Poetische Fragmente von Identität, Migration und weiblicher Kraft im Espace Louis Vuitton

Mit einer kraftvollen Ausstellung feiert das Espace Louis Vuitton Tokyo nicht nur zwei bedeutende Jubiläen, sondern widmet sich einer der faszinierendsten Stimmen der zeitgenössischen Kunst: Rina Banerjee. Ihre Werke bewegen sich zwischen kulturellen Fragmenten, poetischen Narrativen und einer radikal femininen Perspektive auf Identität im globalen Kontext.

Zwischen Diaspora und Imagination

Anlässlich des 20-jährigen Bestehens der Espaces Louis Vuitton sowie des 10-jährigen Jubiläums des Hors-les-murs-Programms präsentiert das Espace Louis Vuitton Tokyo eine außergewöhnliche Ausstellung der indisch-amerikanischen Künstlerin Rina Banerjee.

Banerjees Arbeiten sind vielschichtige Kompositionen aus gefundenen Materialien – von Textilien, Federn und Straußeneiern bis hin zu Alltagsobjekten wie Baumwollfäden oder Kokospulver. Diese Materialien tragen Spuren kolonialer Geschichte und globaler Handelswege in sich und werden von der Künstlerin in komplexe, fast mystische Installationen und Skulpturen transformiert.

Ihre Kunst bewegt sich in einem Spannungsfeld zwischen Abstraktion und Figuration – und entzieht sich bewusst dem kolonialen Blick.

Weibliche Narrative jenseits des Blicks

Im Zentrum von Banerjees Werk steht eine postkoloniale, feministische Perspektive. Ihre Figuren – oft inspiriert von hinduistischen Göttinnen – sind kraftvoll, vielschichtig und bewusst jenseits stereotyper Darstellungen angelegt.

„Den Blick zu befreien bedeutet, auch die Vorstellung von Weiblichkeit neu zu definieren.“

Ihre Werke erzählen Geschichten von Migration, Identität und Zugehörigkeit. Dabei entstehen poetische Titel, die selbst Teil des künstlerischen Ausdrucks sind – wie der Titel der Ausstellung:

„You made me leave my happy home to become someone else anew…“

Diese narrative Tiefe macht jede Arbeit zu einem emotionalen und intellektuellen Erlebnis zugleich.

Globale Bewegungen, fragile Systeme

Die Ausstellung versammelt insgesamt 19 Werke – Installationen, Skulpturen und Malerei – und setzt sich intensiv mit Themen wie globaler Mobilität, kolonialem Erbe und ökologischer Fragilität auseinander.

Im Mittelpunkt steht die monumentale Installation
„In an unnatural storm a world fertile, fragile and desirous…“ (2008),
die erstmals von der Fondation Louis Vuitton präsentiert wird.

Ergänzt wird sie durch neuere Arbeiten wie Black Noodles (2023), die sich mit dem globalen Handel von menschlichem Haar und dessen politischen Dimensionen auseinandersetzt.

Banerjees Werk ist dabei stets vieldeutig: ästhetisch verführerisch und zugleich kritisch, poetisch und politisch.

Eine transnationale Identität als künstlerischer Motor

Geboren 1963 in Kolkata, lebt und arbeitet Rina Banerjee heute in New York. Ihre eigene Biografie – geprägt von Migration zwischen Indien, Großbritannien und den USA – spiegelt sich unmittelbar in ihrem Werk wider.

Mit einem Hintergrund in Polymer Engineering und einer späteren Ausbildung an der Yale University verbindet sie wissenschaftliche Präzision mit künstlerischer Intuition.

Ihre Arbeiten wurden weltweit ausgestellt – unter anderem bei der Whitney Biennale sowie der Biennale von Venedig – und sind Teil bedeutender internationaler Sammlungen.

Kunst als poetischer Widerstand

Die Ausstellung im Espace Louis Vuitton Tokyo ist mehr als eine Retrospektive – sie ist ein immersiver Raum, in dem sich Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft überlagern.

