Die neue Ghidini1961 Collection 2026 versteht Design nicht als Objekt, sondern als räumliche Choreografie aus Material, Licht und Bewegung.

Es gibt Kollektionen, die neue Möbel präsentieren. Und es gibt Kollektionen, die eine neue Haltung zum Wohnen formulieren. Die 2026 Collection von Ghidini1961 gehört eindeutig zur zweiten Kategorie.

Anstatt einzelne Produkte in den Mittelpunkt zu stellen, entwickelt das italienische Designlabel ein zusammenhängendes Universum, in dem Sofas, Tische und Leuchten miteinander kommunizieren. Gemeinsam definieren sie Räume nicht über Dekoration, sondern über Präsenz, Materialität und Atmosphäre. Dabei bleibt Ghidini1961 seiner DNA treu: Metall ist nicht bloß Konstruktion, sondern Ausdruck handwerklicher Präzision, während Marmor, Glas und Textilien zu gleichwertigen Protagonisten werden.

Räume in Bewegung

Besonders deutlich wird diese Haltung im modularen Sofa Settebello, entworfen von Lorenza Bozzoli. Seine großzügigen, weich modellierten Elemente lösen sich bewusst von klassischen orthogonalen Grundrissen. Trapezförmige Module und skulpturale Halbinseln erlauben immer neue Konfigurationen, die sich den Menschen anpassen – und nicht umgekehrt.

Das Sofa wird dadurch weniger zu einem Möbelstück als zu einer Landschaft. Ein Ort, der Begegnung ermöglicht, unterschiedliche Nutzungen zulässt und sich jederzeit neu organisieren lässt. Wohnen erscheint hier nicht als statischer Zustand, sondern als fortlaufender Prozess.

Licht als Architektur

Auch die Beleuchtung folgt diesem Gedanken. Mit Ypsilon entwickelt Lorenza Bozzoli ein modulares Lichtsystem, dessen lineare Elemente sich verzweigen und zu beinahe schwebenden Lichtarchitekturen verbinden.

Licht wird dabei nicht nur funktional eingesetzt, sondern strukturiert den Raum selbst. Linien werden zu Wegen, Verbindungen zu Knotenpunkten, während geriffeltes Glas das Licht weich in die Umgebung streut. Die Leuchte wirkt dadurch fast wie eine gezeichnete Architektur im Raum.

Skulpturen des Alltags

Die übrigen Neuheiten greifen dieselbe Idee auf: Möbel entstehen aus klaren geometrischen Grundformen, entwickeln jedoch eine überraschende skulpturale Kraft.

Der runde Tria-Tisch interpretiert seine zentrale Säule als monumentale Skulptur aus Naturstein, während Paolo Rizzattos Lancillotto klassische Architektur mit zeitgenössischer Reduktion verbindet. Die neue Unduetre-Leuchte bringt Marmor, Messing und Glas in ein fein austariertes Gleichgewicht zwischen Schwere und Leichtigkeit.

Auch kleinere Objekte wie die Cono-Beistelltische oder das weiterentwickelte Cards-System folgen derselben gestalterischen Logik: Jedes Objekt besitzt eine starke Identität, bleibt dabei jedoch offen für unterschiedliche räumliche Situationen.

Design als lebendiges System

Bemerkenswert ist zudem, dass Ghidini1961 seine bestehenden Entwürfe kontinuierlich weiterentwickelt. Die Leuchte Dash erscheint nun als hexagonale Version, Andrea Branzis ikonisches Regal Incrocio und die Stehleuchte Giotto erhalten eine neue Chromoberfläche, während die skulpturale Wandleuchte Kaleidos der Campana Brothers ihr faszinierendes Spiel aus Reflexion und Licht fortsetzt. Die Kollektion wächst dadurch organisch weiter, anstatt ständig nach radikaler Neuerfindung zu suchen.

Italienisches Design zwischen Handwerk und Zukunft

Seit seiner Gründung verbindet Ghidini1961 die jahrzehntelange Metallkompetenz von Ghidini Giuseppe Bosco mit einer zeitgenössischen Designsprache. Die neue Kollektion führt diesen Weg konsequent weiter. Sie zeigt, dass Luxus heute nicht zwangsläufig durch Opulenz entsteht, sondern durch Materialqualität, Präzision und Objekte, die mit dem Raum und seinen Bewohnern in Beziehung treten.

So entsteht eine Kollektion, die weniger Möbel präsentiert als Möglichkeiten. Möglichkeiten, Räume immer wieder neu zu denken – und sie dadurch lebendig werden zu lassen.

Mit NIÒBĒ entsteht am Comer See ein Ort, an dem Architektur nicht Kulisse für Gastronomie ist, sondern Teil des kulinarischen Erlebnisses. Flaviano Capriotti Architetti verwandeln eine historische Villa in einen Raum, der Wasser, Licht, Material und Küche zu einer gemeinsamen Erzählung verbindet.

