Für die Limited Edition 2026 verwandelt Damien Hirst das Wappenschild von Dom Pérignon in ein kaleidoskopisches Muster. Dahinter steckt eine Verbindung, die über die Gestaltung hinausgeht: die Kunst, aus einzelnen Elementen ein Ganzes entstehen zu lassen.

Ein Kaleidoskop braucht erstaunlich wenig, um den Blick zu verändern. Ein paar Fragmente, Spiegel, eine kleine Bewegung. Was eben noch eine klare Ordnung hatte, setzt sich neu zusammen. Damien Hirst macht dieses Prinzip zum Ausgangspunkt seiner Zusammenarbeit mit Dom Pérignon. Das vertraute Schild des Champagnerhauses bleibt erkennbar – und beginnt zugleich, sich zu vervielfältigen.

Das Schild kommt in Bewegung

Für die zum Jahresende 2026 angekündigte Edition greift Hirst auf die Bildsprache seiner Kaleidoscope-Serie zurück. Wiederholung und Symmetrie erzeugen darin Kompositionen, deren Ordnung den Blick beschäftigt: Man folgt einem Detail, entdeckt seine Entsprechung, verliert sich kurz im Muster.

Auch das historische Dom-Pérignon-Schild wird Teil einer solchen Anordnung. Seine Form taucht innerhalb der Komposition immer wieder auf. Das Zeichen, das gewöhnlich eine eindeutige Mitte bildet, bekommt einen Rhythmus.

Zwei Farbwelten bestimmen die Edition: ein tiefes Blau für Dom Pérignon Vintage 2018, ein warmes, sanftes Rosa für Dom Pérignon Rosé Vintage 2010. Sie geben den beiden Jahrgängen einen eigenen visuellen Ausdruck und verbinden sie durch dieselbe gestalterische Idee.

Was die Teile zusammenhält

Die Verbindung zwischen Hirst und Dom Pérignon lässt sich an einem Begriff festmachen: Assemblage.

In der Kunst bezeichnet er das Zusammenfügen vorhandener Elemente. Hirst wählt Fragmente aus, ordnet sie und entwickelt aus ihrer Wiederholung eine neue Komposition. In der Champagnerherstellung beschreibt Assemblage das Verschneiden unterschiedlicher Weine. Entscheidend sind ihre Beziehungen zueinander: Was bringt ein Element mit? Was verändert es im Zusammenspiel mit den anderen?

Dom Pérignon arbeitet dabei mit der Ernte eines einzigen Jahres. Diese Begrenzung gehört zur Identität des Hauses. Ein Jahrgang lässt sich weder beliebig wiederholen noch von seinen Bedingungen lösen. Entspricht die Ernte dem Anspruch nicht, wird kein Jahrgang deklariert. Hinzu kommt die Reifung auf der Hefe, während der sich der Champagner über Jahre entwickelt.

Hier liegt der interessante Gedanke dieser Kooperation. Komposition beginnt mit dem genauen Blick auf das vorhandene Material. Die Freiheit entsteht beim Zusammenfügen – innerhalb einer Form, die ihre eigenen Regeln hat.

Schönheit und ihre Vergänglichkeit

Bei Damien Hirst besitzt Schönheit häufig eine zweite Ebene. Sein Werk beschäftigt sich mit Leben und Tod, mit Wissenschaft, Religion und unserem Wunsch, etwas festzuhalten, das sich dem Festhalten entzieht. Auch die präzise Ordnung seiner Muster lässt sich vor diesem Hintergrund lesen: als Versuch, flüchtigen Dingen eine Form zu geben.

Eine Champagneredition bringt dazu eine eigene Spannung mit. Die gestaltete Flasche lässt sich aufbewahren. Ihr Inhalt ist für einen Moment bestimmt, in dem sie geöffnet wird. Zwischen Sammeln und Genießen liegt eine kleine Entscheidung über den Umgang mit Zeit.

Die beiden ausgewählten Jahrgänge setzen unterschiedliche Akzente. Dom Pérignon beschreibt den Vintage 2018, geprägt von großzügiger Sonneneinstrahlung und früher Reife, über Frucht, Mineralität und Salinität. Beim Rosé Vintage 2010 steht der dichte, intensive Ausdruck des Pinot Noir im Mittelpunkt.

Mit Hirst führt das Haus seine Reihe von Kooperationen fort, zu der auch Karl Lagerfeld, Lenny Kravitz und Lady Gaga gehören. Diesmal ist es das eigene Emblem, das den neuen Blick ermöglicht. Seine Konturen bleiben vertraut. Erst durch die Wiederholung wird sichtbar, wie viel Bewegung in einer festen Form stecken kann.

Das private Wohnhaus Pennyroyal Tea in Chennai ist eine Hommage an das indische Handwerk und die Kultur. Das Gebäude entfaltet sich wie ein lebendiger Garten – voller liebevoller und witziger Details, die entdeckt werden wollen.

Wo die feuchte Brise des Golfs von Bengalen über die Stadt Chennai streift, liegt ein Haus, das zwar ein privates Wohnhaus ist. Gleichzeitig ist „Pennyroyal Tea“ aber auch so etwas wie ein Manifest für zeitgenössische indische Wohnkultur – reich an Texturen, durchdrungen von kultureller Symbolik und getragen von der Arbeit hunderter Handwerker.

Prozess der kulturellen Verankerung

Über zweieinhalb Jahre hinweg kamen für dieses Projekt mehr als 200 Kunsthandwerker aus ganz Indien zusammen. Alles an und in dem Gebäude ist ein Kunstwerk. Das detailreiche, fast märchenhafte Refugium entstand unter der Federführung des in Bengaluru ansässigen Kreativstudios Multitude of Sins (MOS).

So originell wie der Name des Kreativstudios klingt, so originell ist das an der Ostküste des südindischen Bundesstaates Tamil Nadus entstandene Projekt. Pennyroyal Tea verwebt Handwerk, Architektur und Interior Design untrennbar miteinander. Für Chefdesignerin Smita Thomas war es weniger ein klassisches Bauvorhaben als vielmehr ein Prozess der kulturellen Verankerung.

Wie im „Märchengarten“

Schon beim Betreten des Hauses wird klar, dass im Pennyroyal Tea sinnliche Feinheiten regieren. Die Eingangstür ist mit floralen Gravuren versehen, in einem Rahmen aus grauem und grünem Marmor eingebettet. Der eigens entworfene Kronleuchter, eine kaskadenartige Skulptur aus Holzperlen und Metallringen, wirkt wie eine botanische Installation.

