Wie das Palais Chotek ein Wiener Palais des 19. Jahrhunderts in die Gegenwart übersetzt

Hinter den Mauern eines sorgfältig restaurierten Palais im neunten Bezirk entsteht ein neues Stück Stadt. Mit versteckten Gärten, einer Bar als neuer Treffpunkt für das Grätzl und Räumen, die sich mit historischer und zeitgenössischer Eleganz präsentieren, zeigt das Palais Chotek, wie ein Wiener Haus des 19. Jahrhunderts im 21. Jahrhundert ankommen kann.

Wien liebt seine Palais. Aber Wien weiß auch, wie schwierig sie sein können. Zu groß für die Gegenwart, zu kostbar für den Abriss und oft gefangen zwischen Denkmalschutz, Nostalgie und dem Wunsch nach einem zweiten Leben.

Im neunten Bezirk hat eines dieser Häuser nun genau das bekommen.

Wer durch das Tor des Palais Chotek tritt, lässt den Verkehr der Währinger Straße überraschend schnell hinter sich. Ein paar Schritte genügen und die Stadt verliert ihre Geschäftigkeit. Es raschelt, irgendwo bewegt sich ein Ast im Wind, Türen stehen offen zu kleinen Höfen, Terrassen und begrünten Winkeln.

Das neue Hotel ist das Ergebnis einer Restaurierung, die mit bemerkenswerter Geduld betrieben wurde. Man begegnet dem Gebäude nicht mit dem Ehrgeiz, ihm eine neue Identität aufzuzwingen, stattdessen wurde freigelegt, repariert, ergänzt und weitergebaut.

Alte Türen tragen ihre Geschichte sichtbar weiter, historische Details wurden bewahrt, während neue Elemente selbstverständlich ihren Platz gefunden haben. Hinter dieser Achtsamkeit steckt eine österreichische Eigentümerfamilie, die dem Haus Zeit gegeben hat. Das spürt man in den Proportionen, in den Materialien und in den vielen Entscheidungen, die sich nicht sofort rechnen müssen, aber lange Freude machen.

Das Palais als Stadtoase

Zwischen den Gebäudeteilen öffnen sich Gärten unterschiedlicher Größe. Die Gestaltung spielt mit historischen Motiven, barocke Anklänge tauchen auf, verschwinden wieder, Wege und Pflanzungen zitieren die große Wiener Gartenkultur mit leichter Hand.

Man erkennt Anspielungen auf Schönbrunn, schließlich ist man ja in Wien. Da macht es Sinn, dass das Palais weniger für den schnellen Aufenthalt konzipiert zu sein scheint als für jene angenehme Form des Verweilens, die Wien seit jeher kultiviert.

Das zeigt sich besonders auf der Beletage. Hier wird gefrühstückt und gebruncht, gelesen und beobachtet. Unterschiedliche Tapeten setzen eigene Stimmungen, Farben verändern die Atmosphäre von Salon zu Salon. Dazwischen stehen Thonet-Stühle, gemütliche Sitznischen, darüber historische Stuckaturen.

Holzarbeiten, Stoffe und Oberflächen, Luster und Möbel verstehen sich gut, ob historisch oder zeitgenössisch. Das Alte wird nicht ausgestellt, das Neue nicht demonstriert. Beides existiert nebeneinander, ohne viel Aufhebens darum zu machen.

Räume der Ruhe

Auch in den Zimmern setzt sich diese Idee fort. Statt historisches Dekor zu inszenieren, arbeitet das Palais Chotek mit einer ruhigeren Form von Eleganz.

Fischgrätparkett, warme Sandtöne, Messingdetails, Marmor und die charakteristischen Grüntöne des Hauses schaffen Räume, die Gelassenheit ausstrahlen. Viele Zimmer blicken in die begrünten Innenhöfe, einige verfügen über eigene Garten- oder Dachterrassen.

Besonders angenehm ist dabei die Atmosphäre: viel Licht, großzügige Proportionen und eine wohltuende Ruhe, die man mitten in der Stadt nicht unbedingt erwartet. Die Zimmer verstehen sich nicht als Schaubühnen für Design, obwohl sie das durchaus leisten können, sondern als Rückzugsorte.

Treffpunkt der Nachbarschaft

Im Erdgeschoss, in der Bar „Sophie“, werden ausgezeichnete Cocktails serviert. Statt eines Restaurants gibt es hier eine kleine, aber feine Speisenauswahl.

Der Name klingt nach Wiener Grande Dame, die Stimmung ist entspannt und lädt dazu ein, den Blick schweifen zu lassen. Die Bar ist wie eine Guckkastenbühne angelegt, allerdings kann man dem „Spektakel“ von zwei Seiten folgen.

Hotelgäste treffen auf Menschen aus der Nachbarschaft, jemand kommt auf einen schnellen Aperitif vorbei und bleibt bis zum Dessert.

Darin könnte auch der Reiz des Palais Chotek liegen. Es möchte auch Teil seines Viertels sein. Für Nachbarn, Freunde, Geschäftsleute, Flaneure und jene Wiener, die immer auf der Suche nach einem neuen Lieblingsplatz sind.

Als hätte dieses Haus nur darauf gewartet, wieder das zu werden, was gute Wiener Häuser immer waren: Orte der Begegnung.

Kanadas Megaprojekt Waterfront Toronto bekommt mit dem Quartier Quayside eine vollelektrische und klimaneutrale Community. Die Highlights: 8.000 Quadratmeter urbaner Wald und das Timber House von Architekt David Adjaye.

Die kanadische Metropole Toronto hat in Sachen Stadtentwicklung ihre Hausaufgaben gemacht. „Think big“ lautet das Motto der Stadtplaner – ob in Downsview im Norden von Toronto oder im großen Revitalisierungsprojekt an der Hafenkante, der Waterfront Toronto. Dabei steht das „big“ nicht für die tatsächliche Größe, sondern für das „bigger picture“, also das große Ganze. Dafür reicht es ihnen nicht, Flächen zu bebauen und dazwischen etwas Grün einzustreuen. Die Task Force des Megaprojektes am Lake Ontario will einen Stadtteil schaffen, der das akute Problem der Klimakrise tatsächlich angeht. 

Die klimaneutrale Community

Der neue Masterplan für Quayside, einen Teilabschnitt der Hafenentwicklung, bringt unter anderem 800 leistbare Wohneinheiten, urbane Waldparks und konstruktiven Holzbau von beachtlicher Größe. Laut dem öffentlichen Entwicklungsmanagement Waterfront Toronto wird Quayside „die erste vollelektrische, klimaneutrale Community in dieser Größenordnung“.