Der Comer See gehört zu jenen Landschaften, die seit Jahrhunderten Künstler, Architekten und Reisende inspirieren. Seine wechselnden Lichtstimmungen, die steilen Berghänge und das Zusammenspiel von Wasser und Vegetation prägen eine Atmosphäre, die sich kaum beschreiben lässt – und gerade deshalb immer wieder neu interpretiert wird.

Mit NIÒBĒ in Lecco wagt das Mailänder Büro Flaviano Capriotti Architetti genau diesen Versuch. Statt den See lediglich als spektakuläre Kulisse zu nutzen, wird seine Identität selbst zum Entwurfsmaterial. Architektur übersetzt hier Landschaft – nicht durch dekorative Zitate, sondern durch Proportionen, Materialien und Licht.

Die ehemalige Privatvilla wurde vollständig neu interpretiert und in ein Fine-Dining-Restaurant, ein Bistro sowie einen außergewöhnlichen Weinkeller verwandelt. Auf rund 430 Quadratmetern entsteht ein Ensemble, das Innen- und Außenraum bewusst miteinander verschmelzen lässt.

Die Landschaft wird zum Entwurf

Flaviano Capriotti verfolgt einen Ansatz, der in vielen seiner Hospitality-Projekte sichtbar wird: Architektur soll nicht dominieren, sondern Beziehungen schaffen. Räume fließen ineinander, Blickachsen bleiben offen und großzügige Verglasungen holen den See bis tief ins Gebäude hinein.

Organische Linien ersetzen starre Geometrien. Geschwungene Möbel, sanfte Übergänge und intime Bereiche erzeugen eine räumliche Kontinuität, die den Besucher beinahe unmerklich durch das Gebäude führt. Selbst die Kunstwerke des italienischen Malers Tullio Pericoli werden Teil dieser räumlichen Choreografie.

Materialien erzählen vom Ort

Besonders konsequent wird diese Haltung bei der Materialwahl sichtbar.

Der Naturstein der Fassade nimmt Bezug auf die umliegenden Berge. Ulmenholz prägt Wandverkleidungen und Maßmöbel, während ein Putz auf Basis von Reisschalen sowohl akustische Qualitäten besitzt als auch an die landwirtschaftliche Geschichte der Region erinnert.

Auch die Farbwelt entsteht aus dem Ort selbst. Grün-, Grau- und Blautöne spiegeln die ständig wechselnden Reflexionen des Wassers wider. Strukturierte Oberflächen und handwerklich ausgeführte Putze fangen das natürliche Licht ein und verändern ihren Charakter im Laufe des Tages. Große Leuchten erzeugen zusätzlich ein Spiel aus Transparenz und Reflexion, das an die Oberfläche des Sees erinnert.

Architektur für den Wein

Eine besondere Rolle übernimmt der Wein.

Statt den Weinkeller zu verstecken, wird er zum architektonischen Zentrum des Restaurants. Mehr als 600 Positionen bilden nicht nur die Grundlage einer außergewöhnlichen Weinkarte, sondern werden selbst zum räumlichen Erlebnis.

Der kreisförmige Wine Room für sechs Gäste ist vollständig von Ulmenholz-Regalen umgeben und macht den Wein zu einem integralen Bestandteil der Architektur. Materialität, Licht und Genuss verschmelzen zu einer gemeinsamen Inszenierung.

Kulinarik als Fortsetzung der Landschaft

Auch die Küche folgt diesem Gedanken.

Unter der Leitung des mit einem Michelin-Stern ausgezeichneten Küchenchefs Franco Caffara entstehen Gerichte, die lokale Zutaten und Traditionen zeitgenössisch interpretieren. Gleichzeitig wird der Garten selbst Teil des gastronomischen Konzepts. Kräuter und essbare Pflanzen wachsen unmittelbar rund um das Restaurant und finden ihren Weg direkt in die Küche.

Damit entsteht eine ungewöhnliche Verbindung: Architektur, Landschaftsgestaltung und Kulinarik erzählen nicht drei verschiedene Geschichten, sondern dieselbe – aus unterschiedlichen Perspektiven.

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Qualität von NIÒBĒ. Das Restaurant versteht Architektur nicht als spektakuläres Objekt, sondern als Medium, das Atmosphäre schafft. Es ist ein Ort, an dem Landschaft nicht betrachtet wird, sondern räumlich erfahrbar wird – und an dem Essen, Wein und Design zu einer einzigen sinnlichen Erfahrung verschmelzen.

Neue Lieblingsplätze im Das Kaltenbach: Der jüngste Umbau verbindet alpinen Charme mit modernem Design und schafft stilvolle Räume für genussvolle Momente vom Frühstück bis zum Abend.

