Lorenzo Agius und Izzy Weissgerber zeigen auf Mallorca, wie Fotografie und Malerei zu einer gemeinsamen Bildsprache verschmelzen

Mit ICONIC zieht eine Ausstellung in die HMH Galeria in Port Andratx ein, die Fotografie und Malerei nicht als Gegensätze versteht, sondern als gleichberechtigte Gesprächspartner. Vom 22. August 2026 bis 6. Januar 2027 treffen die ikonischen Porträts des international renommierten Fotografen Lorenzo Agius auf die intuitiven, emotionalen Interventionen der Berliner Künstlerin Izzy Weissgerber. Das Ergebnis ist keine klassische Kooperation, sondern eine neue visuelle Sprache, in der Kontrolle und Hingabe, Schönheit und Verletzlichkeit miteinander verschmelzen.

Zwischen Glamour und Menschlichkeit

Seit den 1990er-Jahren gehört Lorenzo Agius zu den bedeutendsten Porträtfotografen der internationalen Film- und Modeszene. Seine Fotografien von Persönlichkeiten wie Cate Blanchett, Madonna, Ewan McGregor, Jude Law, Jack Nicholson oder Valentino haben längst Kultstatus erreicht. Doch Agius interessiert sich weniger für Prominenz als für den flüchtigen Moment dahinter.

Seine Bilder entstehen dort, wo Perfektion für einen Augenblick ihre Fassade verliert und Authentizität sichtbar wird. Statt Inszenierung sucht er emotionale Nähe. Seine Kamera beobachtet nicht – sie führt einen stillen Dialog mit ihrem Gegenüber.

Diese Fähigkeit machte ihn bereits mit seinen ikonischen Fotografien rund um Trainspotting und später während der Ära der britischen „Cool Britannia“ zu einem der prägendsten visuellen Chronisten seiner Generation. Heute befinden sich seine Werke unter anderem in der National Portrait Gallery und im Victoria & Albert Museum in London.

Wenn Farbe Emotion sichtbar macht

Wo Agius mit Licht arbeitet, setzt Izzy Weissgerber auf Intuition. Die deutsch-amerikanische Künstlerin verbindet Malerei, Zeichnung und Mixed Media zu Arbeiten, die sich jeder eindeutigen Zuordnung entziehen.

Ein zentraler Ausgangspunkt ihrer Kunst ist ihre Synästhesie – die Fähigkeit, Menschen als individuelle Farben und Zahlen wahrzunehmen. Diese unsichtbaren Codes übersetzt sie in expressive Eingriffe, die Fotografien nicht übermalen, sondern emotional erweitern.

Ihre charakteristischen Porträts verzichten häufig auf den direkten Blickkontakt. Die Augen verschwinden hinter kräftigen Farbfeldern, wodurch sich der Fokus vom Äußeren auf die innere Energie der dargestellten Persönlichkeit verschiebt. Bekannt wurde Weissgerber international, nachdem Joe Dallesandro – Schauspieler und Muse Andy Warhols – eines ihrer Werke entdeckte und ein Porträt in Auftrag gab.

Ein kreativer Dialog statt einer Überarbeitung

Der besondere Reiz von ICONIC liegt nicht darin, dass Malerei Fotografien verändert. Vielmehr entstehen Werke, die sich zwischen beiden Disziplinen bewegen.

Weissgerbers Eingriffe überdecken die Fotografien von Agius nicht, sondern verdichten sie. Jede Farbschicht eröffnet neue emotionale Ebenen, ohne die ursprüngliche fotografische Sprache auszulöschen. Dadurch entwickelt sich zwischen beiden Künstlern eine geteilte Autorenschaft – eine visuelle Kommunikation, die weder der Fotografie noch der Malerei allein gehört.

Gerade in einer Zeit permanenter Bilderflut wirkt dieser Ansatz bemerkenswert entschleunigend. Statt Aufmerksamkeit durch Lautstärke zu erzeugen, fordert ICONIC Konzentration. Die Ausstellung lädt dazu ein, länger hinzusehen und jene Zwischentöne wahrzunehmen, die im digitalen Bilderstrom oft verloren gehen.

Port Andratx als Bühne für internationale Kunst

Nach ihrer viel beachteten Präsentation während des Gallery Weekends Berlin macht ICONIC nun Station auf Mallorca. In der HMH Galeria werden unter anderem Arbeiten mit Cate Blanchett, Madonna, Jude Law und Diana Ross gezeigt.

Die Ausstellung macht deutlich, dass Porträts weit mehr sein können als Abbilder prominenter Gesichter. Sie werden zu Projektionsflächen für Erinnerung, Emotion und Identität – und zeigen, wie kraftvoll Kunst wird, wenn unterschiedliche Handschriften nicht konkurrieren, sondern miteinander arbeiten.

Zwischen unvollendeten Gebäuden und gelebter Realität erzählt der Kurzfilm Liminal von NOWNESS eine Geschichte über Räume, die weder Vergangenheit noch Zukunft sind. In Accra wird Architektur dabei nicht zur Kulisse, sondern zum Gegenüber einer Performerin, deren Körper die Spannungen einer Stadt sichtbar macht.

