Die hohen Energiepreise tangieren sie nicht. Die künftigen Bewohner von Atri, dem Haus des schwedischen Anbieters Naturvillan, leben nämlich komplett autark. Mit Solarstrom, selbst angebautem Gemüse und hauseigener Kläranlage.

Die Idee im Glashaus zu wohnen, geht auf den schwedischen Architekten Bengt Warne zurück. Er entwickelte bereits in den 1970er-Jahren das Konzept des Naturhus, wie er es nannte. Das nachhaltige Öko-Haus basiert auf einem Wohnkern, der von einer isolierenden Glashülle umgeben ist. Auf diese Weise entsteht ein geschützter Outdoor-Bereich, der nicht nur die Lebensqualität in der kalten Jahreszeit verbessert, sondern auch den ganzjährigen Gemüseanbau ermöglicht. „Durchschnittlich lassen sich durch diese Bauweise an die 30 Prozent Energie einsparen“, beantwortet Anders Solvarm die Frage, die ihm von Interessenten am häufigsten gestellt wird.

Durchschnittlich lassen sich durch diese Bauweise an die 30 Prozent Energie einsparen.

Anders Solvarm, founder of Naturvillan

Im Frühjahr 2022 gründete Solvarm gemeinsam mit seinem Kollegen Niklas Dahlström das Unternehmen Naturhusvillan. Der Zeitpunkt war günstig. Vor allem seit der hohen Inflation und der massiv gestiegenen Energiepreise ist die Nachfrage nach dem „Naturhaus der nächsten Generation“, wie sie es nennen, besonders hoch.

Langfristige Investition

Den Prototypen des Modells Atri haben sie nun nach einer pandemiebedingt überlangen Bauphase fertiggestellt. Er steht inmitten eines Föhrenwaldes außerhalb von Vänersborg, der Hauptstadt der Region Västra Götaland. Das Haus ist weder an das Stromnetz noch an die Kanalisation angeschlossen und entspricht so dem vom Vordenker Warne einst ausgegebenen Ideal, das da lautet: Autarkie in jeder Hinsicht.

In der Anschaffung sei ein Naturhaus zwar teurer, erklärt Solvarm, der mit seiner Familie selbst seit 15 Jahren in einem Blockhaus unter dem Glassturz lebt. „Betrachtet man so ein Haus allerdings über einen Zeitraum von 50 Jahren und sieht, was es an Energie und Nahrung produziert, dann sieht die Rechnung ganz anders aus“, so Solvarm gegenüber Göteborgs-Posten. Langfristig würde sich die Investition in die Versorgungsunabhängigkeit auf jeden Fall rechnen. Von den aktuell hohen Energiekosten ist der Naturhausbewohner jedenfalls nicht betroffen.

Sonnenstrom und Wasserkreislauf

Das klimasmarte Haus Atri produziert Strom über Photovoltaikpaneele, die in das Glasdach integriert sind und die zentrale Batterie des Hauses speisen. Im Winter kommen Warmwasser und Heizung von einem Holzofen in der Küche, mit dem zugleich auch gekocht werden kann. An ganz dunklen Wintertagen sollten die Bewohner stets den Batteriestand und den eigenen Stromverbrauch im Kopf haben. Alternativ lässt sich die Batterie auch mit einem Notstromaggregat aufladen.

Das Haus mit der prägnanten Zeltform verfügt über eigenes Trinkwasser, das aus einem Brunnen gepumpt wird. Die biologische Aufbereitung des Abwassers erfolgt über die Pflanzenbeete im Glashaus, die so mit Mikronährstoffen versorgt werden. Mit der Ernte aus dem hauseigenen Obst- und Gemüsegarten schließt sich der Kreislauf.

Nach circa 20 Jahren rechnen sich die Mehrkosten, und das Haus fängt an, mehr zu erwirtschaften, als es braucht.

Anders Solvarm, founder of Naturvillan

Durch das ganzheitlich gedachte Versorgungssystem hat das Natur-Wohnhaus einen minimalen ökologischen Fußabdruck. Der Rahmen aus Brettschichtholz sorgt außerdem dafür, dass die Emissionen, die beim Bau entstehen, reduziert werden können. Zusätzlich dient das verbaute Holz als Kohlenstoffsenke, indem es langfristig CO₂ bindet.

Mediterranes Klima im Hohen Norden

Der schützende Überbau aus Glas schafft einen lichtdurchfluteten Wohn- und Gartenbereich mit ständigem Sichtbezug zur umgebenden Landschaft. Die Grenze zwischen drinnen und draußen ist fließend. Atri macht damit ein Leben unter freiem Himmel möglich, und das im Hohen Norden. „Nachhaltig leben in einem mediterranen Klima“, lautet auch die zugehörige Werbebotschaft von Naturvillan.

