Warum die Zukunft nicht nur mehr Freude, sondern auch mehr Verbindung braucht

Die Sehnsucht nach dem Gemeinsamen

Noch nie zuvor waren Menschen so stark miteinander vernetzt.

Und gleichzeitig fühlen sich viele Menschen so isoliert wie nie.

Wir kommunizieren permanent. Wir teilen Gedanken, Bilder und Meinungen in Echtzeit. Dennoch wächst in vielen Teilen der Welt das Gefühl von Einsamkeit, Polarisierung und gesellschaftlicher Fragmentierung.

Vielleicht liegt genau darin eine der großen Herausforderungen unserer Zeit:

Wie schaffen wir Verbindung in einer Welt, die immer stärker auseinanderzudriften scheint?

Die britische Künstlerin und Bühnenbildnerin Es Devlin widmet ihr gesamtes Werk dieser Frage.

Die Architektin kollektiver Erfahrungen

Es Devlin zählt zu den einflussreichsten Kreativen unserer Zeit.

Sie entwirft Bühnenbilder für Musiker, Operninszenierungen und globale Veranstaltungen. Doch ihre eigentliche Arbeit beginnt dort, wo klassische Bühnenbilder enden.

Devlin interessiert sich weniger für das, was Menschen betrachten.

Sie interessiert sich für das, was Menschen gemeinsam erleben.

Ihre Installationen aus Licht, Spiegeln, Sprache und Bewegung verwandeln Besucher nicht in Zuschauer, sondern in aktive Teilnehmer.

Immer wieder entstehen Räume, die eine überraschende Erkenntnis sichtbar machen:

Wir existieren niemals isoliert.

Wir entstehen in Beziehung.

Die Kraft der Perspektive

Viele Arbeiten von Es Devlin spielen mit Spiegelungen.

Auf den ersten Blick erscheinen sie als visuelle Effekte.

Tatsächlich verfolgen sie ein tieferes Ziel.

Wer in einen Spiegel blickt, sieht nicht nur sich selbst. Man erkennt auch die Umgebung und die Menschen, die sich mit einem im selben Raum befinden.

Die Grenzen zwischen Individuum und Gemeinschaft beginnen zu verschwimmen.

Damit stellt Devlin eine Frage, die heute aktueller wirkt denn je:

Was passiert, wenn wir aufhören, uns als voneinander getrennte Wesen zu betrachten?

Optimismus als Verbindung

Optimismus wird oft mit positiven Gedanken verwechselt.

Für Devlin scheint Optimismus etwas anderes zu bedeuten.

Nicht die Überzeugung, dass alles gut wird.

Sondern die Erkenntnis, dass wir Herausforderungen gemeinsam bewältigen können.

Ihre Arbeiten erinnern daran, dass Menschen seit Jahrtausenden Geschichten erzählen, Musik machen, feiern und trauern, um Gemeinschaft zu erzeugen.

Verbindung ist kein Luxus.

Sie ist eine menschliche Notwendigkeit.

Die neue Kultur des Miteinanders

Interessanterweise lässt sich dieser Gedanke heute weit über die Kunst hinaus beobachten.

Hotels entwickeln sich zu Orten der Begegnung.

Architektur sucht nach neuen Gemeinschaftsräumen.

Marken sprechen über Community statt über Zielgruppen.

Selbst die erfolgreichsten öffentlichen Räume entstehen dort, wo Menschen miteinander in Kontakt treten können.

Es Devlin steht exemplarisch für diese Entwicklung.

Ihre Kunst macht sichtbar, was oft unsichtbar bleibt:

Die Beziehungen, die Menschen miteinander verbinden.

Eine Zukunft, die wir gemeinsam gestalten

Vielleicht wird die wichtigste Ressource der Zukunft nicht Technologie sein.

Nicht Daten.

Nicht künstliche Intelligenz.

Sondern die Fähigkeit, Verbindung herzustellen.

Zwischen Menschen.

Zwischen Kulturen.

Zwischen Individuum und Gemeinschaft.

Die Arbeiten von Es Devlin erinnern uns daran, dass wir Teil größerer Zusammenhänge sind.

In einer Zeit, die oft von Trennung geprägt ist, schafft sie Räume der Begegnung.

Und genau darin liegt ihre Form des Optimismus.

Die Hoffnung, dass Menschen einander nicht nur verstehen können.

Sondern sich in den Geschichten der anderen auch selbst wiederfinden.

