Alles vergeht. Was zunächst melancholisch klingt, wird bei Ivan Gette zu einer Einladung, den Moment umso intensiver wahrzunehmen. Mit „TUTTO PASSA“ zeigt der Berliner Künstler während der Berlin Art Week eine neue Werkserie über Veränderung, Erinnerung und das, was von einem Augenblick bleibt.

Tutto passa – alles vergeht. Im Italienischen sind es zwei einfache Worte, hinter denen sich eine ganze Lebensphilosophie verbirgt. Nicht das Festhalten steht dabei im Mittelpunkt, sondern die Erkenntnis, dass gerade die Vergänglichkeit einem Moment seinen Wert gibt.

Für den in Berlin lebenden Künstler Ivan Gette wurde dieser Gedanke zum Ausgangspunkt seiner gleichnamigen Werkserie. Den Impuls dazu fand er während eines Aufenthalts in Pietrasanta in der Toskana. Dort begann er, sich intensiver mit der Idee des Tutto Passa auseinanderzusetzen: Alles verändert sich, jeder Augenblick ist einmalig – und dennoch hinterlassen manche Momente Spuren, die weit über ihre eigentliche Dauer hinausreichen.

Erinnerungen werden zu Farbe

Gette versucht nicht, diese Momente abzubilden. Er übersetzt sie vielmehr in Farbe, Struktur und Bewegung. Seine abstrakten Arbeiten entstehen intuitiv und unmittelbar, geprägt von Reisen, Begegnungen und Emotionen.

Seine eigene künstlerische Sprache bezeichnet Gette als „abstrakten Nihilismus“. Struktur trifft darin auf Chaos, Ordnung auf Auflösung. Es ist eine Malerei, die sich einer eindeutigen Lesart entzieht – und genau darin ihre Offenheit findet.

Gette erklärt seine Bilder bewusst nicht. Was ein Werk bedeutet, entscheidet sich erst in der Begegnung mit den Betrachtenden. Diesen Gedanken führt er ungewöhnlich konsequent weiter: Seine Gemälde bleiben zunächst ohne Titel. Erst die Sammlerinnen und Sammler, die ein Werk erwerben, sind eingeladen, ihm einen Namen zu geben.

Aus dem Besitz eines Kunstwerks wird damit eine persönliche Beziehung. Der Titel schreibt eine individuelle Erinnerung in das Bild ein und verbindet es mit einem neuen Moment.

Was bleibt, wenn alles vergeht?

Bevor sich Ivan Gette vollständig der Malerei widmete, arbeitete er mehrere Jahre als Art Director und im Marketing, unter anderem für Nike. Heute lebt und arbeitet der in Sibirien geborene Künstler in Berlin. Seine Werke wurden international gezeigt, unter anderem im Umfeld der Art Basel Miami Beach sowie bei der Parallel Vienna, und befinden sich mittlerweile in privaten Sammlungen von Europa über die USA bis nach Indien und in die Vereinigten Arabischen Emirate.

Mit „TUTTO PASSA“ rückt nun jedoch weniger die Karriere des Künstlers als vielmehr eine universelle Erfahrung in den Mittelpunkt: Zeit lässt sich weder besitzen noch zurückholen. Was bleibt, sind Erinnerungen – an Orte, Begegnungen, Gefühle und jene scheinbar kleinen Augenblicke, die sich manchmal erst im Rückblick als bedeutend erweisen.

Vielleicht liegt genau darin die Spannung dieser Arbeiten. Sie versuchen nicht, die Zeit anzuhalten. Sie akzeptieren, dass sie weiterläuft.

Und machen sichtbar, was sie hinterlässt.

TUTTO PASSA | IVAN GETTE
9. September bis 22. November 2026
Opening: 9. September 2026
AK GALERIE | Behrenstraße 31 | 10117 Berlin

POSITIONS Berlin Art Fair
10. bis 13. September 2026
Flughafen Tempelhof | Hangar 5–6 | Berlin

Im Das Graseck bei Garmisch-Partenkirchen wird die Bergluft ganz nebenbei zum Rezept. Mit der Gondel geht es hinauf zu einem Ort, an dem Erholung und Gesundheitsvorsorge zusammenfließen.

Der Blick schweift über die Gipfel. Ein stetes Auf und Ab zeichnet sich am Horizont ab – fast wie die Linie eines Herzschlags. Während die Berge von Beständigkeit erzählen, erinnert ihr Profil daran, wie fragil selbst das Selbstverständlichste sein kann. Gesundheit ist ein leiser Luxus. Sie fordert keine Aufmerksamkeit und macht sich selten bemerkbar. Sie ist einfach da – bis sie es nicht mehr ist. Dass Vorsorge besser als Nachsorge ist, mag bekannt sein. Dennoch gerät sie im Alltag oft in Vergessenheit. Umso wertvoller sind jene Orte, die Raum dafür schaffen.

Check-in fürs Check-up

Das Graseck – mountain hideaway & health care im Wettersteingebirge verbindet Wellness mit Prävention. Wer hier auf 900 Metern Höhe eincheckt, bekommt nicht nur die Ruhe der Berge verschrieben, sondern bei Bedarf auch die ein oder andere Vorsorgeuntersuchung. So lassen sich Risikofaktoren und bestimmte Erkrankungen frühzeitig erkennen und rechtzeitig behandeln.

Inhaberin Dr. Sylvia Weingart, selbst Kardiologin, führt im Graseck unter anderem Herz-Check-ups und Belastungstests durch. Gemeinsam mit ihrem Mann Dr. Vincens Weingart, der neben seiner Tätigkeit als Chefarzt der Gastroenterologie im Klinikum Garmisch auch im Graseck endoskopische Untersuchungen übernimmt, hat sie ein Team aus Ärztinnen und Ärzten aufgebaut. Diese kommen für die Vorsorgeuntersuchungen in die eigens eingerichteten Praxisräume des Hotels. Genauso wie die Gäste auch reisen sie dabei mit der Seilbahn an.