Der Prototyp des Hauses am Vänernsee, rund eine Autostunde von Göteborg entfernt, steht derzeit zum Verkauf. Der Verhandlungspreis liegt bei umgerechnet rund 715.000 Euro, und Solvarm versichert: „Nach circa 20 Jahren rechnen sich die Mehrkosten, und das Haus fängt an, mehr zu erwirtschaften, als es braucht.“

Text: Gertraud Gerst
Translation: Rosemary Bridger-Lippe
Photos: Marcus Eliasson, Naturvillan

„Miiro“ ist ein leiser Imperativ, angelehnt an das lateinische „bewundern“, wobei das doppelte „ii“ dieses Innehalten betont. Das spiegelt sich nicht nur im Boutique-Hotel Palais Rudolf selbst wieder, sondern auch in der Geschichte seiner Entstehung – von Generalunternehmer Voglauer aus Abtenau umgesetzt.

Während neues Leben in wenigen Monaten zur Vollendung findet, verlangt die Metamorphose eines Gründerzeithauses in ein Hotel gewöhnlich nach mehr Zeit. Am Rudolfsplatz in Wien jedoch scheint dieser Rhythmus neu geschrieben worden zu sein. In nur neuneinhalb Monaten ist hier – dank des Generalunternehmers Voglauer – ein Ort entstanden, der Vergangenheit und Gegenwart in eine stille, selbstverständliche Balance bringt.

Errichtet zwischen 1880 und 1883 und heute nach Kronprinz Rudolf benannt, erzählt das klassische Wiener Gründerzeithaus von Vergangenheit. Seine Verwandlung jedoch verweist auf die Gegenwart: Denn eine Kernsanierung dieser Größenordnung ist weit mehr als ein Bauprozess – sie ist ein sensibles Austarieren zwischen Bewahren und Erneuern, zwischen Substanz und Vision. Genau darin liegt die besondere Qualität von Voglauer: historische Architektur nicht zu überformen, sondern sie weiterzudenken – mit Respekt, Klarheit und handwerklicher Konsequenz.

Man erhielt die Fassade und restaurierte sie behutsam. In den Innenräumen hingegen galt es, die gesamte Haustechnik auf den neuesten Stand zu bringen und zugleich Türen, Fischgrätböden, Wände, Stuckdecken neu zu denken. Kein Zentimeter blieb dabei unberührt – Voglauer arbeitete mit größter Sorgfalt an der Substanz.

Doch nicht nur die bauliche Struktur erzählt davon: Auch die 64 Zimmer und Suiten sowie die öffentlichen Räume spiegeln diesen Ansatz – dank maßangefertigter Möbel und passender Beleuchtung -wieder. Darunter der in den Miiro Hotels so beliebte Refresh Room – ein Ort zum Frischmachen bei frühen Anreisen oder späten Abreisen.

Heute fügt sich das von James Thurstan Waterworth und Studio Archisphere geplante Boutiquehotel mit feinem Gespür für Lokalkolorit mühelos in seine Nachbarschaft ein und vermittelt den Gästen authentisches Neighbourhood-Feeling. Es ist eine Komposition aus warmen, natürlichen Farbtönen, Vintage-Möbeln und feinen Materialien – eine Interpretation des klassischen Wiener Stadthauses, die Intimität und Leichtigkeit ausstrahlt.

Gerade diese mühelos wirkende Atmosphäre ist das Ergebnis präziser Planung. Voglauer gelingt es dabei, Räume zu schaffen, die selbstverständlich wirken – obwohl ihre Entstehung alles andere als gewöhnlich ist.

Eine Leistung, die Voglauer auch im zweiten Wiener Miiro Hotel am Spittelberg umgesetzt hat, das kürzlich eröffnet wurde.

Das Palais Rudolf wurde als lebendiger Ort konzipiert, nicht als Denkmal. Jede Proportion, jedes Licht und jede Textur wurde bewusst gewählt, um Wiens poetische Dualität einzufangen – seine stille Eleganz und seine kreative Kühnheit.

Architekt Gabriel Kacerovsky, Gründer des Wiener Studios Archisphere

Fotos: James McDonald

Ein temporäres Townhouse in Mayfair wird zur Hommage an das ikonische Louis Vuitton Monogramm – zwischen Handwerkskunst, Designgeschichte und zeitgenössischer Kultur.

Mit dem Louis Vuitton Hotel eröffnet das Maison in London einen außergewöhnlichen Ort der Begegnung: ein Pop-up-Erlebnis, das 130 Jahre Monogramm feiert und Besucher:innen in die Welt des Reisens, der Handwerkskunst und der ikonischen Taschenmodelle eintauchen lässt.

Ein Haus voller Geschichte – und Zukunft

Im Herzen von Mayfair, einem der elegantesten Viertel Londons, entsteht ein Ort, der Vergangenheit und Gegenwart miteinander verwebt. Das Louis Vuitton Hotel ist kein klassisches Hotel, sondern ein sorgfältig inszeniertes Townhouse, das die Geschichte eines der bekanntesten Symbole der Modewelt erzählt: des Monogramms.

Ursprünglich 1896 von Georges Vuitton als Hommage an seinen Vater Louis Vuitton entworfen, ist das Monogramm heute weit mehr als ein dekoratives Element – es steht für Savoir-faire, Reisegeist und zeitlose Eleganz. Dass London als Standort gewählt wurde, ist kein Zufall: Bereits 1885 eröffnete hier das erste internationale Geschäft des Hauses außerhalb von Paris.

