Jacob & Co. Haute Living interpretiert mit der neuen CRONO Collection Präzision als Lebenskunst

Zwischen Beschleunigung und Gelassenheit

Unsere Zeit scheint immer schneller zu werden.

Termine, Benachrichtigungen und permanente Erreichbarkeit bestimmen den Rhythmus des Alltags. Dabei wächst gleichzeitig die Sehnsucht nach Orten, an denen Zeit nicht verloren geht, sondern bewusst erlebt werden kann.

Genau hier setzt die erste Möbelkollektion von Jacob & Co. Haute Living an. Mit der CRONO Collection, die erstmals während des Salone del Mobile präsentiert wurde, übersetzt das Maison seine jahrzehntelange Erfahrung aus der Haute Horlogerie in eine völlig neue Form des Interior Designs.

Dabei entstehen Möbel, die weniger vom Messen der Zeit erzählen als von ihrer Qualität.

Chronos als Inspiration

Namensgeber der Kollektion ist Chronos, der griechische Gott der Zeit.

Doch statt Zeit als starre Größe zu verstehen, interpretiert CRONO sie als Rhythmus. Weiche Radien treffen auf klare Linien, kraftvolle Volumen scheinen gleichzeitig leicht und schwebend zu wirken. Jedes Möbelstück bewegt sich gestalterisch zwischen Dynamik und Ruhe – als würde ein präziser Zeitmesser für einen Moment stillstehen.

Gerade diese Balance macht die Kollektion bemerkenswert.

Nicht Geschwindigkeit wird gefeiert.

Sondern die Kunst, den richtigen Moment entstehen zu lassen.

Design mit Zuversicht

Während viele Luxusinterieurs heute auf zurückhaltende Neutralität setzen, entscheidet sich Jacob & Co. bewusst für einen anderen Weg.

Warme Bernsteintöne, kräftiges Senfgelb, helles Himmelblau und glänzende Goldakzente verleihen der Kollektion eine überraschende Leichtigkeit. Die mutigen Farbkombinationen, kontrastierenden Flächen und präzise gesetzten Paspelierungen erzeugen eine grafische Spannung, die zugleich elegant und optimistisch wirkt.

Es ist eine Gestaltung, die Präsenz zeigt, ohne laut zu sein.

Und vielleicht genau deshalb ein Statement für eine neue Form von Luxus wird.

Wohnen als Ausdruck einer Haltung

Die CRONO Linie umfasst ein modulares Sofa, Sessel, Bank, Pouf sowie ein großzügiges Bett. Trotz ihrer unterschiedlichen Funktionen folgen sämtliche Objekte derselben gestalterischen Sprache: weiche, skulpturale Silhouetten, sorgfältig abgestimmte Materialien und metallische Details, die an die Präzision der legendären Jacob-&-Co.-Zeitmesser erinnern.

Dabei geht es weniger um einzelne Möbelstücke als um eine Atmosphäre.

Eine Umgebung, die Ruhe nicht als Verzicht versteht, sondern als Luxus.

Die neue Ästhetik der Zeit

Vielleicht ist genau das die eigentliche Botschaft dieser Kollektion.

In einer Welt, die immer schneller wird, entsteht echter Luxus nicht durch mehr Geschwindigkeit, sondern durch bewusst gestaltete Momente.

Die CRONO Collection erinnert daran, dass Design weit mehr sein kann als Funktion oder Dekoration. Es kann unseren Alltag entschleunigen, unseren Blick verändern und Räume schaffen, in denen Zeit wieder zu etwas Wertvollem wird.

Nicht, weil sie langsamer vergeht.

Sondern weil sie bewusster erlebt wird.

Wie Architektur den Einzelhandel in eine kulturelle Erfahrung verwandelt

Shopping galt lange als rein funktionaler Vorgang. Heute entstehen an den bedeutendsten Einkaufsadressen der Welt Räume, die weit mehr sein wollen als Verkaufsflächen. Sie verbinden Architektur, Kunst, Handwerk und Markenidentität zu kulturellen Erlebnissen, die Städte prägen und Besucher inspirieren.

Genau diese Entwicklung würdigt der Prix Versailles mit seiner Liste der World’s Most Beautiful Emporiums 2026. Sieben außergewöhnliche Flagship Stores aus Asien, Europa und den USA zeigen, wie Retail zum kulturellen Raum werden kann – und weshalb der stationäre Handel gerade im digitalen Zeitalter eine neue Bedeutung gewinnt.