Es ist der zweite Anlauf für den grünen Vorbildbezirk. Der erste Masterplan stammte vom Google-Schwesterunternehmen Sidewalk Labs, das eine ökologische und voll vernetzte Smart City vorsah. Das Projekt ist allerdings am Widerstand der Bürger gescheitert, die eine totale Überwachung fürchteten.

Drei namhafte Architekturbüros sind an der neuen Vision von Quayside beteiligt. Der kurvenreiche Bau Western Curve mit einer Vielzahl an runden Balkonen stammt vom Londoner Büro Alison Brooks Architects. Direkt daneben hat das dänische Architekturbüro Henning Larsen das Hochhaus Overstorey mit abgestuften Kubaturen geplant. Der wohl spektakulärste Baustein des nachhaltigen Quartiers ist das Timber House vom britischen Architekturbüro Adjaye Associates.

Ein Superblock in Holzbauweise

Es wird in zweiter Reihe, hinter den insgesamt fünf Hochhäusern, liegen und zur Gänze aus Holz gebaut sein. Erstrecken wird es sich über einen ganzen Straßenblock, und damit wird es nach seiner Fertigstellung zu den größten Holz-Wohnbauten Kanadas zählen. Am Dach der 12 Geschosse liegen Urban-Farming- und Garten-Anlagen, die nicht nur regionales Gemüse erzeugen, sondern auch zur Verbesserung des Stadtklimas beitragen.

Wir wollen Quayside zu einer Community machen, die das Leben seiner Bewohner, Nachbarn und Besucher nachhaltig verbessert.

George Zegarac, Vorsitzender von Waterfront Toronto

In seiner langgestreckten und wehrhaften Form erinnert das Timber House an die Superblocks des Roten Wien. Auch in seinem sozialen Programm kann man durchaus Parallelen erkennen. Neben leistbarem Wohnraum mit hoher Lebensqualität und viel Grünraum soll es hier auch Wohnmöglichkeiten für alte Menschen geben. „Wir wollen Quayside zu einer Community machen, die das Leben seiner Bewohner, Nachbarn und Besucher nachhaltig verbessert“, formuliert es George Zegarac, der Vorsitzende von Waterfront Toronto.

8.000 Quadratmeter urbaner Wald

Die intensiv begrünten Terrassen und Loggien des Timber House treffen auf das üppige Grün, das den Freiraum zwischen den Häuserblöcken füllt. Hier soll laut Entwurf ein urbaner Wald sprießen, der den Bewohnern Naherholung bietet und sogenannten Hitzeinseln in der Stadt entgegenwirkt.

Dieser 8.000 Quadratmeter große Community Forest wird von SLA Landscape Architects gestaltet. Das preisgekrönte Büro des dänischen Landschaftsarchitekten Stig Lennart Andersson ist auf sensorische urbane Räume spezialisiert. Die bewaldete Fläche bietet „ein Netzwerk an autofreien Grünflächen für Bewohner und Besucher“, wie es heißt.

Fluchträume für Wetterextreme

Was die Klimakrise angeht, so verfolgt Waterfront Toronto einen pragmatischen Ansatz. Neben all den Maßnahmen, die auf eine drastische Reduktion der Treibhausgas-Emissionen abzielen, setzen die Stadtplaner auch Maßnahmen, die den direkten Auswirkungen des Klimawandels Rechnung tragen. So gibt es die Auflage, dass alle Gebäude über Fluchträume verfügen müssen, in denen die Stromversorgung für 72 Stunden gesichert ist. 

Hier können sich Bewohner und Arbeitskräfte im Fall von Stromausfällen, Wetterextremen und anderen Notsituationen in Sicherheit bringen. „Auch wenn alle CO₂-Emissionen heute auf Null gesenkt würden, ist eine globale Erwärmung über 1,5 Grad Celsius in diesem Jahrhundert wahrscheinlich. Dies bedeutet, dass es einen Anstieg in der Stärke und Häufigkeit von Wetterextremen geben wird“, so die nüchterne Einschätzung der städtischen Entwicklungsgesellschaft. Und darauf will man in der Stadt von morgen vorbereitet sein.

Text: Gertraud Gerst
Visualisierungen: Waterfront Toronto

Wie der Prix Versailles Architektur zur neuen Sprache der Gastlichkeit macht

Restaurants sind längst mehr als Orte zum Essen geworden.
Sie sind Bühnen für Atmosphäre, Architektur, Erinnerung und kulturelle Identität.

Mit der Veröffentlichung der „World’s Most Beautiful Restaurants List 2026“ richtet der Prix Versailles den Blick erneut auf jene Räume, in denen Gastlichkeit weit über Kulinarik hinausgeht. Die diesjährige Auswahl vereint sechzehn Restaurants aus aller Welt, die zeigen, wie Design, Architektur und emotionale Erfahrung zu einer neuen Form von Hospitality verschmelzen.

Von Dubai bis Kapstadt, von Helsinki bis Hongkong entsteht dabei ein Bild zeitgenössischer Gastlichkeit, das weniger von Luxus im klassischen Sinn erzählt als von Atmosphäre, kultureller Tiefe und räumlicher Inszenierung.

Was ist der Prix Versailles?

Der 2015 gegründete und von der UNESCO unterstützte Prix Versailles zählt heute zu den bedeutendsten internationalen Architektur- und Designpreisen im Bereich Hospitality und kultureller Räume.

Im Gegensatz zu klassischen Restaurant- oder Hotelrankings bewertet der Preis nicht allein Kulinarik oder Luxus, sondern die Verbindung aus Architektur, intelligenter Nachhaltigkeit, kultureller Relevanz und menschlicher Erfahrung. Ausgezeichnet werden Projekte, die Räume schaffen, die emotional wirken und zugleich Ausdruck ihrer Umgebung sind.

Gerade deshalb gilt der Prix Versailles mittlerweile als wichtiger Seismograf für die Zukunft von Hospitality Design.

The World’s Most Beautiful Restaurants 2026

Nobu One Za’abeel — Dubai, Vereinigte Arabische Emirate

Hundert Meter über Dubai schwebt Nobu One Za’abeel wie eine architektonische Brücke zwischen Kulturen.

Im spektakulären Sky Concourse des One Za’abeel verbinden sich Chef Nobu Matsuhisas japanisch-südamerikanische Einflüsse mit monumentaler Architektur, dramatischem Licht und einem Blick über die Skyline der Stadt.

Das Restaurant wirkt wie eine urbane Bühne zwischen Himmel, Kulinarik und Nachtleben.

Le Fou — Wien, Österreich

Le Fou übersetzt die sinnliche Atmosphäre der Pariser Nacht in einen zeitgenössischen Wiener Kontext.