Zwischen Wasser, Fels und Vorstellungskraft verwandelt sommer.frische.kunst. Bad Gastein erneut in einen der faszinierendsten Kunstorte des Alpenraums. Die Ausgabe 2026 steht unter dem Titel „Between Waters“ und erkundet das Wasser nicht nur als Naturphänomen, sondern als Metapher für Bewegung, Wandel und Verbindung.

Es gibt Orte, deren Identität sich kaum von ihrer Landschaft trennen lässt. Bad Gastein ist ein solcher Ort. Der Wasserfall, die heißen Quellen, die dramatische Topografie und die besondere Mischung aus alpiner Natur und historischer Architektur prägen seit Jahrhunderten die Wahrnehmung des Kurorts.

Genau hier setzt das Kunst- und Kulturfestival sommer.frische.kunst. an. Unter der künstlerischen Leitung von Andrea von Goetz widmet sich die 16. Ausgabe des Festivals dem Thema „Between Waters: Zirkulation, Reflexion und Imagination“ und macht den gesamten Ort vom 11. Juni bis 30. August 2026 zur Bühne für internationale Gegenwartskunst.

Wasser als Symbol einer Welt in Bewegung

„Panta Rhei – alles fließt“ lautet eine der ältesten philosophischen Erkenntnisse Europas. Kaum ein Ort macht diesen Gedanken so unmittelbar erfahrbar wie Bad Gastein.

Das diesjährige Festival versteht Wasser nicht nur als lebensspendende Ressource, sondern als kulturelle, politische und poetische Kraft. Es wird zum Ausgangspunkt für künstlerische Arbeiten über Veränderung, Kreisläufe, Erinnerung und Zukunft.

Mit diesem kuratorischen Ansatz öffnet sommer.frische.kunst. einen Raum für neue Perspektiven auf eine Welt, die sich permanent im Wandel befindet.

Künstlerische Produktion direkt am Wasserfall

Ein Herzstück des Festivals bleibt das internationale Artist-in-Residence-Programm im historischen Kraftwerk am Wasserfall.

Acht internationale Künstlerinnen und Künstler arbeiten mehrere Wochen vor Ort und entwickeln neue, ortsspezifische Projekte, die unmittelbar aus der Begegnung mit Landschaft, Architektur und Geschichte entstehen.

Die Ergebnisse werden erstmals während des Opening Weekends Anfang Juli präsentiert und machen Bad Gastein selbst zum Teil der künstlerischen Erzählung.

Ein Wochenende zwischen Kunst, Architektur und alpiner Energie

Den offiziellen Auftakt bildet das Opening Weekend von 2. bis 5. Juli 2026.

Bereits am ersten Abend präsentiert der mexikanische Künstler Claudio Limón im Hotel Miramonte eine eigens entwickelte Ausstellung in Kooperation mit dem STRAAT Museum Amsterdam. Seine Arbeiten übersetzen die Energie der Gasteiner Bergwelt in eine zeitgenössische visuelle Sprache zwischen Street Art und poetischer Abstraktion.

Am folgenden Tag führt die Kaiser-Wilhelm-Promenade zum Radon Pavillon, wo die Künstlerin Nives Widauer ihre textilen Arbeiten zeigt. Inspiriert von Flüssen, Strömungen und natürlichen Bewegungsformen verbinden ihre Werke Materialität mit erzählerischer Leichtigkeit.

Kunst zieht ins Grand Hotel Astoria ein

Zu den spannendsten Neuerungen zählt die Premiere von ASTORIA curated x art:badgastein.

Das ehemalige Grand Hotel Astoria wird für wenige Tage zu einem offenen Ausstellungsraum, in dem dreizehn internationale Galerien und fünf Solo Artists historische Zimmer, Salons und Säle bespielen.

Dabei entsteht ein Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart, zwischen Architektur, Design, Kunst und Sammlerkultur. Das traditionsreiche Haus wird zum Experimentierraum für neue Formen des Ausstellens und Begegnens.

Bad Gastein als Ort der Transformation

Neben den während der Residency entstandenen Arbeiten werden auch internationale Positionen von Künstlern wie Julius von Bismarck, Mischa Leinkauf und Leonor Serrano Rivas präsentiert, die sich auf unterschiedliche Weise mit dem Thema Wasser auseinandersetzen.