Wenn Marken Architektur erzählen

Seit seiner Gründung untersucht der Prix Versailles die Schnittstelle zwischen Architektur, Kultur, Nachhaltigkeit und Wirtschaft. Gerade Flagship Stores übernehmen dabei zunehmend eine Rolle, die früher Museen oder Galerien vorbehalten war: Sie erzählen Geschichten, vermitteln Werte und schaffen Orte, an denen Menschen Marken physisch erleben können.

Statt standardisierter Verkaufsflächen entstehen Gebäude, die selbst zu Sehenswürdigkeiten werden. Architektur wird dabei nicht zum Selbstzweck, sondern zum Ausdruck der Identität einer Marke.

Sieben Stores, sieben völlig unterschiedliche Welten

Die diesjährige Auswahl führt einmal um den Globus.

In Peking interpretiert Christian de Portzamparc das Haus Dior als skulpturales Gebäude, dessen Fassade von den Stoffbahnen inspiriert ist, mit denen Christian Dior einst seine Entwürfe entwickelte.

In Paris beweist RH Champs-Élysées gemeinsam mit Foster + Partners, dass Möbelhandel ebenso spektakulär inszeniert werden kann wie Kunst. Bibliothek, Restaurant, Dachterrasse und Galerie verschmelzen zu einem hybriden Kulturort.

Ebenfalls in Paris schafft Saint Laurent Montaigne unter der kreativen Leitung von Anthony Vaccarello einen Ort zwischen historischer Architektur, Sammlerkultur und zeitgenössischer Kunst.

Im Tokioter Stadtteil Ginza verbindet Tiffany & Co. japanische Gestaltung mit fast zweihundert Jahren Markengeschichte. Die wellenförmige Glasfassade und das lichtdurchflutete Innere machen das Gebäude selbst zum Schmuckstück.

Im Miami Design District übersetzt Cartier tropische Landschaften in Architektur. Organische Formen, sanfte Farben und eine skulpturale Glasfassade schaffen eine beinahe traumartige Atmosphäre.

In Beverly Hills setzt Dior auf Gärten, Licht und Offenheit. Der Flagship Store wirkt eher wie ein Museum als ein klassisches Luxusgeschäft.

Und in New York verbindet Issey Miyake japanischen Minimalismus mit der historischen Architektur des New York Life Buildings. Der Store wird durch eine Galerie ergänzt, die künftig wechselnde Ausstellungen präsentieren wird und damit den kulturellen Anspruch der Marke unterstreicht.

Der Store als kulturelle Destination

Auffällig ist, dass kaum eines der ausgezeichneten Projekte ausschließlich dem Verkauf dient.

Bibliotheken, Restaurants, Galerien, Kunstinstallationen, Dachterrassen oder öffentliche Aufenthaltsbereiche erweitern den klassischen Retail-Gedanken. Einkaufen wird zur Erfahrung, Architektur zum Medium und der Besuch selbst zum eigentlichen Ereignis.

Damit reagieren Luxusmarken auf eine Entwicklung, die weit über den Handel hinausgeht: Produkte lassen sich heute nahezu überall kaufen. Ein einzigartiges Erlebnis hingegen entsteht nur an einem Ort.

Architektur als emotionales Markenerlebnis

Die Auswahl des Prix Versailles zeigt eindrucksvoll, wie sich Luxus verändert. Exklusivität entsteht längst nicht mehr allein über Produkte, sondern über Atmosphäre, kulturelle Relevanz und architektonische Qualität.

Die schönsten Flagship Stores der Welt verkaufen deshalb weit mehr als Mode, Schmuck oder Möbel. Sie inszenieren Identität, schaffen Inspiration und machen Architektur selbst zum Erlebnis.

Zwischen künstlicher Intelligenz, Myzel und Handwerk entsteht eine neue Designsprache

Die Geschichte des Designs war lange Zeit von einer zentralen Idee geprägt: Form folgt Funktion. Ornament galt spätestens seit der Moderne als überflüssig, Reduktion wurde zum Qualitätsmerkmal. Doch eine neue Generation von Gestalterinnen und Gestaltern beginnt, diese Gewissheiten zu hinterfragen.