Von der Bergstation der Gondel geht es direkt in das vielleicht schönste Wartezimmer Bayerns. Dass dabei jedoch kaum Zeit bleibt, die Aussicht zu genießen, liegt daran, dass es praktisch keine Wartezeiten gibt. Die Untersuchungen werden so koordiniert, dass sie sich je nach Umfang auf einen Tag oder entspannt auf mehrere Tage verteilen lassen. Was dabei auf dem Plan steht, wird vorab individuell beschlossen – egal, ob für Individualreisende oder als Teamevent.

Hoch über dem Alltag

Zeit und Raum, die Aussicht nach den Untersuchungen zu genießen, bleibt vor allem den Übernachtungsgästen. Denn abgesehen von der einzigartigen Lage oberhalb der Partnachklamm bei Garmisch-Partenkirchen, bringt das Graseck die Ruhe der bayrischen Berge auch in seine Räumlichkeiten. In den breiten Sesseln des Leseraums mit großzügiger Verglasung und Panoramablick versinkt man mit Achtsamkeitsliteratur, Alpen-Bildbändern oder einer THE Stylemate-Ausgabe in der Hand. Ein paar Schritte hinunter, verschwimmt der Horizont mit dem Infinity Pool. Im großzügigen Sauna- und Ruhebereich schmelzen dann die letzten Alltagsgedanken dahin.

Selbst wenn eine endoskopische Untersuchung bevorsteht, genießt man nur gerinfügig modifiziert die mehrgängigen Fine-Dining-Menüs. Frische, regionale Zutaten sind selbstverständlich, Verzicht gehört jedoch nicht zur Philosophie des Hauses. Stattdessen steht die Kunst der Balance im Mittelpunkt, sowohl in der Komposition als auch in der Größe der einzelnen Gänge.

Und dann schweift der Blick wieder über die Gipfel – ein Moment, der nicht nur das Auge, sondern auch das Herz berührt.

Das Graseck is a member of Lifestylehotels

Fotos: Gordon Kohlstock, Lucas Adrian, Oliver Nieder

Das Wendy House nach einem Entwurf von Earthscape Studio ist wie ein Spielhaus inmitten der indischen Wildnis. Nicht nur ist es ein Ort des Staunens und der Kreativität. Es wird zudem höchsten Ansprüchen an die Nachhaltigkeit gerecht.

Das Wendy House im südindischen Kozhinjampara heißt nicht zufällig so: Patin für den Namen stand Wendy Darling aus „Peter Pan“, der Disney-Verfilmung der Kindergeschichten aus der Feder des schottischen Schriftstellers J. M. Barrie. Peter Pan zeichnet sich dadurch aus, dass er als einziges aller Kinder niemals erwachsen wird und in „Neverland“ lebt. Wendy und ihre beiden jüngeren Brüder sind fasziniert und lassen sich auf zahlreiche Abenteuer mit Peter Pan ein.

Kindliche Fantasie trifft ökologisches Bewusstsein

Das Wendy House nach einem Entwurf von Earthscape Studio ist wie ein Spielhaus inmitten der Wildnis, das Schutz und Abenteuer zugleich verspricht. Diese erzählerische Dimension wurde von den Architekten bewusst als gestalterisches Motiv aufgegriffen.

Das Haus soll nicht nur funktionaler Wohnraum, sondern ein Ort des Staunens, der Kreativität und des Spiels sein – für Kinder wie Erwachsene. Und so spricht die Realisierung des Baus mit seiner skurrilen Formensprache, den erdigen Farbtönen und den liebevoll gestalteten Details alle Sinne an.

Wendy House: Vorbild für Nachhaltigkeit in Indien

Daneben lädt das Haus dazu ein, die Umgebung zu erkunden, in ihr aufzugehen und eine neue, achtsame Beziehung zur Natur einzugehen.

Denn das Wendy House ist inmitten eines üppigen Waldes gelegen. Auf dem acht Hektar großen Privatgrundstück im indischen Bundesstaat Kerala steht nun eine Art Bauernhaus, das sich nicht nur harmonisch in seine natürliche Umgebung einfügt, sondern auch höchsten Ansprüchen an die Nachhaltigkeit gerecht wird.

Der Wunsch, die dichte Vegetation des Grundstücks vollständig zu erhalten, war von Beginn an Vorgabe und zentraler Bestandteil des Entwurfs von Earthscape Studio unter der Leitung von Petchimuthu Kennedy.

Das Team entwickelte daher vor Ort einen Raster, mit dessen Hilfe das Gebäude exakt auf die bestehende Baumlandschaft abgestimmt werden konnte. So musste kein einziger Baum dem Bau weichen. Die Architektur reagiert somit unmittelbar auf die Gegebenheiten des Ortes und integriert die Natur nicht nur als Kulisse, sondern als strukturgebenden Bestandteil der Gestaltung.

Innovativ: Timbrel-Gewölbe statt Beton

Kennedys Entwurf verzichtet bewusst auf Stahl- und Betonkonstruktionen, um die ökologische Belastung gering zu halten. Stattdessen greift er auf die Timbrel-Gewölbetechnik zurück. Dies ist ein Konstruktionsprinzip, das auf sich überlagernde, flache Ziegelstrukturen setzt. Ein Timbrel-Gewölbe ist demnach ein geschlossenes System von in Mörtel-Schichten liegenden Keramikziegeln, die eine solide Kuppel bilden.

Die beiden geschwungenen Gewölbe des Hauses (36 und 32 Fuß breit, 13 und 11 Fuß hoch respektive 10,9 und 9,7 Meter breit und 3,9 sowie 3,3 Meter hoch) sind inspiriert von sogenannten Kettengewölben, wie sie einst von Kennedys Mentor Senthil Kumar Doss, Gründer von Play Architecture, entwickelt wurden. Derartige Gewölbe folgen einer Kurve, die eine idealisierte hängende Kette unter ihrem eigenen Gewicht annimmt, wenn sie nur an ihren Enden in einem gleichmäßigen Gravitationsfeld gehalten wird. Die organische Form der Doppelgewölbe schmiegt sich an die Konturen des Geländes und verleiht dem Baukörper eine natürliche Präsenz.

Lokale Materialien und traditionelle Techniken

Die Nachhaltigkeit des Wendy House kommt auch bei der Materialwahl zum Ausdruck. Verwendet wurden fast ausschließlich lokal verfügbare Rohstoffe.

