Die neue Eleganz des Dazwischen

Wie Pharrell Williams Surfkultur, Handwerkskunst und menschliche Verbundenheit zu einer neuen Form des Dandyismus verbindet

Während Mode oft von Trends, Statussymbolen und Abgrenzung lebt, richtet Pharrell Williams den Blick für Louis Vuitton auf etwas Verbindendes: das Meer.

Für die Frühjahr/Sommer-Kollektion 2027 verwandelt der Kreativdirektor die Welt des Surfens in eine Metapher für eine globale Gemeinschaft. Unabhängig von Herkunft, Kultur oder sozialem Hintergrund zieht es Menschen auf der ganzen Welt an dieselben Küsten, zu denselben Wellen, zu derselben Erfahrung von Freiheit und Naturverbundenheit. Die Welle wird zum Symbol einer universellen Sprache.

Genau dort setzt die neue Kollektion an.

Der Surfer als moderner Dandy

Seit seinem Wechsel zu Louis Vuitton interpretiert Pharrell Williams den klassischen Dandy neu. Seine Version verzichtet auf aristokratische Distanz und ersetzt sie durch Offenheit, Beweglichkeit und kulturelle Neugier.

Für Spring/Summer 2027 trifft diese Idee auf die Ästhetik der Surfkultur. Auf den ersten Blick scheinen beide Welten gegensätzlich: hier die Eleganz maßgeschneiderter Anzüge, dort die Lässigkeit eines Lebens zwischen Strand und Ozean.

Doch Pharrell erkennt die Gemeinsamkeiten.

Beide Welten sind geprägt von Handwerk, Individualität und einer gewissen Mühelosigkeit. Der Dandy und der Surfer teilen die Fähigkeit, sich zwischen unterschiedlichen Räumen zu bewegen, ohne ihre Identität zu verlieren.

Aus dieser Verbindung entsteht eine Garderobe für eine Generation, die sich weder ausschließlich der Stadt noch ausschließlich der Natur zugehörig fühlt.

Zwischen Maßanzug und Neoprenanzug

Die Kollektion bewegt sich konsequent zwischen diesen beiden Polen.

Technische Materialien aus der Welt des Surfens treffen auf klassische Schneiderkunst. Neopren-inspirierte Konstruktionen werden mit luxuriösen Stoffen kombiniert. Verwitterte Oberflächen, reparierte Strukturen und sonnengebleichte Texturen erinnern an Kleidung, die von Wind, Salz und Zeit gezeichnet wurde.

Besonders spannend ist Pharrell Williams‘ fortlaufende Arbeit mit Trompe-l’œil-Effekten. Materialien erscheinen wie verwittertes Denim, gealtertes Leder oder handgeflickte Stoffe, offenbaren jedoch bei näherer Betrachtung die außergewöhnliche handwerkliche Präzision von Louis Vuitton.

Die Grenze zwischen Realität und Illusion verschwimmt.

So entsteht eine Mode, die weniger durch offensichtlichen Luxus als durch subtile Raffinesse wirkt.

Die Sehnsucht nach Verbundenheit

Vielleicht ist die eigentliche Stärke dieser Kollektion jedoch ihre emotionale Botschaft.

Während viele Luxusmarken weiterhin Individualität und Exklusivität ins Zentrum stellen, spricht Pharrell Williams über Gemeinschaft. Über die Erfahrung, Teil eines größeren Ganzen zu sein.

Das Meer wird dabei zur verbindenden Kraft. Wasser steht für Bewegung, Wandel und Leben. Es verbindet Kontinente ebenso wie Menschen. Die Surfkultur dient nicht als ästhetische Referenz, sondern als Sinnbild für eine Lebenshaltung, die Respekt vor der Natur, Offenheit gegenüber anderen Kulturen und die Freude am gemeinsamen Erleben in den Mittelpunkt stellt.

In einer Zeit, in der gesellschaftliche Fragmentierung vielerorts zunimmt, wirkt diese Botschaft überraschend zeitgemäß.

Luxus mit Verantwortung

Dass Louis Vuitton die Kollektion gleichzeitig mit einem konkreten Nachhaltigkeitsprojekt verbindet, unterstreicht diesen Anspruch.

Im Rahmen der Regeneration-2030-Initiative unterstützt das Haus die Organisation Coral Gardeners bei der Wiederherstellung von Korallenriffen in Französisch-Polynesien. Geplant sind die Auspflanzung von 1.000 Korallen sowie die Renaturierung von 250 Quadratmetern Rifflandschaft.

Es ist ein vergleichsweise kleiner Beitrag angesichts globaler Herausforderungen, aber ein symbolisch wichtiger Schritt. Denn die Kollektion erinnert daran, dass die Beziehung zwischen Mensch und Natur nicht nur Inspiration, sondern auch Verantwortung bedeutet.

Eine Vision von Freiheit

Mit seiner Louis Vuitton Spring/Summer 2027 Kollektion entwirft Pharrell Williams letztlich mehr als eine neue Garderobe.

Er entwirft eine Haltung.

Eine Haltung, die Eleganz nicht als Distanz versteht, sondern als Fähigkeit zur Verbindung. Die Reisen nicht als Statussymbol betrachtet, sondern als Möglichkeit, unterschiedliche Welten zusammenzubringen. Und die im Rhythmus der Wellen eine Erinnerung daran findet, dass manche Erfahrungen universeller sind als jede kulturelle Grenze.

