Nostalgie.

Wie ein fiktiver Members Club zwischen Vergangenheit und Gegenwart.

Lucia — Los Angeles, United States

Lucia bringt afro-karibische Kultur in die Nachtlandschaft von Los Angeles.

Tropische Muster, skulpturale Formen und Musik als integraler Bestandteil des Erlebnisses schaffen einen Ort voller Energie und Leichtigkeit.

Das Restaurant fühlt sich jung, mutig und lebendig an.

Monsieur Dior by Dominique Crenn — Beverly Hills, United States

m Dior House in Beverly Hills begegnen sich kalifornisches Licht und französische Raffinesse.

Peter Marino verbindet florale Elemente, Gartenreferenzen und offene Terrassen zu einer Atmosphäre zwischen Couture und entspanntem Westcoast-Lifestyle.

Innen- und Außenraum fließen beinahe nahtlos ineinander.

Mottai — Coral Gables, United States

Mottai verbindet japanische Präzision mit weichen, zeitgenössischen Formen.

Im Zentrum des Restaurants steht eine offene Sushi-Bar unter einem skulpturalen Baldachin, während geschwungene Linien und taktile Materialien eine ruhige Intimität erzeugen.

Dining wird hier zur Choreografie.

Amura by Ángel León — Cape Town, Süd Afrika

Amura interpretiert das Meer als räumliches Erlebnis.

Inspiriert von Unterwasserlandschaften und marinen Ökosystemen entsteht ein atmosphärischer Raum aus tiefen Grüntönen, Bronze und warmem Licht.

Das Restaurant wirkt wie ein cineastischer Tauchgang zwischen zwei Ozeanen.

Architektur als emotionale Erfahrung

Die Auswahl des Prix Versailles 2026 zeigt eindrucksvoll, wie sehr sich Hospitality verändert hat.

Die spannendsten Restaurants unserer Zeit definieren sich nicht allein über ihre Küche, sondern über die Emotionen, die ihre Räume erzeugen. Licht, Materialität, Klang, Kultur und Architektur werden Teil eines ganzheitlichen Erlebnisses.

Oder anders gesagt:
Architektur ist längst Teil der Speisekarte geworden.

Zu den Laufsteg-Naturen Südtirols

Eine stille Selbsterfahrung zwischen Bergen, Schafen und jahrhundertealter Tradition

Falls die Uhren mal wieder auf fünf vor Stress stehen, gibt es in Südtirol ein Schauspiel, das auf besondere Weise entschleunigt und erdet: die legendäre Transhumanz. Jahr für Jahr zieht der traditionelle Schafabtrieb vom österreichischen Ötztal zurück ins Schnalstal zahlreiche Wanderer, Hirten und Naturliebhaber in seinen Bann – ein uralter Brauch, der heute zum immateriellen UNESCO-Weltkulturerbe zählt.

Vom Wiener Laufsteg in die alpine Stille

Es beginnt wie ein klassischer Abend der Modewelt: Ein renommiertes Wiener Fashion-Label lädt zur Show. Menschen begrüßen sich mit Küsschen, Prosecco wird gereicht, Kunst präsentiert, Jazz gespielt. Dann gleiten Models in traumhaften Kleidern über den Laufsteg – Attitüde unter feinsten Stoffen, perfekt inszeniert.

Nur wenige Tage später wartet in Südtirol ein völlig anderer Laufsteg: ein steiler Bergpfad oberhalb von Vernagt im Schnalstal. Statt Blitzlicht und Catwalk bestimmen Lärchenwälder, Gebirgsbäche und alpine Ruhe das Bild. Die „Models“ dieses Schaulaufens kommen aus der Natur selbst – über tausend Schafe, die von den Hochweiden des Ötztals zurück nach Südtirol getrieben werden.