Zwischen Aufbruch und Stillstand

Accra gilt als eine der dynamischsten Metropolen Westafrikas. Die ghanaische Hauptstadt wächst rasant, verändert sich beinahe täglich und steht zugleich vor Herausforderungen, die viele schnell wachsende Städte teilen. Unvollendete Bauprojekte, vernachlässigte Infrastruktur und Orte, die scheinbar auf ihre Zukunft warten, gehören ebenso zum Stadtbild wie neue Visionen.

Genau in diesem Spannungsfeld setzt der Kurzfilm Liminal an. Regisseurin und bildende Künstlerin Naafia Naahemaa verlegt die Handlung in einen nie fertiggestellten brutalistischen Bau. Sichtbeton, offene Treppenhäuser und freistehende Pfeiler bilden eine Architektur, die weder verlassen noch belebt wirkt – ein Ort im Schwebezustand.

Der Körper als Spiegel der Stadt

Im Zentrum steht die Performance-Künstlerin Nana Yaa Poku Asare-Boadu. Ihre Bewegungen folgen keiner klassischen Choreografie. Stattdessen entstehen sie unmittelbar aus der Begegnung mit dem Gebäude selbst. Jeder Schritt, jede Pause und jede Geste scheint auf den Raum zu reagieren und macht sichtbar, wie eng Architektur und menschliche Erfahrung miteinander verbunden sind.

Begleitet von der atmosphärischen Komposition von Malick Koly entwickelt sich ein Dialog zwischen Körper und Bauwerk. Die Architektur wirkt dabei nicht statisch, sondern beinahe lebendig – als würde sie auf jede Bewegung antworten.

Der Film verzichtet bewusst auf eindeutige Botschaften. Stattdessen eröffnet er einen emotionalen Erfahrungsraum, in dem Fragen nach Entwicklung, Veränderung und gesellschaftlicher Verantwortung körperlich erfahrbar werden.

Räume, die Geschichten speichern

Liminal entstand nicht isoliert von seinem Umfeld. Gespräche mit Bewohnerinnen einer in den 1960er-Jahren errichteten Wohnsiedlung im Stadtteil Kaneshie flossen in das Projekt ein. Ihre Erfahrungen mit Verdrängung, ungeklärten Besitzverhältnissen und schleichendem Verlust öffentlicher Infrastruktur bilden den unsichtbaren Hintergrund der Performance.

Gerade dadurch gewinnt der Film an Tiefe. Die Architektur erzählt nicht nur von Beton und Konstruktion, sondern von Erinnerungen, Hoffnungen und den Spuren gesellschaftlicher Entwicklungen.

Wie viele der außergewöhnlichen Kurzfilme auf NOWNESS bewegt sich Liminal zwischen Kunstfilm, Architekturbetrachtung und Performance. Das Ergebnis ist kein klassischer Dokumentarfilm, sondern eine poetische Reflexion darüber, wie Menschen Räume prägen – und wie Räume wiederum ihre Bewohner formen.

Zwischen Kalligrafie, Natur und Skulptur

Papier gehört zu den selbstverständlichsten Materialien unseres Alltags. Es wird beschrieben, gefaltet, entsorgt oder recycelt. Die koreanisch-amerikanische Künstlerin Jae Ko macht daraus etwas völlig anderes: monumentale Skulpturen, die an geologische Formationen, Baumringe, Gletscher oder vom Wind gezeichnete Landschaften erinnern. Für ihre erste Einzelausstellung in Belgien präsentiert die Antwerpener Galerie 22MUSE unter dem Titel „Striated – Writing with Form“ Werke, die das Verhältnis zwischen Material, Zeit und Natur neu erfahrbar machen.

Die Sprache des Materials

Seit mehr als vier Jahrzehnten arbeitet Jae Ko nahezu ausschließlich mit Papier. Genauer gesagt: mit Rollen aus Recyclingpapier, Additionsrollen oder Industriepapier, die sie abwickelt, neu aufrollt, faltet, verdreht, tränkt, trocknen lässt und über Monate hinweg transformiert.

Was zunächst nach einem handwerklichen Prozess klingt, entwickelt sich bei ihr zu einer fast meditativen Form des Bildhauens. Die Arbeiten entstehen nicht gegen das Material, sondern gemeinsam mit ihm. Jede Falte, jede Spannung und jede Unebenheit bleibt sichtbar und wird Teil der endgültigen Form. Papier verliert seine ursprüngliche Funktion und wird zu einer plastischen Landschaft.

Schreiben ohne Worte

Der Ausstellungstitel „Writing with Form“ beschreibt Jae Kos Arbeiten überraschend präzise. Obwohl keine Schriftzeichen zu erkennen sind, erinnern ihre Skulpturen an überdimensionale kalligrafische Gesten. Linien verdichten sich zu Volumen, Bewegung wird zu Körper, Rhythmus erhält räumliche Präsenz.

Ihre frühen Arbeiten waren stark von der ostasiatischen Kalligrafie beeinflusst. Bis heute verwendet sie Pigmenttinten, deren Ursprung im verbrannten Holz liegt – ein Material, das wiederum direkt auf die Natur verweist. Gleichzeitig fließen heute ebenso Einflüsse ihrer amerikanischen Wahlheimat in die Arbeiten ein. Baumringe, Wurzeln, Tornados oder von Wind geformte Kiefern werden zu stillen Referenzen, ohne jemals illustrativ zu wirken.