Seide, Mohair-Samt, Naturstein und patinierte Metalloberflächen schaffen Räume, die weniger gestaltet als emotional komponiert wirken. Warme Terrakotta-Töne, gedämpftes Licht und intime Nischen verleihen dem Ort eine fast filmische Qualität.

Luxus zeigt sich hier nicht durch Perfektion, sondern durch Atmosphäre.

Monti — Gstaad, Schweiz

Mit Blick auf die alpine Landschaft interpretiert Monti traditionelle Bergarchitektur auf zeitgenössische Weise neu.

Warme Hölzer, gewebte Bronzeelemente und italienisch inspirierte Eleganz schaffen einen Ort, der zugleich lokal verwurzelt und international wirkt.

Die Atmosphäre bleibt intim, ohne ihre architektonische Klarheit zu verlieren.

Akira Back — Hong Kong, China

Im von Zaha Hadid Architects entworfenen Hochhaus The Henderson entsteht mit Akira Back eine multisensorische Komposition aus Design, Licht und Kulinarik.

Runde Formen, skulpturale Decken und sorgfältig inszenierte Lichtstimmungen spiegeln die Dynamik Hongkongs wider.

Das Restaurant wirkt gleichzeitig futuristisch und warm.

Hana no Kumo — Hong Kong, China

Hana no Kumo reduziert Gastlichkeit auf ihre essenziellsten Elemente: Ruhe, Handwerk und Konzentration.

Mit nur 24 Sitzplätzen erinnert das Restaurant an eine moderne japanische Berghütte. Holz, Washi-Papier und sakura-inspirierte Lichtobjekte erzeugen eine fast meditative Atmosphäre.

Jedes Detail scheint bewusst gesetzt zu sein.

Monsieur Dior by Anne-Sophie Pic — Peking, China

Im House of Dior in Peking verschmelzen Haute Couture, Architektur und Fine Dining zu einer poetischen Erzählung.

Fotografien ikonischer Dior-Silhouetten, Kunstwerke des chinesischen Künstlers Hong Hao und die kulinarische Handschrift von Anne-Sophie Pic schaffen einen Raum zwischen Frankreich und China.

Kulinarik wird hier zur Form von kultureller Couture

Peridot — Hong Kong, China

Peridot gleicht einer futuristischen Traumlandschaft.

Mehr als 20.000 handgefertigte Lichtobjekte, spiegelnde Oberflächen und tiefgrüne Farbtöne verwandeln die Cocktailbar in eine immersive Installation zwischen Disco-Glamour und Kunstwerk.

Der Raum scheint permanent in Bewegung zu sein.

Escā Playa — Ras El Hekma, Ägypten

Escā Playa erhebt sich aus der ägyptischen Küstenlandschaft wie eine vom Wind geformte Felsenlandschaft.

Architekt Mohamed Badie löst die Grenzen zwischen Architektur und Natur beinahe vollständig auf. Licht, Schatten und mineralische Oberflächen erzeugen einen Raum, der eher entdeckt als gebaut wirkt.

Die Architektur scheint direkt aus der Landschaft zu wachsen.

Finlandia Bistro — Helsinki, Finland

Das Finlandia Bistro befindet sich in einem der bedeutendsten Bauwerke Finnlands: der von Alvar Aalto entworfenen Finlandia Hall.

Die behutsame Neugestaltung durch das Designstudio Fyra verbindet den Geist der Moderne mit zeitgenössischer Zurückhaltung und bemerkenswerter Sensibilität.

Ein stiller Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart

Carbone — London, United Kingdom

Carbone London bringt die glamouröse Welt amerikanischer Supper Clubs nach Mayfair.

Samt, Mosaike, lackiertes Holz und Kunstwerke von Ai Weiwei bis René Ricard erschaffen eine dramatische Atmosphäre voller Nostalgie und Inszenierung.

Alles wirkt wie die Kulisse eines stilisierten Filmsets.

Rosso — Hinganigada, Indien

Mitten in einer weitläufigen Weinlandschaft verbindet Rosso mediterrane Eleganz mit indischer Architektur und Landschaft.

Poliertes Holz, grüner Marmor und warmes Licht schaffen eine Atmosphäre zwischen italienischem Barock und zeitgenössischer Zurückhaltung.

Der Ort wirkt gleichzeitig opulent und geerdet.

Marlow — Monaco

Marlow interpretiert britische Eleganz auf überraschend warme Weise neu.

Der Künstler und Architekt Hugo Toro erschafft im neuen Mareterra-Viertel einen Ort voller historischer Referenzen, maßgefertigter Möbel und subtiler Riviera-Nostalgie.

Wie ein fiktiver Members Club zwischen Vergangenheit und Gegenwart.

Lucia — Los Angeles, United States

Lucia bringt afro-karibische Kultur in die Nachtlandschaft von Los Angeles.

Tropische Muster, skulpturale Formen und Musik als integraler Bestandteil des Erlebnisses schaffen einen Ort voller Energie und Leichtigkeit.

Das Restaurant fühlt sich jung, mutig und lebendig an.

Monsieur Dior by Dominique Crenn — Beverly Hills, United States

m Dior House in Beverly Hills begegnen sich kalifornisches Licht und französische Raffinesse.

Peter Marino verbindet florale Elemente, Gartenreferenzen und offene Terrassen zu einer Atmosphäre zwischen Couture und entspanntem Westcoast-Lifestyle.

Innen- und Außenraum fließen beinahe nahtlos ineinander.

Mottai — Coral Gables, United States

Mottai verbindet japanische Präzision mit weichen, zeitgenössischen Formen.

Im Zentrum des Restaurants steht eine offene Sushi-Bar unter einem skulpturalen Baldachin, während geschwungene Linien und taktile Materialien eine ruhige Intimität erzeugen.

Dining wird hier zur Choreografie.

Amura by Ángel León — Cape Town, Süd Afrika

Amura interpretiert das Meer als räumliches Erlebnis.

Inspiriert von Unterwasserlandschaften und marinen Ökosystemen entsteht ein atmosphärischer Raum aus tiefen Grüntönen, Bronze und warmem Licht.

Das Restaurant wirkt wie ein cineastischer Tauchgang zwischen zwei Ozeanen.

Architektur als emotionale Erfahrung

Die Auswahl des Prix Versailles 2026 zeigt eindrucksvoll, wie sehr sich Hospitality verändert hat.

Die spannendsten Restaurants unserer Zeit definieren sich nicht allein über ihre Küche, sondern über die Emotionen, die ihre Räume erzeugen. Licht, Materialität, Klang, Kultur und Architektur werden Teil eines ganzheitlichen Erlebnisses.