Vielleicht liegt genau darin die Zukunft des Luxus: nicht in der Abgrenzung, sondern in der Verbundenheit.

Credits Video

MUSIC:

Show soundtrack by Pharrell Williams

Quavo ‚HAAVIN‘

Produced by Pharrell Williams

Written by Quavo & Pharrell Williams

Courtesy of Universal Music Group, Sony Music Publishing, Universal Music Publishing

Lil Baby ‚Dead Fresh‘ – orchestra & choir version

Produced by Pharrell WIlliams

Written by Lil Baby

Orchestrated by Thomas Roussel

Courtesy of Universal Music Group, Sony Music Publishing, Universal Music Publishing

YoungBoy Never Broke Again ‚Simulation (feat. Pharrell Williams)‘ – strings version

Produced by Pharrell Williams

Written by Pharrell Williams & YoungBoy Never Broke Again

Additional orchestrations by Thomas Roussel

Sony Music Entertainment, Sony Music Publishing, APG Music, Kobalt

Angelique Kidjo ‚Bando (feat. Pharrell Williams & Quavo)‘ – orchestra & choir version

Produced by Pharrell Williams

Written by Pharrell Williams & Quavo

Orchestrated by Thomas Roussel

Courtesy of Universal Music Group, Warner Music Group, Sony Music Entertainment, Sony Music Publishing, Universal Music Publishing

Additional original music composed & orchestrated by Thomas Roussel.

Performed live by Voices of Fire & l’Orchestre du Pont Neuf conducted by Thomas Roussel.

Credits Pictures

“LOUIS VUITTON MEN’S SPRING-SUMMER 2027 SHOW © Louis Vuitton – All rights reserved”

Warum Optimismus zur wichtigsten Designbewegung unserer Zeit werden könnte

Zwischen Krisenmodus und Lebensfreude

Wer die Nachrichten verfolgt, könnte leicht zu dem Schluss kommen, dass die Welt vor allem aus Unsicherheit besteht. Klimakrise, geopolitische Spannungen, wirtschaftliche Herausforderungen und ein permanenter Strom negativer Informationen prägen den Alltag vieler Menschen.

Gleichzeitig lässt sich in Kunst, Design, Architektur und Mode eine überraschende Gegenbewegung beobachten. Farben werden kräftiger. Räume werden verspielter. Marken sprechen wieder von Freude statt von Funktion. Selbst Luxus definiert sich zunehmend über Emotionen statt über Status.

Es ist, als würde eine ganze Generation beginnen, sich bewusst die Frage zu stellen:

Wie wollen wir leben, wenn die Welt immer komplexer wird?

Einer der sichtbarsten Vertreter dieser Entwicklung ist der britisch-nigerianische Designer Yinka Ilori.

Der Architekt des Optimismus

Yinka Ilori wird oft als „Architect of Joy“ bezeichnet. Seine Arbeiten sind sofort erkennbar: intensive Farben, grafische Muster und Formen, die eher an Spielplätze als an klassische Designobjekte erinnern.

Doch wer seine Projekte genauer betrachtet, erkennt schnell, dass es ihm nicht um Dekoration geht.

Für Ilori ist Farbe ein soziales Werkzeug.

Seine Installationen verwandeln graue Plätze in Orte der Begegnung. Seine Basketballfelder werden zu öffentlichen Kunstwerken. Seine Pavillons laden Menschen dazu ein, sich zu treffen, miteinander zu sprechen und gemeinsam Zeit zu verbringen.

Die eigentliche Frage hinter seiner Arbeit lautet nicht: Wie soll ein Raum aussehen?

Sondern:

Wie sollen sich Menschen in diesem Raum fühlen?

Die Rückkehr der Freude

Lange Zeit dominierte im Design eine Ästhetik der Reduktion. Minimalismus wurde zur universellen Sprache von Architektur, Mode und Interior Design.

Weiße Wände. Neutrale Farben. Unsichtbare Technologie.

Heute scheint sich das Pendel langsam in die andere Richtung zu bewegen.

Von den farbenfrohen Kollektionen großer Modehäuser über die Wiederentdeckung expressiver Innenräume bis hin zu neuen Hospitality-Konzepten wird Freude zunehmend als gestalterischer Wert verstanden.

Nicht als oberflächliche Unterhaltung.

Sondern als menschliches Grundbedürfnis.

Die Sehnsucht nach Schönheit, Leichtigkeit und Optimismus ist vielleicht keine Flucht vor der Realität. Möglicherweise ist sie eine Antwort auf sie.

Design als kulturelle Haltung

Interessanterweise entsteht diese Entwicklung nicht nur in der Kunstwelt.

Auch Städte beginnen darüber nachzudenken, wie öffentlicher Raum das Wohlbefinden beeinflusst. Hotels entwickeln sich von reinen Übernachtungsorten zu emotionalen Erfahrungsräumen. Marken suchen nach neuen Wegen, Menschen nicht nur zu überzeugen, sondern zu inspirieren.

Yinka Ilori steht exemplarisch für diesen Wandel.

Er versteht Design nicht als Objektproduktion, sondern als kulturelle Praxis.

Seine Projekte zeigen, dass Gestaltung mehr sein kann als Problemlösung. Sie kann Hoffnung vermitteln. Gemeinschaft fördern. Perspektiven verändern.

Vielleicht ist das der eigentliche Grund, warum seine Arbeiten weltweit eine so starke Resonanz finden.