Ergänzt wird das Programm durch die poetischen Teppicharbeiten von Holger Schmidhuber. Seine Serie Bad Gastein Energies basiert auf Texten, die während seiner Aufenthalte am Wasserfall entstanden sind und die besondere Atmosphäre des Ortes in eine visuelle Form übersetzen.

Ein Sehnsuchtsort zwischen Natur und Kultur

Was sommer.frische.kunst. seit Jahren von vielen Kunstfestivals unterscheidet, ist die enge Verbindung von Ort und Inhalt. Die Ausstellungen verteilen sich nicht auf neutrale White Cubes, sondern durchziehen Hotels, historische Gebäude, öffentliche Räume und Landschaften.

So wird Bad Gastein selbst zum Ausstellungsraum – und die Begegnung mit Kunst zu einer Bewegung durch den Ort.

Zwischen Wasserfall und Belle Époque, zwischen alpiner Wildheit und zeitgenössischer Reflexion entsteht ein kultureller Resonanzraum, der weit über klassische Ausstellungserlebnisse hinausgeht.

Sommer.frische.kunst. 2026 zeigt eindrucksvoll, dass Kunst nicht nur betrachtet werden will. Manchmal muss man sie durchwandern.

Österreichs Beitrag zur Biennale Venedig 2026 zwischen Performance, Mode und radikaler Körperlichkeit

Wenn die 61. Internationale Kunstausstellung der Biennale von Venedig ihre Tore öffnet, wird der österreichische Pavillon kaum zu übersehen sein. Nicht wegen spektakulärer Architektur oder technologischer Effekte, sondern wegen einer Künstlerin, die den menschlichen Körper seit Jahren zu ihrem zentralen Medium macht: Florentina Holzinger.

Mit SEAWORLD VENICE verwandelt die österreichische Choreografin und Performance-Künstlerin den Pavillon in eine lebendige Installation aus Wasser, Bewegung, Ritual und Transformation. Das Projekt, kuratiert von Nora-Swantje Almes, erstreckt sich über den Pavillon hinaus in die Lagune und die Stadt Venedig selbst. Gezeigt werden eine permanente Live-Installation sowie ortsspezifische Performances, die Holzingers langjährige Auseinandersetzung mit Wasser als Symbol, Lebensraum und politischer Metapher fortführen.

Der Körper als letztes Territorium

Kaum eine Künstlerin hat die Diskussion über den Körper in den vergangenen Jahren so konsequent vorangetrieben wie Florentina Holzinger. Während die Modeindustrie zunehmend über Identität, Gender, Selbstbestimmung und Körperbilder spricht, geht Holzinger einen Schritt weiter. Sie macht den Körper selbst zum Schauplatz dieser Verhandlungen.

Ihre Arbeiten bewegen sich zwischen Tanz, Theater, Stunt-Performance und bildender Kunst. Nacktheit erscheint dabei nie als Provokation um ihrer selbst willen, sondern als Werkzeug, um gesellschaftliche Konventionen sichtbar zu machen. Der Körper wird zur Projektionsfläche für Fragen nach Freiheit, Kontrolle, Verletzlichkeit und Widerstand.

Fashion ohne Kleidung

Dass dieser Beitrag in einer Fashion-Kategorie erscheint, mag auf den ersten Blick überraschen. Doch gerade Florentina Holzinger zeigt, wie sehr sich Mode heute über die Grenzen des Kleidungsstücks hinaus entwickelt hat.

Mode war immer mehr als Stoff. Sie war Inszenierung, Haltung und Ausdruck eines Zeitgeistes. Holzinger entfernt das Kleidungsstück beinahe vollständig und legt damit jene Fragen frei, die auch die interessantesten Designer unserer Zeit beschäftigen: Wer gestaltet den Körper? Wer definiert Schönheit? Welche Bilder von Weiblichkeit und Stärke tragen wir mit uns?

In einer Zeit, in der Labels wie Balenciaga, Rick Owens oder Comme des Garçons den Körper zunehmend als performativen Raum begreifen, wirkt Holzingers Werk fast wie eine radikale Weiterführung dieser Entwicklung. Nicht das Kleid steht im Mittelpunkt, sondern der Mensch selbst.

Wasser als Spiegel unserer Gegenwart

Für SEAWORLD VENICE nutzt Holzinger Wasser als zentrales Element. Die Künstlerin beschreibt es als Symbol für eine Welt im Wandel, in der Natur, Technologie und menschliche Existenz immer stärker miteinander kollidieren. Der österreichische Pavillon wird dabei zu einer hybriden Landschaft zwischen dystopischem Freizeitpark, Forschungsstation und Ritualraum.