Im Das Kaltenbach ist Stillstand höchstens ein kleiner Zwischenmoment. Familie Haas entwickelt ihr Naturhotel im Zillertal laufend weiter – mit Gespür für Qualität und Atmosphäre, zwischen alpiner Bodenständigkeit und zeitgemäßem Design. Der jüngste Umbau ist nun abgeschlossen und führt die vertraute Handschrift aus Altholz und Ästhetik behutsam weiter…

Slow Mornings

Der neue Frühstücksraum gibt dem Morgen im Das Kaltenbach einen neuen Rahmen. Gespachtelte Terrastone-Wände verleihen dem Raum natürliche Struktur, warme Erdtöne schaffen Behaglichkeit und Designleuchten von Occhio setzen feine Akzente. Maßgefertigte Tische mit edlen Einlegearbeiten treffen auf elegante Stühle von Freifrau und gemütliche Polstermöbel im Lounge-Stil.

Auch das Frühstücksbuffet fügt sich harmonisch in das neue Raumgefühl ein: mit einer Verkleidung aus Taj Mahal Stein in Marmor-Optik, einer Saftecke mit Touchpanel und zwei modernen WMF Kaffeemaschinen.

Evening Pleasures

Auch die Bar zeigt sich voan einer neuen Seite. Besonders bequeme Stühle von KFF in gemütlichem Bouclé-Stoff, ein Raumtrenner aus demselben Stein wie im Frühstücksbereich und ein neuer Lounge-Bereich schaffen zusätzliche Lieblingsplätze. Ein Ort, um anzukommen, einzusinken und den Tag entspannt ausklingen zu lassen.

Hideaway im Zillertal

Das Kaltenbach ist ein Natur- und Lifestylehotel im Zillertal mit Zimmern, Suiten und Apartments. Leicht erhöht am Waldrand gelegen, direkt am Bach und gestaltet wie ein kleines Bergdorf, verbindet das Haus alpine Bodenständigkeit mit modernem Komfort und viel Raum für Erholung. Ein Spa auf dem Dach, der Blick in die Zillertaler Bergwelt und die persönliche Handschrift von Familie Haas machen Das Kaltenbach zu einem besonderen Rückzugsort für alle, die Natur, Qualität und Stil schätzen.

Das Kaltenbach is a member of Lifestylehotels

Fotos: Hannes Niederkofler; Tom Klocker

Schimmernde Oberflächen, ikonisches Design und die Renaissance der analogen Schreibkultur

Manche Designobjekte erfüllen einen Zweck. Andere erzählen eine Geschichte. Der neue Kaweco LUNAR Sport verbindet beides und macht den Blick zum Himmel zum Ausgangspunkt einer außergewöhnlichen Farbwelt.

Inspiriert von den geheimnisvollen Reflexionen des Mondes erweitert Kaweco seine beliebte Sport-Serie um zwei irisierende Farbvarianten, die Licht und Schatten in ständigem Wandel erscheinen lassen. Je nach Perspektive verändern sich die Farben, schimmern zwischen Grün- und Bronzetönen und verleihen jedem Schreibgerät einen ganz eigenen Charakter.

Ein Farbspiel zwischen Licht und Schatten

Mit den beiden neuen Nuancen Light Green und Shadow Green interpretiert Kaweco die Atmosphäre einer Mondlandschaft auf unterschiedliche Weise.

Während Light Green an das sanfte Leuchten des Mondlichts erinnert, wirkt Shadow Green tiefer und kontrastreicher – wie eine klare Frühlingsnacht unter sternenklarem Himmel. Bewegt man den Stift im Licht, entstehen faszinierende Farbwechsel zwischen Grün und Bronze. Die Oberfläche scheint zu leben und verändert ihre Wirkung mit jedem Blickwinkel.

Gerade dieser irisierende Effekt macht den LUNAR Sport zu mehr als einem klassischen Schreibgerät. Er wird zum kleinen Designobjekt für den Schreibtisch, die Jackentasche oder das Notizbuch.

Leichtigkeit trifft Funktion

Typisch für die Sport-Serie bleibt auch der LUNAR Sport seiner Funktionalität treu. Das leichte ABS-Material sorgt für ein nahezu schwereloses Schreibgefühl und ermöglicht komfortables Schreiben auch über längere Zeiträume. Gleichzeitig überzeugt das Material durch die Robustheit, für die Kaweco seit Jahrzehnten bekannt ist.

So verbindet der LUNAR Sport Alltagstauglichkeit mit einer außergewöhnlichen visuellen Präsenz – eine Kombination, die funktionales Produktdesign besonders reizvoll macht.

Ein Schreibgerät für individuelle Ansprüche

Der Kaweco LUNAR Sport ist in fünf verschiedenen Ausführungen erhältlich: als Füllhalter, Kugelschreiber, Rollerball, Druckbleistift oder Fallbleistift. Unterschiedliche Federstärken sowie verschiedene Minen ermöglichen eine individuelle Anpassung an persönliche Schreibgewohnheiten.