Zeit als unsichtbarer Werkstoff

Jae Kos Werke entstehen langsam. Manche Installationen wachsen über Monate hinweg. Das Papier wird gewässert, der Sonne ausgesetzt, vergraben oder immer wieder neu bearbeitet. Dieser kontrollierte Prozess des Werdens ist wesentlicher Bestandteil ihrer künstlerischen Sprache.

Gerade darin liegt ihre besondere Kraft: Die Arbeiten wirken gleichzeitig organisch und präzise, monumental und fragil. Sie erinnern daran, dass Veränderung selten abrupt geschieht, sondern Schicht für Schicht entsteht – ähnlich wie Landschaften oder geologische Formationen.

Papier neu denken

Die Werke von Jae Ko überschreiten die Grenzen zwischen Skulptur, Installation und Zeichnung. Sie zeigen, dass ein alltägliches Material eine erstaunliche emotionale und räumliche Kraft entwickeln kann.

Mit „Striated“ lädt die Künstlerin dazu ein, Papier nicht mehr als Träger von Gedanken zu betrachten, sondern als Gedanken selbst – geformt durch Zeit, Bewegung und die stille Intelligenz des Materials.

Die Ausstellung ist vom 23. Oktober bis 28. November 2026 in der 22MUSE Gallery in Antwerpen zu sehen und markiert die erste Einzelausstellung der Künstlerin in Belgien.

Wie die Serpentine Park Nights 2026 Musik, Performance und Poesie zu einem gemeinsamen Erlebnis machen

Während Kulturinstitutionen heute zunehmend um Aufmerksamkeit konkurrieren, verfolgt die Londoner Serpentine seit Jahren einen anderen Ansatz: Sie schafft Räume, in denen Begegnung wichtiger wird als Spektakel. Mit den Park Nights 2026 verwandelt sich der diesjährige Serpentine Pavilion erneut in einen lebendigen Ort für Musik, Performance, Poesie und künstlerischen Austausch.

Von Juli bis Oktober entsteht im Herzen der Kensington Gardens kein klassischer Veranstaltungsort, sondern eine temporäre Gemeinschaft – offen, interdisziplinär und frei zugänglich. Hier begegnen sich Künstler und Publikum auf Augenhöhe. Kunst wird nicht konsumiert, sondern gemeinsam erlebt.

Kunst als gemeinsames Erlebnis

Seit mehr als zwanzig Jahren gehören die Park Nights zu den spannendsten Live-Programmen der internationalen Kunstszene. Anders als viele Festivals setzt Serpentine nicht auf große Namen allein, sondern auf Formate, die unterschiedliche Disziplinen miteinander verschmelzen lassen.

Musik trifft auf Performance, Literatur begegnet Architektur, Klang wird zu Raum. Das Publikum wird dabei nicht zum bloßen Zuschauer, sondern zum aktiven Teil einer gemeinsamen Erfahrung. Genau darin liegt die besondere Qualität des Formats: Kunst entsteht im Moment des gemeinsamen Erlebens.

Gerade in einer Zeit, in der viele kulturelle Erfahrungen digital vermittelt werden, gewinnen solche analogen Begegnungen eine neue Bedeutung. Die Park Nights schaffen Momente der Aufmerksamkeit – nicht nur für die Kunst, sondern auch füreinander.

Ein Pavillon, der Offenheit verkörpert

Den räumlichen Rahmen bildet der 25. Serpentine Pavilion, entworfen vom mexikanischen LANZA atelier unter dem Titel a serpentine.

Ausgangspunkt ist die historische englische crinkle-crankle wall – eine geschwungene Ziegelmauer, deren Stabilität aus ihrer Bewegung entsteht. Doch statt Grenzen zu definieren, wird die Mauer durchlässig. Rhythmisch angeordnete Ziegelpfeiler öffnen Sichtachsen und schaffen Verbindungen zwischen Innen und Außen.

So wird Architektur selbst zum Ausdruck einer Idee: Offenheit statt Abgrenzung. Bewegung statt Stillstand. Begegnung statt Trennung. Besucher bewegen sich frei durch den Pavillon und gestalten ihre eigene Erfahrung.

Vier künstlerische Positionen

Den Auftakt macht die kanadische Musikerin Sophia Stel, deren zwischen Indie-Rock, elektronischen Sounds und Alt-Pop changierende Musik den Pavillon erstmals mit Leben füllt.

Es folgt Chanel Beads, dessen experimenteller Underground-Pop Erinnerungen, digitale Kultur und traumartige Erzählstrukturen miteinander verbindet.

Im September präsentiert die Londoner Künstlerin und Autorin Ebun Sodipo eine neue Performance, die sich aus Schwarzer feministischer Theorie entwickelt und Fragen von Körper, Erinnerung und Identität verhandelt.

Den Abschluss bildet Anfang Oktober eine neue Auftragsarbeit der New Yorker Künstlerin Shala Miller, deren improvisierte Klang- und Stimmexperimente erstmals in Großbritannien zu erleben sind. Gemeinsam bilden sie ein Programm, das stilistische Grenzen bewusst überschreitet und unterschiedlichste Perspektiven miteinander in Dialog bringt.