Der Titel könnte kaum passender sein. Venedig selbst steht seit Jahrhunderten für die fragile Beziehung zwischen Mensch und Wasser. Die Stadt wird damit nicht nur zum Austragungsort der Arbeit, sondern zu ihrem eigentlichen Mitspieler.

Österreichs mutigste Modegeste

In einer Biennale, die unter dem Motto In Minor Keys nach neuen Formen des Zusammenlebens sucht, erscheint Holzingers Beitrag wie ein radikaler Vorschlag für die Zukunft. Nicht durch Objekte, sondern durch Körper. Nicht durch Repräsentation, sondern durch Erfahrung.

Vielleicht liegt genau darin seine Verbindung zur Mode. Denn die spannendsten Entwicklungen entstehen heute nicht mehr ausschließlich auf Laufstegen. Sie entstehen dort, wo Identität, Körper und Kultur neu verhandelt werden.

Mit SEAWORLD VENICE präsentiert Österreich keinen klassischen Pavillon. Es präsentiert eine Frage: Wie wollen wir als Menschen in Zukunft leben – und welchen Körper bringen wir in diese Zukunft mit?

Poetische Fragmente von Identität, Migration und weiblicher Kraft im Espace Louis Vuitton

Mit einer kraftvollen Ausstellung feiert das Espace Louis Vuitton Tokyo nicht nur zwei bedeutende Jubiläen, sondern widmet sich einer der faszinierendsten Stimmen der zeitgenössischen Kunst: Rina Banerjee. Ihre Werke bewegen sich zwischen kulturellen Fragmenten, poetischen Narrativen und einer radikal femininen Perspektive auf Identität im globalen Kontext.

Zwischen Diaspora und Imagination

Anlässlich des 20-jährigen Bestehens der Espaces Louis Vuitton sowie des 10-jährigen Jubiläums des Hors-les-murs-Programms präsentiert das Espace Louis Vuitton Tokyo eine außergewöhnliche Ausstellung der indisch-amerikanischen Künstlerin Rina Banerjee.

Banerjees Arbeiten sind vielschichtige Kompositionen aus gefundenen Materialien – von Textilien, Federn und Straußeneiern bis hin zu Alltagsobjekten wie Baumwollfäden oder Kokospulver. Diese Materialien tragen Spuren kolonialer Geschichte und globaler Handelswege in sich und werden von der Künstlerin in komplexe, fast mystische Installationen und Skulpturen transformiert.

Ihre Kunst bewegt sich in einem Spannungsfeld zwischen Abstraktion und Figuration – und entzieht sich bewusst dem kolonialen Blick.

Weibliche Narrative jenseits des Blicks

Im Zentrum von Banerjees Werk steht eine postkoloniale, feministische Perspektive. Ihre Figuren – oft inspiriert von hinduistischen Göttinnen – sind kraftvoll, vielschichtig und bewusst jenseits stereotyper Darstellungen angelegt.

„Den Blick zu befreien bedeutet, auch die Vorstellung von Weiblichkeit neu zu definieren.“

Ihre Werke erzählen Geschichten von Migration, Identität und Zugehörigkeit. Dabei entstehen poetische Titel, die selbst Teil des künstlerischen Ausdrucks sind – wie der Titel der Ausstellung:

„You made me leave my happy home to become someone else anew…“

Diese narrative Tiefe macht jede Arbeit zu einem emotionalen und intellektuellen Erlebnis zugleich.

Globale Bewegungen, fragile Systeme

Die Ausstellung versammelt insgesamt 19 Werke – Installationen, Skulpturen und Malerei – und setzt sich intensiv mit Themen wie globaler Mobilität, kolonialem Erbe und ökologischer Fragilität auseinander.

Im Mittelpunkt steht die monumentale Installation
„In an unnatural storm a world fertile, fragile and desirous…“ (2008),
die erstmals von der Fondation Louis Vuitton präsentiert wird.

Ergänzt wird sie durch neuere Arbeiten wie Black Noodles (2023), die sich mit dem globalen Handel von menschlichem Haar und dessen politischen Dimensionen auseinandersetzt.

Banerjees Werk ist dabei stets vieldeutig: ästhetisch verführerisch und zugleich kritisch, poetisch und politisch.