Seit dem 24. April 2026 ist das Louis Vuitton Hotel für Besucher:innen geöffnet und wird für die Dauer von zwei Monaten zugänglich sein – ein bewusst temporäres Erlebnis, das seine Exklusivität zusätzlich unterstreicht.

Ein glanzvoller Auftakt

Schon die Eröffnung des Louis Vuitton Hotels wurde zum gesellschaftlichen Ereignis: Zahlreiche internationale Celebrities, Kreative und Persönlichkeiten aus Mode, Kunst und Kultur folgten der Einladung nach Mayfair. Die Bilder des Abends zeigen eindrucksvoll, wie sehr das Haus nicht nur ein Ort der Geschichte, sondern auch ein zeitgenössischer kultureller Treffpunkt ist – ein Hotspot, der Tradition und Popkultur mühelos verbindet.

Ikonische Taschen als Räume erlebbar gemacht

Das Louis Vuitton Hotel ist eine immersive Reise durch die Geschichte der bedeutendsten Taschenmodelle des Hauses. Jeder Raum ist einem ikonischen Design gewidmet – und verwandelt Funktion in Erlebnis:

• Keepall Lobby: Eine Hommage an die Reisetasche von 1930, die mit ihrem faltbaren Design die moderne Reisekultur revolutionierte.
• Café Alma: Pariser Flair trifft auf Art-Déco-Ästhetik – inspiriert von der strukturierten Silhouette der Alma Bag.
• Speedy Room: Ein lichtdurchflutetes Zimmer, das Geschwindigkeit und Mobilität als Designprinzip feiert.
• Speedy P9 Safe Room: Eine goldene Inszenierung der Neuinterpretation durch Pharrell Williams – Handwerkskunst auf höchstem Niveau.
• Neverfull Gym: Spielerische Leichtigkeit trifft auf Funktionalität – eine Tasche, die für Stärke und Vielseitigkeit steht.
• Bar Noé: Eine intime Champagnerbar, die an die Ursprünge der Noé Bag erinnert – ursprünglich entworfen, um Champagnerflaschen stilvoll zu transportieren.

Erlebnis, Handwerk und Individualität

Neben der ästhetischen Inszenierung steht auch die Handwerkskunst im Mittelpunkt. Ein eigener Care-Service-Bereich bietet die Möglichkeit, Louis Vuitton Stücke restaurieren zu lassen – ein Zeichen für Langlebigkeit und Nachhaltigkeit im Luxussegment.

Darüber hinaus können Besucher:innen ihre persönlichen Stücke individualisieren lassen: Exklusive Patches und Hot-Stamping-Services machen jede Tasche zu einem Unikat.

Kulinarik trifft Kultur

Das Erlebnis wird durch gastronomische Konzepte ergänzt:
Im Café Alma erwartet Gäste ein stilvolles Déjeuner oder Afternoon Tea, während die Bar Noé tagsüber Champagner und abends – in Zusammenarbeit mit dem legendären KOKO – DJ-Sets und vibrierende Londoner Nächte bietet.

Eine Hommage an das „Art of Travel“

Louis Vuitton gelingt mit diesem Pop-up mehr als eine Ausstellung – es ist eine emotionale Inszenierung eines Lebensgefühls.
Das Louis Vuitton Hotel wird so zu einer modernen Interpretation des „Art of Travel“: eine Reise durch Zeit, Design und kulturelle Relevanz.

Land und Meer als Anker der Identität: Im vietnamesischen Küstendorf Thài An erzählt der Kurzfilm NỐI:BOND von der tiefen Verbindung zwischen Mensch, Natur und Herkunft – und davon, wie der Klimawandel traditionelle Lebensweisen neu formt.

Eine Reise in den Süden Vietnams wird zur stillen Reflexion über Zugehörigkeit, Erinnerung und die unsichtbaren Fäden, die Menschen mit ihrem Ursprung verbinden.

Mit NỐI:BOND begeben sich der französische Filmemacher Cyril Catan und die vietnamesisch-französische Creative Director Claire Duc in das Küstendorf Thài An in der Gemeinde Vĩnh Hải. Ihr Film ist weniger eine klassische Dokumentation als vielmehr eine poetische Annäherung an die Frage, was uns mit unserer Heimat verbindet.

Geprägt vom Rhythmus der Gezeiten und getragen von tief verwurzelten Traditionen zeigt sich Thài An als ein Ort, an dem Mensch und Natur in feiner Balance existieren. Doch diese Harmonie ist fragil: Der Klimawandel verändert die Bedingungen des Lebens, fordert Anpassung und lässt alte Praktiken in neuem Licht erscheinen.

Im Zentrum des Films steht das Gedicht „Cho Và Đi“ des vietnamesischen Dichters Inrasara. Es dient als erzählerischer Leitfaden und eröffnet einen Blick auf ein Gefüge, in dem jedes Handeln mit dem nächsten verbunden ist – vom Auswerfen der Fischernetze bis zur Arbeit auf den Feldern.