Eine Kultur der Offenheit

Seit 2002 versteht Serpentine die Park Nights als Labor für interdisziplinäre Kunst. Jede Ausgabe reagiert auf den jährlich neu entstehenden Pavillon und entwickelt daraus neue Formen kultureller Begegnung. Musik, Philosophie, Literatur, Mode, Technologie und Bildende Kunst treten dabei miteinander in Beziehung und schaffen Erfahrungen, die weit über eine klassische Performance hinausgehen.

Vielleicht liegt genau darin die besondere Qualität dieses Formats. Während vielerorts über gesellschaftliche Spaltung gesprochen wird, schafft Serpentine einen Ort, an dem Unterschiede nicht überwunden werden müssen, sondern produktiv aufeinandertreffen dürfen. Die Park Nights erinnern daran, dass Kunst weit mehr sein kann als ästhetischer Ausdruck – sie kann Menschen zusammenbringen, Gespräche eröffnen und neue Perspektiven entstehen lassen.

Gerade deshalb wirken die Park Nights heute aktueller denn je.

Warum die Zukunft nicht nur mehr Freude, sondern auch mehr Verbindung braucht

Die Sehnsucht nach dem Gemeinsamen

Noch nie zuvor waren Menschen so stark miteinander vernetzt.

Und gleichzeitig fühlen sich viele Menschen so isoliert wie nie.

Wir kommunizieren permanent. Wir teilen Gedanken, Bilder und Meinungen in Echtzeit. Dennoch wächst in vielen Teilen der Welt das Gefühl von Einsamkeit, Polarisierung und gesellschaftlicher Fragmentierung.

Vielleicht liegt genau darin eine der großen Herausforderungen unserer Zeit:

Wie schaffen wir Verbindung in einer Welt, die immer stärker auseinanderzudriften scheint?

Die britische Künstlerin und Bühnenbildnerin Es Devlin widmet ihr gesamtes Werk dieser Frage.

Die Architektin kollektiver Erfahrungen

Es Devlin zählt zu den einflussreichsten Kreativen unserer Zeit.

Sie entwirft Bühnenbilder für Musiker, Operninszenierungen und globale Veranstaltungen. Doch ihre eigentliche Arbeit beginnt dort, wo klassische Bühnenbilder enden.

Devlin interessiert sich weniger für das, was Menschen betrachten.

Sie interessiert sich für das, was Menschen gemeinsam erleben.

Ihre Installationen aus Licht, Spiegeln, Sprache und Bewegung verwandeln Besucher nicht in Zuschauer, sondern in aktive Teilnehmer.

Immer wieder entstehen Räume, die eine überraschende Erkenntnis sichtbar machen:

Wir existieren niemals isoliert.

Wir entstehen in Beziehung.

Die Kraft der Perspektive

Viele Arbeiten von Es Devlin spielen mit Spiegelungen.

Auf den ersten Blick erscheinen sie als visuelle Effekte.

Tatsächlich verfolgen sie ein tieferes Ziel.

Wer in einen Spiegel blickt, sieht nicht nur sich selbst. Man erkennt auch die Umgebung und die Menschen, die sich mit einem im selben Raum befinden.

Die Grenzen zwischen Individuum und Gemeinschaft beginnen zu verschwimmen.

Damit stellt Devlin eine Frage, die heute aktueller wirkt denn je:

Was passiert, wenn wir aufhören, uns als voneinander getrennte Wesen zu betrachten?

Optimismus als Verbindung

Optimismus wird oft mit positiven Gedanken verwechselt.

Für Devlin scheint Optimismus etwas anderes zu bedeuten.

Nicht die Überzeugung, dass alles gut wird.

Sondern die Erkenntnis, dass wir Herausforderungen gemeinsam bewältigen können.

Ihre Arbeiten erinnern daran, dass Menschen seit Jahrtausenden Geschichten erzählen, Musik machen, feiern und trauern, um Gemeinschaft zu erzeugen.

Verbindung ist kein Luxus.

Sie ist eine menschliche Notwendigkeit.

Die neue Kultur des Miteinanders

Interessanterweise lässt sich dieser Gedanke heute weit über die Kunst hinaus beobachten.

Hotels entwickeln sich zu Orten der Begegnung.

Architektur sucht nach neuen Gemeinschaftsräumen.

Marken sprechen über Community statt über Zielgruppen.

Selbst die erfolgreichsten öffentlichen Räume entstehen dort, wo Menschen miteinander in Kontakt treten können.

Es Devlin steht exemplarisch für diese Entwicklung.

Ihre Kunst macht sichtbar, was oft unsichtbar bleibt:

Die Beziehungen, die Menschen miteinander verbinden.

Eine Zukunft, die wir gemeinsam gestalten

Vielleicht wird die wichtigste Ressource der Zukunft nicht Technologie sein.

Nicht Daten.

Nicht künstliche Intelligenz.

Sondern die Fähigkeit, Verbindung herzustellen.

Zwischen Menschen.

Zwischen Kulturen.

Zwischen Individuum und Gemeinschaft.

Die Arbeiten von Es Devlin erinnern uns daran, dass wir Teil größerer Zusammenhänge sind.

In einer Zeit, die oft von Trennung geprägt ist, schafft sie Räume der Begegnung.

Und genau darin liegt ihre Form des Optimismus.

Die Hoffnung, dass Menschen einander nicht nur verstehen können.

Sondern sich in den Geschichten der anderen auch selbst wiederfinden.