Eine transnationale Identität als künstlerischer Motor

Geboren 1963 in Kolkata, lebt und arbeitet Rina Banerjee heute in New York. Ihre eigene Biografie – geprägt von Migration zwischen Indien, Großbritannien und den USA – spiegelt sich unmittelbar in ihrem Werk wider.

Mit einem Hintergrund in Polymer Engineering und einer späteren Ausbildung an der Yale University verbindet sie wissenschaftliche Präzision mit künstlerischer Intuition.

Ihre Arbeiten wurden weltweit ausgestellt – unter anderem bei der Whitney Biennale sowie der Biennale von Venedig – und sind Teil bedeutender internationaler Sammlungen.

Kunst als poetischer Widerstand

Die Ausstellung im Espace Louis Vuitton Tokyo ist mehr als eine Retrospektive – sie ist ein immersiver Raum, in dem sich Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft überlagern.

Banerjee erschafft eine Welt, in der Identität nicht statisch ist, sondern sich ständig neu formt – fragil, hybrid und voller Möglichkeiten.

Ein oder zwei Steinwürfe entfernt von den Carrara-Marmorsteinbrüchen nahe von Pietrasanta liegt die Locanda al Colle, wo Kunst den Geist des Hauses prägt. Die Umgebung hat sie hierhergebracht, und das Boutiquehotel trägt sie weiter, als wäre es selbst ein Atelier mitten in der Landschaft.

Er ist weiß. Er ist zeitlos. Und trägt seit Jahrhunderten die Sehnsucht nach Form in sich – jener Marmor, den schon Michelangelo so liebte, weil er darin bereits die Skulptur sah, die nur darauf wartete, freigelegt zu werden. In Carrara werden die Blöcke des kostbaren Steins seit Jahrhunderten aus den Bergen geholt. Wer herausfinden möchte, ob ihn beim Anblick des Steins eine ähnliche Inspiration erfasst wie einst Michelangelo, kann den Steinbruch gemeinsam mit der Schweizer Bildhauerin Maja Thommen erkunden – und sogar selbst Hand anlegen.

Die Figur war schon in dem rohen Stein drin. Ich musste nur noch alles Überflüssige wegschlagen.

Michelangelo

Maja Thommen, die der Locanda al Colle sehr verbunden ist, lebt und arbeitet in der Nähe von Pietrasanta. Jener Stadt, die als intellektuelles Zentrum für Skulptur und Marmorverarbeitung gilt. Neben zahlreichen Galerien befindet sich hier auch das Museo dei Bozzetti mit seinen 700 zeitgenössischen Gipsentwürfen von Skulpturen von über 350 internationalen Künstler und Künstlerinnen.

Nicht weit entfernt, weht dieser künstlerische Atem über die Stadt bis zur Locanda al Colle hinein. Hier, zwischen sanften Hügeln, Olivenhainen und jahrhundertealten Gärten, sorgt Riccardo dafür, dass das das künstlerische Erbe weitergetragen wird.

Ausstellungen im herkömmlichen Sinn gibt es hier nicht, die Locanda al Colle lebt mit der Kunst. Viele Werke werden ins Haus geholt, von Gästen gekauft und durch neue ersetzt. Es ist ein lebendiger natürlicher Prozess an dem etwa Sebastian Bianco, Claudia Gama, Daniele Guidugli, Max Lamb, Libero Maggini, Paul Mercier, und Maja Thommen beteiligt sind.

Andere Stücke, darunter Skulpturen, Fotografien, Vasen, Lampen, Gemälde hat Riccardo über die Jahre hinweg gesammelt. Ihnen gebührt einer fixer Platz in seinem Herzen und in der Locanda.

Die Ausstellungsflächen müssen im Einklang mit ihrer Umgebung stehen. Deshalb bewerte ich sowohl Form als auch Material und Farbe. Die Auswahl der Künstler und Künstlerinnen entsteht meist aus Begegnungen und einem persönlichen Gefühl dafür – manchmal finde ich sie, manchmal finden sie mich.

Riccardo Barsottelli

Locanda al Colle is a member of Lifestylehotels

Fotocredits: Locanda Al Colle; Elisa Garbarino

Unter dem Alter Ego Sheisinblack.art erschafft die österreichische Künstlerin Manuela Klauser surreale Bildwelten zwischen künstlicher Intelligenz, digitaler Ästhetik und poetischer Dunkelheit.