Die Gewölbe bestehen aus sogenannten Sithu-kal-Ziegeln. Das sind kleine, dreischichtige Ziegel, die traditionell für die Madras-Terrassendachtechnik eingesetzt wurden. Heute jedoch finden sie kaum noch Verwendung. Durch ihre Nutzung unterstützt das Projekt daher nicht nur regionale Handwerker, sondern trägt auch zum Erhalt alter Bauweisen bei.

Zudem wurden gebrochene Ziegel und wiederverwendete Stahlstäbe in den Bau integriert – Materialien, die andernfalls entsorgt worden wären. Diese fanden nicht nur in der Tragstruktur, sondern auch beim Bau von Einbaumöbeln, Frühstückstheken und Betten sowie bei der Deckenkonstruktion erneut Verwendung. Die Ziegel für die Decke stammen aus einem Umkreis von 15 Kilometern, was den ökologischen Fußabdruck des Transports minimieren half.

Um die beiden Gewölbe zu fassen und zusätzliche thermische Masse zu schaffen, wurde ein Erdwall errichtet. Der Lehm dafür wurde direkt auf dem Grundstück entnommen. Diese Methode spart Ressourcen und vermeidet durch den Transport verursachte Emissionen. Gleichzeitig verleiht sie dem Gebäude eine urtümliche Ästhetik, die eng mit der Landschaft verbunden ist.

Wohnen mit der Natur
– und mit Innenhof

Auch das Holz für Türen und Möbel stammt aus regionalen Abfällen. So entstand ein Gebäude, das nicht nur formal, sondern auch materiell tief mit seiner Umgebung verwurzelt ist.

Der zentrale Innenhof zwischen den Gewölben bildet das kommunikative und klimatische Zentrum des Hauses. Mit einem kleinen Wasserlauf ausgestattet, sorgt er für eine angenehme Mikroklimatik und bringt Tageslicht in alle angrenzenden Räume.

Transparente Raumbeziehungen und offene Übergänge zum Hof schaffen eine ständige Verbindung zwischen Innen- und Außenraum – ein bewusst gesetztes Gegengewicht zu den häufig hermetisch abgeschlossenen Wohnhäusern der Gegenwart.

Architektur als kollektiver Prozess

Die Entstehung des Wendy House war nicht nur ein architektonisches, sondern auch ein soziales Projekt. Die Architekten wohnten während der gesamten achtmonatigen Bauzeit auf dem Grundstück und arbeiteten eng mit lokalen Handwerkern zusammen.

Unterstützt wurden sie von Mentor Vinu Daniel, einem Pionier der nachhaltigen Bauweise in Indien. Er ermutigte das Team zum Experimentieren mit natürlichen Materialien und unkonventionellen Techniken, was dem Projekt seinen innovativen Charakter verlieh. Daniels Credo: „In einem Architekturbüro sollte es nicht darum gehen, einen Haufen Papiere vom Büro auf die Baustelle zu bringen.“

Verantwortungsvoller indischer Hausbau

The Wendy House steht exemplarisch für einen neuen Weg im indischen Hausbau – jenseits der anonymen Betonbauten und klimatisch ineffizienten Glaspaläste. Es vereint traditionelle Handwerkskunst mit zeitgenössischer Formensprache, soziale Verantwortung mit technischem Know-how.

Jeder Aspekt des Entwurfs – von der Wahl des Standorts über die Materialbeschaffung bis hin zur Gestaltung des Innenhofs – folgt einem ökologisch und sozial verantwortlichen Leitgedanken. Das Haus produziert wenig Abfall, verbraucht wenig Energie und respektiert die natürlichen Ressourcen seiner Umgebung. Gleichzeitig bietet es seinen Bewohnern ein sinnlich erfahrbares, inspirierendes Lebensumfeld.

Text: Linda Benkö
Fotos: Syam Sreesylam

Lorenzo Agius und Izzy Weissgerber zeigen auf Mallorca, wie Fotografie und Malerei zu einer gemeinsamen Bildsprache verschmelzen

Mit ICONIC zieht eine Ausstellung in die HMH Galeria in Port Andratx ein, die Fotografie und Malerei nicht als Gegensätze versteht, sondern als gleichberechtigte Gesprächspartner. Vom 22. August 2026 bis 6. Januar 2027 treffen die ikonischen Porträts des international renommierten Fotografen Lorenzo Agius auf die intuitiven, emotionalen Interventionen der Berliner Künstlerin Izzy Weissgerber. Das Ergebnis ist keine klassische Kooperation, sondern eine neue visuelle Sprache, in der Kontrolle und Hingabe, Schönheit und Verletzlichkeit miteinander verschmelzen.

Zwischen Glamour und Menschlichkeit

Seit den 1990er-Jahren gehört Lorenzo Agius zu den bedeutendsten Porträtfotografen der internationalen Film- und Modeszene. Seine Fotografien von Persönlichkeiten wie Cate Blanchett, Madonna, Ewan McGregor, Jude Law, Jack Nicholson oder Valentino haben längst Kultstatus erreicht. Doch Agius interessiert sich weniger für Prominenz als für den flüchtigen Moment dahinter.

Seine Bilder entstehen dort, wo Perfektion für einen Augenblick ihre Fassade verliert und Authentizität sichtbar wird. Statt Inszenierung sucht er emotionale Nähe. Seine Kamera beobachtet nicht – sie führt einen stillen Dialog mit ihrem Gegenüber.

Diese Fähigkeit machte ihn bereits mit seinen ikonischen Fotografien rund um Trainspotting und später während der Ära der britischen „Cool Britannia“ zu einem der prägendsten visuellen Chronisten seiner Generation. Heute befinden sich seine Werke unter anderem in der National Portrait Gallery und im Victoria & Albert Museum in London.

Wenn Farbe Emotion sichtbar macht

Wo Agius mit Licht arbeitet, setzt Izzy Weissgerber auf Intuition. Die deutsch-amerikanische Künstlerin verbindet Malerei, Zeichnung und Mixed Media zu Arbeiten, die sich jeder eindeutigen Zuordnung entziehen.

Ein zentraler Ausgangspunkt ihrer Kunst ist ihre Synästhesie – die Fähigkeit, Menschen als individuelle Farben und Zahlen wahrzunehmen. Diese unsichtbaren Codes übersetzt sie in expressive Eingriffe, die Fotografien nicht übermalen, sondern emotional erweitern.