Banerjee erschafft eine Welt, in der Identität nicht statisch ist, sondern sich ständig neu formt – fragil, hybrid und voller Möglichkeiten.

The Art of Incense and Botanical Perfumery

Mitten im kreativen Herzen von New York entstand eine Parfummarke, die heute zu den faszinierendsten Stimmen der Nischenparfümerie zählt. Aedes de Venustas verbindet botanische Inspiration, barocke Opulenz und moderne Duftkunst zu olfaktorischen Kompositionen, die weit über klassische Parfumstrukturen hinausgehen.

Die Welt von Aedes de Venustas

Ein „Tempel der Schönheit“ in New York

Die Geschichte von Aedes de Venustas beginnt nicht als klassische Parfummarke, sondern als legendäre Parfümerie im New Yorker West Village. Die Boutique wurde von Robert Gerstner und Karl Bradl gegründet und entwickelte sich schnell zu einer der wichtigsten Adressen für avantgardistische Duftkunst.

Der Name bedeutet übersetzt „Tempel der Schönheit“ – eine passende Beschreibung für einen Ort, der Duft nicht als Accessoire versteht, sondern als kulturelle Ausdrucksform.

Viele Jahre kuratierten Gerstner und Bradl dort internationale Nischenparfums, bevor sie 2012 ihre eigene Duftkollektion lancierten. Diese erste Kreation – schlicht Signature genannt – wurde zur olfaktorischen Essenz der Boutique und markierte den Beginn einer eigenständigen Duftwelt.

Barocke Eleganz und botanische Inspiration

Die Duftästhetik von Aedes de Venustas ist unverwechselbar.
Viele der Kompositionen kreisen um seltene botanische Rohstoffe und Weihrauch – zwei Elemente, die tief in der Geschichte der Parfümerie verwurzelt sind.

Die Gründer arbeiten mit renommierten Parfümeuren zusammen und geben ihnen bewusst großen kreativen Spielraum. So entstehen moderne Duftarchitekturen, die häufig von einer einzelnen pflanzlichen Inspiration ausgehen – einer Blüte, einem Harz oder einer Landschaft.

Diese Philosophie führt zu Parfums, die gleichzeitig opulent und experimentell wirken: sinnlich, aber nie vorhersehbar.

Duft als künstlerische Zusammenarbeit

Aedes de Venustas versteht Parfum als künstlerischen Dialog zwischen Marke und Parfümeur.
Zu den kreativen Partnern gehören international renommierte „Nasen“, die mit den Gründern eng zusammenarbeiten, um komplexe Duftwelten zu entwickeln.

Viele dieser Kooperationen wurden auch ausgezeichnet. So erhielt beispielsweise Iris Nazarena den renommierten Fragrance Foundation Award als „Perfume Extraordinaire of the Year“.

Diese Anerkennung bestätigt den Anspruch der Marke: Parfum nicht nur als Produkt, sondern als olfaktorische Kunstform zu verstehen.

Ästhetik bis ins Detail

Auch die Gestaltung der Flakons folgt dieser Philosophie.
Die ikonischen Flaschen aus geriffeltem Glas verbinden klassische Eleganz mit modernen Details – etwa den charakteristischen Pfauenblau-Akzenten, die an die ursprüngliche Boutique in der Christopher Street erinnern.

Schwere Kappen, klare Linien und eine reduzierte Farbpalette unterstreichen die luxuriöse, fast architektonische Präsenz der Flakons.

Eine neue Generation von Nischendüften

Heute umfasst die Kollektion eine Reihe charakterstarker Eau de Parfums, die sich thematisch zwischen botanischer Inspiration, kulturellen Referenzen und imaginären Landschaften bewegen.

Ob mystische Weihrauchakkorde, edle Hölzer oder florale Kompositionen – jede Kreation erzählt eine eigene Geschichte und bleibt doch unverkennbar Teil der ästhetischen Welt von Aedes de Venustas.