Zwischen Wasser, Fels und Vorstellungskraft verwandelt sommer.frische.kunst. Bad Gastein erneut in einen der faszinierendsten Kunstorte des Alpenraums. Die Ausgabe 2026 steht unter dem Titel „Between Waters“ und erkundet das Wasser nicht nur als Naturphänomen, sondern als Metapher für Bewegung, Wandel und Verbindung.

Es gibt Orte, deren Identität sich kaum von ihrer Landschaft trennen lässt. Bad Gastein ist ein solcher Ort. Der Wasserfall, die heißen Quellen, die dramatische Topografie und die besondere Mischung aus alpiner Natur und historischer Architektur prägen seit Jahrhunderten die Wahrnehmung des Kurorts.

Genau hier setzt das Kunst- und Kulturfestival sommer.frische.kunst. an. Unter der künstlerischen Leitung von Andrea von Goetz widmet sich die 16. Ausgabe des Festivals dem Thema „Between Waters: Zirkulation, Reflexion und Imagination“ und macht den gesamten Ort vom 11. Juni bis 30. August 2026 zur Bühne für internationale Gegenwartskunst.

Wasser als Symbol einer Welt in Bewegung

„Panta Rhei – alles fließt“ lautet eine der ältesten philosophischen Erkenntnisse Europas. Kaum ein Ort macht diesen Gedanken so unmittelbar erfahrbar wie Bad Gastein.

Das diesjährige Festival versteht Wasser nicht nur als lebensspendende Ressource, sondern als kulturelle, politische und poetische Kraft. Es wird zum Ausgangspunkt für künstlerische Arbeiten über Veränderung, Kreisläufe, Erinnerung und Zukunft.

Mit diesem kuratorischen Ansatz öffnet sommer.frische.kunst. einen Raum für neue Perspektiven auf eine Welt, die sich permanent im Wandel befindet.

Künstlerische Produktion direkt am Wasserfall

Ein Herzstück des Festivals bleibt das internationale Artist-in-Residence-Programm im historischen Kraftwerk am Wasserfall.

Acht internationale Künstlerinnen und Künstler arbeiten mehrere Wochen vor Ort und entwickeln neue, ortsspezifische Projekte, die unmittelbar aus der Begegnung mit Landschaft, Architektur und Geschichte entstehen.

Die Ergebnisse werden erstmals während des Opening Weekends Anfang Juli präsentiert und machen Bad Gastein selbst zum Teil der künstlerischen Erzählung.

Ein Wochenende zwischen Kunst, Architektur und alpiner Energie

Den offiziellen Auftakt bildet das Opening Weekend von 2. bis 5. Juli 2026.

Bereits am ersten Abend präsentiert der mexikanische Künstler Claudio Limón im Hotel Miramonte eine eigens entwickelte Ausstellung in Kooperation mit dem STRAAT Museum Amsterdam. Seine Arbeiten übersetzen die Energie der Gasteiner Bergwelt in eine zeitgenössische visuelle Sprache zwischen Street Art und poetischer Abstraktion.

Am folgenden Tag führt die Kaiser-Wilhelm-Promenade zum Radon Pavillon, wo die Künstlerin Nives Widauer ihre textilen Arbeiten zeigt. Inspiriert von Flüssen, Strömungen und natürlichen Bewegungsformen verbinden ihre Werke Materialität mit erzählerischer Leichtigkeit.

Kunst zieht ins Grand Hotel Astoria ein

Zu den spannendsten Neuerungen zählt die Premiere von ASTORIA curated x art:badgastein.

Das ehemalige Grand Hotel Astoria wird für wenige Tage zu einem offenen Ausstellungsraum, in dem dreizehn internationale Galerien und fünf Solo Artists historische Zimmer, Salons und Säle bespielen.

Dabei entsteht ein Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart, zwischen Architektur, Design, Kunst und Sammlerkultur. Das traditionsreiche Haus wird zum Experimentierraum für neue Formen des Ausstellens und Begegnens.

Bad Gastein als Ort der Transformation

Neben den während der Residency entstandenen Arbeiten werden auch internationale Positionen von Künstlern wie Julius von Bismarck, Mischa Leinkauf und Leonor Serrano Rivas präsentiert, die sich auf unterschiedliche Weise mit dem Thema Wasser auseinandersetzen.

Ergänzt wird das Programm durch die poetischen Teppicharbeiten von Holger Schmidhuber. Seine Serie Bad Gastein Energies basiert auf Texten, die während seiner Aufenthalte am Wasserfall entstanden sind und die besondere Atmosphäre des Ortes in eine visuelle Form übersetzen.

Ein Sehnsuchtsort zwischen Natur und Kultur

Was sommer.frische.kunst. seit Jahren von vielen Kunstfestivals unterscheidet, ist die enge Verbindung von Ort und Inhalt. Die Ausstellungen verteilen sich nicht auf neutrale White Cubes, sondern durchziehen Hotels, historische Gebäude, öffentliche Räume und Landschaften.

So wird Bad Gastein selbst zum Ausstellungsraum – und die Begegnung mit Kunst zu einer Bewegung durch den Ort.

Zwischen Wasserfall und Belle Époque, zwischen alpiner Wildheit und zeitgenössischer Reflexion entsteht ein kultureller Resonanzraum, der weit über klassische Ausstellungserlebnisse hinausgeht.