Die Zukunft der Kunst ist zunehmend digital – und manchmal auch algorithmisch. Mit ihrem künstlerischen Alter Ego Sheisinblack.art gehört die österreichische Künstlerin Manuela Klauser zu jener neuen Generation von Kreativen, die künstliche Intelligenz als kreativen Partner begreifen. Ihre Werke bewegen sich zwischen surrealen Traumlandschaften, urbanen Fragmenten und einer subtil düsteren Ästhetik, die sie selbst als eine Form von „Soft Goth Surrealism“ beschreibt.

Die Bildwelten von Sheisinblack.art

Unter dem Namen Sheisinblack.art entwickelt Manuela Klauser visuelle Kompositionen, die zwischen Traum und digitaler Realität oszillieren. Ihre Arbeiten wirken oft wie Szenen aus einem surrealen Film: geheimnisvolle Figuren, architektonische Fragmente und atmosphärische Lichtstimmungen verschmelzen zu poetischen Bildräumen.

Diese Ästhetik ist charakteristisch für Sheisinblack.art – eine künstlerische Praxis, die künstliche Intelligenz mit intuitiver Bildgestaltung verbindet. Die generierten Bildwelten entstehen im Dialog zwischen menschlicher Idee und algorithmischer Interpretation.

Dabei nutzt Klauser AI-basierte Bildgeneratoren, digitale Bearbeitung und kuratorische Auswahl, um aus einer Vielzahl generierter Bilder jene Kompositionen zu formen, die ihre künstlerische Vision am präzisesten widerspiegeln.

AI als Werkzeug und künstlerischer Dialog

Für Sheisinblack.art ist künstliche Intelligenz nicht bloß ein technisches Hilfsmittel. Vielmehr versteht Manuela Klauser AI als eine Form kreativer Kollaboration – ein System, das neue Bildmöglichkeiten eröffnet und unerwartete visuelle Ideen hervorbringen kann.

Diese Herangehensweise prägt auch ihre Workshops und Vorträge, in denen sie über Prompting, Bildgenerierung und kreative AI-Prozesse spricht. Dabei geht es nicht nur um Technik, sondern vor allem um die Frage, wie Künstler:innen diese neuen Werkzeuge bewusst und kritisch einsetzen können.

Gerade in der aktuellen Debatte über AI in der Kunst nimmt Sheisinblack.art damit eine interessante Position ein: Die Technologie wird nicht als Ersatz menschlicher Kreativität verstanden, sondern als Erweiterung.

Zwischen Kunst, Innovation und digitaler Kultur

Neben ihrer künstlerischen Tätigkeit ist Manuela Klauser auch als Creative & Innovation Consultant aktiv und engagiert sich in der kreativen Community. Talks, Workshops und Veranstaltungen im Bereich künstliche Intelligenz gehören ebenso zu ihrer Praxis wie die kontinuierliche Weiterentwicklung von Sheisinblack.art.

Gerade diese Verbindung aus künstlerischem Ausdruck, technologischer Kompetenz und Vermittlung macht das Projekt besonders relevant. Sheisinblack.art steht exemplarisch für eine neue Generation digitaler Kunstpraxis, in der kreative Intuition und algorithmische Systeme miteinander verschmelzen.

Die Zukunft der AI-Kunst

Mit Sheisinblack.art zeigt Manuela Klauser, wie sich neue ästhetische Räume im Zeitalter künstlicher Intelligenz eröffnen. Die Bilder sind atmosphärisch, manchmal düster, oft überraschend poetisch – und immer Ausdruck eines kreativen Dialogs zwischen Mensch und Maschine.

In einer Kunstwelt, die zunehmend von Technologie geprägt ist, gehört Sheisinblack.art zu jenen Projekten, die zeigen, wie künstliche Intelligenz zu einem eigenständigen künstlerischen Medium werden kann.

Ein filmischer Blick in das Haus der Schweizer Surrealistin – und in die Gedankenwelt einer der faszinierendsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts.

In seinem Kurzfilm Meret Lives Here begibt sich Regisseur Matteo Lonardi auf Spurensuche im Haus der Schweizer Surrealistin Meret Oppenheim. In der Casa Costanza im Tessiner Dorf Carona scheinen Kunstwerke, Fundstücke und Alltagsobjekte noch immer den Geist der Künstlerin zu tragen.