Visuell übersetzt NỐI:BOND diese Zusammenhänge in kunstvolle Installationen aus Alltagsgegenständen und Textilien. Sie spiegeln die essenziellen Rollen innerhalb der Dorfgemeinschaft wider und verdeutlichen die untrennbare Bindung an das Land der Vorfahren.

„Eine Hommage an die Harmonie zwischen Mensch und Natur – NỐI:BOND webt feine Fäden von Herz zu Herz und verankert die Seele im Flüstern der wilden Natur.“
– Claire Duc

So entsteht ein sensibles Porträt eines Ortes, an dem Identität nicht nur entsteht, sondern kontinuierlich weitergegeben wird – als Vermächtnis für kommende Generationen.

Ein Gespräch über Improvisation, Haltung und die Zukunft des Jazz

Anlässlich der Auszeichnung mit dem Deutschen Jazzpreis 2026 für ihr Lebenswerk spricht Aki Takase im Interview über ihre künstlerische Entwicklung, die Rolle von Improvisation und ihren Blick auf die heutige Jazzszene. Seit Jahrzehnten zählt sie zu den prägenden Stimmen des zeitgenössischen Jazz – mit einer musikalischen Sprache, die sich konsequent zwischen Komposition und Improvisation bewegt und sich immer wieder neu erfindet.

Die Preisverleihung findet am 25. April 2026 im Congress Centrum Bremen im Rahmen des 20-jährigen Jubiläums der jazzahead! statt. Im Vorfeld gibt die Pianistin und Komponistin Einblicke in ihre Arbeit, ihre Einflüsse und die Dynamiken einer Szene, die sich stetig verändert. Heute sind wir mit Aki Takase im Gespräch.

INTERVIEW

Sie erhalten den Deutschen Jazzpreis für Ihr Lebenswerk. Was bedeutet es für Sie, in diesem Zusammenhang gelesen zu werden – also nicht nur rückblickend, sondern im Kontext der heutigen Jazzszene?

Aki Takase:
Das ist eine große Ehre und erfüllt mich mit Stolz. Außerdem hat mir die Anerkennung für die Musik, die ich bisher geschaffen habe, den Mut gegeben, meine Musik in neue Richtungen weiterzuentwickeln. Herzlichen Dank!

Ihre Musik bewegt sich seit Jahrzehnten zwischen unterschiedlichen kulturellen Kontexten. Wie haben diese Perspektiven Ihr künstlerisches Denken geprägt und was hat sich daran im Laufe der Zeit verändert?

Aki Takase:
Alle Musik hat sich von der Vergangenheit bis zur Gegenwart weiterentwickelt und die Welt, wie wir sie heute kennen, geprägt. Ich habe mich schon immer für die Geschichte des Jazz interessiert, insbesondere dafür, die musikalischen Botschaften von Komponisten und Musikern, die mich faszinieren, aufzunehmen und sie aus meiner eigenen Perspektive weiterzuentwickeln, um ihnen heute neues Leben einzuhauchen. Seit letztem Jahr widme ich mich, aufbauend auf meinen bisherigen Erfahrungen, einem neuen Projekt: dem Timeless Orchestra.

Was hat Sie ursprünglich zum Jazz gebracht und was hält Sie bis heute in dieser Form, die sich ja ständig verändert?

Aki Takase:
Es fing ganz zufällig an. Als ich an der Musikhochschule studierte, lud mich eine Freundin ein, mir ein paar Jazzplatten anzuhören, und das war der Beginn meiner neuen musikalischen Reise. Jazz ist wie eine Droge – ein starkes Aphrodisiakum. Ehe ich mich versah, war ich in die Welt des Jazz hineingezogen worden, und hier bin ich heute.

Sie haben sehr unterschiedliche musikalische Phasen durchlaufen. Gab es Momente, in denen Sie Ihre eigene künstlerische Richtung grundlegend infrage gestellt haben?

Aki Takase:
Ich hatte nie Zweifel an der Richtung meiner Musik. Ich habe mich schon immer für alle Arten von Musik interessiert, vor allem für klassische Musik, zeitgenössische Musik, Jazzimprovisation, Volksmusik und so weiter. Für Popmusik oder Anime-Soundtracks habe ich jedoch absolut kein Interesse.

Sie arbeiten seit vielen Jahren in wechselnden Konstellationen. Was macht für Sie eine Zusammenarbeit produktiv und wann wird sie es nicht?

Aki Takase:
Wenn die musikalischen Ansichten der Mitmusiker sich von meinen unterscheiden, ist es schwierig, lange zusammen zu spielen. Im Idealfall wäre es großartig, wenn wir trotz etwas unterschiedlicher Musikgeschmäcker gemeinsam großartige Musik schaffen könnten.

Improvisation spielt im Jazz eine zentrale Rolle. Was bedeutet Improvisation für Sie heute – auch im Verhältnis zu Erfahrung und Routine?