Sommer.frische.kunst. 2026 zeigt eindrucksvoll, dass Kunst nicht nur betrachtet werden will. Manchmal muss man sie durchwandern.

Österreichs Beitrag zur Biennale Venedig 2026 zwischen Performance, Mode und radikaler Körperlichkeit

Wenn die 61. Internationale Kunstausstellung der Biennale von Venedig ihre Tore öffnet, wird der österreichische Pavillon kaum zu übersehen sein. Nicht wegen spektakulärer Architektur oder technologischer Effekte, sondern wegen einer Künstlerin, die den menschlichen Körper seit Jahren zu ihrem zentralen Medium macht: Florentina Holzinger.

Mit SEAWORLD VENICE verwandelt die österreichische Choreografin und Performance-Künstlerin den Pavillon in eine lebendige Installation aus Wasser, Bewegung, Ritual und Transformation. Das Projekt, kuratiert von Nora-Swantje Almes, erstreckt sich über den Pavillon hinaus in die Lagune und die Stadt Venedig selbst. Gezeigt werden eine permanente Live-Installation sowie ortsspezifische Performances, die Holzingers langjährige Auseinandersetzung mit Wasser als Symbol, Lebensraum und politischer Metapher fortführen.

Der Körper als letztes Territorium

Kaum eine Künstlerin hat die Diskussion über den Körper in den vergangenen Jahren so konsequent vorangetrieben wie Florentina Holzinger. Während die Modeindustrie zunehmend über Identität, Gender, Selbstbestimmung und Körperbilder spricht, geht Holzinger einen Schritt weiter. Sie macht den Körper selbst zum Schauplatz dieser Verhandlungen.

Ihre Arbeiten bewegen sich zwischen Tanz, Theater, Stunt-Performance und bildender Kunst. Nacktheit erscheint dabei nie als Provokation um ihrer selbst willen, sondern als Werkzeug, um gesellschaftliche Konventionen sichtbar zu machen. Der Körper wird zur Projektionsfläche für Fragen nach Freiheit, Kontrolle, Verletzlichkeit und Widerstand.

Fashion ohne Kleidung

Dass dieser Beitrag in einer Fashion-Kategorie erscheint, mag auf den ersten Blick überraschen. Doch gerade Florentina Holzinger zeigt, wie sehr sich Mode heute über die Grenzen des Kleidungsstücks hinaus entwickelt hat.

Mode war immer mehr als Stoff. Sie war Inszenierung, Haltung und Ausdruck eines Zeitgeistes. Holzinger entfernt das Kleidungsstück beinahe vollständig und legt damit jene Fragen frei, die auch die interessantesten Designer unserer Zeit beschäftigen: Wer gestaltet den Körper? Wer definiert Schönheit? Welche Bilder von Weiblichkeit und Stärke tragen wir mit uns?

In einer Zeit, in der Labels wie Balenciaga, Rick Owens oder Comme des Garçons den Körper zunehmend als performativen Raum begreifen, wirkt Holzingers Werk fast wie eine radikale Weiterführung dieser Entwicklung. Nicht das Kleid steht im Mittelpunkt, sondern der Mensch selbst.

Wasser als Spiegel unserer Gegenwart

Für SEAWORLD VENICE nutzt Holzinger Wasser als zentrales Element. Die Künstlerin beschreibt es als Symbol für eine Welt im Wandel, in der Natur, Technologie und menschliche Existenz immer stärker miteinander kollidieren. Der österreichische Pavillon wird dabei zu einer hybriden Landschaft zwischen dystopischem Freizeitpark, Forschungsstation und Ritualraum.

Der Titel könnte kaum passender sein. Venedig selbst steht seit Jahrhunderten für die fragile Beziehung zwischen Mensch und Wasser. Die Stadt wird damit nicht nur zum Austragungsort der Arbeit, sondern zu ihrem eigentlichen Mitspieler.

Österreichs mutigste Modegeste

In einer Biennale, die unter dem Motto In Minor Keys nach neuen Formen des Zusammenlebens sucht, erscheint Holzingers Beitrag wie ein radikaler Vorschlag für die Zukunft. Nicht durch Objekte, sondern durch Körper. Nicht durch Repräsentation, sondern durch Erfahrung.

Vielleicht liegt genau darin seine Verbindung zur Mode. Denn die spannendsten Entwicklungen entstehen heute nicht mehr ausschließlich auf Laufstegen. Sie entstehen dort, wo Identität, Körper und Kultur neu verhandelt werden.

Mit SEAWORLD VENICE präsentiert Österreich keinen klassischen Pavillon. Es präsentiert eine Frage: Wie wollen wir als Menschen in Zukunft leben – und welchen Körper bringen wir in diese Zukunft mit?

Poetische Fragmente von Identität, Migration und weiblicher Kraft im Espace Louis Vuitton

Mit einer kraftvollen Ausstellung feiert das Espace Louis Vuitton Tokyo nicht nur zwei bedeutende Jubiläen, sondern widmet sich einer der faszinierendsten Stimmen der zeitgenössischen Kunst: Rina Banerjee. Ihre Werke bewegen sich zwischen kulturellen Fragmenten, poetischen Narrativen und einer radikal femininen Perspektive auf Identität im globalen Kontext.