Seit Oppenheims Tod im Jahr 1985 nahezu unverändert, wirkt ihr Haus wie ein eingefrorener Ausdruck ihrer Gedankenwelt. Neugier, Disziplin und ein leiser Widerstand gegen Konventionen spiegeln sich in Räumen und Gegenständen wider. Die Umgebung der Casa Costanza inspirierte viele ihrer bekanntesten Arbeiten – Werke, in denen gewöhnliche Objekte des Alltags zu surrealen, poetischen und oft provokanten Skulpturen und Assemblagen transformiert wurden.

“Walking through Meret Oppenheim’s home today feels like entering her state of mind. I was drawn not only to the objects and rooms, but to the sense that Meret never fully left.”
— Matteo Lonardi

Gemeinsam mit Oppenheims Nichte Lisa Wegner, die den künstlerischen Nachlass der Surrealistin betreut, erkundet Lonardi das Haus als Spiegel ihres inneren Kosmos. Zwischen Erinnerungen an das Paris der 1930er-Jahre – wo Oppenheim mit Künstlern wie Max Ernst und Man Ray verkehrte – und ihrem konsequenten Widerstand gegen jede Form der Kategorisierung entsteht ein intimes Porträt der Künstlerin.

Der Film verbindet die poetischen Widersprüche der Casa Costanza mit der geistigen Freiheit und dem spielerischen Witz, die Oppenheims Werk prägen. In den Objekten, Möbeln und Kunstwerken ihres Hauses scheint ihre kreative Energie bis heute weiterzuleben.

Wenn Kunst Geschichte sichtbar macht

In ihrem Studio in Houston spricht die vietnamesisch-amerikanische Künstlerin Tiffany Chung über Erinnerung, Migration und darüber, wie Kunst offizielle Narrative hinterfragen kann.

Die multidisziplinäre Künstlerin arbeitet mit Karten, Skulpturen, Malerei und digitalen Medien. Ihre Werke verbinden intensive Recherche mit persönlicher Erfahrung und eröffnen neue Perspektiven auf die menschlichen Folgen von Krieg, Vertreibung und Migration.

Ausgehend von der Logik der Kartografie untersucht Chung die komplexen Verflechtungen politischer, sozialer, wirtschaftlicher und ökologischer Prozesse. Ihre Arbeiten stellen offizielle Geschichtsschreibungen infrage – insbesondere dort, wo individuelle Stimmen und persönliche Erfahrungen aus dem kollektiven Gedächtnis verschwinden.

„Eine Karte ist eine Möglichkeit, einen Ort von oben zu kontrollieren – sie kann ausradieren, was tatsächlich in einer Landschaft existiert. Wie können wir diese Macht zurückgewinnen, damit Karten auch Geschichten erzählen, die ausgelöscht wurden?“
— Tiffany Chung

Zwischen persönlicher Geschichte und globaler Erinnerung

Chungs künstlerische Praxis ist eng mit ihrer eigenen Biografie verbunden. In Vietnam geboren, kam sie als Kind mit ihrer Familie als Flüchtling in die USA. Diese Erfahrungen prägen ihr Werk bis heute.

Historische Dokumente, Satellitenbilder und demografische Statistiken übersetzt sie in präzise komponierte visuelle Arbeiten, die analytische Genauigkeit mit emotionaler Tiefe verbinden. Ihre Karten sind dabei keine neutralen Darstellungen von Territorien – vielmehr zeichnen sie Bewegungen von Menschen, Geschichten von Flucht und Erinnerung nach.

Für die Reihe “Meet the Artists” öffnet Chung ihr Studio in Houston für ein Gespräch über Kunst, die nicht nur geografische Räume kartiert, sondern auch unsichtbare Geschichten sichtbar macht. Ihre Arbeiten erinnern daran, wie wichtig es ist, historische Amnesie zu vermeiden und verdrängte Narrative wieder ans Licht zu bringen.

Die Künstlerin wird von den Galerien Kiang Malingue (Hongkong, New York), Max Estrella (Madrid) und Ryan Lee (New York) vertreten.

Über NOWNESS

NOWNESS ist eine international renommierte Plattform für kuratierte Videoinhalte rund um Kunst, Design, Mode, Architektur und Kultur. Seit ihrer Gründung steht die Plattform für visuell außergewöhnliches Storytelling und präsentiert Arbeiten führender Kreativer ebenso wie neue Stimmen der internationalen Kulturszene.