Wir wollten ein Gefühl des Staunens hervorrufen, in dem jeder Raum eine eigene Identität hat, sich aber dennoch in eine gemeinsame Sprache einfügt.

Smita Thomas, Chefdesignerin Multitude of Sins

Das Foyer inszeniert indisches Handwerk in einer spielerischen, beinahe poetischen Form. An einer Wand öffnet sich ein Schuhschrank, dessen Gestaltung an verflochtene Schnürsenkel erinnert, während strukturierte Tapetenflächen den Raum rahmen. Schon hier zeigt sich die Handschrift von MOS: Alltägliche Funktionen erhalten einen künstlerischen, oft humorvollen Dreh, auf den Moment der Entdeckung wartend. Räume, die Geschichten erzählen.

Der Wohn- und Essbereich bildet das Herzstück des Hauses – und ist ebenso von subtilen Überraschungen durchzogen. Zwei von MOS entworfene Tische geben die Tonalität vor: Der eine ist von den Mondphasen inspiriert und von Armlehnstühlen aus gealtertem Holz umstellt. Der andere erinnert mit seiner organischen Formensprache an abstrahierte Blätter.

Eine L-förmige Marmorlounge mit Baldachin zieht die Blicke auf sich. Verziert ist dieser mit kleinen Vögeln aus Glas, Messing und Stahl, zwischen denen Blüten wie in einem Gartenhimmel aufblühen. Der Essbereich wird von einem großformatigen Tisch aus zweifarbigem Holz dominiert, dessen trapezförmige Beine skulptural wirken.

Akzente dank der verwendeten Materialien

„Wir wollten Möbel, die nicht nur funktional, sondern auch bedeutungsvoll sind“, erklärt Thomas. Tatsächlich stammen rund 80 Prozent aller Einrichtungsgegenstände aus Sonderanfertigungen, die in Zusammenarbeit mit Handwerkern aus ganz Indien entstanden.

Besondere Akzente setzen Materialien: glänzende Fliesenflächen auf der oberen Etage, strukturierte Wände im Essbereich oder Mosaikböden, die die Übergänge zwischen den Räumen betonen. Selbst Nebenräume überraschen: Etwa die Gästetoilette, in der ein kräftiger Rotton den minimalistischen Hintergrund durchbricht.

Auch in funktionalen Bereichen wie der Küche bleibt das Design präzise durchdacht. Der Raum ist in drei Zonen gegliedert – Trockenküche, Nutzküche und Speisekammer – und verbindet damit Funktionalität mit einer klaren Raumordnung.

Die Schlafräume dagegen entfalten eine Atmosphäre von Ruhe und Modernität. Das Hauptschlafzimmer ist großzügig dimensioniert und bewusst reduziert gestaltet. Seine klaren Linien und die Kombination aus Holz und Stoff verleihen ihm eine elegante Zurückhaltung, die in Kontrast zum detailreichen öffentlichen Bereich des Hauses steht.

Architektur als Handwerk

So vielgestaltig die Räume auch wirken, allen gemeinsam ist ein zentrales Prinzip: Handwerk ist hier nicht Dekoration allein, sondern das Fundament für alles Weitere. MOS verzichtete bewusst auf standardisierte Produkte und Massenware. Stattdessen wurden Naturstein, Massivholz und Messing lokal beschafft und von Hand verarbeitet. Oberflächen sind frei von aggressiven Chemikalien, was nicht nur der Umwelt, sondern auch der Raumluftqualität zugutekommt.

„Jedes Stück wurde mit Bedacht geschaffen“, sagt Thomas. „Wir setzen auf Rohmaterialien und innovative Techniken, um eine tiefere Verbindung zur Umwelt und zur Gemeinschaft herzustellen.“ Dieses Credo durchzieht die gesamte Residenz: Von den geschnitzten Holzplatten bis zu den handgearbeiteten Messingbändern erzählt jedes Detail eine Geschichte von Können, Geduld und kultureller Verwurzelung.

Nachhaltigkeit in mehrfacher Hinsicht

Pennyroyal Tea versteht Nachhaltigkeit nicht nur ökologisch, sondern auch sozial. Beim Bauprozess wurde die Entstehung von Abfall minimiert, man griff auf recycelte Materialien zurück, um den CO₂-Fußabdruck zu reduzieren. Ebenso wichtig war die Einbindung von Handwerkern und damit die Förderung lokaler Klein- und Kleinsbetriebe. Indem MOS Steinmetze, Zimmerleute, Fliesenleger und Metallarbeiter aus verschiedenen Regionen zusammenbrachte, entstand ein Netzwerk, das nun weit über den Bau hinaus Bestand hat. Das Projekt stärkte lokale Gemeinschaften und trug dazu bei, traditionelle Fertigkeiten wirtschaftlich wie kulturell zu sichern.

Damit stellt Pennyroyal Tea die gängige Logik vieler Bauprojekte infrage. Darf Architektur heutzutage, wo vor allem schnelle Effizienz zählt, auch ein langsamer, partizipativer Prozess sein, der traditionelles Handwerker-Wissen bündelt und weiterträgt?

Ein Haus als lebendige Leinwand

Obwohl Pennyroyal Tea streng genommen eine private Residenz ist, liest es sich wie ein offenes Archiv indischer Handwerkskultur. Die Räume sind nicht bloß Kulisse, sondern aktive Erzähler – von der Marmorliege im Wohnzimmer bis zu den floralen Gravuren der Eingangstür.

Pennyroyal Tea wirkt zugleich zeitgenössisch und zeitlos. Es schöpft aus jahrhundertealten Techniken, ohne nostalgisch zu werden. Es feiert Vielfalt innerhalb einer klaren gestalterischen Haltung, ohne in Beliebigkeit zu verfallen. Und es beweist, dass moderne Wohnarchitektur auch dann global wirken kann, wenn sie radikal lokal bleibt.

Im Endeffekt ist Pennyroyal Tea mehr als ein ästhetisches „Produkt“. Das Projekt ist ein Plädoyer für ein bewusstes Bauen, das Handwerk nicht nur bewahrt, sondern in die Gegenwart weiterentwickelt. Es zeigt, wie ein Gebäude kulturelle Identität ausdrücken, ökologische Verantwortung übernehmen und soziale Strukturen stärken kann – ohne dadurch den Zauber des Staunens zu gefährden.

Text: Linda Benkö
Fotos: Pennyroyal Tea/Ishita Sitwala

Shanghai weiß sowohl mit seinen historischen Gassen als auch mit einer futuristischen Skyline zu bestechen. Mit der Jia Art Gallery zeigen Foster + Partners hier nun ein neues architektonisches Highlight, das selbst zum eindrucksvollen Kunstwerk wird.