Einer der spannendsten Vertreter dieser Entwicklung ist der belgische Designer und Künstler Vito Boox. Seine Arbeiten wirken wie Fundstücke aus einer zukünftigen Naturgeschichte – als hätten Pilze, Korallen oder Erosionsprozesse begonnen, Möbel, Leuchten und Objekte selbst hervorzubringen.

Was zunächst surreal erscheint, folgt einer erstaunlich logischen Idee.

Boox nennt sie Neo-Ornamentalismus.

Ornament entsteht nicht mehr durch Dekoration

Während Ornament in der Vergangenheit meist nachträglich hinzugefügt wurde, entwickelt Boox eine vollkommen andere Sichtweise. In seiner Arbeit entsteht Ornament nicht auf der Oberfläche – sondern im Inneren der Form selbst.

Mithilfe von CGI, 3D-Modelling und computergestützter Gestaltung simuliert er natürliche Wachstumsprozesse wie Erosion, Zellbildung oder organische Expansion. Anschließend werden diese digitalen Strukturen durch traditionelles Handwerk in physische Objekte übersetzt.

So entstehen Möbel und Leuchten, die wirken, als wären sie nicht gefertigt, sondern gewachsen.

Es ist eine Designhaltung, in der Natur nicht länger als Inspirationsquelle dient, sondern selbst zum Mitgestalter wird.

Das Debüt bei Van Rossum

Internationale Aufmerksamkeit erhielt Boox mit seinem Debüt beim niederländischen Möbelhersteller Van Rossum während des Salone del Mobile in Mailand.

Für die traditionsreiche Marke entwickelte er die DATSU Collection – bestehend aus Esstischen und Hockern, deren weich modellierte Volumen an über Jahrtausende geformte Felsen erinnern.

Massives Holz trifft hier auf digitale Präzision. Die Objekte besitzen kaum sichtbare Kanten, sondern scheinen sich langsam aus dem Material heraus entwickelt zu haben.

Es entsteht eine skulpturale Ruhe, die zwischen Möbelstück und Kunstobjekt oszilliert.

Mit der Erweiterung um Leuchten, Spiegel und Accessoires öffnet Van Rossum zugleich ein neues Kapitel seiner Designgeschichte – eines, das stärker auf Atmosphäre als auf reine Funktion setzt.

Design aus Pilzwachstum

Noch konsequenter verfolgt Boox seine gestalterische Vision in der Zusammenarbeit mit dem niederländischen Unternehmen Aifunghi.

Hier entstehen Leuchten und Spiegel aus einem Material, das ebenso futuristisch wie natürlich wirkt: Mycelium-Based Composite (MBC) – einem vollständig recycelbaren Verbundwerkstoff aus Hanffasern und Pilzmyzel.

Die Leuchten der Serie Morchella erinnern an die charakteristische Oberfläche der gleichnamigen Speisemorchel. Gleichzeitig wirken sie beinahe außerirdisch – irgendwo zwischen biologischem Organismus, Art-Nouveau-Skulptur und digital generierter Architektur.

Auch die Tremella Mirrors greifen organische Wachstumsformen auf. Ihre skulpturalen Rahmen scheinen langsam über die spiegelnde Oberfläche zu fließen und verbinden nachhaltige Materialentwicklung mit einer neuen Form von Luxus.

Hier wird Nachhaltigkeit nicht über Verzicht kommuniziert, sondern über Schönheit.

Die Zukunft könnte organischer aussehen

Was Boox‚ Arbeiten besonders interessant macht, ist weniger ihre Ästhetik als ihre Haltung.

Während große Teile des zeitgenössischen Designs auf Vereinfachung, industrielle Effizienz und maximale Funktionalität setzen, schlägt er den entgegengesetzten Weg ein.

Komplexität wird nicht reduziert.

Sie wird kultiviert.

Digitale Werkzeuge dienen dabei nicht der Perfektion, sondern der Simulation natürlicher Prozesse. Technologie wird nicht als Gegensatz zur Natur verstanden, sondern als Mittel, ihre Logik sichtbar zu machen.

Gerade darin liegt die Aktualität seiner Arbeiten.

Sie zeigen, dass digitale Gestaltung nicht zwangsläufig zu glatten, anonymen Produkten führen muss. Sie kann ebenso zu Objekten führen, die emotional wirken, Geschichten erzählen und uns an biologische Prozesse erinnern, die weit älter sind als jede Software.