Damit gehört die Marke zu jenen wenigen Nischenhäusern, die Parfum als sinnliche Erfahrung zwischen Kunst, Design und Kultur verstehen.

Wenn Kunst Geschichte sichtbar macht

In ihrem Studio in Houston spricht die vietnamesisch-amerikanische Künstlerin Tiffany Chung über Erinnerung, Migration und darüber, wie Kunst offizielle Narrative hinterfragen kann.

Die multidisziplinäre Künstlerin arbeitet mit Karten, Skulpturen, Malerei und digitalen Medien. Ihre Werke verbinden intensive Recherche mit persönlicher Erfahrung und eröffnen neue Perspektiven auf die menschlichen Folgen von Krieg, Vertreibung und Migration.

Ausgehend von der Logik der Kartografie untersucht Chung die komplexen Verflechtungen politischer, sozialer, wirtschaftlicher und ökologischer Prozesse. Ihre Arbeiten stellen offizielle Geschichtsschreibungen infrage – insbesondere dort, wo individuelle Stimmen und persönliche Erfahrungen aus dem kollektiven Gedächtnis verschwinden.

„Eine Karte ist eine Möglichkeit, einen Ort von oben zu kontrollieren – sie kann ausradieren, was tatsächlich in einer Landschaft existiert. Wie können wir diese Macht zurückgewinnen, damit Karten auch Geschichten erzählen, die ausgelöscht wurden?“
— Tiffany Chung

Zwischen persönlicher Geschichte und globaler Erinnerung

Chungs künstlerische Praxis ist eng mit ihrer eigenen Biografie verbunden. In Vietnam geboren, kam sie als Kind mit ihrer Familie als Flüchtling in die USA. Diese Erfahrungen prägen ihr Werk bis heute.

Historische Dokumente, Satellitenbilder und demografische Statistiken übersetzt sie in präzise komponierte visuelle Arbeiten, die analytische Genauigkeit mit emotionaler Tiefe verbinden. Ihre Karten sind dabei keine neutralen Darstellungen von Territorien – vielmehr zeichnen sie Bewegungen von Menschen, Geschichten von Flucht und Erinnerung nach.

Für die Reihe “Meet the Artists” öffnet Chung ihr Studio in Houston für ein Gespräch über Kunst, die nicht nur geografische Räume kartiert, sondern auch unsichtbare Geschichten sichtbar macht. Ihre Arbeiten erinnern daran, wie wichtig es ist, historische Amnesie zu vermeiden und verdrängte Narrative wieder ans Licht zu bringen.

Die Künstlerin wird von den Galerien Kiang Malingue (Hongkong, New York), Max Estrella (Madrid) und Ryan Lee (New York) vertreten.

Über NOWNESS

NOWNESS ist eine international renommierte Plattform für kuratierte Videoinhalte rund um Kunst, Design, Mode, Architektur und Kultur. Seit ihrer Gründung steht die Plattform für visuell außergewöhnliches Storytelling und präsentiert Arbeiten führender Kreativer ebenso wie neue Stimmen der internationalen Kulturszene.

Kunst, Emotion und italienische Exzellenz – Sergio Soldano kehrt auf die internationale Bühne zurück

New York als Bühne einer Wiedergeburt: Mit einer eindrucksvollen Präsentation im legendären Printemps New York feierte das italienische Modehaus Sergio Soldano sein offizielles Comeback im Rahmen der New York Fashion Week. In Partnerschaft mit Fashion Group International (FGI) präsentierte das Haus seine Fall/Winter 2026–2027 Ready-to-Wear Kollektion – ein kraftvolles Statement zwischen Heritage und Zukunft.

Ein Abend zwischen Art Déco und Avantgarde

Die Präsentation entfaltete sich wie eine immersive Inszenierung: Im Boudoir-Salon des Hauses, durchdrungen von Art-Déco-Atmosphäre und französischer Eleganz, entstand eine lebendige Mise-en-Scène. Silhouetten schwebten über den Köpfen der Gäste, während Models die Entwürfe performativ interpretierten – Mode als lebendiges Tableau.