Die Zukunft könnte bunter werden

Optimismus galt lange Zeit als etwas Naives. Heute wird er zunehmend als bewusste Haltung verstanden.

Nicht weil Probleme verschwinden.

Sondern weil Menschen erkennen, dass Zukunft nicht allein durch Analyse entsteht, sondern auch durch Vorstellungskraft.

Yinka Ilori entwirft keine Fluchtwelten.

Er erinnert uns daran, dass Freude, Kreativität und Begegnung keine Nebensächlichkeiten sind. Sie gehören zu den Kräften, die Gesellschaften zusammenhalten.

Vielleicht erklärt genau das die wachsende Faszination für seine Arbeit.

In einer Welt, die ständig über Risiken spricht, schafft er Räume für Möglichkeiten.

Und genau darin könnte die wichtigste Designbotschaft unserer Zeit liegen.

Zwischen Champagner, Design und Lebensfreude entsteht eine Kollektion, die mehr sein möchte als ein schönes Objekt: „Chasing the Sun“ von Veuve Clicquot und Yinka Ilori ist eine Hommage an Optimismus, Gemeinschaft und die Kunst, den Moment zu feiern.

Manche Marken schaffen es, weit über ihr Produkt hinaus zu wirken. Veuve Clicquot gehört zu ihnen. Seit mehr als 250 Jahren steht das Champagnerhaus nicht nur für Handwerkskunst und Innovation, sondern auch für eine Haltung zum Leben. Eine Haltung, die von Madame Clicquot geprägt wurde und bis heute in dem ikonischen Gelb der Maison sichtbar wird – jener Farbe, die seit 1877 die Etiketten ziert und an die Sonne erinnert.

Mit der neuen Kollaboration „Chasing the Sun“ erweitert Veuve Clicquot diese Geschichte um eine kreative Dimension. Gemeinsam mit dem britisch-nigerianischen Künstler und Designer Yinka Ilori entstand eine Kollektion, die Design, Emotion und Lebensfreude miteinander verbindet.

Der Architekt der Freude

Yinka Ilori wird häufig als „Architekt der Freude“ bezeichnet. Seine Arbeiten bewegen sich zwischen Kunst, Architektur, Interior Design und gesellschaftlichem Engagement. Farben, Muster und Geschichten werden bei ihm zu Werkzeugen, um Menschen miteinander zu verbinden.

Für Veuve Clicquot entwickelte Ilori ein visuelles Universum, das die Symbolik der Sonne neu interpretiert. Schützende Hände, Sterne und von der Natur inspirierte Formen erzählen von Wärme, Verbundenheit und den kleinen Gesten, die Gemeinschaft entstehen lassen.

Im Zentrum steht dabei eine einfache, aber kraftvolle Idee: Freude wächst, wenn sie geteilt wird.

Design für gemeinsame Momente

Die limitierte Kollektion übersetzt diese Philosophie in eine Reihe von Objekten, die klassische Champagner-Rituale neu denken.

Der Sun Holder interpretiert den traditionellen Champagnerkühler neu. Inspiriert von der Form einer Kalebasse verbindet er Mobilität mit zeitgenössischem Design. Gefertigt aus überwiegend recycelten Materialien mittels innovativer 3D-Stricktechnologie, hält er Champagner bis zu 90 Minuten kühl.

Ergänzt wird die Serie durch die Sun Totems, skulpturale Kühler für die ikonischen Cuvées Yellow Label und Rosé. Sie verbinden Funktionalität mit einer starken visuellen Präsenz und zeigen, wie alltägliche Objekte zu Designstücken werden können.

Auch der berühmte Clicquot Arrow wurde von Ilori neu gestaltet. Die individualisierbare Geschenkbox, die traditionell die Entfernung zwischen einem Ort und den historischen Kellern in Reims anzeigt, erscheint in drei neuen Designs, die Themen wie Identität, Perspektive und Licht aufgreifen.

Mehr als eine Kollektion

Interessant ist weniger das Objekt selbst als die Haltung dahinter. „Chasing the Sun“ erinnert daran, dass Luxus heute zunehmend über Erlebnisse definiert wird. Nicht Besitz steht im Mittelpunkt, sondern die Qualität gemeinsamer Momente.

Ob beim Abendessen mit Freunden, beim Aperitif unter freiem Himmel oder bei einer spontanen Begegnung im Sommer – die Kollektion versteht sich als Einladung, jene Augenblicke bewusst wahrzunehmen, die oft die schönsten Erinnerungen hinterlassen.

Damit knüpft Veuve Clicquot an ein kulturelles Verständnis von Gastfreundschaft an, das weit über Champagner hinausgeht. Es geht um Zusammenkunft, Austausch und die Freude daran, Zeit miteinander zu verbringen.

Eine Ode an Optimismus

Präsentiert wurde „Chasing the Sun“ während der Milan Design Week in einer immersiven Installation, die Besucherinnen und Besucher in die farbenfrohe Welt von Yinka Ilori eintauchen ließ.

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Stärke dieser Zusammenarbeit: Sie erinnert daran, dass Design nicht nur Räume und Objekte gestalten kann, sondern auch Emotionen. Dass Farbe, Kreativität und Gastlichkeit Menschen zusammenbringen. Und dass die Sonne, die wir verfolgen, manchmal nichts anderes ist als ein gemeinsam geteilter Moment.