Eine neue Generation des Designs

Mit seinem Debüt bei Van Rossum, der Zusammenarbeit mit Aifunghi und seinen freien Arbeiten gehört Vito Boox zu jener Generation junger Designer, die Design nicht länger als rein funktionale Disziplin verstehen.

Sie verbinden digitale Technologien mit traditioneller Handwerkskunst, Nachhaltigkeit mit sinnlicher Materialität und künstliche Intelligenz mit den Prinzipien organischen Wachstums.

Vielleicht ist genau das der Beginn einer neuen Epoche.

Nicht Minimalismus.

Nicht Dekoration.

Sondern Neo-Ornamentalismus – eine Designsprache, in der Natur selbst zur Gestalterin wird.

Die neue Eleganz des Dazwischen

Wie Pharrell Williams Surfkultur, Handwerkskunst und menschliche Verbundenheit zu einer neuen Form des Dandyismus verbindet

Während Mode oft von Trends, Statussymbolen und Abgrenzung lebt, richtet Pharrell Williams den Blick für Louis Vuitton auf etwas Verbindendes: das Meer.

Für die Frühjahr/Sommer-Kollektion 2027 verwandelt der Kreativdirektor die Welt des Surfens in eine Metapher für eine globale Gemeinschaft. Unabhängig von Herkunft, Kultur oder sozialem Hintergrund zieht es Menschen auf der ganzen Welt an dieselben Küsten, zu denselben Wellen, zu derselben Erfahrung von Freiheit und Naturverbundenheit. Die Welle wird zum Symbol einer universellen Sprache.

Genau dort setzt die neue Kollektion an.

Der Surfer als moderner Dandy

Seit seinem Wechsel zu Louis Vuitton interpretiert Pharrell Williams den klassischen Dandy neu. Seine Version verzichtet auf aristokratische Distanz und ersetzt sie durch Offenheit, Beweglichkeit und kulturelle Neugier.

Für Spring/Summer 2027 trifft diese Idee auf die Ästhetik der Surfkultur. Auf den ersten Blick scheinen beide Welten gegensätzlich: hier die Eleganz maßgeschneiderter Anzüge, dort die Lässigkeit eines Lebens zwischen Strand und Ozean.

Doch Pharrell erkennt die Gemeinsamkeiten.

Beide Welten sind geprägt von Handwerk, Individualität und einer gewissen Mühelosigkeit. Der Dandy und der Surfer teilen die Fähigkeit, sich zwischen unterschiedlichen Räumen zu bewegen, ohne ihre Identität zu verlieren.

Aus dieser Verbindung entsteht eine Garderobe für eine Generation, die sich weder ausschließlich der Stadt noch ausschließlich der Natur zugehörig fühlt.

Zwischen Maßanzug und Neoprenanzug

Die Kollektion bewegt sich konsequent zwischen diesen beiden Polen.

Technische Materialien aus der Welt des Surfens treffen auf klassische Schneiderkunst. Neopren-inspirierte Konstruktionen werden mit luxuriösen Stoffen kombiniert. Verwitterte Oberflächen, reparierte Strukturen und sonnengebleichte Texturen erinnern an Kleidung, die von Wind, Salz und Zeit gezeichnet wurde.

Besonders spannend ist Pharrell Williams‘ fortlaufende Arbeit mit Trompe-l’œil-Effekten. Materialien erscheinen wie verwittertes Denim, gealtertes Leder oder handgeflickte Stoffe, offenbaren jedoch bei näherer Betrachtung die außergewöhnliche handwerkliche Präzision von Louis Vuitton.

Die Grenze zwischen Realität und Illusion verschwimmt.

So entsteht eine Mode, die weniger durch offensichtlichen Luxus als durch subtile Raffinesse wirkt.

Die Sehnsucht nach Verbundenheit

Vielleicht ist die eigentliche Stärke dieser Kollektion jedoch ihre emotionale Botschaft.

Während viele Luxusmarken weiterhin Individualität und Exklusivität ins Zentrum stellen, spricht Pharrell Williams über Gemeinschaft. Über die Erfahrung, Teil eines größeren Ganzen zu sein.

Das Meer wird dabei zur verbindenden Kraft. Wasser steht für Bewegung, Wandel und Leben. Es verbindet Kontinente ebenso wie Menschen. Die Surfkultur dient nicht als ästhetische Referenz, sondern als Sinnbild für eine Lebenshaltung, die Respekt vor der Natur, Offenheit gegenüber anderen Kulturen und die Freude am gemeinsamen Erleben in den Mittelpunkt stellt.