Für die emotionale Dramaturgie sorgten die Geigerin Lauren Cauley sowie die Sängerin Minda Larsen, deren Performance den Abend in eine fast theatrale Intensität tauchte.

Unter den Gästen: Branchenpersönlichkeiten wie Maryanne Grisz, Thierry Prevost und Fern Mallis – ein klares Signal für die Relevanz dieser Rückkehr.

Die Kollektion: 107 Kapitel einer neuen Ära

Unter der kreativen Leitung von Giovanni Premoli und Dario Di Bella präsentiert sich Sergio Soldano mit 77 Looks und 27 Accessoires als neu definierte Luxusvision.

Statt nostalgischer Archiv-Zitate entwickelten die Designer eine neue visuelle Sprache: Ölmalerei auf Leinwand wird in Prints transformiert, auf Seide und edle Stoffe übertragen – Memory becomes Vision. Das Ergebnis ist eine Kollektion, die handwerkliche Präzision mit emotionalem Storytelling verbindet.

1. The Architecture of Black – Die Offenbarung der Anemone

Schwarz als architektonische Struktur: Leder und Seide formen skulpturale Volumen. Zentrales Motiv ist die handgefertigte Leder-Anemone – Symbol für Neubeginn, Resilienz und stille Stärke.

2. Genoa: Return to Origins

Eine Hommage an Genua – Geburtsort des Maestros. Historische Palazzi und urbane Perspektiven werden zu grafischen Seidenprints und klaren Linien. Die kulturellen Wurzeln des Hauses bilden das Fundament seiner Zukunft.

3. Squares in the City – Urbane Geometrien

Präzise Linien, funktionale Volumen, vibrierende Farbakzente. Eine Garderobe für die dynamische, moderne Frau – vielseitig, beweglich, urban.

4. The Time of Sinopia – Poetik des Neubeginns

Inspiriert von vorbereitenden Freskozeichnungen und architektonischen Details entlang der Via XX Settembre in Genua, transformiert die Kollektion Erinnerung in zukunftsweisende Gestaltung.

Das Erbe von 1968 – und seine Zukunft

1968 gegründet, prägte Sergio Soldano mit geometrischer Kühnheit, leuchtenden Farben und femininer Silhouettenführung die internationale Modeszene. Ikonen wie Elizabeth Taylor, Gina Lollobrigida und Monica Vitti trugen seine Entwürfe.

2024 wurde das Haus von Desire Holding Group übernommen und strategisch neu positioniert. Die Vision: italienisches Savoir-faire in einer zeitgenössischen, urbanen Ästhetik neu zu definieren.

Mindful Luxury mit urbaner Haltung

Was diese Rückkehr so besonders macht, ist ihre Haltung: kein lautes Revival, sondern eine bewusste, reflektierte Neuausrichtung. Handwerk, Materialität und Emotion stehen im Mittelpunkt. Sergio Soldano definiert Luxus nicht als Statussymbol, sondern als kulturellen Ausdruck.

Eine Renaissance, die zeigt: Wahre Mode entsteht dort, wo Vergangenheit und Zukunft in einen Dialog treten.

Ein Jubiläum zwischen Welterbe, Perspektivwechsel und kultureller Verantwortung

Seit 1776 steht die ALBERTINA für eine der bedeutendsten grafischen Sammlungen der Welt. Im Jahr 2026 feiert das Wiener Museum sein 250-jähriges Bestehen – nicht mit nostalgischem Rückblick allein, sondern mit einem selbstbewussten Blick nach vorne. Unter dem Leitthema „Große Vergangenheit – Große Zukunft“ entfaltet sich ein Jubiläumsprogramm, das das eigene Erbe neu liest, hinterfragt und für kommende Generationen weiterdenkt.