Oder anders gesagt:
Architektur ist längst Teil der Speisekarte geworden.

Zu den Laufsteg-Naturen Südtirols

Eine stille Selbsterfahrung zwischen Bergen, Schafen und jahrhundertealter Tradition

Falls die Uhren mal wieder auf fünf vor Stress stehen, gibt es in Südtirol ein Schauspiel, das auf besondere Weise entschleunigt und erdet: die legendäre Transhumanz. Jahr für Jahr zieht der traditionelle Schafabtrieb vom österreichischen Ötztal zurück ins Schnalstal zahlreiche Wanderer, Hirten und Naturliebhaber in seinen Bann – ein uralter Brauch, der heute zum immateriellen UNESCO-Weltkulturerbe zählt.

Vom Wiener Laufsteg in die alpine Stille

Es beginnt wie ein klassischer Abend der Modewelt: Ein renommiertes Wiener Fashion-Label lädt zur Show. Menschen begrüßen sich mit Küsschen, Prosecco wird gereicht, Kunst präsentiert, Jazz gespielt. Dann gleiten Models in traumhaften Kleidern über den Laufsteg – Attitüde unter feinsten Stoffen, perfekt inszeniert.

Nur wenige Tage später wartet in Südtirol ein völlig anderer Laufsteg: ein steiler Bergpfad oberhalb von Vernagt im Schnalstal. Statt Blitzlicht und Catwalk bestimmen Lärchenwälder, Gebirgsbäche und alpine Ruhe das Bild. Die „Models“ dieses Schaulaufens kommen aus der Natur selbst – über tausend Schafe, die von den Hochweiden des Ötztals zurück nach Südtirol getrieben werden.

Loslassen auf anderem Weg

Der Aufstieg führt durch stille Wälder hinauf Richtung Hochgebirge. Gedanken kreisen, Fragmente innerer Dialoge tauchen auf und verschwinden wieder zwischen Vogelrufen und dem Rauschen der Bäche. Mit jedem Höhenmeter wird die Luft dünner, der Wind kühler und der eigene Atem präsenter.

Die alpine Landschaft der südlichen Ötztaler Alpen wirkt beinahe surreal: Gräser, Flechten und Moose ziehen sich in spätsommerlichen Grün- und Gelbtönen bis an die schroffen Bergmassive. Tiefhängende Wolken verhüllen die Gipfel und tauchen die Szenerie in eine fast meditative Ruhe.

Selbst eingefleischten Kopfmenschen fällt es hier leichter, den Gedankenstrom loszulassen und sich ganz auf Bewegung, Atmung und Wahrnehmung einzulassen.

Wenn Stille zum Ereignis wird

Auf rund 2300 Metern öffnet sich schließlich ein Plateau zwischen gewaltigen Felsformationen. Hier wird Stille zu einem Erlebnis. Kein konsumgetriebener Reiz, kein künstlicher Nervenkitzel – nur Berge, Licht, Wind und die eigene Wahrnehmung.

Während warmer Tee und einfache belegte Brote in dieser rauen Umgebung beinahe zu einer sensorischen Neuerfahrung werden, beginnt sich der Geist zu beruhigen. Die Rastlosigkeit des Alltags zieht sich zurück. Für einen Moment zählt nur das Hier und Jetzt.

Dann erscheinen sie in der Ferne: die Schafe. Zunächst nur schemenhaft sichtbar, bewegen sich hunderte Tiere langsam den steilen Hang hinab. Mit ihnen kommen das Läuten der Glocken und das charakteristische Blöken näher.

Die legendäre Transhumanz

Mehr als ein Dutzend Hirten treiben rund 1300 Schafe von den Sommerweiden des österreichischen Ötztals zurück nach Südtirol. Der Weg führt über Felsrinnen, Schneefelder und Grate – und gilt als weltweit einziger Schafabtrieb über einen Gletscher, der zwei Nationen miteinander verbindet.

Die Tradition reicht bis ins 14. Jahrhundert zurück. Ein historisches Weiderecht erlaubt den Bauern des Schnalstals bis heute, ihre Tiere im Sommer auf österreichischen Weiden grasen zu lassen. Über Generationen hinweg entstanden daraus kulturelle Beziehungen, gemeinschaftliche Rituale und gelebte alpine Identität.

Auch Nachhaltigkeit spielt eine zentrale Rolle: Oberhirte Manuel Götsch engagiert sich für Biodiversität sowie die traditionelle Herstellung von Milch- und Wollprodukten und setzt sich dafür ein, dass junge Menschen dieses kulturelle Erbe weiterführen.

Das Glück im Geerdeten

Besonders eindrucksvoll ist das Schmücken der Tiere vor dem Abstieg ins Tal. Die schönsten Schafe werden mit bunten Stoffblumen dekoriert, während Hirten und Treiber mit humorvoller Gelassenheit zusammenarbeiten. Die Tiere tragen farbige Markierungen, um sie ihren Besitzern und Zuchtvereinen zuordnen zu können.

Es braucht hier keine große Inszenierung. Stolze Blicke, ehrliche Freude und das stille Beobachten reichen völlig aus. Selbst ein Border Collie legt sich plötzlich neben einen Wanderer, als wäre man längst Teil der Herde geworden.

Am Nachmittag beginnt schließlich der große Abstieg nach Vernagt. Tausende Menschen erwarten dort die geschmückten Tiere. Unter Glockenklang und lautem Blöken zieht die Herde über einen naturbelassenen Laufsteg, geschaffen von Bergen, Wind und Jahrtausenden alpiner Geschichte.

Die Transhumanz ist weit mehr als Brauchtum. Sie ist eine geerdete Selbsterfahrung – eine Erinnerung daran, wie wichtig innere Balance in einer rastlosen Welt geworden ist.

OLM NATURE ESCAPE

Kreisrundes energieautarkes Eco-Aparthotel im Südtiroler Ahrntal mit außergewöhnlicher Architektur und visionärer regionaler Küche.

Kulinarik mit Persönlichkeit

Seine Menüs sind außergewöhnlich. Unsere Fragen sind es auch. Berni Aichner ist Kulinarik-Chef im hauseigenen Restaurant PRENN° des Eco-Aparthotel OLM Nature Escape und wird für seine Warmherzigkeit, Kreativität und Bodenständigkeit geschätzt. Im Gespräch mit THE Stylemate erfahren wir, welche außergewöhnliche Kreation es doch nicht auf die Karte geschafft hat, welche Südtiroler Zutat Geschichte erzählt und welches runde Gericht er am liebsten hat.