In einer Zeit, in der gesellschaftliche Fragmentierung vielerorts zunimmt, wirkt diese Botschaft überraschend zeitgemäß.

Luxus mit Verantwortung

Dass Louis Vuitton die Kollektion gleichzeitig mit einem konkreten Nachhaltigkeitsprojekt verbindet, unterstreicht diesen Anspruch.

Im Rahmen der Regeneration-2030-Initiative unterstützt das Haus die Organisation Coral Gardeners bei der Wiederherstellung von Korallenriffen in Französisch-Polynesien. Geplant sind die Auspflanzung von 1.000 Korallen sowie die Renaturierung von 250 Quadratmetern Rifflandschaft.

Es ist ein vergleichsweise kleiner Beitrag angesichts globaler Herausforderungen, aber ein symbolisch wichtiger Schritt. Denn die Kollektion erinnert daran, dass die Beziehung zwischen Mensch und Natur nicht nur Inspiration, sondern auch Verantwortung bedeutet.

Eine Vision von Freiheit

Mit seiner Louis Vuitton Spring/Summer 2027 Kollektion entwirft Pharrell Williams letztlich mehr als eine neue Garderobe.

Er entwirft eine Haltung.

Eine Haltung, die Eleganz nicht als Distanz versteht, sondern als Fähigkeit zur Verbindung. Die Reisen nicht als Statussymbol betrachtet, sondern als Möglichkeit, unterschiedliche Welten zusammenzubringen. Und die im Rhythmus der Wellen eine Erinnerung daran findet, dass manche Erfahrungen universeller sind als jede kulturelle Grenze.

Vielleicht liegt genau darin die Zukunft des Luxus: nicht in der Abgrenzung, sondern in der Verbundenheit.

Credits Video

MUSIC:

Show soundtrack by Pharrell Williams

Quavo ‚HAAVIN‘

Produced by Pharrell Williams

Written by Quavo & Pharrell Williams

Courtesy of Universal Music Group, Sony Music Publishing, Universal Music Publishing

Lil Baby ‚Dead Fresh‘ – orchestra & choir version

Produced by Pharrell WIlliams

Written by Lil Baby

Orchestrated by Thomas Roussel

Courtesy of Universal Music Group, Sony Music Publishing, Universal Music Publishing

YoungBoy Never Broke Again ‚Simulation (feat. Pharrell Williams)‘ – strings version

Produced by Pharrell Williams

Written by Pharrell Williams & YoungBoy Never Broke Again

Additional orchestrations by Thomas Roussel

Sony Music Entertainment, Sony Music Publishing, APG Music, Kobalt

Angelique Kidjo ‚Bando (feat. Pharrell Williams & Quavo)‘ – orchestra & choir version

Produced by Pharrell Williams

Written by Pharrell Williams & Quavo

Orchestrated by Thomas Roussel

Courtesy of Universal Music Group, Warner Music Group, Sony Music Entertainment, Sony Music Publishing, Universal Music Publishing

Additional original music composed & orchestrated by Thomas Roussel.

Performed live by Voices of Fire & l’Orchestre du Pont Neuf conducted by Thomas Roussel.

Credits Pictures

“LOUIS VUITTON MEN’S SPRING-SUMMER 2027 SHOW © Louis Vuitton – All rights reserved”

Mit der neuen Polsterkollektion Jazz übersetzt Designer Giuseppe Viganò musikalische Improvisation in eine zeitlose Formensprache für Turri.

Musik war schon immer mehr als Klang. Sie kann Atmosphäre schaffen, Geschichten erzählen und Emotionen transportieren. Genau diesen Gedanken greift der italienische Designer Giuseppe Viganò mit seiner neuen Sofakollektion Jazz für Turri auf. Nach der erfolgreichen Serie Blues erweitert er die musikalische Inspirationswelt nun um eine weitere Designkomposition.

Vorgestellt wurde die Kollektion auf dem Salone del Mobile.Milano 2026. Die Linie umfasst Zwei- und Dreisitzer-Sofas, deren Gestaltung von einer bemerkenswerten Balance geprägt ist: klare Linien, eine leichte visuelle Präsenz und eine handwerkliche Detailtiefe, die typisch für Turri ist. Charakteristisch sind die lederbezogene Basis mit doppelten Ziernähten und feinen Metalleinsätzen sowie die hochwertige Verarbeitung von Leder- oder Stoffbezügen mit ledernen Paspelierungen.