Passend dazu ergänzen optionale Clips in Gold, Silber, Bronze oder Schwarz sowie hochwertige Kaweco Etuis das System und machen den LUNAR Sport zu einem stilvollen Begleiter für Alltag, Beruf oder kreative Projekte.

Mit seiner Kombination aus ikonischem Design, hochwertiger Verarbeitung und einem faszinierenden Farbspiel zeigt Kaweco einmal mehr, dass auch analoge Schreibkultur Raum für Innovation bietet – und dass gutes Design manchmal einfach nur das richtige Licht braucht.

Zwischen künstlicher Intelligenz, Myzel und Handwerk entsteht eine neue Designsprache

Die Geschichte des Designs war lange Zeit von einer zentralen Idee geprägt: Form folgt Funktion. Ornament galt spätestens seit der Moderne als überflüssig, Reduktion wurde zum Qualitätsmerkmal. Doch eine neue Generation von Gestalterinnen und Gestaltern beginnt, diese Gewissheiten zu hinterfragen.

Einer der spannendsten Vertreter dieser Entwicklung ist der belgische Designer und Künstler Vito Boox. Seine Arbeiten wirken wie Fundstücke aus einer zukünftigen Naturgeschichte – als hätten Pilze, Korallen oder Erosionsprozesse begonnen, Möbel, Leuchten und Objekte selbst hervorzubringen.

Was zunächst surreal erscheint, folgt einer erstaunlich logischen Idee.

Boox nennt sie Neo-Ornamentalismus.

Ornament entsteht nicht mehr durch Dekoration

Während Ornament in der Vergangenheit meist nachträglich hinzugefügt wurde, entwickelt Boox eine vollkommen andere Sichtweise. In seiner Arbeit entsteht Ornament nicht auf der Oberfläche – sondern im Inneren der Form selbst.

Mithilfe von CGI, 3D-Modelling und computergestützter Gestaltung simuliert er natürliche Wachstumsprozesse wie Erosion, Zellbildung oder organische Expansion. Anschließend werden diese digitalen Strukturen durch traditionelles Handwerk in physische Objekte übersetzt.

So entstehen Möbel und Leuchten, die wirken, als wären sie nicht gefertigt, sondern gewachsen.

Es ist eine Designhaltung, in der Natur nicht länger als Inspirationsquelle dient, sondern selbst zum Mitgestalter wird.

Das Debüt bei Van Rossum

Internationale Aufmerksamkeit erhielt Boox mit seinem Debüt beim niederländischen Möbelhersteller Van Rossum während des Salone del Mobile in Mailand.

Für die traditionsreiche Marke entwickelte er die DATSU Collection – bestehend aus Esstischen und Hockern, deren weich modellierte Volumen an über Jahrtausende geformte Felsen erinnern.

Massives Holz trifft hier auf digitale Präzision. Die Objekte besitzen kaum sichtbare Kanten, sondern scheinen sich langsam aus dem Material heraus entwickelt zu haben.

Es entsteht eine skulpturale Ruhe, die zwischen Möbelstück und Kunstobjekt oszilliert.

Mit der Erweiterung um Leuchten, Spiegel und Accessoires öffnet Van Rossum zugleich ein neues Kapitel seiner Designgeschichte – eines, das stärker auf Atmosphäre als auf reine Funktion setzt.

Design aus Pilzwachstum

Noch konsequenter verfolgt Boox seine gestalterische Vision in der Zusammenarbeit mit dem niederländischen Unternehmen Aifunghi.

Hier entstehen Leuchten und Spiegel aus einem Material, das ebenso futuristisch wie natürlich wirkt: Mycelium-Based Composite (MBC) – einem vollständig recycelbaren Verbundwerkstoff aus Hanffasern und Pilzmyzel.

Die Leuchten der Serie Morchella erinnern an die charakteristische Oberfläche der gleichnamigen Speisemorchel. Gleichzeitig wirken sie beinahe außerirdisch – irgendwo zwischen biologischem Organismus, Art-Nouveau-Skulptur und digital generierter Architektur.

Auch die Tremella Mirrors greifen organische Wachstumsformen auf. Ihre skulpturalen Rahmen scheinen langsam über die spiegelnde Oberfläche zu fließen und verbinden nachhaltige Materialentwicklung mit einer neuen Form von Luxus.

Hier wird Nachhaltigkeit nicht über Verzicht kommuniziert, sondern über Schönheit.

Die Zukunft könnte organischer aussehen

Was Boox‚ Arbeiten besonders interessant macht, ist weniger ihre Ästhetik als ihre Haltung.

Während große Teile des zeitgenössischen Designs auf Vereinfachung, industrielle Effizienz und maximale Funktionalität setzen, schlägt er den entgegengesetzten Weg ein.

Komplexität wird nicht reduziert.