Ihre charakteristischen Porträts verzichten häufig auf den direkten Blickkontakt. Die Augen verschwinden hinter kräftigen Farbfeldern, wodurch sich der Fokus vom Äußeren auf die innere Energie der dargestellten Persönlichkeit verschiebt. Bekannt wurde Weissgerber international, nachdem Joe Dallesandro – Schauspieler und Muse Andy Warhols – eines ihrer Werke entdeckte und ein Porträt in Auftrag gab.

Ein kreativer Dialog statt einer Überarbeitung

Der besondere Reiz von ICONIC liegt nicht darin, dass Malerei Fotografien verändert. Vielmehr entstehen Werke, die sich zwischen beiden Disziplinen bewegen.

Weissgerbers Eingriffe überdecken die Fotografien von Agius nicht, sondern verdichten sie. Jede Farbschicht eröffnet neue emotionale Ebenen, ohne die ursprüngliche fotografische Sprache auszulöschen. Dadurch entwickelt sich zwischen beiden Künstlern eine geteilte Autorenschaft – eine visuelle Kommunikation, die weder der Fotografie noch der Malerei allein gehört.

Gerade in einer Zeit permanenter Bilderflut wirkt dieser Ansatz bemerkenswert entschleunigend. Statt Aufmerksamkeit durch Lautstärke zu erzeugen, fordert ICONIC Konzentration. Die Ausstellung lädt dazu ein, länger hinzusehen und jene Zwischentöne wahrzunehmen, die im digitalen Bilderstrom oft verloren gehen.

Port Andratx als Bühne für internationale Kunst

Nach ihrer viel beachteten Präsentation während des Gallery Weekends Berlin macht ICONIC nun Station auf Mallorca. In der HMH Galeria werden unter anderem Arbeiten mit Cate Blanchett, Madonna, Jude Law und Diana Ross gezeigt.

Die Ausstellung macht deutlich, dass Porträts weit mehr sein können als Abbilder prominenter Gesichter. Sie werden zu Projektionsflächen für Erinnerung, Emotion und Identität – und zeigen, wie kraftvoll Kunst wird, wenn unterschiedliche Handschriften nicht konkurrieren, sondern miteinander arbeiten.

Paper Moon eröffnet neues Restaurant in Porto Cervo – mit Outdoor-Möbeln von Unopiù

Es gibt Restaurants, die man wegen ihrer Küche besucht. Andere beeindrucken mit ihrer Architektur oder ihrer Lage. Und dann gibt es Orte, an denen all diese Elemente zu einem stimmigen Ganzen verschmelzen. Mit Paper Moon Porto Cervo entsteht an der Costa Smeralda genau ein solcher Ort.

Die renommierte Restaurantmarke aus Mailand hat im Herzen des Cervo Hotels ihren neuesten internationalen Standort eröffnet und bringt ihre unverwechselbare Interpretation italienischer Gastlichkeit an einen der exklusivsten Plätze des Mittelmeers. Zwischen mediterraner Architektur, eleganter Piazza und Blick auf den Hafen entsteht ein Restaurant, das weit mehr sein möchte als eine neue kulinarische Adresse. Es versteht sich als Bühne für den italienischen Lifestyle – stilvoll, entspannt und offen für lange Sommerabende.

Von Mailand in die Welt

Seit der Eröffnung des ersten Paper Moon im Mailänder Modeviertel im Jahr 1977 steht der Name für authentische italienische Küche in einem eleganten, kosmopolitischen Ambiente. Was einst als Treffpunkt der Mailänder Design-, Mode- und Kunstszene begann, entwickelte sich in den vergangenen Jahrzehnten zu einer international erfolgreichen Restaurantmarke mit Standorten in Metropolen und exklusiven Destinationen weltweit.

Mit Paper Moon Porto Cervo setzt die Marke diesen Weg fort. Die neue Dependance verbindet die kulinarische Handschrift Mailands mit der entspannten Atmosphäre Sardiniens und schafft einen Ort, an dem mediterrane Leichtigkeit und italienische Raffinesse selbstverständlich zusammenfinden.

Die Speisekarte folgt dabei derselben Philosophie, für die Paper Moon weltweit bekannt ist: hochwertige Zutaten, frische Pasta, klassische italienische Gerichte und eine sorgfältig kuratierte Weinkarte, die den Charakter der italienischen Küche unterstreicht.

Der Außenbereich wird zum eigentlichen Erlebnis

Gerade an der Costa Smeralda spielt sich das Leben jedoch nicht im Inneren eines Restaurants ab. Die Terrasse wird zum Wohnzimmer, zum Treffpunkt und zur Bühne des Sommers.

Genau hier setzt Unopiù an.

Für den neuen Standort entschied sich Paper Moon für die Igea Collection, entworfen von Matteo Thun und Benedetto Fasciana. Mit ihrer klaren Formensprache, hochwertigen Materialien und zeitlosen Eleganz prägt sie den gesamten Außenbereich des Restaurants und fügt sich harmonisch in die mediterrane Architektur Porto Cervos ein.

Die Möbel verstehen sich dabei nicht als dekoratives Element, sondern als Teil der räumlichen Inszenierung. Komfort, Proportionen und Materialität tragen dazu bei, dass sich der Außenbereich wie selbstverständlich in das gastronomische Erlebnis integriert – vom ersten Espresso am Nachmittag bis zum letzten Glas Wein unter freiem Himmel.

Italienisches Design als Lebensgefühl

Seit 1978 verfolgt Unopiù eine Idee, die heute aktueller wirkt denn je: Außenräume sollen mit derselben Sorgfalt gestaltet werden wie Innenräume. Der Markenname – sinngemäß „ein Raum mehr“ – beschreibt genau diesen Anspruch.

Mit individuell kombinierbaren Outdoor-Kollektionen hat sich das Unternehmen international einen Namen gemacht und stattet heute zahlreiche renommierte Hotels, Resorts und Restaurants mit hochwertigem Outdoor-Mobiliar aus. Dabei verbindet Unopiù italienische Designtradition mit langlebigen Materialien und einer zeitlosen Ästhetik, die den Außenraum als vollwertigen Lebensraum versteht.