Aki Takase:
„Extremer Inspiration“

Wenn Sie auf Ihre Laufbahn zurückblicken: Wie haben sich die Bedingungen für Frauen im Jazz verändert und wo sehen Sie heute noch strukturelle Unterschiede?

Aki Takase:
Eine positive Entwicklung ist, dass sich heute mehr Frauen für Jazz interessieren als früher. Es ist auch gut, dass es – teilweise als Folge davon – heute mehr Musikerinnen gibt als früher; da Männer und Frauen jedoch je nach Instrument unterschiedliche Körperbauten haben, sind die Voraussetzungen möglicherweise nicht dieselben. Das hat auch mit politischen und soziologischen Entwicklungen zu tun.

Wenn Sie auf die heutige Jazzszene blicken: Welche Entwicklungen interessieren Sie und wo sehen Sie vielleicht auch Spannungen oder Brüche?

Aki Takase:
In letzter Zeit spüre ich eine größere Klangvielfalt, da immer mehr interessante Musiker auftauchen, die sich vom Jazzgenre entfernt haben oder von anderen Musikrichtungen beeinflusst wurden. Es ist jedoch schade, dass die Dynamik und Spannung, die dem Jazz innewohnen, nachlassen.

Was würden Sie jüngeren Musiker:innen heute mitgeben – nicht nur künstlerisch, sondern auch im Hinblick auf Arbeitsrealitäten im Jazz?

Aki Takase:
Lasst euch nicht von der Informationsflut verwirren. Und vergesst bitte nicht, dass es die Musiker sind, denen wir die Musik verdanken. Sucht nach Musik, die ihr eines Tages selbst gerne hören würdet.

Woran arbeiten Sie im Moment und was interessiert Sie gerade musikalisch?

Aki Takase:
Letztes Jahr habe ich mit Daniel Erdmann ein Projekt namens „Timeless“ ins Leben gerufen. Gemeinsam mit jungen Musikern aus verschiedenen Genres möchte ich mich mit faszinierender Musik von der Vergangenheit bis zur Gegenwart auseinandersetzen, neue musikalische Wege erkunden und herausfinden, wohin sich die Musik entwickelt.

Eine Kollektion, die das Reisen neu denkt – mit luxuriöser Funktionalität, subtiler Eleganz und dem unverkennbaren Spirit von Louis Vuitton.

Mit der Flight Mode 2026 Collection interpretiert Louis Vuitton das Konzept des Reisens neu: als stilvolle Bewegung zwischen Orten, Atmosphären und Momenten. Inspiriert von der „Art of Travel“ vereint die Kollektion Komfort, Raffinesse und moderne Vielseitigkeit – geschaffen für eine globale, ästhetisch anspruchsvolle Generation.

Unterwegs zwischen Ästhetik und Funktion

Die Flight Mode 2026 Kollektion versteht sich nicht nur als Garderobe, sondern als Ausdruck eines Lebensgefühls. Ready-to-Wear, Lederwaren, Schuhe und Accessoires verschmelzen zu einem harmonischen Gesamtbild – funktional, aber stets elegant. Die Silhouetten wirken entspannt und zugleich präzise, gefertigt aus Materialien, die Bewegung erlauben und Leichtigkeit transportieren.

Ob in den Tälern Kaliforniens, beim Spaziergang durch urbane Parks oder entlang azurblauer Küsten – jedes Piece passt sich dem Kontext an und bleibt dennoch unverkennbar Louis Vuitton.

Materialität & Handwerkskunst

Im Zentrum stehen hochwertige Materialien und feine Details. Lederjacken im Bomberstil, Cardigans und Gilets werden aus außergewöhnlichen Ledern gefertigt und zeigen eine Bandbreite an Oberflächen – von soft und veloursartig bis hin zu glänzend und perforiert. Ergänzt werden die Looks durch Kaschmir und feine Wolle, die ein Gefühl von luxuriösem Komfort vermitteln.

Diese subtile Opulenz verkörpert eine neue Form von Understatement – leise, aber wirkungsvoll.

Denim, Leichtigkeit und Farbspiel

Ein zentrales Element ist Denim, neu interpretiert in einem ausgewaschenen Blau-Grau mit dem ikonischen Monogramm. Locker geschnittene Hosen, Jacken und fließende Kleider schaffen eine entspannte Silhouette.

Dazu gesellen sich luftige Stoffe wie Baumwollpopeline, Seidentaft und gewaschene Seide – Materialien, die Bewegung und Leichtigkeit unterstreichen. Farblich reicht die Palette von neutralen Tönen bis hin zu warmen Akzenten in Tangerine, Rose, Sand und Sienna.

Ikonische Details & neue Klassiker

Die Kollektion greift bekannte Codes des Hauses auf und interpretiert sie neu:

• Das Mahina-Motiv erscheint in eleganten Weiß- und Brauntönen
• Prints, inspiriert von Hotelschlüsseln, verweisen auf die Geschichte des ersten Luxushotels in Paris
• Der Low Key Bag überzeugt durch minimalistisches Design und handwerkliche Präzision

Besonders hervorzuheben ist die LV Sneakerina – ein dynamisches Modell, das sportliche Energie mit urbaner Eleganz verbindet und nun in neuen Varianten erscheint.