Shanghai ist neben Seoul und Tokio die wohl am meisten gehypte Großstadt Ostasiens – auf Instagram-For-You-Pages und darüber hinaus. Nicht zuletzt wegen ihrer aufstrebenden Kreativszene, die sowohl Mode, Kunst, Kultur als auch Architektur in ein völlig neues Scheinwerferlicht stellt.

Shanghai ist eine Stadt der Gegensätze: Die Stadt lebt von der Dualität historischer Ecken und Bauten einerseits und einer hoch modernen Skyline andererseits. Wer gerne bummelt und sich einen guten Kaffee to go mitnehmen möchte, ist hier allemal an der richtigen Stelle. Somit ist Shanghai auch eine Stadt, die auch unter westlichen Besuchern immer beliebter wird. Zudem scheint die Metropole auch vom politischen Trubel Chinas unberührt zu sein. Vielmehr lädt sie dazu ein, dem Trubel der Stadt zu folgen, sich treiben zu lassen – und die so gegensätzliche Architektur zwischen Tradition und Moderne zu bewundern. 

Für Kunst und Kultur

Eine der neuen architektonischen Highlights ist die Jia Art Gallery. Versteckt innerhalb eines kleinen, unscheinbaren Bezirks namens Putuo im nordwestlichen Zentrum der Großstadt, realisieren Foster + Partners damit ein Projekt, das das ganz besondere Flair des Ortes einfängt und neben der ausgestellten Kunst im Inneren ein ganz eigenes Kunstwerk zu sein scheint.

Putuo hat sich in der Vergangenheit als Industrie- und Arbeiterbezirk etabliert, zeigt sich heute jedoch stark gentrifiziert und als bunter Stadtteil mit vielfältigen kulturellen und innovativen Einflüssen. Die Gestaltung der Galerie ist Teil des Changfeng-Stadtteilprojekts, das ebenfalls von den Architekten konzipiert wurde. Dieses wiederum gehört zum Shanghai 2035 Masterplan, der ein lebendiges Viertel mit gemischter Nutzung, einer optimierten Vernetzung und hoher Lebensqualität für dessen Bewohner vorsieht. Im Zentrum soll Jia Art stehen und auf rund 5.000 Quadratmetern genügend Raum für Ausstellungen sowie Events und Bildungseinrichtungen bieten. 

„Jia Art ist ein Projekt, das verdeutlicht, wie wichtig es ist, Kunst und Kultur in unsere Städte zu integrieren“, so Gerard Evenden, Head of Studio bei Foster + Partners. Kein Wunder also, dass sich die Architekten hierfür auch gestalterisch so richtig ausgetobt haben. Entstanden ist ein Ort, der sowohl die umliegende Natur aufgreift als auch Menschen zusammenbringt und der Kunst einen eigenen Raum schafft. Dafür blickten sie in den nahegelegenen Changfeng-Park.

Wahrlich blumig

Dieser liegt ebenfalls im Putuo-Distrikt. Hier ist nicht nur eine klassische chinesische Gartenlandschaft angelegt, sondern auch ein kleinerer See namens Yinchu Lake. Die Anlage wurde größtenteils künstlich erschaffen und orientiert sich in ihrer Ausrichtung am Sommerpalast in Beijing, wobei auch die Gartenkunst an die beiden Großstädte Hangzhou und Suzhou erinnern soll. Hier blühen die verschiedensten Blumen, wie etwa Pfingstrosen, Magnolien und Kirschblüten. Von ihnen holten sich die  Architekten die Inspiration für ihr Projekt, das sich an der Besonderheit dieser Blumen orientiert und sie in ein komplexes architektonisches Gesamtwerk übersetzt.

Konkret zeigt sich das an der imitierten vierblättrigen blütenförmigen Form der Galerie, die an eine fein geschliffene Skulptur erinnert. „Mit seiner unverwechselbaren Form, der dynamischen Fassade und den lichtdurchfluteten Galerieräumen bereichert das Gebäude das Stadtviertel und stärkt den Gemeinschaftsgeist des Bauprojekts“, sagt Evenden.

Licht sei Dank

Das Gebäude ist zweigeteilt in den Nord- und Südbau. Nördlich gelegen befinden sich alle Hauptausstellungsräume, südlich hingegen zusätzliche Ausstellungsflächen, Räumlichkeiten für Vorträge sowie ein Gastronomiebereich. Beide Bereiche sind über ein doppelstöckiges Atrium miteinander verbunden und erhalten dank der gläsernen Fassade zusätzliches natürliches Licht. Generell legten Foster + Partners den Fokus auf natürlichen Lichteinfall und integrierten zahlreiche Fenster in die Entwürfe, die Jia Art zu einem lichtdurchfluteten, warmen Ort machen. Auch das Dach besteht aus Glas und reduziert dadurch die Notwendigkeit von künstlicher Beleuchtung in den Ausstellungsräumen.

Die Fassade wiederum besteht aus veredelten Edelstahlpaneelen, die entsprechend der extravaganten Blütenform gebogen sind. Ihre Textur erinnert an ein geripptes Muster und ist zudem verspiegelt. Nachts können die einzelnen Paneele sogar beleuchtet werden. Somit strahlt die Galerie auch im Dunkeln. Besucher und zukünftige Bewohner können die Jia Art Galerie jederzeit bestaunen und dank dieser besonderen Beleuchtung keineswegs übersehen.

Text: Katarina Andraschko
Bilder: Foster + Partners

Wie die Fotografie unsere Vorstellung vom Reisen für immer verändert hat

Von den ersten Expeditionen des 19. Jahrhunderts bis zur privaten Reisefahrung mit der Kamera – die neue Ausstellung „Die Welt im Fokus“ in der ALBERTINA zeigt, dass Fotografie niemals nur dokumentiert hat. Sie hat unsere Vorstellung von der Welt überhaupt erst erschaffen.

Heute scheint es selbstverständlich, einen Ort zu fotografieren. Kaum angekommen, wird das Smartphone gezückt, Erinnerungen werden festgehalten und Augenblicke geteilt. Doch lange bevor Social Media existierte, veränderte die Fotografie bereits grundlegend, wie Menschen ferne Länder wahrnahmen.

Mit der Ausstellung „Die Welt im Fokus“ widmet sich die ALBERTINA einem faszinierenden Kapitel der Kulturgeschichte: der Reise- und Expeditionsfotografie des 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Rund 107 Fotografien aus der bedeutenden fotografischen Sammlung des Museums zeigen, wie Bilder nicht nur Reisen dokumentierten, sondern ganze Weltbilder formten.