Warum Pucci die vielleicht zeitgemäßeste Luxusmarke unserer Zeit ist

Während viele Luxusmarken auf Understatement und Zurückhaltung setzen, feiert Pucci etwas, das lange aus der Mode schien: Lebensfreude. Unter der kreativen Leitung von Camille Miceli wird das italienische Traditionshaus zu einem Manifest für Optimismus, Farbe und die Kunst, das Leben zu genießen.

Es gibt Modemarken, die Kleidung entwerfen. Und es gibt Marken, die ein Lebensgefühl vermitteln.

Pucci gehört seit jeher zur zweiten Kategorie.

Wer an Pucci denkt, denkt an leuchtende Farben, fließende Muster und den unverwechselbaren Geist des italienischen Sommers. An Capri. An das Mittelmeer. An Menschen, die neugierig auf die Welt sind und das Leben mit einer gewissen Leichtigkeit betrachten.

Was einst als revolutionäre Resortwear begann, wirkt heute überraschend aktuell. Denn in einer Zeit, die von Unsicherheit, Beschleunigung und permanenter Reizüberflutung geprägt ist, wächst die Sehnsucht nach etwas, das viele Menschen lange als selbstverständlich betrachtet haben:

Lebensfreude.

Die Rückkehr der Freude

Der aktuelle Trend des Color Blockings erzählt genau davon.

Natürlich geht es um Farben. Um kräftige Kontraste, mutige Kombinationen und den Abschied von jahrelanger Zurückhaltung. Doch hinter diesem Trend verbirgt sich mehr als eine ästhetische Entscheidung.

Color Blocking steht für Optimismus.

Für Selbstbewusstsein.

Für Individualität.

Für die Lust, sichtbar zu sein.

Nach Jahren, in denen Minimalismus, Quiet Luxury und gedeckte Farbwelten die Mode dominierten, scheint eine neue Energie zurückzukehren. Nicht laut oder schrill, sondern voller Neugier und Lebendigkeit.

Kaum eine Luxusmarke verkörpert dieses Lebensgefühl authentischer als Pucci.

Camille Miceli und die Neuerfindung einer Ikone

Seit 2021 steht die französische Designerin Camille Miceli an der kreativen Spitze des Hauses.

Miceli bringt eine außergewöhnliche Perspektive mit. Sie arbeitete für Chanel, Dior und Louis Vuitton, bevor sie zu Pucci wechselte. Statt die Marke grundlegend zu verändern, entschied sie sich dafür, ihre ursprüngliche DNA freizulegen.

Und diese DNA besteht nicht aus Trends.

Sie besteht aus Freude.

Unter ihrer Führung wurde Pucci zu einer Marke, die wieder offen über Emotionen spricht. Über die Freude am Anziehen. Über die Freude am Reisen. Über die Freude, sich selbst auszudrücken.

In einer Branche, die häufig von Exklusivität und Distanz geprägt ist, wirkt dieser Ansatz beinahe radikal.

Pucci spricht nicht über Status.

Pucci spricht über Lebensqualität.

Jenseits der Saison

Diese Haltung zeigt sich auch im neuen Rhythmus der Marke.

Während die klassische Luxusindustrie weiterhin in Saisonzyklen denkt, verfolgt Pucci einen anderen Ansatz. Statt weniger großer Kollektionen setzt das Haus zunehmend auf regelmäßige Drops und Capsule Collections.

Die einzelnen Releases entstehen häufig rund um bestimmte Orte, Stimmungen oder Momente. Präsentationen finden nicht zufällig in Capri, Portofino, St. Moritz oder an anderen Sehnsuchtsorten statt.

Pucci orientiert sich weniger an Modekalendern als an Lebenswelten.

Die Marke fragt nicht, welche Saison gerade beginnt.

Sie fragt, wo Menschen als Nächstes hinträumen.

Resort Wear als Philosophie

Die Geschichte von Pucci beginnt auf Capri.

Emilio Pucci war Aristokrat, Sportler und Weltreisender. Seine Mode entstand nie im Elfenbeinturm der Haute Couture, sondern aus der Beobachtung eines neuen Lebensstils.

Menschen wollten reisen.

Sie wollten sich bewegen.

Sie wollten die Welt entdecken.

Resort Wear wurde deshalb zum Kern der Marke.

Leichte Kaftane, Seidenkleider, Badebekleidung, Tuniken und Accessoires waren nicht für formelle Anlässe gedacht, sondern für das Leben selbst.

Für sonnige Tage.

Für spontane Begegnungen.

Für Abenteuer.

Für die Freude, unterwegs zu sein.

Auch heute prägt diese Haltung jede Kollektion.

Pucci verkauft keine Garderobe für bestimmte Anlässe.

Pucci verkauft eine Haltung zur Welt.

Die Kunst, das Leben zu feiern

Vielleicht erklärt genau das die aktuelle Relevanz der Marke.

In einer Zeit, in der vieles komplex erscheint, suchen Menschen nach Erfahrungen, die inspirieren und neue Energie schenken. Nach Orten, Menschen und Ideen, die das Leben bereichern.

Pucci antwortet darauf mit Farbe.

Mit Leichtigkeit.

Mit Kreativität.

Und mit der Erinnerung daran, dass Luxus nicht immer still sein muss.

Vielleicht besteht moderner Luxus nicht mehr nur aus Perfektion, Exklusivität oder Besitz.