Eine neue Leichtigkeit des Reisens

Die Flight Mode 2026 Kollektion ist mehr als Mode – sie ist eine Hommage an das Reisen als kulturelle Praxis. Louis Vuitton gelingt es, Funktionalität und Luxus in Einklang zu bringen und eine Garderobe zu schaffen, die sowohl zeitlos als auch zeitgemäß ist.

Wo Architektur, Achtsamkeit und Natur zu einer neuen Form von Luxus verschmelzen

Mitten im üppigen Dschungel von Nosara, nur wenige Minuten von den Wellen des Pazifiks entfernt, definiert das ESH Hotel & Spa Luxus neu: als bewusste Rückverbindung zu sich selbst, zur Natur und zum Wesentlichen.

Ein Ort für Transformation

Der Name „Esh“ – hebräisch für „Feuer“ – steht sinnbildlich für Transformation und innere Entwicklung. Genau dieses Konzept prägt das gesamte Erlebnis des Boutiquehotels: ein Ort, an dem Gäste innehalten, reflektieren und sich neu ausrichten können.

Eingebettet zwischen tropischem Regenwald und Pazifikküste ist das Adults-Only-Hotel (ab 13 Jahren) mehr als nur ein Rückzugsort – es ist ein bewusst gestalteter Raum für Sinnsuche, Ruhe und Erneuerung.

Architektur zwischen Brutalismus und Natur

Das architektonische Konzept verbindet rohe, reduzierte Formen mit der organischen Kraft der Umgebung. Realisiert von FAMM Arquitectura und dem mexikanischen Studio Sulkin Askenazi, entsteht eine Ästhetik, die von Wabi-Sabi und brutalistischer Klarheit geprägt ist.

Natürliche Materialien, gedämpfte Farbtöne und gezielte Lichtführung schaffen Räume, die zugleich kraftvoll und meditativ wirken. Innen und Außen verschmelzen – der Dschungel wird Teil des Designs.

Mindful Luxury: Wellness als Lebenshaltung

Im Zentrum steht das Vitalis Spa – ein Rückzugsort für Regeneration und Balance. Anwendungen, Sauna, Kaltwasserbäder und ganzheitliche Rituale fördern ein tiefes Gefühl von Klarheit und Vitalität.

Yoga, Breathwork und achtsame Bewegungsformate sind integraler Bestandteil des Konzepts – inspiriert von Nosaras Status als „Blue Zone“, einer Region, in der Langlebigkeit und bewusstes Leben im Einklang mit Natur und Gemeinschaft stehen.

Erlebnisse zwischen Abenteuer und Achtsamkeit

Das kuratierte Experience-Programm verbindet Naturerlebnis mit persönlicher Entwicklung:
Surfen an Playa Guiones, Reiten am Strand, Wasserfallwanderungen oder Kajaktouren durch Mangroven.

Diese Balance aus Aktivität und Stille macht das ESH Hotel zu einem Ort, der sowohl inspiriert als auch entschleunigt.

Kulinarik: Die Seele des Meeres

Mit dem Restaurant Almar und der Bar Ember & Ash setzt das Hotel auf eine Küche, die Regionalität und Sinnlichkeit verbindet. Mexikanisch-pazifische Einflüsse treffen auf frische Zutaten und eine bewusst reduzierte Ästhetik.

Hier wird Essen zum Ritual – nährend, intensiv und entschleunigt.

Rückzug im Rhythmus der Natur

Die 29 Suiten und Villen sind bewusst reduziert gestaltet und bieten gleichzeitig höchsten Komfort – oft mit privaten Pools, Outdoor-Badewannen und Blick ins Grün.

Nur wenige Gehminuten entfernt: der weite, goldene Strand von Playa Guiones – einer der entspanntesten Surfspots Costa Ricas.

Das ESH Hotel ist kein klassisches Luxusresort – es ist ein Ort der inneren Bewegung.
Ein Refugium für alle, die nicht nur reisen, sondern sich selbst neu begegnen möchten.

Wo Heilung zur Lebenskunst wird

Zwischen Weinbergen, wild duftenden Gärten und jahrhundertealten Bäumen entsteht in Südafrikas Cape Winelands ein Ort, der sich bewusst jeder klassischen Kategorisierung entzieht. Sterrekopje ist kein Hotel. Kein Retreat. Kein Spa. Es ist eine Haltung – und vielleicht einer der radikalsten Orte für „mindful living“ unserer Zeit.

Ein Ort jenseits von Konzepten

Sterrekopje liegt auf einer rund 50 Hektar großen, regenerativen Farm in den Ausläufern der Franschhoek-Berge – eingebettet in eine Landschaft, die eher an ein poetisches Ideal als an eine touristische Destination erinnert.

Was diesen Ort besonders macht, ist nicht nur seine Schönheit, sondern seine Haltung: Sterrekopje versteht sich als „Healing Farm“. Ein Begriff, der bewusst gewählt ist – denn hier geht es nicht um klassische Wellness, sondern um eine tiefere Form der Rückverbindung.