Sie wird kultiviert.

Digitale Werkzeuge dienen dabei nicht der Perfektion, sondern der Simulation natürlicher Prozesse. Technologie wird nicht als Gegensatz zur Natur verstanden, sondern als Mittel, ihre Logik sichtbar zu machen.

Gerade darin liegt die Aktualität seiner Arbeiten.

Sie zeigen, dass digitale Gestaltung nicht zwangsläufig zu glatten, anonymen Produkten führen muss. Sie kann ebenso zu Objekten führen, die emotional wirken, Geschichten erzählen und uns an biologische Prozesse erinnern, die weit älter sind als jede Software.

Eine neue Generation des Designs

Mit seinem Debüt bei Van Rossum, der Zusammenarbeit mit Aifunghi und seinen freien Arbeiten gehört Vito Boox zu jener Generation junger Designer, die Design nicht länger als rein funktionale Disziplin verstehen.

Sie verbinden digitale Technologien mit traditioneller Handwerkskunst, Nachhaltigkeit mit sinnlicher Materialität und künstliche Intelligenz mit den Prinzipien organischen Wachstums.

Vielleicht ist genau das der Beginn einer neuen Epoche.

Nicht Minimalismus.

Nicht Dekoration.

Sondern Neo-Ornamentalismus – eine Designsprache, in der Natur selbst zur Gestalterin wird.

Was den Sommer im Nesslerhof besonders macht? Es ist das Gefühl, barfuß durch die Wiese zu laufen, Lavendel und Wermut zu riechen, Bergkräuter zu schmecken und seit Neuestem auch finnische Geborgenheit und japanische Ruhe spüren.

Im Großarltal liegt der Sommer spürbar in der Luft. Er trägt den Duft von Wald und Bergkräutern, legt die Wärme der Sonne über die Hänge und lässt die Bergwiesen in satten Farben aufleuchten. Und im Nesslerhof? Wird daraus ein ganz eigenes Sommergefühl. Eines, das von der Natur vorgegeben und von Familie Neudegger fein weitergedacht wird. Es bleibt, auch wenn Nebelschleier über die Gipfel ziehen. Nicht zuletzt wegen der neuen japanischen und finnischen Wellnessrituale.

Lightness

Der Sommer schenkt, was man in den anderen Jahreszeiten oft vermisst. Das Gefühl von Freiheit und Leichtigkeit. Die Schuhe ausziehen, durchs taufrische Gras laufen und sich für einen Moment nicht darum zu kümmern, ob die Füße sauber bleiben. Im Nesslerhof gehört das dazu. Der 3.000 m² große Living Garden wirkt wie gemacht dafür. Hier ist der Sommer in seinem Element. Verbenen, Lavendel, Sonnenhut, Hortensien und Taglilien geben den Ton an, dazwischen summt und wächst es, und der Naturbadeteich glitzert am Morgen, als hätte er den Tag zuerst entdeckt. Und irgendwo ist immer noch ein Platz frei, an dem man ein bisschen länger bleiben möchte.

Happiness

Und rundherum? Die Berge mit ihren 40 bewirtschafteten Almen, die nach Heu, Wald und Kräutern duften und sich mit der Luft im Tal mischen. Ideal für eine Wanderung, eine Biketour oder auch fürs Hinträumen und Nicht-Aufbrechen.

Calmness

Wer will, bleibt zum ersten Kaffee des Tages und später zum Essen im Atelier N., wo Produkte aus der Region, Bergkräuter und ehrliche Küche ganz selbstverständlich zusammenfinden.
Auf der Suche nach Ruhe und Entschleunigung trifft man im Nesslerhof auf japanische und finnische Einflüsse, die sich unaufgeregt in die österreichische Natur einfügen. Im Onsen-Pool mit wohltuenden 40 bis 42 Grad und Blick in die Berge und der finnischen Sauna aus heimischer Weißtanne wird einem endgültig warm ums Herz.

Freshness

Und auch in den neu gestalteteten Doppel- und Familienzimmern ist der Sommer angekommen: viel Licht, Weite und alpine Gemütlichkeit. Rückzugsorte, die die Bergwelt nach innen holen und den Abreisetermin ganz nebenbei ein Stück nach hinten schieben.

Hotel Nesslerhof is a member of Lifestylehotels

Fotos: Hotel Nesslerhof

Warum Pucci die vielleicht zeitgemäßeste Luxusmarke unserer Zeit ist

Während viele Luxusmarken auf Understatement und Zurückhaltung setzen, feiert Pucci etwas, das lange aus der Mode schien: Lebensfreude. Unter der kreativen Leitung von Camille Miceli wird das italienische Traditionshaus zu einem Manifest für Optimismus, Farbe und die Kunst, das Leben zu genießen.

Es gibt Modemarken, die Kleidung entwerfen. Und es gibt Marken, die ein Lebensgefühl vermitteln.