Vielleicht besteht er darin, neugierig zu bleiben.

Neue Perspektiven zu entdecken.

Sich begeistern zu lassen.

Und das Leben immer wieder als Abenteuer zu betrachten.

Mehr als ein Trend

Wer heute auf Pucci blickt, sieht deshalb mehr als Mode.

Die Marke steht für eine Haltung, die aktueller kaum sein könnte.

Für den Mut, Farbe zu bekennen.

Für die Freude am Ausdruck.

Für die Lust auf neue Erfahrungen.

Und für die Überzeugung, dass Optimismus keine Naivität ist, sondern eine bewusste Entscheidung.

Vielleicht ist das die eigentliche Botschaft hinter der Rückkehr der Farben.

Nicht die Farbe selbst verändert etwas.

Sondern das Lebensgefühl, das sie transportiert.

Pucci erinnert uns daran, dass Stil mehr sein kann als Kleidung.

Er kann Ausdruck von Lebensfreude sein.

Und genau darin liegt heute seine größte Stärke.

Wie Kiichiro Asakawa mit außergewöhnlichen Stoffen und japanischer Präzision eine neue Form von Luxus definiert

Während viele Modemarken nach Aufmerksamkeit streben, verfolgt Kiichiro Asakawa einen anderen Weg. Der Gründer des japanischen Labels ssstein hat seine Marke nicht über spektakuläre Inszenierungen aufgebaut, sondern über etwas deutlich Subtileres: Stoffe, Schnitte und die Kunst, Kleidung entstehen zu lassen, die mit jeder Bewegung an Charakter gewinnt.

Monocle bezeichnete Asakawa jüngst als „The rising Japanese fashion designer with a keen eye for fabrics“ – eine treffende Beschreibung für einen Designer, dessen Karriere von einer beinahe obsessiven Liebe zu Materialien geprägt ist.

Vom Vintage-Denim zur eigenen Designsprache

Bevor Kiichiro Asakawa sein Label ssstein gründete, beschäftigte er sich intensiv mit Vintage-Kleidung. Besonders Denim faszinierte ihn. Er zerlegte alte Jeans, analysierte ihre Konstruktion, rekonstruierte einzelne Elemente und verkaufte die Stücke über seinen Multibrand-Store Carol in Tokio.

Diese frühe Auseinandersetzung mit Schnittführung, Stoffen und Verarbeitung prägt seine Arbeit bis heute. Als Asakawa 2016 ssstein ins Leben rief, bestand die Kollektion lediglich aus wenigen Kleidungsstücken. Doch bereits damals war erkennbar, worum es ihm ging: zeitlose Silhouetten, außergewöhnliche Stoffqualitäten und eine Reduktion auf das Wesentliche.

Luxus beginnt beim Material

Im Zentrum von ssstein steht nicht das Logo, sondern die Materialität.

Asakawa arbeitet eng mit japanischen Textilherstellern zusammen, entwickelt Stoffe nach eigenen Vorgaben und produziert konsequent in Japan. Die Beziehung zu den Manufakturen ist für ihn ebenso wichtig wie das fertige Kleidungsstück.

Das Ergebnis ist eine Garderobe, die vertraut wirkt und dennoch anders ist. Klassische Hemden werden großzügiger geschnitten, Strickwaren erhalten neue Proportionen und traditionelle Tailoring-Elemente erscheinen entspannter und zeitgemäßer.

Die aktuelle Kollektion zeigt diesen Ansatz besonders deutlich: Oversized-Hemden aus hochwertiger Baumwolle, leichte Kaschmir-V-Necks mit lockerer Strickstruktur und Sweatpants aus Baumwoll-Kaschmir-Mischungen verbinden Komfort mit handwerklicher Raffinesse.

Die Kraft der Zurückhaltung

In einer Branche, die sich oft über permanente Neuerfindung definiert, verfolgt Asakawa eine bemerkenswert ruhige Haltung.

Statt jede Saison eine neue Geschichte zu erzählen, verfeinert er bestehende Ideen. Seine Kollektionen entwickeln sich evolutionär statt revolutionär. Gerade diese Kontinuität macht den Reiz von ssstein aus.

Es ist Mode für Menschen, die Qualität erkennen, ohne dass sie laut kommuniziert werden muss. Die Eleganz liegt nicht im Spektakel, sondern in den Details – in der Art, wie ein Mantel fällt, wie sich ein Stoff bewegt oder wie ein Pullover über Jahre hinweg seine Form behält.

Der internationale Durchbruch

Lange galt ssstein als Geheimtipp innerhalb der japanischen Modeszene. Das änderte sich 2025, als das Label den Fashion Prize of Tokyo gewann.

Die Auszeichnung brachte Asakawa nach Paris und öffnete die Türen zu einem internationalen Publikum. Einkäufer und Brancheninsider reagierten begeistert auf die präzisen Schnitte, die entspannte Eleganz und die kompromisslose Qualität der Kollektionen.

Heute wird ssstein von rund 140 Händlern weltweit geführt – etwa 50 in Japan und weitere 90 international. Für Asakawa ist dieses Wachstum jedoch kein Selbstzweck.

Vielmehr verfolgt er weiterhin denselben Ansatz wie zu Beginn: bewusst, sorgfältig und in seinem eigenen Tempo.