Mehr als eine Neueröffnung

Mit Paper Moon Porto Cervo ist an der Costa Smeralda nicht einfach ein weiteres Restaurant entstanden. Vielmehr zeigt das Projekt, wie eng Kulinarik, Architektur und Design heute miteinander verbunden sind.

Die Küche erzählt von italienischer Tradition, die Architektur öffnet sich zur mediterranen Landschaft und Unopiù schafft jene Atmosphäre, die einen Ort erst vollständig macht. So entsteht ein Gesamterlebnis, das den Charakter der Costa Smeralda auf elegante Weise widerspiegelt – authentisch, hochwertig und ganz selbstverständlich italienisch.

Wie Bode Erinnerungen in Kleidung verwandelt und zeigt, dass wahre Transformation nicht im Neuen, sondern im Weiterleben liegt.

Mode ist eine der vergänglichsten Ausdrucksformen unserer Zeit. Kaum ist eine Kollektion präsentiert, richtet sich der Blick bereits auf die nächste Saison. Trends entstehen, verschwinden und werden durch neue ersetzt. Was gestern noch begehrenswert war, wirkt heute oft schon überholt.

Und doch gibt es Labels, die einen völlig anderen Weg einschlagen.

Das New Yorker Label Bode, gegründet von Emily Adams Bode Aujla, versteht Kleidung nicht als kurzlebiges Produkt, sondern als Träger von Erinnerungen. Viele ihrer Entwürfe entstehen aus historischen Quilts, bestickten Tischdecken, Bettwäsche oder Stoffen, die über Jahrzehnte hinweg Teil eines Familienlebens waren. Textilien, die ursprünglich nie für einen Laufsteg gedacht waren, erhalten eine neue Bestimmung. Aus Alltagsgegenständen werden Kleidungsstücke. Aus Erinnerungen entsteht Gegenwart.

Diese Transformation ist weit mehr als Upcycling. Sie verändert nicht nur das Material, sondern auch dessen Bedeutung.

Die Schönheit gelebter Zeit

In einer Welt, die Perfektion oft mit Makellosigkeit verwechselt, erinnert Bode daran, dass gerade Gebrauchsspuren Charakter schaffen.

Ein geflickter Quilt erzählt von Händen, die ihn gefertigt haben. Eine gestickte Tischdecke erinnert an gemeinsame Mahlzeiten, an Feste, an Generationen, die sich um denselben Tisch versammelt haben. Ein Stoff wird dadurch mehr als eine textile Oberfläche. Er wird zum stillen Zeugen eines gelebten Lebens.

Indem Bode diese Materialien in moderne Silhouetten übersetzt, entstehen Kleidungsstücke, die Vergangenheit nicht konservieren, sondern weiterführen. Sie tragen Geschichte nicht als Dekoration, sondern als Identität.

Transformation bedeutet hier nicht, Altes zu ersetzen. Sie bedeutet, ihm eine neue Zukunft zu schenken.

Erinnerungen als Luxus

Vielleicht verändert sich gerade deshalb auch unsere Vorstellung von Luxus.

Lange wurde Luxus über Seltenheit, Exklusivität oder den Preis definiert. Heute gewinnt eine andere Qualität an Bedeutung: Bedeutung selbst.

Ein Objekt wird wertvoll, weil es eine Geschichte erzählt. Weil es Herkunft besitzt. Weil es nicht beliebig reproduzierbar ist.

Bode zeigt eindrucksvoll, dass Kleidung mehr sein kann als Mode. Sie wird zum kulturellen Gedächtnis. Jeder Stoff trägt Spuren seines früheren Lebens in sich und macht jedes Kleidungsstück zu einem Unikat – nicht nur aufgrund seiner Verarbeitung, sondern aufgrund seiner Geschichte.

Gerade in einer Zeit, in der Algorithmen Trends beschleunigen und künstliche Intelligenz Bilder in Sekunden erzeugt, wächst die Sehnsucht nach etwas Echtem. Nach Dingen, die Zeit in sich tragen.

Die Kunst der Verwandlung

Transformation ist eines der ältesten kreativen Prinzipien überhaupt. Künstler verwandeln Stein in Skulpturen, Architekten geben historischen Gebäuden eine neue Funktion, Designer interpretieren Tradition neu, ohne sie zu verlieren.

Bode folgt genau diesem Gedanken.

Die Vergangenheit wird nicht romantisiert und auch nicht museal konserviert. Sie bleibt lebendig, weil sie Teil der Gegenwart wird. Aus einer Familiengeschichte entsteht eine neue Geschichte. Aus einem Stoff, der Jahrzehnte in einer Truhe lag, wird ein Kleidungsstück, das wieder getragen wird.

Vielleicht liegt genau darin die nachhaltigste Form von Design: nicht immer Neues zu erschaffen, sondern das Vorhandene mit neuen Augen zu betrachten.

Mehr als Kleidung

Bode beweist, dass Mode weit mehr sein kann als ein Spiegel des Zeitgeists. Sie kann Erinnerungen bewahren, Identität sichtbar machen und Vergangenheit in die Zukunft tragen.

Vielleicht liegt die wahre Innovation heute nicht darin, immer schneller Neues zu produzieren.

Vielleicht beginnt sie genau dort, wo wir lernen, das Vorhandene neu zu sehen.

Denn die schönsten Geschichten sind oft jene, die nicht neu geschrieben werden müssen – sondern weitererzählt.

Ein Künstler zwischen Kunst, Design und Handwerk

Manche Objekte lassen sich nicht eindeutig einordnen. Sie sind weder bloße Designstücke noch reine Kunstwerke – sie bewegen sich in einem Zwischenraum, in dem Material, Erinnerung und Emotion miteinander verschmelzen. Genau dort arbeitet der französische Künstler und Designer Alan Louis. Seine skulpturalen Möbel und Objekte wirken zugleich archaisch und zeitgenössisch, funktional und poetisch. Jedes einzelne scheint bereits eine Geschichte erlebt zu haben.

Was Alan Louis erschafft, ist mehr als Design. Es sind Werke, die Architektur, Natur und kulturelles Erbe miteinander verbinden und den Betrachter dazu einladen, genauer hinzusehen.