Bewusster Umgang mit Lebensmitteln

Gibt es ein Lebensmittel(teil), das Sie früher verschwendet hätten, aber heute für Sie „heilig“ ist?
Schon in meiner Lehrzeit habe ich gelernt, mit Lebensmitteln verantwortungsvoll umzugehen, auch als Wertschätzung dem Produzenten gegenüber. Aus Abschnitten werden die besten Saucen und Fonds zubereitet.

Teamwork in der Küche

Chef und Sous-Chef – wie funktioniert die Rangordnung zwischen Ihnen? Wie schaffen Sie es, dass der Sous-Chef nicht untergeht und der Chef den Überblick behält?
Egon ist genial und ich könnte mir keinen besseren Stellvertreter vorstellen. Wir sind nicht nur Arbeitskollegen, sondern auch richtig gute Freunde. Er unterstützt und motiviert mich und genießt mein volles Vertrauen. Bei Entscheidungen ist mir seine Meinung enorm wichtig.

Die Zutaten für ein gutes Miteinander

Ein Lächeln, ein besonderer Löffel, die Lieblingstasse – welche sieben „Zutaten“ dürfen im täglichen Miteinander in Ihrer Küche nicht fehlen?
Humor, gegenseitiger Respekt, Wertschätzung, ein Plausch im Team, ein Espresso, Spaß an der Arbeit und der Blick nach vorne.

Was manchmal fehlt

Und welche „Zutaten“ fehlen Ihnen manchmal in der Küche im täglichen Miteinander?
Zeit und Geduld und manchmal auch die nötige Gelassenheit.

Drei Worte für die Küche

Wenn O, L und M jeweils für ein Wort in Bezug zu Ihrer kulinarischen Arbeit stehen würden – welche wären das?
Originell
Leidenschaft
Menschen begeistern

Lieblingsgerichte

Pizza, Mochi, Arancini – welches runde Gericht mögen Sie am liebsten?
Die Pressknödel. Mein Lieblingsgericht, und nebenbei spiegeln sie in ihrer Form die Architektur des OLM wider.

Kindheit neu interpretiert

Wenn Sie ein Gericht aus Ihrer Kindheit in ein modernes Fine-Dining-Konzept umsetzen: Wie sieht es aus und wie schmeckt es?
Ich erinnere mich gerne an die Brennsuppe meines Großvaters. Die einfache Suppe aus gebräuntem Mehl, Butter, Wasser, Salz und etwas Kümmel gab es täglich zum Frühstück. In meiner Küche wird das Wasser mit einem gehaltvollen Rinderfond ausgetauscht und mit brauner Butter aufmontiert. Mit Schwarzbrotchips, gehobelten rohen Steinpilzen und Schnittlauchöl – ein Traum!

Mutige Zutaten

Welche Zutat lieben Sie, könnte aber vielleicht den einen oder anderen Gast abschrecken?
Ich liebe Innereien, habe diese aber fast zur Gänze aus dem Angebot gestrichen. Diese werden inzwischen von vielen Gästen abgelehnt. Auf Nachfrage und für Liebhaber bereiten wir sie aber gerne zu.

Regionale Geschichten

Welche Zutat aus Südtirol erzählt für Sie die spannendste Geschichte?
Der Ahrntaler Graukäse: Vom Arme-Leute-Essen ist er zum kulinarischen Highlight avanciert. Er ist vielseitig einsetzbar und von „Slow Food“ geschützt.

Kulinarik ohne Grenzen

Welche Speise sehen Sie als universell an und kann von allen Kulturen verstanden werden?
Tolle Pasta mit frischen Zutaten macht weltweit jeden glücklich, ob Alt oder Jung.

Ideen, die es nicht auf die Karte schaffen

Welches Gericht haben Sie zum Spaß entwickelt, ist aber nie auf der Karte gelandet?
Das Wiener Schnitzel in Knödelform, gefüllt mit Kartoffelsalat. Geniale Klassiker sollen das auch bleiben.

Eine Zutat, unendliche Möglichkeiten

Wenn Sie nur eine Zutat auswählen dürften, mit der Sie ein gesamtes Menü kochen müssten, welche wäre das?
Der Spargel. Vom rohen Spargelsalat über ein sämiges Süppchen bis hin zum cremigen Risotto – oder einfach Spargel mit Bozner Sauce.

Fotos: Andreas Gruber, Kottersteger, Andreas Niederkogler, Julia Rieck

„Miiro“ ist ein leiser Imperativ, angelehnt an das lateinische „bewundern“, wobei das doppelte „ii“ dieses Innehalten betont. Das spiegelt sich nicht nur im Boutique-Hotel Palais Rudolf selbst wieder, sondern auch in der Geschichte seiner Entstehung – von Generalunternehmer Voglauer aus Abtenau umgesetzt.

Während neues Leben in wenigen Monaten zur Vollendung findet, verlangt die Metamorphose eines Gründerzeithauses in ein Hotel gewöhnlich nach mehr Zeit. Am Rudolfsplatz in Wien jedoch scheint dieser Rhythmus neu geschrieben worden zu sein. In nur neuneinhalb Monaten ist hier – dank des Generalunternehmers Voglauer – ein Ort entstanden, der Vergangenheit und Gegenwart in eine stille, selbstverständliche Balance bringt.

Errichtet zwischen 1880 und 1883 und heute nach Kronprinz Rudolf benannt, erzählt das klassische Wiener Gründerzeithaus von Vergangenheit. Seine Verwandlung jedoch verweist auf die Gegenwart: Denn eine Kernsanierung dieser Größenordnung ist weit mehr als ein Bauprozess – sie ist ein sensibles Austarieren zwischen Bewahren und Erneuern, zwischen Substanz und Vision. Genau darin liegt die besondere Qualität von Voglauer: historische Architektur nicht zu überformen, sondern sie weiterzudenken – mit Respekt, Klarheit und handwerklicher Konsequenz.

Man erhielt die Fassade und restaurierte sie behutsam. In den Innenräumen hingegen galt es, die gesamte Haustechnik auf den neuesten Stand zu bringen und zugleich Türen, Fischgrätböden, Wände, Stuckdecken neu zu denken. Kein Zentimeter blieb dabei unberührt – Voglauer arbeitete mit größter Sorgfalt an der Substanz.

Doch nicht nur die bauliche Struktur erzählt davon: Auch die 64 Zimmer und Suiten sowie die öffentlichen Räume spiegeln diesen Ansatz – dank maßangefertigter Möbel und passender Beleuchtung -wieder. Darunter der in den Miiro Hotels so beliebte Refresh Room – ein Ort zum Frischmachen bei frühen Anreisen oder späten Abreisen.