Pucci gehört seit jeher zur zweiten Kategorie.

Wer an Pucci denkt, denkt an leuchtende Farben, fließende Muster und den unverwechselbaren Geist des italienischen Sommers. An Capri. An das Mittelmeer. An Menschen, die neugierig auf die Welt sind und das Leben mit einer gewissen Leichtigkeit betrachten.

Was einst als revolutionäre Resortwear begann, wirkt heute überraschend aktuell. Denn in einer Zeit, die von Unsicherheit, Beschleunigung und permanenter Reizüberflutung geprägt ist, wächst die Sehnsucht nach etwas, das viele Menschen lange als selbstverständlich betrachtet haben:

Lebensfreude.

Die Rückkehr der Freude

Der aktuelle Trend des Color Blockings erzählt genau davon.

Natürlich geht es um Farben. Um kräftige Kontraste, mutige Kombinationen und den Abschied von jahrelanger Zurückhaltung. Doch hinter diesem Trend verbirgt sich mehr als eine ästhetische Entscheidung.

Color Blocking steht für Optimismus.

Für Selbstbewusstsein.

Für Individualität.

Für die Lust, sichtbar zu sein.

Nach Jahren, in denen Minimalismus, Quiet Luxury und gedeckte Farbwelten die Mode dominierten, scheint eine neue Energie zurückzukehren. Nicht laut oder schrill, sondern voller Neugier und Lebendigkeit.

Kaum eine Luxusmarke verkörpert dieses Lebensgefühl authentischer als Pucci.

Camille Miceli und die Neuerfindung einer Ikone

Seit 2021 steht die französische Designerin Camille Miceli an der kreativen Spitze des Hauses.

Miceli bringt eine außergewöhnliche Perspektive mit. Sie arbeitete für Chanel, Dior und Louis Vuitton, bevor sie zu Pucci wechselte. Statt die Marke grundlegend zu verändern, entschied sie sich dafür, ihre ursprüngliche DNA freizulegen.

Und diese DNA besteht nicht aus Trends.

Sie besteht aus Freude.

Unter ihrer Führung wurde Pucci zu einer Marke, die wieder offen über Emotionen spricht. Über die Freude am Anziehen. Über die Freude am Reisen. Über die Freude, sich selbst auszudrücken.

In einer Branche, die häufig von Exklusivität und Distanz geprägt ist, wirkt dieser Ansatz beinahe radikal.

Pucci spricht nicht über Status.

Pucci spricht über Lebensqualität.

Jenseits der Saison

Diese Haltung zeigt sich auch im neuen Rhythmus der Marke.

Während die klassische Luxusindustrie weiterhin in Saisonzyklen denkt, verfolgt Pucci einen anderen Ansatz. Statt weniger großer Kollektionen setzt das Haus zunehmend auf regelmäßige Drops und Capsule Collections.

Die einzelnen Releases entstehen häufig rund um bestimmte Orte, Stimmungen oder Momente. Präsentationen finden nicht zufällig in Capri, Portofino, St. Moritz oder an anderen Sehnsuchtsorten statt.

Pucci orientiert sich weniger an Modekalendern als an Lebenswelten.

Die Marke fragt nicht, welche Saison gerade beginnt.

Sie fragt, wo Menschen als Nächstes hinträumen.

Resort Wear als Philosophie

Die Geschichte von Pucci beginnt auf Capri.

Emilio Pucci war Aristokrat, Sportler und Weltreisender. Seine Mode entstand nie im Elfenbeinturm der Haute Couture, sondern aus der Beobachtung eines neuen Lebensstils.

Menschen wollten reisen.

Sie wollten sich bewegen.

Sie wollten die Welt entdecken.

Resort Wear wurde deshalb zum Kern der Marke.

Leichte Kaftane, Seidenkleider, Badebekleidung, Tuniken und Accessoires waren nicht für formelle Anlässe gedacht, sondern für das Leben selbst.

Für sonnige Tage.

Für spontane Begegnungen.

Für Abenteuer.

Für die Freude, unterwegs zu sein.

Auch heute prägt diese Haltung jede Kollektion.

Pucci verkauft keine Garderobe für bestimmte Anlässe.

Pucci verkauft eine Haltung zur Welt.

Die Kunst, das Leben zu feiern

Vielleicht erklärt genau das die aktuelle Relevanz der Marke.

In einer Zeit, in der vieles komplex erscheint, suchen Menschen nach Erfahrungen, die inspirieren und neue Energie schenken. Nach Orten, Menschen und Ideen, die das Leben bereichern.

Pucci antwortet darauf mit Farbe.

Mit Leichtigkeit.

Mit Kreativität.

Und mit der Erinnerung daran, dass Luxus nicht immer still sein muss.

Vielleicht besteht moderner Luxus nicht mehr nur aus Perfektion, Exklusivität oder Besitz.