Eine neue Generation japanischen Luxus

Japanische Mode hat immer wieder Designer hervorgebracht, die den internationalen Diskurs geprägt haben. Während frühere Generationen oft durch radikale Konzepte und avantgardistische Silhouetten auffielen, verkörpert Kiichiro Asakawa eine neue Form von Luxus.

Eine Form, die nicht auf Lautstärke setzt, sondern auf Präzision. Nicht auf Trends, sondern auf Beständigkeit. Nicht auf Aufmerksamkeit, sondern auf Qualität.

Vielleicht ist genau das der Grund, warum ssstein gerade jetzt weltweit Aufmerksamkeit erhält. In einer Zeit permanenter Beschleunigung wirkt Asakawas Mode wie ein Gegenentwurf – ruhig, bewusst und außergewöhnlich gut gemacht.

Weitere Informationen unter ssstein.com

Wie ein minimalistischer Bikini zum Ausdruck eines modernen Sommergefühls wird

Farben kommen und gehen. Manche bleiben länger als eine Saison, weil sie mehr transportieren als einen Trend. Candy Pink gehört in diesem Sommer dazu.

Für die aktuelle Swimwear-Kollektion von Calzedonia präsentiert Hailey Bieber den neuen Minimal Fit Bikini in einem leuchtenden Rosaton, der zwischen Verspieltheit und Selbstbewusstsein balanciert. Die Farbe wirkt leicht, optimistisch und zugleich überraschend klar – ein Ton, der die Sehnsucht nach Unbeschwertheit ebenso einfängt wie das Bedürfnis nach individueller Ausdruckskraft.

Hailey Bieber verkörpert dabei eine Ästhetik, die die Mode der Gegenwart maßgeblich prägt. Ihre Looks entstehen selten durch Übertreibung, sondern durch Reduktion. Klare Linien, mühelose Silhouetten und eine moderne Form von Lässigkeit definieren ihren Stil – und spiegeln sich auch in der aktuellen Swimwear-Kollektion von Calzedonia wider.

Im Mittelpunkt steht der Minimal Fit Bikini. Seine reduzierte Formensprache verzichtet auf überflüssige Details und setzt stattdessen auf präzise Passformen und eine zeitlose Silhouette. Candy Pink verleiht dem Design dabei eine frische Dynamik und macht den Bikini zu einem Statement, das nicht laut sein muss, um Aufmerksamkeit zu erzeugen.

Die aktuellen Kampagnenbilder zeigen einmal mehr, wie eng Mode und digitale Kultur heute miteinander verbunden sind. Wenn Hailey Bieber einen Look auf ihren Kanälen präsentiert, wird daraus nicht nur ein Produktbild, sondern Teil eines globalen visuellen Dialogs über Stil, Identität und Zeitgeist.

So wird Candy Pink mehr als nur eine Trendfarbe. Es wird zum Symbol eines Sommers, der Leichtigkeit nicht als Oberflächlichkeit versteht, sondern als bewusste Entscheidung.

Mit der neuen Polsterkollektion Jazz übersetzt Designer Giuseppe Viganò musikalische Improvisation in eine zeitlose Formensprache für Turri.

Musik war schon immer mehr als Klang. Sie kann Atmosphäre schaffen, Geschichten erzählen und Emotionen transportieren. Genau diesen Gedanken greift der italienische Designer Giuseppe Viganò mit seiner neuen Sofakollektion Jazz für Turri auf. Nach der erfolgreichen Serie Blues erweitert er die musikalische Inspirationswelt nun um eine weitere Designkomposition.

Vorgestellt wurde die Kollektion auf dem Salone del Mobile.Milano 2026. Die Linie umfasst Zwei- und Dreisitzer-Sofas, deren Gestaltung von einer bemerkenswerten Balance geprägt ist: klare Linien, eine leichte visuelle Präsenz und eine handwerkliche Detailtiefe, die typisch für Turri ist. Charakteristisch sind die lederbezogene Basis mit doppelten Ziernähten und feinen Metalleinsätzen sowie die hochwertige Verarbeitung von Leder- oder Stoffbezügen mit ledernen Paspelierungen.

Dabei steht nicht nur die Ästhetik im Mittelpunkt. Großzügige Armlehnen und komfortabel gepolsterte Sitz- und Rückenelemente schaffen einen Ort der Ruhe und des Ankommens. Luxus zeigt sich hier nicht als Inszenierung, sondern als Selbstverständlichkeit.

Zwischen Kunst, Mode und Poesie

Die Handschrift von Giuseppe Viganò entsteht seit Jahren an der Schnittstelle von Design, Kunst und Kultur. Seine Entwürfe greifen immer wieder Impulse aus Malerei, Mode und Poesie auf und übersetzen sie in Möbel mit eigener Identität. Dabei entstehen oft ganze Kollektionen aus der Auseinandersetzung mit neuen Materialien oder ungewöhnlichen gestalterischen Ansätzen.

Mit Studio Viganò arbeitet der Designer international für renommierte Marken der Möbelbranche und verbindet industrielle Präzision mit kreativer Experimentierfreude. Zu seinen langjährigen Partnern zählen unter anderem Poliform, Arflex, Bonaldo, Visionnaire, Lema, Minotti und Porada.

Die Leichtigkeit des Jazz

Wie die Musik, nach der sie benannt ist, lebt die Kollektion Jazz von Harmonie und Freiheit zugleich. Sie verbindet die handwerkliche Tradition des italienischen Möbeldesigns mit einer zeitgenössischen Eleganz, die sich selbstverständlich in internationale Wohnwelten einfügt.