Heute fügt sich das von James Thurstan Waterworth und Studio Archisphere geplante Boutiquehotel mit feinem Gespür für Lokalkolorit mühelos in seine Nachbarschaft ein und vermittelt den Gästen authentisches Neighbourhood-Feeling. Es ist eine Komposition aus warmen, natürlichen Farbtönen, Vintage-Möbeln und feinen Materialien – eine Interpretation des klassischen Wiener Stadthauses, die Intimität und Leichtigkeit ausstrahlt.

Gerade diese mühelos wirkende Atmosphäre ist das Ergebnis präziser Planung. Voglauer gelingt es dabei, Räume zu schaffen, die selbstverständlich wirken – obwohl ihre Entstehung alles andere als gewöhnlich ist.

Eine Leistung, die Voglauer auch im zweiten Wiener Miiro Hotel am Spittelberg umgesetzt hat, das kürzlich eröffnet wurde.

Das Palais Rudolf wurde als lebendiger Ort konzipiert, nicht als Denkmal. Jede Proportion, jedes Licht und jede Textur wurde bewusst gewählt, um Wiens poetische Dualität einzufangen – seine stille Eleganz und seine kreative Kühnheit.

Architekt Gabriel Kacerovsky, Gründer des Wiener Studios Archisphere

Fotos: James McDonald

Eine geschäftige Einkaufsstraße in Wien, kurz vor neun. Vieles hat noch geschlossen, und doch ist der baldige Trubel schon spürbar. Es mag verwundern, dass sich in dem ausgebauten Eckhaus sogar ein U-Bahn-Eingang befindet, denn kaum öffnet man die Tür nebenan zum Hotel MOTTO, gelangt man in eine Welt irgendwo zwischen dem Paris und dem Wien der 1920er-Jahre.

Sanfte französische Loungemusik, verspielte Tapeten, ornamentale Fliesen, Details aus Messing sowie ein Gastgeber, der die Gastgeberrolle schon durchgespielt hat.

Bernd Schlacher ist ein Urgestein der Wiener Gastroszene. Er kannte Falco und Elton John, war mit 22 Jahren schon Eigentümer eines Restaurants und es scheint, als könne ihn nichts erschüttern … „Was mach ma?“, fragt er mich mit gelassener Stimme, als wir in seinem Hotelrestaurant Platz nehmen. Ich hoffe, ein Gespräch über das Gastgeberdasein führen – mit Fragen, die er nicht schon unzählige Male beantwortet hat.

Gastgebergeschichten aus 44 Jahren

Aus welchen Begegnungen als Gastgeber sind schöne Anekdoten geworden?
In 44 Jahren gab es so einige. Aber die wirklich lustigen fallen unter die Schweigepflicht. Mir hat es immer sehr viel Spaß gemacht, mit Gästen zu arbeiten, egal ob mit Falco, Fendrich, Elton John, Touristen oder Studenten. Es haben sich wahnsinnig viele Menschen bei mir kennengelernt. Es kommen heute 70-, 80-Jährige mit Enkelkindern zu mir. Drei Generationen haben mit mir schon gefeiert. Das ist etwas Besonderes.

Keine Langeweile – Musik als Lebensgefühl

Sie sagen, dass Sie keine Langeweile mögen. Wie schafft man es, dass Gäste im Restaurant garantiert nicht zu gähnen beginnen?
Mit Musik! Die kann leise im Hintergrund spielen und später auch lauter werden. Es muss etwas los sein. Das Leben ist schon anstrengend genug, die Leute sollen Spaß haben dürfen.

Die cerise sur le gâteau der Gastfreundschaft

Betthupferl, sich die Namen der Gäste merken … Was ist für Sie persönlich die cerise sur le gâteau der Gastfreundschaft?
Die Freundlichkeit. Die persönliche Beziehung zum Gast, so wie man sie früher beim Kirchenwirt am Land hatte, wo der Herr Franz oder die Frau Franziska schon genau wusste, wie man den Kaffee mag, bevor man ihn bestellt. Das ist ein wichtiges Kulturgut.

Gastgeber sein – auf Augenhöhe

Eine Frage, die sich zum Schluss fast schon aufdrängt: Gibt es ein Motto, an das Sie sich in Bezug auf Gastfreundschaft halten?
Für mich heißt Gastgeber sein, immer ehrlich zu den Menschen zu sein. Auf Augenhöhe. Da ist es egal, ob Präsident oder Student. Der eine ist genauso wichtig wie der andere.

Chez Bernard: ein Wohnzimmer auf Französisch

CHEZ BERNARD – wir sind jetzt ein bisschen bei Ihnen zu Hause, vielleicht in der französischen Version Ihres Wohnzimmers. Liege ich mit diesem Eindruck richtig?
Ja, zu 100 Prozent. Vor elf Jahren habe ich überlegt: Was mache ich aus dem alten Hotel Kummer? Ich liebe Paris, ich liebe Wien. Die 1920er-Jahre waren eine Zeit des Aufschwungs, des Feierns. Eines Tages entstand die Idee bei einem Kaffee mit einer lieben Freundin. Das Thema wurde dann bis ins kleinste Detail umgesetzt. Ich setze nicht auf Trends. Wenn ich etwas einrichte, muss es langfristig und langlebig sein. Und es muss Charme haben und gemütlich sein.

Französische Finesse trifft Wiener Charme

In Ihrem Haus treffen französische Finesse und Wiener Charme aufeinander. Wie gut passen diese beiden Welten für Sie zusammen?
Das passt wahnsinnig gut zusammen, wenn man daran denkt, wie Wien vor dem Zweiten Weltkrieg war. Wir haben ja auch noch viele französische Begriffe wie Beletage, Trottoir, Pläsier. Und das Croissant ist aus dem Kipferl entstanden.

Vom Restaurant zum Boutiquehotel

Mit dem Hotel haben Sie das Thema Gastfreundschaft nach zahlreichen Lokalen und dem Catering auf ein neues Level gehoben – wie empfinden Sie den Sprung?
Es war ein heimlicher Wunsch von mir. Dann ist es halt passiert. Mir war es wichtig, dass die Rezeption besetzt ist, dass hier Menschen sind und es nicht anonym ist. Die Gastgeberrolle hat sich dabei nicht verändert, nur erweitert. Früher haben die Gäste nur gegessen und getrunken. Jetzt schlafen sie halt auch da.

Privat und professionell Gastgeber sein

Wie unterscheidet sich Ihre private Gastgeberrolle von der professionellen?
Ich bin sowohl zu Hause als auch in den Betrieben gerne Gastgeber. Mir ist es hier und da wichtig, dass Servietten am Tisch liegen, dass frisch gekocht wird, dass Kerzen brennen und frische Blumen da sind. Man muss seine Rolle natürlich ein wenig anpassen, je nachdem, wen man begrüßt. Darf man „du“ sagen oder nicht?