Der ungewöhnliche Weg zum Design

Bevor Alan Louis seinen Platz in der Designwelt fand, arbeitete er in der Handelsschifffahrt. Dort lernte er Materialien nicht theoretisch, sondern im täglichen Umgang kennen – wie sie funktionieren, wie sie sich verbinden lassen und wie Probleme durch handwerkliches Können gelöst werden.

Diese Erfahrung prägt seine Arbeit bis heute. Seine Entwürfe entstehen nicht allein aus einer ästhetischen Idee, sondern aus einem tiefen Verständnis für Materialität. Jedes Projekt beginnt mit einer Vision, entwickelt sich jedoch erst durch zahllose Experimente, Tests und überraschende Wendungen zu seiner endgültigen Form.

Gerade weil er keine klassische Designausbildung absolvierte, nähert sich Alan Louis seinen Arbeiten mit einer bemerkenswerten Freiheit. Konventionen interessieren ihn wenig. Formen und Materialien dürfen Erwartungen bewusst widersprechen – genau darin liegt für ihn kreatives Potenzial.

Keramik als Chamäleon

Im Zentrum seines Schaffens steht Keramik. Allerdings nutzt Alan Louis das Material auf eine Weise, die vertraute Wahrnehmungen infrage stellt.

Was wie patiniertes Kupfer, massives Holz, Kork oder geschwärzter Stahl aussieht, entpuppt sich bei näherem Hinsehen als sorgfältig glasierte Keramik. Dabei geht es ihm nicht um eine perfekte Illusion, sondern um die Idee, dass Materialien keine feste Identität besitzen müssen.

Diese bewusste Irritation macht seine Arbeiten unverwechselbar. Der Betrachter beginnt automatisch zu hinterfragen, was er eigentlich sieht – und entdeckt dabei die erstaunliche Vielseitigkeit keramischer Oberflächen.

Portugal als kreativer Wendepunkt

Der eigentliche Beginn seiner künstlerischen Laufbahn fiel mit einem persönlichen Umbruch zusammen. Nach seiner Zeit auf See stellte sich Alan Louis die Frage, welchen Weg er künftig einschlagen wollte.

Während der Pandemie zog er nach Portugal. Die erzwungene Ruhe wurde für ihn zu einer Phase intensiver Selbstreflexion. Gleichzeitig entdeckte er die außergewöhnliche Bedeutung der Keramik innerhalb der portugiesischen Kultur.

Heute lebt und arbeitet er im Ribatejo, einer Landschaft, deren Natur seine Arbeiten nachhaltig beeinflusst. Zwischen Bäumen, Licht und der Weite der Serra de Montejunto entstehen Objekte, die organische Formen mit architektonischer Klarheit verbinden.

Zwischen Natur und europäischem Kulturerbe

Besonders deutlich zeigt sich dieser Dialog in der Serie Narciso.

Die Kollektion erinnert an skulpturale Pflanzenformen, trägt jedoch ebenso die Atmosphäre historischer Museen, barocker Paläste und alter Kirchen in sich. Vergoldete Bilderrahmen, restaurierte Ornamente, sakrale Architektur und jahrhundertealte Handwerkskunst verschmelzen mit natürlichen Strukturen zu einer ganz eigenen Formensprache.

Dem gegenüber steht die Kollektion Era: reduziert, geometrisch und nahezu architektonisch. Beide Serien könnten unterschiedlicher kaum sein – und gehören dennoch untrennbar zusammen.

Gerade dieses Spannungsfeld beschreibt Alan Louis als Kern seiner Arbeit. Stärke trifft auf Sensibilität, Minimalismus auf Ornament, Vergangenheit auf Gegenwart.

Die Schönheit des Unvorhersehbaren

Ein entscheidender Partner seiner Arbeit ist das Material selbst. Alan Louis arbeitet bevorzugt mit Schamott-Steinzeug – einer Keramik, die für ihre Unberechenbarkeit bekannt ist.

Risse, Verformungen oder Brüche gehörten anfangs zum kreativen Alltag. Mit der Zeit entwickelte sich jedoch eine Art Dialog zwischen Künstler und Material. Nicht vollständige Kontrolle ist das Ziel, sondern das Verständnis der jeweiligen Möglichkeiten und Grenzen.

Dasselbe gilt für seine Glasuren. Sie bringen zusätzliche Unvorhersehbarkeit in den Entstehungsprozess und verleihen den Oberflächen jene faszinierende Tiefe, die seine Arbeiten charakterisiert.

Objekte mit Vergangenheit

Bei der Lisbon Design Week präsentierte Alan Louis seine Kollektionen in historischen Räumen, die er bewusst wie Schmuckschatullen inszenierte. Die Architektur sollte die Objekte begleiten, ohne ihnen die Aufmerksamkeit zu nehmen.

Denn letztlich geht es ihm nicht allein um schöne Formen.

Seine Arbeiten tragen Erinnerungen, Sehnsucht, Beharrlichkeit und Emotionen in sich. Sie wirken, als hätten sie bereits Generationen überdauert – obwohl sie gerade erst entstanden sind.

Vielleicht liegt genau darin ihre größte Stärke: Sie bleiben nicht neutral. Sie lösen Reaktionen aus, erzählen Geschichten und lassen Raum für eigene Erinnerungen.

Alan Louis gestaltet keine Möbel im klassischen Sinn. Er erschafft Objekte, die Vergangenheit und Zukunft miteinander verbinden – und damit beweisen, dass gutes Design weit über Funktion hinausgehen kann.

Design ist dann zeitlos, wenn es sich nicht an Trends orientiert, sondern an Menschen. Die österreichische Möbelmanufaktur Wittmann zeigt zum 130-jährigen Bestehen, warum wahre Klassiker Jahrzehnte überdauern – und inszeniert ihre bedeutendsten Entwürfe in einem kraftvollen Farbtrio aus Rot, Schwarz und Weiß.

Es gibt Möbel, die einen Raum einrichten. Und es gibt Möbel, die ihm Charakter verleihen. Seit 130 Jahren verfolgt die niederösterreichische Manufaktur Wittmann einen Anspruch, der weit über Funktionalität hinausgeht: Möbel entstehen hier als Ausdruck von Haltung, Handwerkskunst und zeitloser Gestaltung.