Gegründet von Nicole Boekhoorn und Fleur Huijskens, entstand der Ort aus einer persönlichen Suche heraus: ein Raum, in dem Natur, Ritual und Selbstreflexion gleichwertig nebeneinander existieren.

Ritual statt Routine

Das Leben auf Sterrekopje folgt keinem fixen Programm – sondern einem Rhythmus.

Tage sind geprägt von sogenannten „Rhythms“ und „Rituals“:

• Yoga, Breathwork und Meditation
• gemeinsames Kochen, Backen und Ernten
• kreative Prozesse wie Malerei oder Keramik
• therapeutische Anwendungen von Sound Healing bis Hypnose

Alles ist optional – nichts ist vorgegeben.

Dieser Ansatz schafft etwas Seltenes: einen Raum, in dem Gäste wieder lernen, ihrer eigenen Intuition zu folgen. Genau darin liegt die Essenz des Konzepts.

Die Rückkehr zur Sinnlichkeit

Ein zentraler Bestandteil ist die radikale Rückbesinnung auf das Sinnliche.

Die Küche folgt einem Farm-to-Table-Prinzip, gespeist aus einem Garten mit über 60 essbaren Pflanzenarten.
Selbst Getränke entstehen in der hauseigenen Apotheke – aus Kräutern, Blüten und Wurzeln der Umgebung.

Bemerkenswert: Obwohl Sterrekopje in einer der bekanntesten Weinregionen der Welt liegt, verschiebt sich der Fokus bewusst weg vom Alkohol – hin zu alternativen, bewusstseinserweiternden Geschmackserlebnissen.

Design als emotionaler Raum

Die elf „Sanctuaries“ sind keine klassischen Hotelzimmer, sondern intime Rückzugsorte.

Antike Möbel, handverlesene Stoffe, kunstvolle Tapeten und warme Farbtöne erzeugen eine Atmosphäre, die weniger inszeniert als vielmehr empfunden wird.

Hier geht es nicht um visuelle Perfektion, sondern um emotionale Resonanz: Räume, die Geborgenheit schaffen, Ruhe ermöglichen und Tiefenschlaf fördern.

Luxus neu gedacht

Sterrekopje steht exemplarisch für einen neuen Luxusbegriff.

Nicht Überfluss, sondern:

• Zeit
• Raum
• Stille
• Aufmerksamkeit

Wie ein Reisejournalist treffend formulierte: Es ist „kein Hotel, kein Retreat, sondern ein Ort, an dem man sich wieder daran erinnert, wie es sich anfühlt, Mensch zu sein.“

Oder anders gesagt: Luxus wird hier nicht konsumiert – sondern erlebt.

THE Stylemate Insight

Sterrekopje verkörpert all jene Werte, die wir bei THE Stylemate als zukunftsweisend betrachten:

Slow Living. Regeneration. Sinnlichkeit. Authentizität.

Es ist ein Ort, der nicht beeindrucken will – sondern berühren.
Und genau darin liegt seine stille Radikalität.

Zwischen Handwerk und Konzeptkunst: Maison Margielas kreatives Labor

Im April 2026 verwandelte Maison Margiela eine Straße im Herzen von Shanghai in ein begehbares Archiv seiner radikalsten Ideen. Die Ausstellung „Artisanal: Our Creative Laboratory“ bot einen seltenen, inzwischen abgeschlossenen Einblick in die DNA eines Hauses, das Mode seit Jahrzehnten neu denkt.

Couture als Experiment: Ein offenes Archiv

Die Ausstellung, die vom 2. bis 6. April 2026 stattfand, präsentierte 58 ausgewählte Couture-Looks – erstmals gemeinsam kuratiert. Von ikonischen Anfängen bis hin zu aktuellen Entwürfen spannte sich ein erzählerischer Bogen durch die Geschichte der Artisanal-Linie.

Den Auftakt bildete das legendäre Porzellanteller-Waistcoat aus der Herbst/Winter-Kollektion 1989 – ein frühes Beispiel für Margielas dekonstruktive Handschrift. Den Abschluss markierte ein mit Bienenwachs behandeltes Kleid aus der Herbst/Winter-Show 2026, die ebenfalls in Shanghai inszeniert wurde.

Artisanal ist dabei mehr als eine Couture-Linie: Es ist das Herzstück der kreativen Praxis des Hauses. Jedes Stück wird im Pariser Atelier von Hand gefertigt – oft aus gefundenen Materialien, die durch Transformation und Experiment zu neuen Bedeutungen gelangen.