Eine neue Ära moderner Weiblichkeit und kreativer Freiheit

Rom, 19. Februar 2026. Das römische Schmuckhaus Bvlgari schlägt ein neues Kapitel auf und ernennt Dua Lipa zur globalen Markenbotschafterin. Eine Entscheidung, die nicht nur strategisch, sondern auch kulturell gelesen werden kann: Hier trifft ikonische italienische Handwerkskunst auf eine der prägendsten Stimmen ihrer Generation.

Zwischen Popkultur und zeitloser Eleganz

Dua Lipa steht für eine Generation, die Erfolg neu definiert – selbstbestimmt, kreativ und kompromisslos authentisch. Mit mehreren Grammy- und BRIT-Awards sowie Milliarden Streams weltweit hat sie sich als feste Größe der zeitgenössischen Kultur etabliert Dua Lipa x Bvlgari.

Ihre Karriere ist geprägt von künstlerischer Freiheit und einem klaren Bekenntnis zu Integrität – Werte, die auch im Selbstverständnis von Bvlgari verankert sind.

„Dua Lipa verkörpert eine zeitgemäße Vision von Empowerment und Freiheit, die zutiefst mit den Werten von Bvlgari im Einklang steht“, so Laura Burdese, Deputy CEO von Bvlgari und CEO ab dem 1. Juli 2026 Dua Lipa x Bvlgari.

Das Haus würdigt damit nicht nur eine internationale Künstlerin, sondern eine Persönlichkeit, die weibliche Stärke und Selbstbewusstsein sichtbar macht.

Schmuck als Statement

Für Dua Lipa selbst ist die Zusammenarbeit mehr als eine klassische Markenpartnerschaft.

„Es ist etwas ganz Besonderes, mit einer ikonischen Marke wie Bvlgari zusammenzuarbeiten … ein Haus, das für Selbstbewusstsein, Kreativität sowie moderne Weiblichkeit steht und dessen Schmuckstücke jedem Look den perfekten letzten Schliff verleihen“, kommentiert die Künstlerin Dua Lipa x Bvlgari.

Schmuck wird hier nicht als Accessoire verstanden, sondern als Ausdruck von Haltung – als funkelnde Signatur einer Persönlichkeit.

Gerade im Kontext von Mindful Luxury entsteht daraus eine spannende Spannung: Handwerk, Heritage und High Fashion verbinden sich mit einer globalen Pop-Ikone, die für Unabhängigkeit und kulturelle Relevanz steht.

THE Stylemate Perspective

Die Ernennung von Dua Lipa zur globalen Markenbotschafterin ist mehr als ein PR-Moment. Sie markiert eine strategische Ausrichtung auf eine neue, selbstbewusste Generation von Frauen, die Luxus nicht über Status, sondern über Identität definiert.

Bvlgari bleibt damit seiner DNA treu – opulent, sinnlich, römisch – und öffnet sich zugleich einer globalen, zeitgenössischen Narration von Empowerment und kreativer Freiheit.

Los Angeles, Material, Intuition – und die stille Kraft des Loslassens.

In ihrem Studio in Los Angeles formt die belgische Künstlerin Katrien van der Schueren rohe, haptische Materialien zu monumentalen, poetischen Skulpturen. Holz, Stein, Gips, Metall oder Harz werden bei ihr nicht beherrscht, sondern behutsam begleitet – in einem Prozess, der sich zwischen Kontrolle und Hingabe bewegt.

Der Kurzfilm The Artist Mind, veröffentlicht auf Nowness, gibt einen seltenen Einblick in diesen Zustand des kreativen Sich-Einlassens. Auf Super-8 festgehalten von der Filmemacherin und langjährigen Freundin Marcia Prentice, entfaltet sich kein klassisches Künstlerporträt, sondern eine leise Annäherung an das innere Arbeiten einer Bildhauerin.

„Was als Dokumentation des Prozesses begann, wurde zu etwas Tieferem – zu einem Blick in den Geist einer Künstlerin, angetrieben von Emotion und Hingabe.“

Zwischen skulpturalen Arbeiten, Lichtobjekten und großformatigen Wandarbeiten entsteht ein Spannungsfeld aus präziser Technik und bewusster Offenheit für das Unbekannte. Van der Schueren arbeitet intuitiv, geleitet vom Tastsinn, und lässt ihre Werke organisch wachsen – als stille Dialoge zwischen Material, Körper und Geist.

Ein Film über das Vertrauen in den Prozess. Und über die Schönheit, die entsteht, wenn Kontrolle losgelassen wird.