Zum Jubiläum richtet das Unternehmen den Blick bewusst auf jene Entwürfe, die seine Geschichte geprägt haben. Statt nostalgisch zurückzublicken, werden die ikonischen Modelle in einer reduzierten, beinahe musealen Inszenierung neu erlebbar – konzentriert auf Form, Material und Proportion.

Design, das Generationen verbindet

Die Geschichte Wittmanns erzählt zugleich ein Stück europäischer Designgeschichte. Bereits lange bevor Nachhaltigkeit zum Schlagwort wurde, setzte die Manufaktur auf Möbel, die für Jahrzehnte geschaffen werden. Nicht kurzfristige Trends bestimmten die Gestaltung, sondern Qualität, Komfort und handwerkliche Präzision.

Diese Philosophie führte früh zur Zusammenarbeit mit einigen der bedeutendsten Designer und Architekten ihrer Zeit. Gemeinsam entstanden Möbel, die bis heute nichts von ihrer Aktualität verloren haben.

Allen voran stehen die Entwürfe von Josef Hoffmann. Der KUBUS Fauteuil gilt als Ikone geometrischer Klarheit und zählt zu den bekanntesten Sitzmöbeln der Wiener Moderne. Ebenso prägen der elegante ALLEEGASSE Fauteuil sowie die legendären FLEDERMAUS Stühle bis heute das Erscheinungsbild der Wittmann Classics Collection und zeigen Hoffmanns Verständnis eines harmonischen Zusammenspiels von Architektur, Interieur und Funktion.

Zeitlos statt nostalgisch

Dass Designklassiker keineswegs museal wirken müssen, beweisen auch die späteren Entwürfe der Kollektion. Der AURA Fauteuil von Paolo Piva gehört seit Jahrzehnten zu den erfolgreichsten Modellen der Manufaktur. Seine weichen, organischen Linien schaffen eine einladende Präsenz, ohne sich jemals in den Vordergrund zu drängen.

Mit dem VUELTA Fauteuil ergänzt Wittmann die Auswahl um einen Entwurf, der moderne Eleganz mit außergewöhnlichem Sitzkomfort verbindet. Klare Linien, hochwertige Materialien und eine sinnliche Haptik zeigen jene Zurückhaltung, die langlebiges Design oft auszeichnet.

Gemeinsam entsteht eine Kollektion, die unterschiedliche Epochen vereint und dennoch wie aus einem Guss wirkt.

Drei Farben, eine Designphilosophie

Zum Jubiläum verzichtet Wittmann bewusst auf dekorative Inszenierungen. Stattdessen stehen die Möbel ausschließlich in den Unternehmensfarben Rot, Schwarz und Weiß im Mittelpunkt.

Das intensive Rot setzt kraftvolle Akzente, Schwarz unterstreicht die architektonische Klarheit der Formen und Weiß lenkt den Blick auf die Silhouetten und Proportionen. Hochwertige Leder- und Stoffbezüge verstärken diese Wirkung und machen sichtbar, wie wenig ein guter Entwurf benötigt, um zeitlos zu wirken.

Die reduzierte Farbwelt funktioniert dabei nicht als Styling, sondern als Verdichtung der Markenidentität: Sie lenkt die Aufmerksamkeit konsequent auf das Wesentliche – die Qualität des Designs.

Handwerk als Zukunftsmodell

Während viele Möbel heute industriell und für kurze Lebenszyklen produziert werden, bleibt Wittmann seinem Ursprung treu. Seit der Gründung im Jahr 1896 entstehen sämtliche Möbel in der eigenen Manufaktur in Niederösterreich.

Hier treffen traditionelle Polsterhandwerkskunst, hochwertige Materialien und moderne Fertigungstechnologien aufeinander. Jeder Entwurf wird mit derselben Sorgfalt gefertigt, mit der bereits frühere Generationen Möbel geschaffen haben.

Gerade in einer Zeit, in der Nachhaltigkeit zunehmend über Langlebigkeit definiert wird, gewinnen solche Möbel eine neue Bedeutung. Sie sind nicht für den schnellen Austausch gedacht, sondern dafür, über Jahrzehnte Teil des eigenen Lebens zu werden.

Wittmann zeigt damit eindrucksvoll, dass gutes Design nicht lauter werden muss, um relevant zu bleiben. Es genügt, wenn Form, Komfort und Handwerk so konsequent zusammenspielen, dass Möbel entstehen, die Generationen überdauern.

Die neue Ghidini1961 Collection 2026 versteht Design nicht als Objekt, sondern als räumliche Choreografie aus Material, Licht und Bewegung.

Es gibt Kollektionen, die neue Möbel präsentieren. Und es gibt Kollektionen, die eine neue Haltung zum Wohnen formulieren. Die 2026 Collection von Ghidini1961 gehört eindeutig zur zweiten Kategorie.

Anstatt einzelne Produkte in den Mittelpunkt zu stellen, entwickelt das italienische Designlabel ein zusammenhängendes Universum, in dem Sofas, Tische und Leuchten miteinander kommunizieren. Gemeinsam definieren sie Räume nicht über Dekoration, sondern über Präsenz, Materialität und Atmosphäre. Dabei bleibt Ghidini1961 seiner DNA treu: Metall ist nicht bloß Konstruktion, sondern Ausdruck handwerklicher Präzision, während Marmor, Glas und Textilien zu gleichwertigen Protagonisten werden.

Räume in Bewegung

Besonders deutlich wird diese Haltung im modularen Sofa Settebello, entworfen von Lorenza Bozzoli. Seine großzügigen, weich modellierten Elemente lösen sich bewusst von klassischen orthogonalen Grundrissen. Trapezförmige Module und skulpturale Halbinseln erlauben immer neue Konfigurationen, die sich den Menschen anpassen – und nicht umgekehrt.

Das Sofa wird dadurch weniger zu einem Möbelstück als zu einer Landschaft. Ein Ort, der Begegnung ermöglicht, unterschiedliche Nutzungen zulässt und sich jederzeit neu organisieren lässt. Wohnen erscheint hier nicht als statischer Zustand, sondern als fortlaufender Prozess.