Ein Sofa als stille Komposition – geprägt von Komfort, Materialität und dem Rhythmus guter Gestaltung.

Wenn Outdoor-Design zur stillen Geste wird

Es gibt Objekte, die nicht laut auftreten müssen, um Präsenz zu zeigen. Die neue Outdoor-Kollektion EGADI von Unopiù gehört genau in diese Kategorie. Entworfen von Designer Andrea Steidl und präsentiert im Rahmen des Salone del Mobile 2026, bewegt sich das Projekt zwischen Funktionalität und skulpturaler Klarheit – reduziert, materialbetont und geprägt von einer stillen Selbstverständlichkeit.

Die Beistelltische und Hocker der Kollektion wirken beinahe wie architektonische Fragmente. Ihre Formen erinnern an Poller und Klampen aus maritimen Landschaften – funktionale Elemente, die seit jeher mit Beständigkeit, Handwerk und Küstenkultur verbunden sind. Diese Referenz übersetzt EGADI in eine zeitgenössische Designsprache, die nicht dekorativ wirken möchte, sondern selbstverständlich.

Zwischen Objekt und Atmosphäre

Gefertigt aus Fiberstone mit glänzend glasierter Oberfläche entstehen kompakte Volumen mit einer beinahe monolithischen Wirkung. Besonders das Zusammenspiel der beiden geometrischen Formen verleiht den Objekten ihre Identität: eine grafische Spannung, die subtil bleibt und dennoch Aufmerksamkeit erzeugt.

Dabei geht es weniger um reine Funktion als um Atmosphäre. EGADI fügt sich in Terrassen, Gärten oder Poolbereiche ein, ohne den Raum dominieren zu wollen. Die Objekte wirken wie Ruhepunkte – flexibel nutzbar als Beistelltisch, spontane Sitzgelegenheit oder skulpturales Element.

Gerade diese Vielseitigkeit macht die Kollektion interessant. Durch ihr geringes Gewicht lassen sich die Elemente leicht bewegen und immer wieder neu arrangieren. Einzelne Stücke funktionieren ebenso selbstverständlich wie Gruppenkompositionen.

Mediterrane Materialität mit zeitgenössischer Zurückhaltung

Die Farbpalette aus Cioccolato, Dove, Stone und Terracotta unterstreicht den zurückhaltenden Charakter der Kollektion. Erdige Töne treffen auf glänzende Oberflächen und erzeugen jene Balance zwischen Natürlichkeit und Präzision, die viele zeitgenössische Outdoor-Konzepte derzeit prägt.

EGADI ist Teil eines kollektiven Projekts von Unopiù, bei dem unterschiedliche Designerperspektiven in Form eines gemeinsamen „Reisetagebuchs“ zusammengeführt werden. Damit erzählt die italienische Outdoor-Marke nicht nur von Produkten, sondern von Lebensräumen – und von einer Form des Wohnens im Freien, die zunehmend fließend wird.

Vielleicht liegt genau darin die Stärke dieser Kollektion: Sie versucht nicht, Mittelpunkt zu sein. Und bleibt gerade deshalb im Gedächtnis.

Saint-Tropez war nicht immer das, was man heute auf Social Media davon sieht.

Bevor der Ort zur Kulisse für Sichtbarkeit wurde, ging es dort um etwas anderes: um Tage ohne Eile, um Mittagessen, die in den Abend übergingen, um salzige Haut, verblasste Farben, Segelboote im Hafen und eine Eleganz, die nie besonders angestrengt wirkte.

Genau aus diesem Lebensgefühl heraus entstand 1971 Vilebrequin.

Der Gründer Fred Prysquel – Fotograf und Motorsportjournalist – soll seine erste Idee für eine Badehose auf einer Papiertischdecke in einem Café in Saint-Tropez skizziert haben. Inspiriert von den lockeren Surfershorts Kaliforniens entstanden Schnitte, die sich deutlich von der damals üblichen, engen Swimwear abhoben. Länger, entspannter, leichter.

Bis heute trägt die Marke etwas von dieser ursprünglichen Riviera in sich.

Nicht die laute Riviera.

Sondern jene, die nach Leinenhemden, Holzdecks und sonnengebleichten Farben aussieht.

Zwischen Bademode und Resortwear

Vielleicht liegt darin auch der Grund, warum Vilebrequin nie nur reine Swimwear geblieben ist.

Über die Jahre entwickelte sich daraus eine vollständige Sommergarderobe – mit luftigen Shirts, Resortwear, Accessoires und Kollektionen, die weniger nach „Beach Club“ wirken als nach einer bestimmten Haltung zum Sommer.

Gerade aktuelle Kollektionen zeigen das deutlich. Die Übergänge zwischen Bademode, Tailoring und Ready-to-wear werden fließender. Materialien wirken weicher, Farben zurückhaltender, Prints künstlerischer.

Magazine wie The Times Style/LUXX beschrieben zuletzt genau diese Entwicklung: weg von rein funktionaler Swimwear hin zu Stücken, die sich ebenso selbstverständlich am Strand wie beim Lunch tragen lassen. Die Idee dahinter ist weniger Inszenierung als Vielseitigkeit.