Bilder, die die Welt erschufen

Als sich die Fotografie Mitte des 19. Jahrhunderts etablierte, bedeutete sie weit mehr als eine technische Innovation. Zum ersten Mal konnten Landschaften, Monumente und fremde Kulturen mit einer bis dahin ungekannten Präzision festgehalten und vervielfältigt werden. Zeichnungen, Skizzen und Stiche wurden zunehmend durch Fotografien ersetzt, die den Anspruch objektiver Wirklichkeit vermittelten.

Doch genau darin liegt die eigentliche Spannung der Ausstellung: Fotografien erscheinen objektiv – sie sind es jedoch nie.

Jedes Bild erzählt ebenso viel über den Blick der fotografierenden Person wie über den fotografierten Ort. Expeditionen wurden von wissenschaftlichen, politischen oder wirtschaftlichen Interessen begleitet. Fotografien dienten der Forschung ebenso wie imperialen Ambitionen, touristischer Werbung oder kommerziellen Vermarktung.

Reisen als kulturelle Konstruktion

Die Ausstellung führt Besucher von den Alpen über Ägypten und das Heilige Land bis nach Japan, Indien oder Bosnien. Dabei wird sichtbar, dass viele Vorstellungen, die Europa über diese Regionen entwickelte, maßgeblich durch Fotografien geprägt wurden.

Besonders spannend ist der Blick auf die Bedingungen, unter denen diese Bilder entstanden. Fotografen transportierten schwere Kameras, Glasplatten und Chemikalien über Kontinente. Oft arbeiteten sie im Auftrag von Regierungen, Expeditionen oder wissenschaftlichen Institutionen. Ihre Bilder wurden anschließend in Ausstellungen, Büchern oder Mappenwerken verbreitet und beeinflussten nachhaltig das Wissen über bis dahin unbekannte Regionen.

Von der Expedition zum persönlichen Blick

Gegen Ende des 19. Jahrhunderts beginnt sich die Perspektive zu verändern.

Leichtere Kameras und neue fotografische Verfahren ermöglichen erstmals spontane Aufnahmen. Reisen wird persönlicher. Wohlhabende Amateurfotografen dokumentieren nicht mehr ausschließlich Sehenswürdigkeiten, sondern alltägliche Begegnungen, Landschaften und individuelle Eindrücke. Mit den ab 1907 verfügbaren Autochromplatten entstehen schließlich die ersten farbigen Reisebilder – Vorläufer dessen, was wir heute als persönliche Reisefotografie kennen.

Plötzlich verändert sich nicht nur die Technik, sondern auch der Blick selbst.

Warum diese Ausstellung heute aktueller denn je ist

Gerade in einer Zeit, in der täglich Milliarden Bilder entstehen, erinnert „Die Welt im Fokus“ daran, dass Fotografien niemals neutrale Abbilder der Realität sind. Sie wählen aus, interpretieren und erzählen Geschichten. Schon die ersten Reisefotografien entschieden darüber, welche Orte Sehnsuchtsorte wurden und welche Bilder sich dauerhaft in unserem kulturellen Gedächtnis verankerten.

Die Ausstellung macht deutlich, dass jede Generation ihre eigene Vorstellung von der Welt durch Bilder entwickelt. Damals geschah dies über aufwendig produzierte Fotografien und Projektionsabende, heute über digitale Feeds und Algorithmen.

Vielleicht hat sich also weniger verändert, als wir glauben.

Eine Reise durch die Geschichte des Sehens

Mit „Die Welt im Fokus“ gelingt der ALBERTINA weit mehr als eine historische Fotografieausstellung. Sie erzählt von Neugier, Entdeckung, technischer Innovation und der Macht visueller Medien – und stellt eine überraschend aktuelle Frage:

Sehen wir die Welt wirklich so, wie sie ist – oder so, wie Bilder sie uns seit über 150 Jahren zeigen?

Das Badhaus in Brixen ist nicht nur ein Boutiquehotel. Es ist ein Einstieg in ein neues Stück Stadt. Zwischen Innenhof, Viertel Bar und Laubengängen wartet ein lebendiges Viertel, das Gäste sanft vom Ankommen ins Dazugehören führt.

Das Schönste an einem Stadturlaub ist doch dieser Moment, in dem man aufhört, Gast zu sein. Wenn man sein Café entdeckt, seine Lieblingsbank findet und die Wege kennt, die man immer wieder gerne geht. Im Badhaus gelingt das mühelos. Mit einem Aufenthalt im Boutiquehotel bucht man weit mehr als ein Hotelzimmer – man taucht in einen ganz eigenen Stadtteil ein.

Denn nicht nur der Innenhof öffnet sich zur Stadt. Das Badhaus ist Teil einer Reihe besonderer Orte in Brixen, welche die Idee, eines lebendigen Viertels verkörpern. Orte, die Begegnungen ermöglichen, Geschichten erzählen und Gästen das Gefühl geben, für eine Weile dazuzugehören.

Versteckt zwischen den engen Gassen der Altstadt eröffnet sich ein Ort, den es vor dem Boutique Hotel Badhaus in dieser Form nicht gab. Als behutsame Erweiterung des historischen Areals geschaffen und der Öffentlichkeit zugänglich gemacht, lädt der Innenhof zum Innehalten ein. Im seinem Zentrum entspringt ein Brunnen: als Quelle der Begegnung und Symbol für die dem Wasser so zugewandte Stadt Brixen.

Die Viertel Bar mit dem lauschigen Innenhof spannt zugleich den Bogen zum Innenraum und von dort hinaus in die Altstadt. Es ist eine fließende Verbindung. Und eine charmante Einladung, das Südtiroler Lebensgefühl auf lässige Art zu erleben – mit dem selbst gebrauten Viertel Bier oder Eisacktaler Sylvaner, mit einer Aperitivo Etagere oder Focaccia.

Im Lasserhaus, nur wenige Schritte weiter über die Brücke hinüber, gelangen wir an einen Ort, an dem Kunst und Geschichte ineinanderfließen. Wir atmen die historische Luft des Hauses und lassen die vielfältige Mischung aus zeitgenössischer und klassischer Kunst auf uns wirken.

Wir schlendern anschließend durch die Gässchen und Laubengänge in den Alten Schlachthof, wo man sich im Garten direkt wieder ein Viertel Bier bestellt. Dazu den Schlachthof Burger oder Metzgernudeln mit heimischem Rind und Strozzapreti.