Themenräume: Dekonstruktion, Upcycling und Illusion

Die Ausstellung war nicht chronologisch, sondern thematisch aufgebaut. In offenen Containern – inspiriert von der Szenerie der FW2026 Show – wurden zentrale Konzepte des Hauses erfahrbar gemacht:

• Upcycling: Die Wiederverwertung von Materialien als kreativer Ausgangspunkt
• Dekonstruktion: Das Sichtbarmachen von Schnitt, Struktur und Prozess
• Trompe l’œil: Die spielerische Täuschung des Auges
• Archetypen: Neuinterpretationen klassischer Kleidungsformen
• Rohmaterialien: Die poetische Kraft des Unfertigen
• Transformation des Alltäglichen: Mode als Umdeutung von Realität

Diese kuratorische Entscheidung unterstrich den experimentellen Charakter von Artisanal als „Labor“ – ein Raum, in dem Ideen entstehen, scheitern und neu gedacht werden.

Teil eines größeren Narrativs: MaisonMargiela/folders

Die Ausstellung war der Auftakt eines umfassenderen Projekts: MaisonMargiela/folders. Dieses mehrteilige Format erstreckte sich über vier chinesische Städte und widmete sich jeweils einem zentralen Code des Hauses – von Anonymität über das ikonische Tabi bis hin zur Atelierpraxis.

In Shanghai begann diese Reise mit Artisanal – als Ursprung und kreativer Motor.

Mode als Denkraum

Mit „Artisanal: Our Creative Laboratory“ hat Maison Margiela einmal mehr gezeigt, dass Mode weit über Kleidung hinausgeht. Die Ausstellung – inzwischen abgeschlossen – war ein temporärer Denkraum, in dem Handwerk, Konzept und Kunst miteinander verschmolzen.

Ein flüchtiger Moment, der dennoch nachwirkt.

Wie der Bassist der Red Hot Chili Peppers mit „Honora“ zu seinen musikalischen Wurzeln zurückkehrt

Nach über vier Jahrzehnten als treibende Kraft der Red Hot Chili Peppers überrascht Flea mit einem zutiefst persönlichen Schritt: seinem ersten Soloalbum. „Honora“ ist kein Rock-Statement – sondern ein intimes Jazz-Manifest, das von Hingabe, Disziplin und der Rückkehr zu den eigenen Ursprüngen erzählt.

Ein Kindheitstraum, der Jahrzehnte reifte

„Ich habe beschlossen, jeden Tag Trompete zu spielen“, erzählt Flea im Gespräch mit Zane Lowe. Diese scheinbar einfache Entscheidung wurde zum Ausgangspunkt einer Reise, die schließlich in Honora mündete.

Denn bevor Flea als einer der einflussreichsten Bassisten der Rockgeschichte gefeiert wurde, war die Trompete seine erste große Liebe. Inspiriert von Jazzgrößen wie Dizzy Gillespie begann er schon als Kind zu spielen – und kehrt nun, Jahrzehnte später, zu diesem Ursprung zurück.

Der Entschluss: tägliche Praxis, kompromisslose Hingabe – und irgendwann ein Album. Ein Versprechen an sich selbst.

„Honora“ – Zwischen Intimität und Improvisation

Das am 27. März 2026 veröffentlichte Album Honora markiert Fleas ersten Solo-Longplayer und eine bewusste Abkehr vom gewohnten Sound.

Die zehn Tracks bewegen sich zwischen freier Improvisation, spirituellen Klanglandschaften und zugänglichen Jazzmomenten. Besonders prägend: Fleas Spiel auf der Trompete, das den Kern des Albums bildet.

Neben Eigenkompositionen finden sich auch überraschende Neuinterpretationen – etwa von Frank Ocean oder Jimmy Webb. Gäste wie Thom Yorke und Nick Cave verleihen dem Werk zusätzliche Tiefe.

„Now we are human beings right here…“ – Flea in A Plea

Ein Satz, der das Album auf den Punkt bringt: Es geht um Menschlichkeit, Verbindung – und Musik als universelle Sprache.

Loslassen, um anzukommen

Ein zentrales Thema im Interview mit Zane Lowe: das Loslassen von Erwartungen. Flea beschreibt, wie er sich bewusst vom Perfektionismus befreit hat – zugunsten von Ausdruck und Authentizität.

Jazz wird hier nicht als Genre verstanden, sondern als Haltung: offen, suchend, lebendig.

Auch die LA Times beschreibt diesen Schritt als späte, aber konsequente Transformation: Mit 63 werde Flea „endlich der Jazzmusiker, der er immer sein wollte“.

Ein anderer Zugang zur Musik

Was Honora besonders macht, ist weniger ein stilistischer Bruch als eine Verschiebung im Zugang zur Musik.

Flea beschreibt im Gespräch mit Zane Lowe immer wieder die Entscheidung, sich auf tägliche Praxis zu konzentrieren – ohne Ziel, ohne Erwartungsdruck. Dieses konsequente Wiederholen wird zum eigentlichen Fundament des Albums.

Die Stücke wirken entsprechend offen und prozesshaft. Improvisation ist kein Effekt, sondern Ausgangspunkt. Auch die reduzierte Produktion unterstützt diesen Eindruck: viel Raum, wenig Überlagerung, klare Instrumentierung.

In diesem Kontext erscheint Honora weniger als „Solo-Debüt“ im klassischen Sinne, sondern eher als dokumentierter Arbeitszustand – ein Moment, in dem sich Technik, Routine und Intuition treffen.