Dabei steht nicht nur die Ästhetik im Mittelpunkt. Großzügige Armlehnen und komfortabel gepolsterte Sitz- und Rückenelemente schaffen einen Ort der Ruhe und des Ankommens. Luxus zeigt sich hier nicht als Inszenierung, sondern als Selbstverständlichkeit.

Zwischen Kunst, Mode und Poesie

Die Handschrift von Giuseppe Viganò entsteht seit Jahren an der Schnittstelle von Design, Kunst und Kultur. Seine Entwürfe greifen immer wieder Impulse aus Malerei, Mode und Poesie auf und übersetzen sie in Möbel mit eigener Identität. Dabei entstehen oft ganze Kollektionen aus der Auseinandersetzung mit neuen Materialien oder ungewöhnlichen gestalterischen Ansätzen.

Mit Studio Viganò arbeitet der Designer international für renommierte Marken der Möbelbranche und verbindet industrielle Präzision mit kreativer Experimentierfreude. Zu seinen langjährigen Partnern zählen unter anderem Poliform, Arflex, Bonaldo, Visionnaire, Lema, Minotti und Porada.

Die Leichtigkeit des Jazz

Wie die Musik, nach der sie benannt ist, lebt die Kollektion Jazz von Harmonie und Freiheit zugleich. Sie verbindet die handwerkliche Tradition des italienischen Möbeldesigns mit einer zeitgenössischen Eleganz, die sich selbstverständlich in internationale Wohnwelten einfügt.

Ein Sofa als stille Komposition – geprägt von Komfort, Materialität und dem Rhythmus guter Gestaltung.

Zwischen Tradition und Zukunft: Warum Südkorea zu den faszinierendsten Reisezielen unserer Zeit gehört

Es gibt Orte, die man besucht. Und es gibt Orte, die einen verändern. Südkorea gehört zweifellos zur zweiten Kategorie. Zwischen jahrhundertealten Tempeln, futuristischer Architektur, innovativer Kulinarik und einer Kreativszene, die die Welt prägt, erzählt das Land eine Geschichte von Transformation. Eine Geschichte, die weit über K-Pop, Beauty-Trends oder Design hinausgeht.

Wer heute auf dem Flughafen von Seoul landet, betritt eines der innovativsten Länder der Welt.

Eine Nation mit Hochgeschwindigkeitszügen, digitaler Infrastruktur und globalen Kulturmarken. Ein Land, dessen Musik Stadien auf allen Kontinenten füllt, dessen Filme Oscars gewinnen und dessen Kosmetikindustrie Trends setzt.

Was leicht vergessen wird: Noch vor wenigen Jahrzehnten war Südkorea eines der ärmsten Länder der Welt.

Nach dem Koreakrieg lag das Land weitgehend in Trümmern. Die wirtschaftlichen Perspektiven waren begrenzt, die Infrastruktur zerstört. Kaum jemand hätte damals vorhergesagt, dass ausgerechnet Südkorea zu einer der kulturellen und wirtschaftlichen Erfolgsgeschichten des 21. Jahrhunderts werden würde.

Heute spricht man vom „Miracle on the Han River“ – dem Wunder am Han-Fluss.

Doch vielleicht liegt die wahre Leistung nicht allein im wirtschaftlichen Aufstieg.

Sondern darin, dass Südkorea seine kulturelle Identität nie verloren hat.

Seoul – wo Vergangenheit und Zukunft denselben Rhythmus teilen

Seoul ist keine Stadt, die sich sofort erschließt.

Sie entfaltet sich langsam.

In den frühen Morgenstunden vor dem Gyeongbokgung-Palast. Zwischen den traditionellen Hanok-Häusern von Bukchon. In den stillen Innenhöfen buddhistischer Tempel.

Und gleichzeitig in den futuristischen Kurven des Dongdaemun Design Plaza, den digitalen Fassaden von Gangnam oder den kreativen Vierteln von Seongsu-dong.

Vielleicht liegt genau darin die Magie dieser Metropole.

Hier existieren mehrere Zeitebenen gleichzeitig.

Tradition wird nicht konserviert, sondern weiterentwickelt.