Vielleicht besteht er darin, neugierig zu bleiben.

Neue Perspektiven zu entdecken.

Sich begeistern zu lassen.

Und das Leben immer wieder als Abenteuer zu betrachten.

Mehr als ein Trend

Wer heute auf Pucci blickt, sieht deshalb mehr als Mode.

Die Marke steht für eine Haltung, die aktueller kaum sein könnte.

Für den Mut, Farbe zu bekennen.

Für die Freude am Ausdruck.

Für die Lust auf neue Erfahrungen.

Und für die Überzeugung, dass Optimismus keine Naivität ist, sondern eine bewusste Entscheidung.

Vielleicht ist das die eigentliche Botschaft hinter der Rückkehr der Farben.

Nicht die Farbe selbst verändert etwas.

Sondern das Lebensgefühl, das sie transportiert.

Pucci erinnert uns daran, dass Stil mehr sein kann als Kleidung.

Er kann Ausdruck von Lebensfreude sein.

Und genau darin liegt heute seine größte Stärke.

Wie ein minimalistischer Bikini zum Ausdruck eines modernen Sommergefühls wird

Farben kommen und gehen. Manche bleiben länger als eine Saison, weil sie mehr transportieren als einen Trend. Candy Pink gehört in diesem Sommer dazu.

Für die aktuelle Swimwear-Kollektion von Calzedonia präsentiert Hailey Bieber den neuen Minimal Fit Bikini in einem leuchtenden Rosaton, der zwischen Verspieltheit und Selbstbewusstsein balanciert. Die Farbe wirkt leicht, optimistisch und zugleich überraschend klar – ein Ton, der die Sehnsucht nach Unbeschwertheit ebenso einfängt wie das Bedürfnis nach individueller Ausdruckskraft.

Hailey Bieber verkörpert dabei eine Ästhetik, die die Mode der Gegenwart maßgeblich prägt. Ihre Looks entstehen selten durch Übertreibung, sondern durch Reduktion. Klare Linien, mühelose Silhouetten und eine moderne Form von Lässigkeit definieren ihren Stil – und spiegeln sich auch in der aktuellen Swimwear-Kollektion von Calzedonia wider.

Im Mittelpunkt steht der Minimal Fit Bikini. Seine reduzierte Formensprache verzichtet auf überflüssige Details und setzt stattdessen auf präzise Passformen und eine zeitlose Silhouette. Candy Pink verleiht dem Design dabei eine frische Dynamik und macht den Bikini zu einem Statement, das nicht laut sein muss, um Aufmerksamkeit zu erzeugen.

Die aktuellen Kampagnenbilder zeigen einmal mehr, wie eng Mode und digitale Kultur heute miteinander verbunden sind. Wenn Hailey Bieber einen Look auf ihren Kanälen präsentiert, wird daraus nicht nur ein Produktbild, sondern Teil eines globalen visuellen Dialogs über Stil, Identität und Zeitgeist.

So wird Candy Pink mehr als nur eine Trendfarbe. Es wird zum Symbol eines Sommers, der Leichtigkeit nicht als Oberflächlichkeit versteht, sondern als bewusste Entscheidung.

Was passiert, wenn moderne Neurowissenschaft auf Spiritualität trifft? In der aktuellen Episode des Podcasts Know Thyself spricht die Neurowissenschaftlerin Emily McDonald mit Gastgeber André Duqum über Neuroplastizität, Identität, Intuition und die Frage, warum so viele Menschen sich in ihrem Leben festgefahren fühlen.

McDonald gehört zu einer neuen Generation von Wissenschaftskommunikatorinnen, die komplexe Erkenntnisse aus der Hirnforschung verständlich machen und sie mit Themen wie persönlicher Entwicklung, Bewusstsein und Selbstwirksamkeit verbinden. Im Zentrum des Gesprächs steht die Idee, dass unser Gehirn nicht statisch ist, sondern sich durch Erfahrungen, Aufmerksamkeit und bewusst gewählte Verhaltensweisen ständig verändert.

Besonders spannend ist ihr Ansatz, Identität nicht als Ergebnis von Erfolg zu betrachten, sondern als dessen Ausgangspunkt. Wer ein bestimmtes Leben führen möchte, sollte beginnen, wie die Person zu denken und zu handeln, die dieses Leben bereits lebt. Aus neurowissenschaftlicher Sicht entstehen dadurch neue neuronale Muster, die zukünftiges Verhalten beeinflussen können.

Ein weiterer Schwerpunkt der Episode ist die Rolle des Nervensystems. McDonald erklärt, wie Stress, Angst und übermäßige Reizüberflutung unsere Wahrnehmung prägen und weshalb die Regulation des Nervensystems entscheidend für Klarheit, Kreativität und Intuition sein kann. Themen wie der Vagusnerv, Selbstwahrnehmung und emotionale Resilienz werden dabei aus einer Perspektive beleuchtet, die Wissenschaft und persönliche Erfahrung miteinander verbindet.