Gute Kunst ist zeitlos – und genau darin liegt ihre Zukunft.

Die Sammlung als Kraftzentrum

Im Zentrum des Jubiläumsjahres steht die eigene Sammlung: ein kultureller Schatz von Weltrang, der nicht nur bewahrt, sondern aktiv weiterentwickelt wird. Generaldirektor Ralph Gleis beschreibt die ALBERTINA als inspirierendes Kraftzentrum – offen für Innovation, neue Erzählungen und einen Dialog mit dem Publikum. Die Frage lautet nicht nur: Was war? Sondern vor allem: Was kann daraus entstehen?

Drei Ausstellungen – drei Perspektivwechsel

Drei große Jubiläumsausstellungen eröffnen neue Zugänge zur Sammlung:

• Faszination Papier lädt zu einem Entdeckungspfad durch das traditionsreiche Medium Papier ein – sinnlich, überraschend und interaktiv.
• Sammeln für die Zukunft rückt mit Erzherzogin Marie Christine erstmals jene Frau ins Zentrum, die maßgeblich an der Gründung und Ausrichtung der Sammlung beteiligt war. Ikonen von Albrecht Dürer bis Egon Schiele erzählen hier nicht nur Kunst-, sondern auch Sammlungsgeschichte.
• Künstlerinnen der ALBERTINA stellt weibliche Positionen aus Jahrhunderten in einen epochenübergreifenden Dialog – ein sichtbares Zeichen eines laufenden Forschungsprozesses und eines bewussten Perspektivwechsels.

Internationale Highlights & zeitgenössische Positionen

Das Jubiläumsjahr spannt einen weiten Bogen: von Honoré Daumiers politischer Karikatur über große Gegenüberstellungen von Pablo Picasso und Francis Bacon bis hin zu zeitgenössischen Formaten an der Schnittstelle von Kunst und Popkultur. Retrospektiven, Hommagen und Ausstellungen zu Künstlerinnen wie Helga Philipp oder Shara Hughes unterstreichen den Anspruch, historische Relevanz und Gegenwartskunst gleichwertig zu denken.

Offen für alle – Kunst als gemeinsames Erlebnis

Kunst soll verbinden. Deshalb lädt die ALBERTINA 2026 zu zahlreichen partizipativen Formaten: freier Eintritt am Geburtstag des Hauses, Familienprogramme, interaktive Ausstellungen, Kindervernissagen und neue Vermittlungsangebote wie die Kurzformate „Schau mal …“. Auch international wird das Jubiläum gefeiert – von New York bis Rom.

250 Jahre ALBERTINA bedeuten nicht Stillstand, sondern Bewegung. Ein Museum, das seine Geschichte kennt – und daraus mutig Zukunft gestaltet.

In Divers fängt der New Yorker Fotograf und Filmemacher Geordie Wood die stille Poesie des High Diving ein – einen Moment zwischen absoluter Kontrolle und vollständigem Loslassen. Entstanden im Rahmen eines exklusiven Trainingscamps in Fort Lauderdale, Florida, begleitet der Kurzfilm eine kleine Gruppe von Elite-Springern, die sich jeden Winter an einer der höchsten permanenten Sprungplattformen der Welt versammelt.

Geleitet vom Rhythmus des Trainings beobachtet Wood Rituale der Vorbereitung, konzentrierte Gesten und die gespannte Erwartung vor dem Aufstieg auf den 27 Meter hohen Turm. Zwischen Adrenalin und Stille entsteht eine visuelle Sprache, die den Sprung selbst als Akt radikaler Präsenz begreift.

„High Diving erfordert enorme körperliche Stärke und mentale Widerstandskraft – und zugleich Hingabe. Für mich wurde es zu einer Erforschung von absoluter Gegenwärtigkeit.“
— Geordie Wood

Der Film feierte Premiere beim Dokumentarfilmfestival Visions du Réel und entfaltet eine fast tänzerische Bildwelt: flüchtige Momente der Schwerelosigkeit, bevor der Körper mit Präzision ins Wasser gleitet. Divers ist eine Meditation über Disziplin, Mut und jene seltene Klarheit, die nur im vollkommenen Jetzt existiert.