Es ist ein lauer Sommerabend. Die Brunnen der Stadt plätschern ebenso wie die Stimmen zwischen den Mauern. Wir fließen mit dem Stadtstrom weiter. Der Blick wandert zur Plose, jenem Hausberg, der sich in Brixen fast überall ins Bild schiebt – als wollte er sich vergewissern, dass im Viertel noch alles seine Ordnung hat. Ein leises Lächeln stellt sich ein, denn längst ist man ein natürlicher Teil dieser Szenerie geworden.

Fotos: freiundzeit, Gustav Willeit, Franziska Unterholzner

Boutiquehotel Badhaus is a member of Lifestylehotels

Mit dem neu eröffneten Schanigarten im Hotel Zur Wiener Staatsoper in Wien offenbart sich eine neue Facette des Stadtjuwels. Hoteldirektorin Victoria Klinkhammer verrät, welche kulinarischen Spots in der Wiener Innenstadt für sie außerdem noch besonders funkeln.

Der neue Schanigarten vor dem Boutiquehotel Zur Wiener Staatsoper wird zum leisen Innehalten im Rhythmus der Stadt. Wie ein sanfter Übergang zwischen dem geschützten Kosmos des Hauses und dem pulsierenden Leben Wiens lässt er die Grenzen zwischen Ankommen und Entdecken verschwimmen. Zugleich ist er eine Einladung, die kulinarische Vielfalt der Wiener Innenstadt neu zu entdecken.

Schanigarten vor dem Hotel Zur Wiener Staatsoper

„So wie das Hotel selbst ist auch der Schanigarten klein, sehr privat, gemütlich und trotzdem mitten in der Wiener Innenstadt. Genau das macht für mich den besonderen Charme aus. Aktuell ist mein Favorit unser Martini Spritz, dazu die Burrata Harmonie mit Burrata, Pesto und Ofentomaten. Es ist ein feiner Ort für den ersten Kaffee des Tages, eine kleine Auszeit zwischendurch oder die goldenen Stunden des Abends.“

Kleines Café am Franziskanerplatz

„Einer meiner Lieblingsplätze in der Innenstadt. Die gemütliche Atmosphäre und der wunderschöne Franziskanerplatz machen jeden Besuch besonders. Etwas abseits der Kärntner Straße und doch mittendrin. Bei einer klassischen Melange und etwas Süßem dazu lässt sich das Treiben am Platz entspannt beobachten.“

Beaulieu im Palais Ferstel

„Ein stilvoller Ort mit besonderem Ambiente. Das historische Palais und die französische Küche machen jeden Besuch zu einem Erlebnis. Meine persönlichen Empfehlungen: eine Quiche zu Mittag, Baguettes für zwischendurch oder Muscheln am Abend.“

Feinkosterei am Neuen Markt

Ich mag besonders das Konzept, österreichische Klassiker im Kleinformat zu servieren – perfekt, um sich durch die Wiener Küche zu probieren. Besonders gerne bestelle ich Kalbsrahmgulasch oder Lachsrisotto. Dazu Grüner Veltliner oder Gemischter Satz.

Tartarie Marie in der Freisingergasse

„Mein Tipp für einen schnellen, aber außergewöhnlich hochwertigen Snack. Das kleine Lokal bietet nur wenige Sitzplätze, überzeugt dafür mit erstklassigen Zutaten und kreativen Tartare-Variationen in entspannter Atmosphäre.“

Reserva Ibérica by Paco in der Wallnerstraße

„Perfekt für einen Aperitif oder einen entspannten Ausklang des Tages. Besonders schätze ich die spanischen Spezialitäten, die ausgezeichnete Weinauswahl und die ungezwungene Atmosphäre. Zum Teilen bestelle ich gerne Tapas – von Patatas Bravas über Gambas al Ajillo hin zu Jamón Ibérico. Dazu ein Glas spanischer Weißwein oder an warmen Sommertagen einen Krug der hervorragenden Sangria.“

ÜBER DAS HOTEL ZUR WIENER STAATSOPER

Zwischen dem Trubel der Wiener Innenstadt und den Klängen der nahen Staatsoper liegt dieses familiäre Hotel mit zwölf Zimmern und Suiten in einem Gründerzeithaus in einer ruhigen Seitengasse. Das von Nina Campbell gestaltete Interieur des historischen Stadthotels verbindet Eleganz mit Behaglichkeit und macht das Haus zu einem ebenso stilvollen wie gemütlichen Rückzugsort. Mit dem neu eröffneten Schanigarten vor dem Haus setzt sich diese besondere Atmosphäre bis hinaus in die Wiener Gassen fort.

Hotel Zur Wiener Staatsoper is a member of Lifestylehotels

Fotos: Hotel Zur Wiener Staatsoper

Mit dem THE GREEN Resort im Zillertal wächst ein Ort heran, der Vielfalt nicht trennt, sondern in natürlicher Symbiose zusammenführt. Die Eröffnung ist im Dezember.

Im Zillertal gehört Grün vor allem in der warmen Jahreszeit zum Landschaftsbild dazu. Bald steht die Farbe aber nicht mehr nur für saftige Almwiesen und gepflegte Fairways, sondern auch für ein neues Urlaubskonzept: Mit dem THE GREEN Resort Zillertal kündigt sich eine Adresse an, die Naturverbundenheit in den Mittelpunkt stellt und Raum für Urlaubstage schafft, die sich ganz natürlich dem eigenen Rhythmus anpassen. Egal, ob für den generationenübergreifenden Familienurlaub, das Yoga Retreat oder die individuelle Auszeit in den Bergen…

Noch hat kein Gast hier eingecheckt, auch wenn für die Eröffnungswoche im Dezember bereits reserviert werden kann. Was direkt neben dem Golfplatz Zillertal-Uderns, umgeben von Bergen, entsteht, lässt die Vorfreude jedenfalls schon jetzt keimen. Inmitten der imposanten Naturlandschaft formt sich ein architektonisches Ensemble aus Holz, das sich organisch um einen Naturbadesee legt und auf mehr als 3.300 m² innen wie außen Raum für Ruhe, Wärme und Rückzug schafft.