Hotel MOTTO – a member of Lifestylehotels

Elegantes Boutiquehotel in einem historischen Gebäude, in dem Paris und Wien eine Liaison eingehen – mit Rooftop-Restaurant und französischer Bäckerei.

Zwischen Aneignung und Ikonografie: Eine radikale Reflexion der Bilderwelt

Mit einer umfassenden Retrospektive widmet die ALBERTINA Wien dem US-amerikanischen Künstler Richard Prince eine Ausstellung, die nicht nur sein Werk, sondern auch unser Verständnis von Bildern hinterfragt. Zwischen Ironie, Provokation und analytischer Schärfe eröffnet sich ein faszinierender Blick auf die Mechanismen visueller Kultur.

Eine visuelle Dekonstruktion der Konsumgesellschaft

Richard Prince zählt zu den prägendsten Künstlern der sogenannten Appropriation Art. Seit den 1970er-Jahren untersucht er die Bildwelten der amerikanischen Alltagskultur – von Werbung über Magazine bis hin zu Social Media. Seine Methode ist ebenso einfach wie radikal: Er appropriierte bestehende Bilder, verändert sie minimal und führt sie in einen neuen Kontext über.

Was dabei entsteht, ist weit mehr als bloße Aneignung. Princes Werke legen die verborgenen Codes frei, die unsere Wahrnehmung formen – von Geschlechterrollen bis hin zu Mythen wie Freiheit und Männlichkeit.

Ikonen neu gelesen: Cowboys, Fashion und Gangs

Die Ausstellung in der ALBERTINA zeigt rund 150 Arbeiten aus fünf Jahrzehnten. Im Zentrum steht die Fotografie als Leitmedium seines Schaffens. Ikonische Serien wie Cowboys, Fashion oder Gangs verdeutlichen, wie Prince Bilder nicht nur reproduziert, sondern ihre Bedeutung verschiebt.

Besonders die berühmten Cowboys – basierend auf Marlboro-Werbung – entlarven die Konstruktion eines amerikanischen Mythos. Der Cowboy als Symbol von Freiheit wird gleichzeitig kritisiert und ästhetisch überhöht.

Auch in der Serie Fashion verwandelt Prince Modefotografie in eine Bühne gesellschaftlicher Projektionen. Gesichter werden zu Projektionsflächen – vertraut und doch irritierend fremd.

Zwischen Realität und Fiktion

Spätere Werkgruppen wie Upstate zeigen einen Perspektivwechsel: Statt vorhandene Bilder zu appropriieren, richtet Prince seine Kamera auf seine eigene Umgebung. Doch auch hier bleibt die Frage bestehen – ist das Dokumentation oder Inszenierung?

Die Grenzen verschwimmen. Realität erscheint ebenso konstruiert wie Werbung oder Medienbilder. Genau in dieser Ambivalenz liegt die Stärke seines Werks.

Vom Print zur digitalen Gegenwart

Mit den New Portraits überträgt Prince seine künstlerische Praxis in die digitale Welt. Instagram-Posts werden zu Kunstwerken, Likes und Kommentare Teil der Komposition.

Hier zeigt sich besonders deutlich, wie sich Bildproduktion und -konsum verändert haben: Bilder sind nicht mehr nur Repräsentation – sie sind Währung, Identität und Inszenierung zugleich.

Ein Werk zwischen Kritik und Verführung

Richard Prince gelingt es, gleichzeitig zu analysieren und zu verführen. Seine Arbeiten sind nie eindeutig – sie oszillieren zwischen Kritik und Affirmation.

Gerade diese Spannung macht die Ausstellung in der ALBERTINA zu einem der spannendsten Kunstereignisse des Jahres.

Warum Holz mehr ist als ein Baustoff – und zur Denkweise moderner Architektur wird

Holz ist zurück – nicht als Trend, sondern als Haltung. Für Matteo Thun & Partners wird der Baustoff zur Philosophie: sinnlich, technologisch und tief verwurzelt im Kontext von Mensch, Ort und Umwelt. Ein Gespräch mit Elisa Vago zeigt, warum Holz heute mehr denn je die Zukunft der Architektur prägt.

Holz als Denkweise im Entwurf

„Holz ist nie neutral.“ – dieser Satz beschreibt präzise, was Holz im architektonischen Kontext bedeutet. Es ist nicht bloß Material, sondern Träger von Geschichte, Handwerk und Zeit. Holz reagiert auf Klima, Nutzung und Alterung – es lebt und erzählt.

Für Matteo Thun & Partners wird Holz damit zur Haltung im Entwurfsprozess:
Wie verhält sich ein Gebäude zur Natur? Wie zum Alltag der Menschen? Und wie wird es sich über Jahrzehnte entwickeln?

Diese Fragen stehen im Zentrum einer Architektur, die sich nicht nur als Form, sondern als Beziehung versteht.

Design for people, for places, for life

Architektur muss mehr leisten als Ästhetik. Sie soll Räume schaffen, die Wohlbefinden fördern, die heilen, inspirieren und verbinden.

Holz spielt dabei eine Schlüsselrolle:

• durch seine natürliche Wärme
• durch seine sensorische Qualität
• durch seine ökologische Bilanz

Doch entscheidend ist der Kontext – der Genius Loci. Jeder Ort verlangt eine eigene Antwort. Genau hier entfaltet Holz seine Stärke: als Material, das sich kulturell und atmosphärisch einfügt.

Ein Hightech-Material mit Geschichte

Holz ist längst kein nostalgischer Baustoff mehr. Durch moderne Technologien wie Brettschichtholz oder CLT (Cross Laminated Timber) wird es zu einem hochpräzisen, leistungsfähigen Material.

Feuerbeständigkeit, Haltbarkeit und mechanische Eigenschaften wurden erheblich verbessert. Gleichzeitig bleibt Holz zeitlos und flexibel – eine seltene Kombination aus Tradition und Innovation.

Die Philosophie der „3 Zeros“

Nachhaltigkeit ist kein Schlagwort, sondern System. Die sogenannte 3-Zero-Philosophie beschreibt einen ganzheitlichen Ansatz:

• Zero Kilometer – kurze Transportwege
• Zero Emissionen – CO₂-Speicherung im Material
• Zero Abfall – Wiederverwertbarkeit

Ein Kubikmeter Holz speichert rund eine Tonne CO₂ – ein entscheidender Beitrag im Bausektor, der für etwa 40 % der Emissionen verantwortlich ist.

Weiterdenken statt Wegwerfen

Ein besonders eindrucksvolles Beispiel ist die Installation Fratelli Tutti:
Holz aus einer verlassenen Almhütte wird zu einem Meditationsraum transformiert – und kehrt nach seiner temporären Nutzung wieder in die Alpen zurück.