In einer Zeit, in der Reisen weit mehr bedeutet als eine Übernachtung, steht The Hoxton Hotels für eine neue Welle urbaner Gastlichkeit: Boutique-Hotels, die nicht einfach global skaliert werden, sondern tief in ihren jeweiligen Stadtvierteln verwurzelt sind. Vom Ursprung im Londoner Shoreditch im Jahr 2006 bis hin zu Häusern in Wien, Berlin, Paris, Barcelona oder New York — jedes Hoxton ist so individuell wie seine Nachbarschaft und möchte nicht nur Besucher, sondern auch Einheimische anziehen.

Schon beim Betreten spürt man es: Die Lobby ist nicht nur Empfangsbereich, sie ist „Offenes Haus“. Große Tische, gemütliche Sitzgruppen, Tageslicht und eine dreidimensionale Energie machen sie zum sozialen Herzstück. Hier trifft man sich zum Frühstück, arbeitet am Laptop, plaudert bei einem Glas Wein oder entdeckt lokale Gespräche – ein Raum, der Gäste, Nachbarn, Kreative und Reisende zugleich empfängt.

Philosophie: Lokale Verbundenheit als DNA

Was The Hoxton von klassischen Hotelketten unterscheidet, ist ein Prinzip, das über Standard-Gastfreundschaft hinausgeht: Jedes Hotel ist ein Spiegel seiner Umgebung. Architektur, Kunst, Möbel, Materialien und Farbwelten orientieren sich nicht an einem universellen Katalog, sondern an der Identität des Viertels. In Berlin etwa verschmilzt die kreative Energie Charlottenburgs mit zeitgenössischem Design; in Paris wird der Charme eines historischen Stadtpalais modern interpretiert. Diese Interieurs entstehen oft in Zusammenarbeit mit lokalen Designern und Kunstschaffenden.

Das Engagement geht über ästhetische Bezüge hinaus: Mit Initiativen wie Good Neighbours will die Marke nachbarschaftliches Miteinander fördern – sei es durch Unterstützung lokaler Projekte, Partnerschaften mit Produzenten oder verantwortungsvolle Nachhaltigkeitspraktiken. Die Hotels verstehen sich als Teil der Stadtgemeinschaft, nicht als abgeschirmte Oasen für Tourist*innen.

Design trifft Alltag – Räume für Begegnung

Das charakteristische Interieur ist von zwei Polen inspiriert: wohnlicher Komfort und städtische Coolness. Hoxton-Hotels setzen bewusst auf Layered Interiors — eine Mischung aus Vintage, lokalem Handwerk, Kunstobjekten und moderner Ästhetik. Möbel wirken „gesammelt“, nicht „gekauft“; Textilien, Kunstwerke oder Fundstücke erzählen Geschichten des jeweiligen Ortes. Dadurch entsteht ein Gefühl von Zuhause auf Reisen.

Doch das Design ist kein Selbstzweck: Es dient der Begegnung. Die Lobby wird zur All-Day-Destination. Restaurants, Bars und Café-Corners sind offen für Nachbarn ebenso wie für Entdecker*innen. Durchdachte Raumsequenzen schaffen einen fließenden Übergang zwischen Rückzug und Geselligkeit – eine ­Balance, die Moderne, Wärme und Ungezwungenheit vereint.

Globale Präsenz, lokale Präsenz

Heute zählt The Hoxton rund 18 Häuser in 15 Städten weltweit — von London über Amsterdam und Barcelona bis New York und Chicago.

Doch trotz internationaler Expansion bleibt die Marke dem „Nachbarschaftsprinzip“ treu: Jeder Standort wird bewusst in ein lebendiges Viertel integriert. Diese urbane Vernetzung ist Teil des Konzepts: ein Hotel, das nicht nur besucht, sondern erlebt wird. So wird jede Reise zu einer Entdeckungsreise durch Kultur, Community und Kreativität.