Das Resort ist so angelegt, dass unterschiedliche Bedürfnisse Platz finden – plantschende Kinder, erholungssuchende Eltern und Großeltern, die den Moment in aller Ruhe auskosten. Aber auch Seminare und kreative Auszeiten finden hier den passenden Rahmen. Ob beim gemeinsamen Skifahren, Golfen, Wandern oder Radfahren oder Innehalten ganz für sich – Lieblingsmomente gibt es so viel wie Höhenmeter rundum. Auch kulinarisch setzt THE GREEN auf Flexibilität statt feste Zeiten – vom Frühstück bis zum Abendbuffet begleitet ein unkompliziertes Genusskonzept den Tag. In sechs Monaten ist es soweit…

THE GREEN – Resort Zillertal is a member of Lifestylehotels

Renderings: Schultz Gruppe

Zwischen Tradition und Zukunft: Warum Südkorea zu den faszinierendsten Reisezielen unserer Zeit gehört

Es gibt Orte, die man besucht. Und es gibt Orte, die einen verändern. Südkorea gehört zweifellos zur zweiten Kategorie. Zwischen jahrhundertealten Tempeln, futuristischer Architektur, innovativer Kulinarik und einer Kreativszene, die die Welt prägt, erzählt das Land eine Geschichte von Transformation. Eine Geschichte, die weit über K-Pop, Beauty-Trends oder Design hinausgeht.

Wer heute auf dem Flughafen von Seoul landet, betritt eines der innovativsten Länder der Welt.

Eine Nation mit Hochgeschwindigkeitszügen, digitaler Infrastruktur und globalen Kulturmarken. Ein Land, dessen Musik Stadien auf allen Kontinenten füllt, dessen Filme Oscars gewinnen und dessen Kosmetikindustrie Trends setzt.

Was leicht vergessen wird: Noch vor wenigen Jahrzehnten war Südkorea eines der ärmsten Länder der Welt.

Nach dem Koreakrieg lag das Land weitgehend in Trümmern. Die wirtschaftlichen Perspektiven waren begrenzt, die Infrastruktur zerstört. Kaum jemand hätte damals vorhergesagt, dass ausgerechnet Südkorea zu einer der kulturellen und wirtschaftlichen Erfolgsgeschichten des 21. Jahrhunderts werden würde.

Heute spricht man vom „Miracle on the Han River“ – dem Wunder am Han-Fluss.

Doch vielleicht liegt die wahre Leistung nicht allein im wirtschaftlichen Aufstieg.

Sondern darin, dass Südkorea seine kulturelle Identität nie verloren hat.

Seoul – wo Vergangenheit und Zukunft denselben Rhythmus teilen

Seoul ist keine Stadt, die sich sofort erschließt.

Sie entfaltet sich langsam.

In den frühen Morgenstunden vor dem Gyeongbokgung-Palast. Zwischen den traditionellen Hanok-Häusern von Bukchon. In den stillen Innenhöfen buddhistischer Tempel.

Und gleichzeitig in den futuristischen Kurven des Dongdaemun Design Plaza, den digitalen Fassaden von Gangnam oder den kreativen Vierteln von Seongsu-dong.

Vielleicht liegt genau darin die Magie dieser Metropole.

Hier existieren mehrere Zeitebenen gleichzeitig.

Tradition wird nicht konserviert, sondern weiterentwickelt.

Modernität wird nicht als Bruch verstanden, sondern als Fortsetzung.

Must See in Seoul

Bukchon Hanok Village
Traditionelle koreanische Architektur zwischen engen Gassen und kleinen Innenhöfen.

Gyeongbokgung Palace
Der bedeutendste Königspalast Koreas und ein eindrucksvoller Einstieg in die Geschichte des Landes.

Dongdaemun Design Plaza (DDP)
Die ikonische Architektur von Zaha Hadid gilt als Symbol des kreativen Seoul.

Seongsu-dong
Ehemaliges Industrieviertel, heute Heimat unabhängiger Designer, Concept Stores und innovativer Cafés.

Leeum Museum of Art
Eine außergewöhnliche Verbindung aus traditioneller koreanischer Kunst und zeitgenössischen Positionen.

Wo man in Korea übernachtet

Die Hotelwelt Koreas spiegelt die Vielfalt des Landes wider.

Josun Palace Seoul

Zeitgenössischer Luxus mit spektakulärem Blick über die Skyline von Gangnam. Elegant, zurückhaltend und tief in der koreanischen Gastfreundschaft verwurzelt.

RYSE Hotel Seoul

Im kreativen Viertel Hongdae gelegen. Kunst, Design und urbane Kultur verschmelzen hier zu einem modernen Lifestyle-Hotel.

Rakkojae Seoul

Wer Korea verstehen möchte, sollte zumindest eine Nacht in einem traditionellen Hanok verbringen. Rakkojae zählt zu den schönsten Adressen des Landes.

Signiel Seoul

Untergebracht im Lotte World Tower. Moderne koreanische Luxushotellerie in ihrer vielleicht spektakulärsten Form.

Parnas Hotel Jeju

Auf Jeju Island verbindet sich Natur mit entspanntem Luxus und dem Gefühl, weit entfernt vom Tempo der Großstadt zu sein.

K-Beauty – Schönheit als Ritual

Kaum ein kultureller Export hat die Welt in den vergangenen Jahren so nachhaltig beeinflusst wie K-Beauty.

Doch hinter den innovativen Produkten verbirgt sich eine Philosophie, die weit über Kosmetik hinausgeht.

Schönheit wird in Korea nicht als Korrektur verstanden.

Sie beginnt mit Aufmerksamkeit.

Mit Zeit.

Mit Pflege.

Die tägliche Hautpflege ist weniger Routine als Ritual.

Dieser Gedanke zieht sich durch viele Bereiche des koreanischen Lebens: Qualität entsteht durch Kontinuität.

Wer tiefer eintauchen möchte, sollte durch die Beauty-Distrikte von Myeong-dong spazieren oder die Flagship Stores koreanischer Marken besuchen.

K-Pop und die kreative Explosion

Was einst als regionale Musikszene begann, hat sich zu einem globalen Kulturphänomen entwickelt.

K-Pop prägt heute nicht nur Musik, sondern auch Mode, Design, Social Media und visuelle Kommunikation.

Interessanter als die Musik selbst ist jedoch, was sie über Korea erzählt.

Disziplin und Kreativität.

Perfektion und Emotion.

Tradition und Innovation.

Werte, die sich auch in Architektur, Design und Unternehmenskultur des Landes wiederfinden.

Korean Cinema – Die neue Filmsprache der Welt

Mit Filmen wie „Parasite“ und Serien wie „Squid Game“ hat Südkorea endgültig seinen Platz auf der globalen Kulturkarte eingenommen.

Dabei beeindruckt weniger der kommerzielle Erfolg als die erzählerische Qualität.

Koreanische Filme verbinden gesellschaftliche Themen mit visueller Präzision und emotionaler Tiefe.