Zwischen Diaspora und Imagination

Anlässlich des 20-jährigen Bestehens der Espaces Louis Vuitton sowie des 10-jährigen Jubiläums des Hors-les-murs-Programms präsentiert das Espace Louis Vuitton Tokyo eine außergewöhnliche Ausstellung der indisch-amerikanischen Künstlerin Rina Banerjee.

Banerjees Arbeiten sind vielschichtige Kompositionen aus gefundenen Materialien – von Textilien, Federn und Straußeneiern bis hin zu Alltagsobjekten wie Baumwollfäden oder Kokospulver. Diese Materialien tragen Spuren kolonialer Geschichte und globaler Handelswege in sich und werden von der Künstlerin in komplexe, fast mystische Installationen und Skulpturen transformiert.

Ihre Kunst bewegt sich in einem Spannungsfeld zwischen Abstraktion und Figuration – und entzieht sich bewusst dem kolonialen Blick.

Weibliche Narrative jenseits des Blicks

Im Zentrum von Banerjees Werk steht eine postkoloniale, feministische Perspektive. Ihre Figuren – oft inspiriert von hinduistischen Göttinnen – sind kraftvoll, vielschichtig und bewusst jenseits stereotyper Darstellungen angelegt.

„Den Blick zu befreien bedeutet, auch die Vorstellung von Weiblichkeit neu zu definieren.“

Ihre Werke erzählen Geschichten von Migration, Identität und Zugehörigkeit. Dabei entstehen poetische Titel, die selbst Teil des künstlerischen Ausdrucks sind – wie der Titel der Ausstellung:

„You made me leave my happy home to become someone else anew…“

Diese narrative Tiefe macht jede Arbeit zu einem emotionalen und intellektuellen Erlebnis zugleich.

Globale Bewegungen, fragile Systeme

Die Ausstellung versammelt insgesamt 19 Werke – Installationen, Skulpturen und Malerei – und setzt sich intensiv mit Themen wie globaler Mobilität, kolonialem Erbe und ökologischer Fragilität auseinander.

Im Mittelpunkt steht die monumentale Installation
„In an unnatural storm a world fertile, fragile and desirous…“ (2008),
die erstmals von der Fondation Louis Vuitton präsentiert wird.

Ergänzt wird sie durch neuere Arbeiten wie Black Noodles (2023), die sich mit dem globalen Handel von menschlichem Haar und dessen politischen Dimensionen auseinandersetzt.

Banerjees Werk ist dabei stets vieldeutig: ästhetisch verführerisch und zugleich kritisch, poetisch und politisch.

Eine transnationale Identität als künstlerischer Motor

Geboren 1963 in Kolkata, lebt und arbeitet Rina Banerjee heute in New York. Ihre eigene Biografie – geprägt von Migration zwischen Indien, Großbritannien und den USA – spiegelt sich unmittelbar in ihrem Werk wider.

Mit einem Hintergrund in Polymer Engineering und einer späteren Ausbildung an der Yale University verbindet sie wissenschaftliche Präzision mit künstlerischer Intuition.

Ihre Arbeiten wurden weltweit ausgestellt – unter anderem bei der Whitney Biennale sowie der Biennale von Venedig – und sind Teil bedeutender internationaler Sammlungen.

Kunst als poetischer Widerstand

Die Ausstellung im Espace Louis Vuitton Tokyo ist mehr als eine Retrospektive – sie ist ein immersiver Raum, in dem sich Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft überlagern.

Banerjee erschafft eine Welt, in der Identität nicht statisch ist, sondern sich ständig neu formt – fragil, hybrid und voller Möglichkeiten.

Ein oder zwei Steinwürfe entfernt von den Carrara-Marmorsteinbrüchen nahe von Pietrasanta liegt die Locanda al Colle, wo Kunst den Geist des Hauses prägt. Die Umgebung hat sie hierhergebracht, und das Boutiquehotel trägt sie weiter, als wäre es selbst ein Atelier mitten in der Landschaft.

Er ist weiß. Er ist zeitlos. Und trägt seit Jahrhunderten die Sehnsucht nach Form in sich – jener Marmor, den schon Michelangelo so liebte, weil er darin bereits die Skulptur sah, die nur darauf wartete, freigelegt zu werden. In Carrara werden die Blöcke des kostbaren Steins seit Jahrhunderten aus den Bergen geholt. Wer herausfinden möchte, ob ihn beim Anblick des Steins eine ähnliche Inspiration erfasst wie einst Michelangelo, kann den Steinbruch gemeinsam mit der Schweizer Bildhauerin Maja Thommen erkunden – und sogar selbst Hand anlegen.

Die Figur war schon in dem rohen Stein drin. Ich musste nur noch alles Überflüssige wegschlagen.

Michelangelo

Maja Thommen, die der Locanda al Colle sehr verbunden ist, lebt und arbeitet in der Nähe von Pietrasanta. Jener Stadt, die als intellektuelles Zentrum für Skulptur und Marmorverarbeitung gilt. Neben zahlreichen Galerien befindet sich hier auch das Museo dei Bozzetti mit seinen 700 zeitgenössischen Gipsentwürfen von Skulpturen von über 350 internationalen Künstler und Künstlerinnen.

Nicht weit entfernt, weht dieser künstlerische Atem über die Stadt bis zur Locanda al Colle hinein. Hier, zwischen sanften Hügeln, Olivenhainen und jahrhundertealten Gärten, sorgt Riccardo dafür, dass das das künstlerische Erbe weitergetragen wird.