Auch die aktuellen Capsule Collections greifen diese Richtung auf. Für Summer 2026 arbeitet Vilebrequin etwa mit dem Label 3.PARADIS sowie dem französischen Künstler Fabrice Hyber zusammen – nicht als plakative Fashion-Kollaboration, sondern eher als Erweiterung einer bestimmten Bildwelt zwischen Kunst, Natur und Riviera-Kultur.

Die bestickten Modelle

Besonders interessant sind dabei die bestickten Modelle der Marke.

Sie verändern die Wirkung von Bademode vollkommen. Statt rein grafischer Prints entstehen Oberflächen mit Struktur und Tiefe – beinahe wie textile Objekte. Manche Motive wirken aus der Distanz fast gemalt, andere erinnern an mediterrane Illustrationen oder maritime Fundstücke.

Dabei geht es weniger um Luxus als Statement, sondern eher um Handwerk und Materialität. Genau das unterscheidet Vilebrequin oft von vielen anderen Brands im Resort-Bereich.

Die Stücke wollen nicht auffallen.

Aber sie haben Charakter.

La Plage

Spannend ist auch, wie stark die Marke mittlerweile über Orte funktioniert.

Mit Konzepten wie „La Plage“ oder Kooperationen mit Hotels und Resorts versucht Vilebrequin nicht nur Kleidung zu verkaufen, sondern ein bestimmtes Sommergefühl räumlich erlebbar zu machen. Pool Clubs, Cabana Spaces und temporäre Installationen greifen die Idee eines entspannten Riviera-Lifestyles auf, ohne daraus ein nostalgisches Klischee zu machen.

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Stärke der Marke.

Vilebrequin erzählt nicht von Urlaub als Eskapismus.

Sondern von einer Art, den Sommer wahrzunehmen.

Etwas langsamer vielleicht.
Etwas leichter.
Und mit einer Eleganz, die nicht erklärt werden muss.

Zwischen Architektur, Material und Atmosphäre inszeniert Mo.1950 in der Via Carducci eine immersive Wohnwelt, die Design neu denkt.

Im Rahmen der Milan Design Week 2026 verwandelt sich der Showroom von Mo.1950 in der Via Carducci 38 in Mailand in ein vielschichtiges Wohnkonzept: Architecture of Continuity. Statt einer klassischen Ausstellung entsteht ein atmosphärischer Lebensraum, der Design, Architektur und Materialität zu einer kohärenten Einheit verbindet.

Ein Raum wird zur Erfahrung

Was Besucher:innen in der Via Carducci erwartet, ist weit mehr als eine Inszenierung – es ist eine räumliche Erzählung. Der ehemals traditionelle Showroom wird zu einem vollständig gedachten Mailänder Apartment transformiert. Ein Ort, der nicht nur betrachtet, sondern erlebt wird.

Mo.1950, bekannt für seine Verbindung aus Designkultur, Handwerk und technischer Expertise, schafft hier eine Plattform, in der langjährige Partnerschaften weitergedacht werden. Gemeinsam mit den Marken Olivieri und Frag entsteht ein experimenteller Raum, der Architektur, Systeme und Materialien in einen kontinuierlichen Dialog bringt.

Das Konzept: Architecture of Continuity

Im Zentrum steht die Idee einer durchgängigen Gestaltungssprache: Architecture of Continuity. Jeder Bestandteil – von Wandverkleidungen über Türen bis hin zu maßgefertigten Möbeln – ist Teil eines ganzheitlichen Systems.

Ein wesentliches Element ist das architektonische „Band“, inspiriert von der Forschung Olivieris zur Gebäudehülle. Dieses zieht sich durch den Raum, definiert Wege, strukturiert Zonen und lenkt den Blick. Es schafft eine fließende Verbindung zwischen den einzelnen Bereichen und verleiht dem Raum eine organische Dynamik.

Materialität als Sprache

Auch die Möbelkollektionen von Frag tragen zur Kontinuität bei: Eine kuratierte Auswahl aus Best- und Longsellern wird nicht als Einzelstücke präsentiert, sondern als Teil eines größeren Ganzen. Materialien, Proportionen und Volumen greifen ineinander und formen eine ruhige, präzise Wohnsprache.

Oberflächen werden dabei nicht nur als ästhetisches Element verstanden, sondern als Ausgangspunkt für gestalterische Forschung – ein Ansatz, der Design auf eine tiefere Ebene hebt.

Innen und Außen im Dialog

Das Konzept endet nicht an der Tür. Zum zweiten Mal wird auch der historische Innenhof der Via Carducci in die Gestaltung einbezogen. Mit Outdoor-Möbeln von Varaschin sowie einer bioklimatischen Pergola und Beschattungssystemen von KE entsteht eine Erweiterung des Wohnraums ins Freie.

Der Hof wird so zu einem lebendigen Treffpunkt – für Begegnungen, Gespräche und Networking während der gesamten Design Week.

Textile Akzente

Abgerundet wird das Konzept durch Carpet Edition, die eine neue Teppichkollektion des Studios LualdiMeraldi präsentiert. Die Farbwelt ist gezielt auf das Raumkonzept abgestimmt und unterstreicht die harmonische Gesamtkomposition.

Architecture of Continuity zeigt eindrucksvoll, wie Design über das Objekt hinausgehen kann. Es entsteht ein Raum, der nicht aus Einzelteilen besteht, sondern aus Beziehungen – zwischen Materialien, Funktionen und Menschen. Ein stiller, aber kraftvoller Ansatz, der das Wohnen als ganzheitliche Erfahrung neu interpretiert.