Wer Korea bereist, sollte daher auch einen Blick in die unabhängigen Kinos Seouls werfen oder – wenn möglich – das Busan International Film Festival besuchen, das als wichtigstes Filmfestival Asiens gilt.

K-Food – Die Kultur der Fermentation

Die koreanische Küche erlebt aktuell einen ähnlichen Moment, wie ihn die nordische Gastronomie vor einigen Jahren erfahren hat.

Internationale Spitzenköche interessieren sich zunehmend für koreanische Fermentationstechniken, regionale Zutaten und traditionelle Herstellungsverfahren.

Kimchi ist dabei nur der Anfang.

Die eigentliche Entdeckung liegt in den vielen Facetten koreanischer Esskultur.

Von kleinen Straßenständen über traditionelle Tempelküche bis hin zu einigen der spannendsten Fine-Dining-Restaurants Asiens.

Wer Seoul besucht, sollte sich Zeit nehmen.

Nicht nur zum Essen.

Sondern zum Verstehen.

Denn in kaum einer anderen Küche spiegeln sich Geschichte, Landschaft und Kultur so unmittelbar wider.

Jeju Island – Koreas stille Seite

Während Seoul für Dynamik steht, erzählt Jeju eine andere Geschichte.

Vulkanlandschaften, Küstenpfade, Teeplantagen und eine Atmosphäre, die an manchen Stellen eher an Hawaii oder die Azoren erinnert als an Ostasien.

Viele Koreaner reisen hierher, um Abstand vom urbanen Alltag zu gewinnen.

Für Besucher eröffnet sich eine Seite des Landes, die überraschend ruhig, ursprünglich und entschleunigt wirkt.

Warum Korea gerade jetzt relevant ist

Südkorea ist mehr als ein Trend.

Mehr als K-Pop.

Mehr als Hautpflege.

Mehr als Technologie.

Das Land zeigt, wie sich kulturelle Identität und Fortschritt gegenseitig stärken können.

Wie Tradition Inspiration für Innovation werden kann.

Und wie aus den Herausforderungen der Vergangenheit eine kreative Kraft entsteht, die heute Menschen auf der ganzen Welt beeinflusst.

Vielleicht ist genau das die eigentliche Faszination Koreas.

Nicht die Geschwindigkeit seines Aufstiegs.

Sondern die Art und Weise, wie es gelungen ist, dabei seine eigene Geschichte weiterzuerzählen.

Zwischen mediterraner Leichtigkeit, außergewöhnlicher Vielfalt und einem Angebot, das selbst in der Welt des Luxusreisens selten geworden ist.

Es gibt Hotels, die beeindrucken. Und es gibt Orte, die eine eigene Welt erschaffen.

Das Forte Village an der Südküste Sardiniens gehört zur zweiten Kategorie.

Wer zum ersten Mal durch die weitläufige Gartenlandschaft spaziert, vorbei an Palmen, Pinien und dem Duft des Mittelmeers, versteht schnell, warum dieses Resort seit Jahrzehnten zu den bekanntesten Adressen Europas zählt. Auf über 50 Hektar erstreckt sich hier eine kleine Welt aus Hotels, Villen, Restaurants, Sportanlagen, Wellnessbereichen und einem der schönsten Sandstrände Sardiniens.

Und doch fühlt sich das Forte Village nie wie eine klassische Hotelanlage an.

Vielleicht liegt es daran, dass man hier nicht zwischen Aktivität und Entspannung wählen muss. Beides existiert nebeneinander. Während manche Gäste den Tag am Meer verbringen, trainieren andere mit internationalen Coaches in den Sportakademien oder ziehen ihre Bahnen im Pool. Kinder verschwinden in ihre eigene Abenteuerwelt, während Erwachsene endlich jene selten gewordenen Stunden finden, in denen nichts geplant werden muss.

Sardinien von seiner schönsten Seite

Die Lage allein wäre bereits Grund genug für eine Reise.

Das Forte Village befindet sich in Santa Margherita di Pula, einer jener Küstenlandschaften, die Sardinien seinen legendären Ruf eingebracht haben. Kristallklares Wasser, feine Sandstrände und eine Natur, die zwischen mediterraner Gelassenheit und ursprünglicher Schönheit oszilliert.

Direkt vor dem Resort erstreckt sich ein langer, heller Strand, der sanft ins Meer übergeht. Die Farben wechseln je nach Tageszeit zwischen Türkis, Smaragdgrün und tiefem Blau. Es sind jene Momente, die man auf Fotos kaum festhalten kann, weil sie weniger mit dem Blick als mit einem Gefühl zu tun haben.

Hier beginnt der Tag nicht mit einem Programm, sondern mit einer Entscheidung: Meer oder Pool? Spaziergang oder Espresso? Nichts tun oder alles erleben?

Luxus bedeutet Auswahl

Was das Forte Village besonders macht, ist weniger ein einzelnes Hotel als vielmehr die Vielfalt des gesamten Resorts.

Mehrere Hotels, exklusive Villen, unterschiedlichste Restaurants und ein Angebot, das von Familienurlaub über Sport bis hin zu Wellness reicht, schaffen eine seltene Freiheit. Jeder Gast findet hier seinen eigenen Rhythmus.

Die Kulinarik spielt dabei eine zentrale Rolle. Von authentischer sardischer Küche bis hin zu internationalen Fine-Dining-Konzepten entsteht eine Vielfalt, die den Charakter der gesamten Anlage widerspiegelt: weltoffen, entspannt und dennoch von hoher Qualität geprägt.

Gleichzeitig bleibt die Atmosphäre überraschend ungezwungen. Barfuß zum Mittagessen zu gehen, fühlt sich hier genauso selbstverständlich an wie ein elegantes Dinner unter freiem Himmel.

Wellness mit Meerblick

Lange bevor Wellness zum globalen Trend wurde, beschäftigte man sich im Forte Village bereits mit der regenerierenden Kraft des Meeres.

Das Acquaforte Spa zählt bis heute zu den renommiertesten Thalassotherapie-Zentren Europas. Meerwasser unterschiedlicher Temperatur und Salzkonzentration bildet die Grundlage eines Konzepts, das Regeneration nicht als Luxus versteht, sondern als Teil eines bewussten Lebensstils.

Wer möchte, verbringt hier Stunden zwischen den verschiedenen Pools, Behandlungen und Ruhezonen. Wer weniger Programm sucht, nimmt einfach jenes Gefühl von Leichtigkeit mit, das entsteht, wenn Meer, Sonne und Zeit wieder ihren natürlichen Rhythmus finden.