Ausstellungen im herkömmlichen Sinn gibt es hier nicht, die Locanda al Colle lebt mit der Kunst. Viele Werke werden ins Haus geholt, von Gästen gekauft und durch neue ersetzt. Es ist ein lebendiger natürlicher Prozess an dem etwa Sebastian Bianco, Claudia Gama, Daniele Guidugli, Max Lamb, Libero Maggini, Paul Mercier, und Maja Thommen beteiligt sind.

Andere Stücke, darunter Skulpturen, Fotografien, Vasen, Lampen, Gemälde hat Riccardo über die Jahre hinweg gesammelt. Ihnen gebührt einer fixer Platz in seinem Herzen und in der Locanda.

Die Ausstellungsflächen müssen im Einklang mit ihrer Umgebung stehen. Deshalb bewerte ich sowohl Form als auch Material und Farbe. Die Auswahl der Künstler und Künstlerinnen entsteht meist aus Begegnungen und einem persönlichen Gefühl dafür – manchmal finde ich sie, manchmal finden sie mich.

Riccardo Barsottelli

Locanda al Colle is a member of Lifestylehotels

Fotocredits: Locanda Al Colle; Elisa Garbarino

Unter dem Alter Ego Sheisinblack.art erschafft die österreichische Künstlerin Manuela Klauser surreale Bildwelten zwischen künstlicher Intelligenz, digitaler Ästhetik und poetischer Dunkelheit.

Die Zukunft der Kunst ist zunehmend digital – und manchmal auch algorithmisch. Mit ihrem künstlerischen Alter Ego Sheisinblack.art gehört die österreichische Künstlerin Manuela Klauser zu jener neuen Generation von Kreativen, die künstliche Intelligenz als kreativen Partner begreifen. Ihre Werke bewegen sich zwischen surrealen Traumlandschaften, urbanen Fragmenten und einer subtil düsteren Ästhetik, die sie selbst als eine Form von „Soft Goth Surrealism“ beschreibt.

Die Bildwelten von Sheisinblack.art

Unter dem Namen Sheisinblack.art entwickelt Manuela Klauser visuelle Kompositionen, die zwischen Traum und digitaler Realität oszillieren. Ihre Arbeiten wirken oft wie Szenen aus einem surrealen Film: geheimnisvolle Figuren, architektonische Fragmente und atmosphärische Lichtstimmungen verschmelzen zu poetischen Bildräumen.

Diese Ästhetik ist charakteristisch für Sheisinblack.art – eine künstlerische Praxis, die künstliche Intelligenz mit intuitiver Bildgestaltung verbindet. Die generierten Bildwelten entstehen im Dialog zwischen menschlicher Idee und algorithmischer Interpretation.

Dabei nutzt Klauser AI-basierte Bildgeneratoren, digitale Bearbeitung und kuratorische Auswahl, um aus einer Vielzahl generierter Bilder jene Kompositionen zu formen, die ihre künstlerische Vision am präzisesten widerspiegeln.

AI als Werkzeug und künstlerischer Dialog

Für Sheisinblack.art ist künstliche Intelligenz nicht bloß ein technisches Hilfsmittel. Vielmehr versteht Manuela Klauser AI als eine Form kreativer Kollaboration – ein System, das neue Bildmöglichkeiten eröffnet und unerwartete visuelle Ideen hervorbringen kann.

Diese Herangehensweise prägt auch ihre Workshops und Vorträge, in denen sie über Prompting, Bildgenerierung und kreative AI-Prozesse spricht. Dabei geht es nicht nur um Technik, sondern vor allem um die Frage, wie Künstler:innen diese neuen Werkzeuge bewusst und kritisch einsetzen können.

Gerade in der aktuellen Debatte über AI in der Kunst nimmt Sheisinblack.art damit eine interessante Position ein: Die Technologie wird nicht als Ersatz menschlicher Kreativität verstanden, sondern als Erweiterung.

Zwischen Kunst, Innovation und digitaler Kultur

Neben ihrer künstlerischen Tätigkeit ist Manuela Klauser auch als Creative & Innovation Consultant aktiv und engagiert sich in der kreativen Community. Talks, Workshops und Veranstaltungen im Bereich künstliche Intelligenz gehören ebenso zu ihrer Praxis wie die kontinuierliche Weiterentwicklung von Sheisinblack.art.

Gerade diese Verbindung aus künstlerischem Ausdruck, technologischer Kompetenz und Vermittlung macht das Projekt besonders relevant. Sheisinblack.art steht exemplarisch für eine neue Generation digitaler Kunstpraxis, in der kreative Intuition und algorithmische Systeme miteinander verschmelzen.

Die Zukunft der AI-Kunst

Mit Sheisinblack.art zeigt Manuela Klauser, wie sich neue ästhetische Räume im Zeitalter künstlicher Intelligenz eröffnen. Die Bilder sind atmosphärisch, manchmal düster, oft überraschend poetisch – und immer Ausdruck eines kreativen Dialogs zwischen Mensch und Maschine.

In einer Kunstwelt, die zunehmend von Technologie geprägt ist, gehört Sheisinblack.art zu jenen Projekten, die zeigen, wie künstliche Intelligenz zu einem eigenständigen künstlerischen Medium werden kann.