Loslassen auf anderem Weg

Der Aufstieg führt durch stille Wälder hinauf Richtung Hochgebirge. Gedanken kreisen, Fragmente innerer Dialoge tauchen auf und verschwinden wieder zwischen Vogelrufen und dem Rauschen der Bäche. Mit jedem Höhenmeter wird die Luft dünner, der Wind kühler und der eigene Atem präsenter.

Die alpine Landschaft der südlichen Ötztaler Alpen wirkt beinahe surreal: Gräser, Flechten und Moose ziehen sich in spätsommerlichen Grün- und Gelbtönen bis an die schroffen Bergmassive. Tiefhängende Wolken verhüllen die Gipfel und tauchen die Szenerie in eine fast meditative Ruhe.

Selbst eingefleischten Kopfmenschen fällt es hier leichter, den Gedankenstrom loszulassen und sich ganz auf Bewegung, Atmung und Wahrnehmung einzulassen.

Wenn Stille zum Ereignis wird

Auf rund 2300 Metern öffnet sich schließlich ein Plateau zwischen gewaltigen Felsformationen. Hier wird Stille zu einem Erlebnis. Kein konsumgetriebener Reiz, kein künstlicher Nervenkitzel – nur Berge, Licht, Wind und die eigene Wahrnehmung.

Während warmer Tee und einfache belegte Brote in dieser rauen Umgebung beinahe zu einer sensorischen Neuerfahrung werden, beginnt sich der Geist zu beruhigen. Die Rastlosigkeit des Alltags zieht sich zurück. Für einen Moment zählt nur das Hier und Jetzt.

Dann erscheinen sie in der Ferne: die Schafe. Zunächst nur schemenhaft sichtbar, bewegen sich hunderte Tiere langsam den steilen Hang hinab. Mit ihnen kommen das Läuten der Glocken und das charakteristische Blöken näher.

Die legendäre Transhumanz

Mehr als ein Dutzend Hirten treiben rund 1300 Schafe von den Sommerweiden des österreichischen Ötztals zurück nach Südtirol. Der Weg führt über Felsrinnen, Schneefelder und Grate – und gilt als weltweit einziger Schafabtrieb über einen Gletscher, der zwei Nationen miteinander verbindet.

Die Tradition reicht bis ins 14. Jahrhundert zurück. Ein historisches Weiderecht erlaubt den Bauern des Schnalstals bis heute, ihre Tiere im Sommer auf österreichischen Weiden grasen zu lassen. Über Generationen hinweg entstanden daraus kulturelle Beziehungen, gemeinschaftliche Rituale und gelebte alpine Identität.

Auch Nachhaltigkeit spielt eine zentrale Rolle: Oberhirte Manuel Götsch engagiert sich für Biodiversität sowie die traditionelle Herstellung von Milch- und Wollprodukten und setzt sich dafür ein, dass junge Menschen dieses kulturelle Erbe weiterführen.

Das Glück im Geerdeten

Besonders eindrucksvoll ist das Schmücken der Tiere vor dem Abstieg ins Tal. Die schönsten Schafe werden mit bunten Stoffblumen dekoriert, während Hirten und Treiber mit humorvoller Gelassenheit zusammenarbeiten. Die Tiere tragen farbige Markierungen, um sie ihren Besitzern und Zuchtvereinen zuordnen zu können.

Es braucht hier keine große Inszenierung. Stolze Blicke, ehrliche Freude und das stille Beobachten reichen völlig aus. Selbst ein Border Collie legt sich plötzlich neben einen Wanderer, als wäre man längst Teil der Herde geworden.

Am Nachmittag beginnt schließlich der große Abstieg nach Vernagt. Tausende Menschen erwarten dort die geschmückten Tiere. Unter Glockenklang und lautem Blöken zieht die Herde über einen naturbelassenen Laufsteg, geschaffen von Bergen, Wind und Jahrtausenden alpiner Geschichte.

Die Transhumanz ist weit mehr als Brauchtum. Sie ist eine geerdete Selbsterfahrung – eine Erinnerung daran, wie wichtig innere Balance in einer rastlosen Welt geworden ist.