Licht als Architektur

Auch die Beleuchtung folgt diesem Gedanken. Mit Ypsilon entwickelt Lorenza Bozzoli ein modulares Lichtsystem, dessen lineare Elemente sich verzweigen und zu beinahe schwebenden Lichtarchitekturen verbinden.

Licht wird dabei nicht nur funktional eingesetzt, sondern strukturiert den Raum selbst. Linien werden zu Wegen, Verbindungen zu Knotenpunkten, während geriffeltes Glas das Licht weich in die Umgebung streut. Die Leuchte wirkt dadurch fast wie eine gezeichnete Architektur im Raum.

Skulpturen des Alltags

Die übrigen Neuheiten greifen dieselbe Idee auf: Möbel entstehen aus klaren geometrischen Grundformen, entwickeln jedoch eine überraschende skulpturale Kraft.

Der runde Tria-Tisch interpretiert seine zentrale Säule als monumentale Skulptur aus Naturstein, während Paolo Rizzattos Lancillotto klassische Architektur mit zeitgenössischer Reduktion verbindet. Die neue Unduetre-Leuchte bringt Marmor, Messing und Glas in ein fein austariertes Gleichgewicht zwischen Schwere und Leichtigkeit.

Auch kleinere Objekte wie die Cono-Beistelltische oder das weiterentwickelte Cards-System folgen derselben gestalterischen Logik: Jedes Objekt besitzt eine starke Identität, bleibt dabei jedoch offen für unterschiedliche räumliche Situationen.

Design als lebendiges System

Bemerkenswert ist zudem, dass Ghidini1961 seine bestehenden Entwürfe kontinuierlich weiterentwickelt. Die Leuchte Dash erscheint nun als hexagonale Version, Andrea Branzis ikonisches Regal Incrocio und die Stehleuchte Giotto erhalten eine neue Chromoberfläche, während die skulpturale Wandleuchte Kaleidos der Campana Brothers ihr faszinierendes Spiel aus Reflexion und Licht fortsetzt. Die Kollektion wächst dadurch organisch weiter, anstatt ständig nach radikaler Neuerfindung zu suchen.

Italienisches Design zwischen Handwerk und Zukunft

Seit seiner Gründung verbindet Ghidini1961 die jahrzehntelange Metallkompetenz von Ghidini Giuseppe Bosco mit einer zeitgenössischen Designsprache. Die neue Kollektion führt diesen Weg konsequent weiter. Sie zeigt, dass Luxus heute nicht zwangsläufig durch Opulenz entsteht, sondern durch Materialqualität, Präzision und Objekte, die mit dem Raum und seinen Bewohnern in Beziehung treten.

So entsteht eine Kollektion, die weniger Möbel präsentiert als Möglichkeiten. Möglichkeiten, Räume immer wieder neu zu denken – und sie dadurch lebendig werden zu lassen.

Mit der Opus-Kollektion verbindet ETRO Home Interiors traditionelle Handwerkskunst, ikonische Textilien und zeitgenössisches Design zu Möbeln mit unverwechselbarer Persönlichkeit. Ornament wird dabei nicht als Dekoration verstanden, sondern als Teil der Form selbst.

Während viele aktuelle Möbelkollektionen auf Reduktion und Zurückhaltung setzen, geht ETRO Home Interiors bewusst einen anderen Weg. Die neue Opus-Serie versteht Ornament nicht als schmückendes Beiwerk, sondern als integralen Bestandteil des Designs. Jeder Entwurf erzählt eine Geschichte von Materialität, Handwerkskunst und der unverwechselbaren Design-DNA des Hauses.

Zeitgenössischer Komfort mit klassischer Inspiration

Charakteristisch für die Opus-Kollektion sind ihre klaren, modernen Proportionen, die durch raffinierte Details eine außergewöhnliche Tiefe erhalten. Inspiriert vom klassischen Capitonné interpretiert ETRO diese traditionelle Polstertechnik neu und verbindet sie mit einer zeitgemäßen Formensprache. Gepolsterte Rollen an Rückenlehnen und Armlehnen verleihen den Möbeln eine markante Silhouette und schaffen zugleich hohen Sitzkomfort.

Dabei entsteht eine spannende Balance zwischen architektonischer Klarheit und dekorativer Opulenz – ein Spannungsfeld, das die Handschrift von ETRO seit Jahrzehnten prägt.

Handwerk erzählt Geschichten

Besonders eindrucksvoll zeigt sich die Liebe zum Detail in den feinen Kordelabschlüssen entlang der Polsterrollen sowie den charakteristischen Quasten, die den Möbeln Bewegung und eine besondere Haptik verleihen. Diese Elemente sind weit mehr als Dekoration – sie werden zu einem gestalterischen Ausdrucksmittel, in dem traditionelles Kunsthandwerk und zeitgenössisches Möbeldesign miteinander verschmelzen.

Die unterschiedlichen Stoffe und Oberflächen unterstreichen den individuellen Charakter der Kollektion. Florale Jacquards, opulente Paisley-Muster oder edle Samtbezüge greifen die ikonische Textilwelt von ETRO auf und übersetzen sie in ausdrucksstarke Möbelstücke.

Möbel mit Persönlichkeit

Zur Opus-Familie gehören Armlehnstuhl, Lounge-Sessel und Barhocker. Gemeinsam ist allen Modellen eine sorgfältig ausgearbeitete Konstruktion aus massivem Buchenholz sowie hochwertige Polsterungen mit mehrschichtigem Aufbau. Je nach Ausführung ergänzen glänzend lackierte Oberflächen oder goldfarbene Metallakzente den charakteristischen Materialmix.

So entstehen Möbel, die Räume nicht nur einrichten, sondern prägen. Sie schaffen Atmosphäre, setzen Akzente und verleihen Interieurs jene erzählerische Tiefe, für die ETRO Home Interiors bekannt ist.

Mit der Opus-Kollektion zeigt ETRO, dass zeitgenössisches Design nicht auf Reduktion angewiesen ist. Stattdessen entstehen Möbel, in denen Ornament, Material und Handwerk eine gemeinsame Sprache sprechen – ausdrucksstark, kultiviert und unverkennbar ETRO.