Hospitality neu gedacht

The Hoxton Hotels stehen für eine Form von Gastlichkeit, die lokale Identität, offenes Design und soziale Räume miteinander verbindet. Sie fordern traditionelle Hotelkonzepte heraus, indem sie Lobbys zu lebendigen Treffpunkten machen, Kunst und Handwerk integrieren und ihre Türen bewusst für Einheimische öffnen. Es ist eine Form von urbaner Lebenskunst, die Reisen, Arbeiten, Genießen und Verweilen in einem fließenden Erlebnis verknüpft — und damit weit über die reine Unterkunft hinausgeht.

Mode, Haltung und Bewusstsein: Wenn Stil Bedeutung bekommt

Wenn Mode Ausdruck unserer Haltung ist, dann steht Kenneth Cole für eine, die Klarheit, Bewusstsein und Sinn vereint. Seit über vier Jahrzehnten prägt das New Yorker Label einen urbanen Stil, der über Ästhetik hinausgeht – Mode, die inspiriert, Position bezieht und verbindet.

Stil als Haltung

1982 in New York gegründet, verbindet Kenneth Cole minimalistisches Design mit sozialem Engagement. Das Leitmotiv der Marke – Always on Purpose – ist ein Bekenntnis zu bewusstem Handeln: Mode als Spiegel der Werte, die man lebt. Jedes Stück erzählt von Verantwortung, Offenheit und dem Mut, mit Stil Haltung zu zeigen.

Ob im Büro, auf Reisen oder im Alltag – die Kollektionen verkörpern einen modernen Lebensstil, der Selbstbewusstsein und Authentizität in Einklang bringt.

Jay Shetty & Kenneth Cole – Die Kunst, mit Sinn zu leben

Mit der Ernennung von Jay Shetty zum Purposeful Voice der Marke hat Kenneth Cole sein Selbstverständnis weiter vertieft. Shetty, Bestsellerautor, Podcaster und ehemaliger Mönch, steht für Achtsamkeit, Empathie und Sinnorientierung – Werte, die perfekt mit der Philosophie von Kenneth Cole harmonieren.

In der aktuellen Kampagne geht es um mehr als nur Kleidung. Es geht darum, bewusst zu leben, Selbstvertrauen auszustrahlen und Entscheidungen mit Intention zu treffen.
Oder, wie Kenneth Cole selbst sagt:

„What you stand for is more important than what you stand in.“

Mode wird hier zur Sprache innerer Überzeugung – zu einer Haltung, die sichtbar wird.

Mehr als Mode – ein soziales Statement

Kenneth Cole versteht Mode als Plattform für gesellschaftliche Wirkung. Mit Initiativen wie der Mental Health Coalition, gegründet 2020, engagiert sich das Label für psychische Gesundheit, Inklusion und soziale Offenheit.

So wird aus Design ein Dialog – und aus Stil eine Form des Bewusstseins.

Kenneth Cole steht für eine neue Definition von Luxus: Nicht Glanz, sondern Bedeutung. Nicht Oberfläche, sondern Haltung. In Kooperation mit Jay Shetty wird Mode zur Einladung, bewusster zu leben – und mit Stil den eigenen Werten Ausdruck zu verleihen.

Meet the artists by Art Basel x NOWNESS

In seinem Atelier in der San Francisco Bay Area reflektiert der amerikanische Künstler Woody De Othello über Ton, Herkunft und die stille Psychologie der Dinge. Geboren in Miami als Sohn haitianischer Eltern, belebt der multidisziplinäre Künstler Alltagsobjekte aus Keramik, Bronze und Holz mit emotionaler Tiefe. Telefone, Spiegel oder Uhren – bei De Othello scheinen sie zu atmen, beseelt von menschlicher Präsenz.