Für Leserinnen und Leser der THE Stylemate ist dieses Gespräch vor allem deshalb interessant, weil es eine zentrale Frage unserer Zeit berührt: Wie können wir in einer Welt permanenter Ablenkung wieder Zugang zu unserer inneren Orientierung finden? McDonald liefert keine einfachen Antworten, sondern Denkanstöße – und erinnert daran, dass Veränderung oft mit der Entscheidung beginnt, eine neue Geschichte über sich selbst zu erzählen.

Der Podcast Know Thyself versteht sich als Plattform für Gespräche über Bewusstsein, persönliche Entwicklung und die großen Fragen menschlicher Existenz. Gastgeber André Duqum bringt dafür Wissenschaftler, spirituelle Lehrer und kreative Denker zusammen und schafft einen Raum, in dem unterschiedliche Perspektiven aufeinandertreffen.

Zwischen Y2K-Nostalgie, Streetwear und sportlicher DNA

Die Rückkehr eines Klassikers: Mit dem Relaunch seines legendären Soccer-Sneakers knüpft Bikkembergs an seine kraftvolle Vergangenheit an und übersetzt sie in eine zeitgemäße Formsprache. Zwischen Fußballkultur, Streetwear-Ästhetik und italienischer Schneiderkunst entsteht eine Kollektion, die mehr ist als Mode – sie ist ein Statement.

Mode trifft Bewegung – eine Rückkehr zu den Wurzeln

Seit seiner Gründung durch Dirk Bikkembergs im Jahr 1986 steht das Label für eine unverkennbare Verbindung von Mode und Sport. Als Teil der legendären Antwerp Six prägte Bikkembergs früh eine Ästhetik, die körperlich, direkt und authentisch ist.

In den 1990er- und frühen 2000er-Jahren verlagerte die Marke ihre Runway-Shows bewusst aus den klassischen Modekontexten – hinein in Fußballstadien von Mailand bis Barcelona. Mode wurde hier zur Bewegung, zur Performance, zur gelebten Kultur.

Ein prägender Moment: Ein spontanes Fitting mit dem Kapitän des italienischen Clubs FC Fossombrone führte schließlich dazu, dass Dirk Bikkembergs den Verein übernahm – und ihn zu einem kreativen Experimentierfeld zwischen Stil und Sport entwickelte.

Der Soccer-Sneaker als kulturelles Symbol

Aus dieser Haltung heraus entstand die ikonische Soccer-Linie – eine Sneaker-Kollektion, die Sport nicht nur funktional, sondern als kulturelle Erzählung versteht.

Internationale Teams wie Inter Mailand oder Málaga CF sowie Spieler wie Giorgio Chiellini oder Paolo Cannavaro trugen die Designs – und machten sie zu einem festen Bestandteil der Fußball- und Modegeschichte.

Der Soccer-Sneaker entwickelte sich dabei zu einem Signature-Piece, das die Grenzen zwischen Spielfeld und Straße mühelos überwindet.

2025: Der Relaunch einer Ikone

Mit kreativer Leitung von Lee Wood erlebt die Soccer-Linie nun ein modernes Revival. Den Auftakt machte im Juni 2025 eine aufmerksamkeitsstarke Kooperation mit Gosha Rubchinskiy, bekannt für seine Arbeit bei Yeezy.

Seine Neuinterpretation brachte eine klare Streetwear-Perspektive ein und griff die sogenannte Bloke-Core-Ästhetik auf – ein Trend, der Fußballkultur und Alltagsmode verschmelzen lässt.

Y2K trifft Gegenwart

Die neuen Modelle greifen bewusst die Designsprache der frühen 2000er-Jahre auf – ein subtiler Verweis auf das anhaltende Y2K-Revival.

Hochwertige Leder, innovative Materialien und eine neu gedachte Farbpalette definieren die Kollektion:

• Neutrale, elegante Töne für zeitlose Looks
• Markante Akzente in Himmelblau und leuchtendem Rot
• Neue Muster, Stickereien und Prints als Weiterentwicklung des Originals

Der ikonische Soccer-Sneaker bleibt dabei das Herzstück – ein Design, das sich wie ein roter Faden durch die gesamte Kollektion zieht.

Heritage, das in die Zukunft führt

Der Relaunch ist mehr als ein nostalgischer Rückblick. Er ist eine bewusste Rückkehr zur DNA der Marke – und gleichzeitig ein Schritt nach vorne.

Bikkembergs gelingt es, Vergangenheit und Gegenwart zu verbinden:
Sport trifft Stil. Bewegung trifft Ästhetik. Tradition trifft Innovation.

Oder anders gesagt: Der Soccer-Sneaker bleibt, was er immer war – ein Symbol für eine Haltung, die Mode nicht nur zeigt, sondern lebt.