Kreislaufwirtschaft wird hier zur gelebten Praxis, nicht zur Theorie.

Patina als Teil des Designs

Holz altert – und genau darin liegt seine Schönheit.

UV-Strahlung, Wetter und Zeit verändern die Oberfläche. Doch statt diese Prozesse zu bekämpfen, werden sie bewusst in den Entwurf integriert.

Patina wird zum Ausdruck eines lebendigen Materials.

Grenzen, die Wissen erfordern

So vielseitig Holz ist, so anspruchsvoll ist sein Einsatz. Es reagiert sensibel auf Feuchtigkeit, Temperatur und Belastung.

Ein schlecht durchdachtes Projekt verzeiht keine Fehler – sie werden sichtbar, technisch wie ästhetisch.

Holz verlangt Präzision, Wissen und Respekt.

Eine Haltung für die Zukunft

Holz steht für eine neue Art zu bauen:
bewusst, zirkulär und menschenzentriert.

Es verbindet Technologie mit Emotion, Nachhaltigkeit mit Kultur – und zeigt, dass Architektur mehr sein kann als Konstruktion:

eine Beziehung zwischen Mensch, Natur und Zeit.

Die Ausstellung „Tanzbild“ in der ALBERTINA MODERN erzählt anhand historischer Fotografien die faszinierende Geschichte des Tanzes zwischen Bewegung, Inszenierung und fotografischer Innovation – von den frühen Atelieraufnahmen des 19. Jahrhunderts bis zur avantgardistischen Tanzfotografie der 1930er-Jahre.

Wenn Bewegung zum Bild wird

Tanz ist flüchtig. Eine Bewegung existiert nur für einen Augenblick – und verschwindet im selben Moment wieder. Genau diese Vergänglichkeit fasziniert Fotograf:innen seit den Anfängen der Fotografie. Mit der Ausstellung „Tanzbild. Fotografien aus der Sammlung der ALBERTINA“ widmet sich die ALBERTINA MODERN diesem Spannungsfeld zwischen Bewegung und Stillstand und zeichnet eine visuelle Geschichte der Tanzfotografie von den 1860er-Jahren bis in die frühen 1940er-Jahre nach. Rund 120 Werke aus der Fotosammlung der Albertina geben Einblick in eine Epoche, in der Tanz und Fotografie gleichermaßen neue Ausdrucksformen entwickelten.

Tanzfotografie zwischen Bühne und Atelier

Die frühesten Tanzfotografien entstanden in den Ateliers des 19. Jahrhunderts. Tänzerinnen und Tänzer wurden dort in statischen Posen oder klassischen Porträts inszeniert – oft als Sammelbilder im sogenannten Visitformat oder als großformatige Kabinettkarten. Diese Fotografien machten Künstler:innen zu frühen Stars und prägten eine neue visuelle Kultur der Prominenz.

Mit den technischen Fortschritten der Fotografie – insbesondere kürzeren Belichtungszeiten – begann sich das Bild des Tanzes zu verändern. Ab dem späten 19. Jahrhundert konnte erstmals Bewegung selbst fotografisch festgehalten werden. Serienaufnahmen und Bewegungsstudien machten Abläufe sichtbar, die zuvor dem menschlichen Auge verborgen geblieben waren.

Die Geburt der Tanzmoderne

Besonders intensiv widmet sich die Ausstellung der Zwischenkriegszeit, einer Phase, in der sich der moderne Tanz als eigenständige Kunstform etablierte. Tänzerinnen wie Isadora Duncan, Mary Wigman oder Josephine Baker prägten eine neue Körperästhetik, die sich bewusst vom klassischen Ballett abgrenzte. Ausdruck, Individualität und körperliche Freiheit rückten in den Mittelpunkt.

Parallel dazu entwickelte sich die Fotografie zu einem kreativen Partner der Performance. Fotograf:innen wie Trude Fleischmann, Rudolf Koppitz, Atelier d’Ora oder Charlotte Rudolph arbeiteten eng mit den Tänzer:innen zusammen. In diesem dialogischen Prozess entstanden ikonische Bilder, die nicht nur Bewegung dokumentierten, sondern selbst zu künstlerischen Interpretationen des Tanzes wurden. pressemappe_tanzbild_de

Avantgarde, Ausdruck und Inszenierung

Die Tanzfotografie wurde zunehmend experimentell. Fotograf:innen suchten nach neuen Möglichkeiten, Dynamik, Geschwindigkeit und Emotion sichtbar zu machen. Ungewöhnliche Perspektiven, fragmentierte Bildausschnitte oder bewusst inszenierte Gesten spiegelten die ästhetischen Strömungen der Moderne wider.

Ein eindrucksvolles Beispiel ist die Fotografie der Tänzerin Gret Palucca während eines Sprungs, aufgenommen von Charlotte Rudolph. Das Bild vermittelt eine fast schwerelose Dynamik und wurde zu einem ikonischen Motiv der fotografischen Avantgarde der 1920er-Jahre.

Tanz als Spiegel gesellschaftlicher Veränderungen

Die Fotografien zeigen nicht nur Tanz, sondern auch gesellschaftliche Entwicklungen. In den Illustrierten der Zwischenkriegszeit wurden Tänzerinnen zunehmend als moderne, selbstbewusste Persönlichkeiten inszeniert. Gleichzeitig spiegelte ihre Darstellung neue Vorstellungen von Körperlichkeit, Emanzipation und Sinnlichkeit wider.

Mit der Machtübernahme der Nationalsozialisten 1933 in Deutschland und 1938 in Österreich erlebten sowohl Tanzszene als auch Fotografie jedoch einen drastischen Bruch. Viele Künstler:innen wurden verfolgt, vertrieben oder ermordet – eine Zäsur, die auch in der Geschichte der Tanzfotografie tiefe Spuren hinterließ.

Eine visuelle Geschichte des Tanzes

„Tanzbild“ macht deutlich, wie eng Tanz und Fotografie miteinander verbunden sind. Die Kamera konserviert nicht nur flüchtige Bewegungen, sondern erschafft auch neue Bildwelten des Körpers in Bewegung.

Die Ausstellung lädt dazu ein, Tanz nicht nur als Performance zu erleben, sondern als ästhetisches Zusammenspiel von Körper, Licht, Technik und künstlerischer Interpretation.

Ausstellung:
Tanzbild – Fotografien aus der Sammlung der ALBERTINA
Ort: ALBERTINA MODERN, Wien
Dauer: 3. März – 7. Juni 2026
Kuratorin: Astrid Mahler
Werke: ca. 120 Fotografien