Ein Resort für mehrere Generationen

Es gibt nur wenige Orte, an denen Großeltern, Eltern und Kinder gleichzeitig das Gefühl haben, genau am richtigen Platz zu sein.

Im Forte Village scheint genau das erstaunlich mühelos zu funktionieren. Während Kinder zwischen Wasserparks, Kreativprogrammen und Sportakademien wählen können, genießen Erwachsene die Freiheit, ihren Urlaub wieder als Urlaub zu erleben.

Vielleicht erklärt genau das den außergewöhnlichen Ruf des Resorts. Über viele Jahre hinweg wurde das Forte Village international ausgezeichnet und gilt bis heute als Referenz für anspruchsvollen Familienurlaub am Mittelmeer.

Sieben Nächte Sardinien – in einer Liga für sich

Die Qualität eines Ortes zeigt sich oft daran, wie viele Möglichkeiten er bietet. Im Forte Village reicht das Spektrum von stilvollen Zimmern bis zu großzügigen Suiten und privaten Rückzugsorten – verteilt auf mehrere Hotels innerhalb des Resorts.

Genau hier setzt der aktuelle THE Stylemate Smart Deal an.

Der Gutschein umfasst sieben Nächte für bis zu drei Personen inklusive Halbpension und kann in sämtlichen Zimmer- und Suitenkategorien des Forte Village eingelöst werden. Damit eröffnet sich eine außergewöhnliche Freiheit, das Resort ganz nach den eigenen Vorstellungen zu erleben.

Bemerkenswert ist dabei nicht nur die Flexibilität, sondern auch der Gegenwert des Angebots. Während ein vergleichbarer Aufenthalt regulär mit rund 24.997 Euro bewertet wird, ist der Smart Traveller Gutschein aktuell für 9.999 Euro erhältlich.

Gerade bei einer Destination wie dem Forte Village entsteht daraus eine seltene Gelegenheit. Nicht nur, weil eines der renommiertesten Resorts Europas zugänglich wird, sondern weil ausreichend Zeit bleibt, seine Vielfalt tatsächlich zu erleben: die Restaurants, den Strand, das Spa, die Gärten und jene besondere Atmosphäre, die Gäste seit Jahrzehnten immer wieder zurückkehren lässt.

Denn oftmals sind es nicht die spektakulären Erlebnisse, die eine Reise besonders machen. Sondern die zusätzlichen Tage. Die Zeit für einen weiteren Morgen am Meer. Für ein langes Mittagessen. Für einen Sonnenuntergang mehr.

THE Stylemate Smart Deal

Sieben Nächte im Forte Village auf Sardinien. Für bis zu drei Personen. Inklusive Halbpension. Einlösbar in sämtlichen Hotels sowie allen Zimmer- und Suitenkategorien des Resorts.

9.999,– Euro

Vielleicht ist genau das der wahre Luxus: die Freiheit, sich nicht zwischen den schönsten Seiten eines Ortes entscheiden zu müssen. Sondern genügend Zeit zu haben, sie alle kennenzulernen.

Denn manche Reisen dauern eine Woche.

Andere bleiben deutlich länger in Erinnerung.

Wie CMMN SWDN eine neue Sprache von Männlichkeit und Moderne entwirft

Mode war lange eine Frage der Zugehörigkeit. Heute ist sie ein Raum für Bewegung. Zwischen kulturellen Einflüssen, persönlichen Geschichten und sich wandelnden Rollenbildern entsteht eine neue Form von Ausdruck – leiser, vielschichtiger und bewusster. Kaum ein Label verkörpert diesen Wandel so präzise wie CMMN SWDN.

Die Ästhetik der Spannung

Die Entwürfe von CMMN SWDN leben von Gegensätzen. Klare Linien treffen auf fließende Materialien, klassische Silhouetten werden aufgebrochen, vertraute Formen neu interpretiert.

Es ist ein Spiel mit Balance – nicht als Kompromiss, sondern als bewusst gesetzte Spannung.

Hier wird Tailoring nicht dekonstruiert, sondern erweitert. Jacken wirken strukturiert und gleichzeitig weich, Hosen folgen keiner festen Regel mehr, sondern einer Haltung.

Mode wird zu einer offenen Form.

Kulturelle Hybridität als Ausgangspunkt

Gegründet von Saif Bakir und Emma Hedlund, bewegt sich CMMN SWDN zwischen Malmö und London – geografisch wie kulturell.

Diese Dualität ist kein Nebenaspekt, sondern der Kern der Marke.

Einflüsse aus skandinavischer Klarheit treffen auf internationale Perspektiven, persönliche Narrative auf kollektive Themen. Kollektionen greifen immer wieder Motive aus Kunst, Musik oder Alltagskultur auf und übersetzen sie in tragbare Konzepte.

Identität wird hier nicht definiert – sondern verhandelt.

Neue Männlichkeit

Ein zentrales Element der Marke ist ihr Umgang mit Männlichkeit.

CMMN SWDN entzieht sich bewusst klassischen Zuschreibungen. Stattdessen entstehen Silhouetten, die Raum lassen – für Bewegung, für Interpretation, für Individualität.

Maskuline Codes werden nicht negiert, sondern erweitert. Sie werden weicher, durchlässiger, offener.

Es geht nicht um Bruch, sondern um Entwicklung.

Materialität und Bewusstsein

Trotz aller konzeptionellen Tiefe bleibt CMMN SWDN im Kern ein Ready-to-Wear Label.

Die Stücke sind tragbar, funktional und präzise gefertigt. Stoffe spielen dabei eine zentrale Rolle: strukturierte Wollqualitäten, fließende Mischgewebe, unerwartete Oberflächen.

Diese Materialität verankert die Kollektionen im Alltag – sie macht aus Idee Realität.

Design wird fühlbar.

Jenseits von Trends

CMMN SWDN folgt keinem schnellen Rhythmus.

Statt Trends zu reproduzieren, entwickelt die Marke eine eigene visuelle Sprache – eine, die sich kontinuierlich verändert, ohne beliebig zu werden.

Das Ergebnis ist Mode, die nicht auf Aufmerksamkeit angewiesen ist, sondern auf Wahrnehmung.

Sie fordert den Blick – und belohnt ihn.

CMMN SWDN steht für eine Generation von Design, die sich nicht mehr über klare Kategorien definiert.

Zwischen Struktur und Freiheit, zwischen Herkunft und Zukunft entsteht eine neue Form von Eleganz – eine, die weniger erklärt und mehr zulässt.

Mode wird hier nicht lauter, sondern relevanter.