Durch das Vergrößern und Verformen dieser vertrauten Formen erforscht er die Psychologie des Raums und die Energie, die Objekte in sich tragen. Seine Werke sind zugleich humorvoll und tiefgründig – eine Hommage an die Verbindung zwischen Körper, Geist und Materialität.

„Ich möchte nichts erschaffen, nur weil jemand es erwartet“, sagt De Othello. „Ich möchte etwas erschaffen, weil ich sehen will, was passiert, wenn es entsteht.“

In der neuesten Episode von Meet the artists, präsentiert von Art Basel und NOWNESS, lädt De Othello in sein Studio in Oakland ein und nimmt das Team mit auf einen Spaziergang durch die Redwood-Wälder Nordkaliforniens. Zwischen Ton und Holz, Intuition und Handwerk, zeigt sich die duale Natur seiner Kunst – ein Dialog zwischen Additivem und Subtraktivem, zwischen Tun und Loslassen.

Seine Arbeiten sind bei Jessica Silverman (San Francisco) und Karma (Los Angeles, New York) vertreten. Ab dem 13. November 2025 ist De Othellos Ausstellung „Coming forth by day“ im Pérez Art Museum Miami zu sehen – mit neuen Keramik-, Holz- und Wandarbeiten sowie einer großformatigen Bronzeskulptur.

Video: NOWNESS x Art Basel – Meet the artists: Woody De Othello

Ein filmischer Albtraum zwischen Begehren und Identität

Eine mysteriöse Schlangenfrau, eine Motorradfahrerin zwischen Traum und Realität, und ein Spiel mit kulturellen Identitäten: In Winnie Cheungs Kurzfilm Last Call verschmelzen Erotik, Horror und Folklore zu einem hypnotischen Kunstwerk.

In Last Call, dem neuesten Beitrag der NOWNESS Shorts, taucht die in Hongkong geborene und in New York lebende Filmemacherin Winnie Cheung tief in die Psyche einer jungen Frau ein, die zwischen Realität und Fantasie gefangen ist. Die Motorradfahrerin Claudia wird von erotischen Halluzinationen einer verführerischen Schlangenfrau heimgesucht – einem Wesen, das zugleich Bedrohung und Befreiung symbolisiert.

Mit einer Mischung aus campy horror, romantischem Surrealismus und introspektiver Symbolik verwebt Cheung Themen wie Migration, kulturelle Zugehörigkeit und weibliche Selbstermächtigung. Dabei schöpft sie aus chinesischer Folklore, um weibliche Körper jenseits des westlichen Blicks neu zu erzählen – als spielerisch, kraftvoll und wandelbar.

„Last Call wurde zu einem Gefäß, um mich selbst zu sehen. Ich wollte weibliche Körper zeigen, die sich zwischen Welten bewegen, frei und sinnlich zugleich. Diese Form der ‚Andersartigkeit‘ ist für mich eine Superkraft.“
– Winnie Cheung

Mit theatralischem Licht, intensiver Farbgebung und einem Sinn für surreale Übergänge erschafft Cheung eine traumähnliche Atmosphäre, die das Spannungsverhältnis zwischen Identität und Anpassung spiegelt. Last Call ist ein filmisches Ritual über Verwandlung – und über das Gefühl, in mehreren Welten zugleich zu existieren.

Über NOWNESS

NOWNESS ist eine kuratierte Videoplattform, die sich der Kunst, Kultur und dem zeitgenössischen Storytelling verschrieben hat. Seit ihrer Gründung im Jahr 2010 gilt sie als eine der einflussreichsten Adressen für audiovisuelle Kultur – ein Ort, an dem Filmemacher:innen, Künstler:innen und Visionär:innen ihre Perspektiven auf Schönheit, Identität und Emotion teilen. Last Call ist Teil der Reihe NOWNESS Shorts, die außergewöhnliche Kurzfilme aus der ganzen Welt präsentiert und neue filmische Stimmen sichtbar macht.