Modernität wird nicht als Bruch verstanden, sondern als Fortsetzung.

Must See in Seoul

Bukchon Hanok Village
Traditionelle koreanische Architektur zwischen engen Gassen und kleinen Innenhöfen.

Gyeongbokgung Palace
Der bedeutendste Königspalast Koreas und ein eindrucksvoller Einstieg in die Geschichte des Landes.

Dongdaemun Design Plaza (DDP)
Die ikonische Architektur von Zaha Hadid gilt als Symbol des kreativen Seoul.

Seongsu-dong
Ehemaliges Industrieviertel, heute Heimat unabhängiger Designer, Concept Stores und innovativer Cafés.

Leeum Museum of Art
Eine außergewöhnliche Verbindung aus traditioneller koreanischer Kunst und zeitgenössischen Positionen.

Wo man in Korea übernachtet

Die Hotelwelt Koreas spiegelt die Vielfalt des Landes wider.

Josun Palace Seoul

Zeitgenössischer Luxus mit spektakulärem Blick über die Skyline von Gangnam. Elegant, zurückhaltend und tief in der koreanischen Gastfreundschaft verwurzelt.

RYSE Hotel Seoul

Im kreativen Viertel Hongdae gelegen. Kunst, Design und urbane Kultur verschmelzen hier zu einem modernen Lifestyle-Hotel.

Rakkojae Seoul

Wer Korea verstehen möchte, sollte zumindest eine Nacht in einem traditionellen Hanok verbringen. Rakkojae zählt zu den schönsten Adressen des Landes.

Signiel Seoul

Untergebracht im Lotte World Tower. Moderne koreanische Luxushotellerie in ihrer vielleicht spektakulärsten Form.

Parnas Hotel Jeju

Auf Jeju Island verbindet sich Natur mit entspanntem Luxus und dem Gefühl, weit entfernt vom Tempo der Großstadt zu sein.

K-Beauty – Schönheit als Ritual

Kaum ein kultureller Export hat die Welt in den vergangenen Jahren so nachhaltig beeinflusst wie K-Beauty.

Doch hinter den innovativen Produkten verbirgt sich eine Philosophie, die weit über Kosmetik hinausgeht.

Schönheit wird in Korea nicht als Korrektur verstanden.

Sie beginnt mit Aufmerksamkeit.

Mit Zeit.

Mit Pflege.

Die tägliche Hautpflege ist weniger Routine als Ritual.

Dieser Gedanke zieht sich durch viele Bereiche des koreanischen Lebens: Qualität entsteht durch Kontinuität.

Wer tiefer eintauchen möchte, sollte durch die Beauty-Distrikte von Myeong-dong spazieren oder die Flagship Stores koreanischer Marken besuchen.

K-Pop und die kreative Explosion

Was einst als regionale Musikszene begann, hat sich zu einem globalen Kulturphänomen entwickelt.

K-Pop prägt heute nicht nur Musik, sondern auch Mode, Design, Social Media und visuelle Kommunikation.

Interessanter als die Musik selbst ist jedoch, was sie über Korea erzählt.

Disziplin und Kreativität.

Perfektion und Emotion.

Tradition und Innovation.

Werte, die sich auch in Architektur, Design und Unternehmenskultur des Landes wiederfinden.

Korean Cinema – Die neue Filmsprache der Welt

Mit Filmen wie „Parasite“ und Serien wie „Squid Game“ hat Südkorea endgültig seinen Platz auf der globalen Kulturkarte eingenommen.

Dabei beeindruckt weniger der kommerzielle Erfolg als die erzählerische Qualität.

Koreanische Filme verbinden gesellschaftliche Themen mit visueller Präzision und emotionaler Tiefe.

Wer Korea bereist, sollte daher auch einen Blick in die unabhängigen Kinos Seouls werfen oder – wenn möglich – das Busan International Film Festival besuchen, das als wichtigstes Filmfestival Asiens gilt.

K-Food – Die Kultur der Fermentation

Die koreanische Küche erlebt aktuell einen ähnlichen Moment, wie ihn die nordische Gastronomie vor einigen Jahren erfahren hat.

Internationale Spitzenköche interessieren sich zunehmend für koreanische Fermentationstechniken, regionale Zutaten und traditionelle Herstellungsverfahren.

Kimchi ist dabei nur der Anfang.

Die eigentliche Entdeckung liegt in den vielen Facetten koreanischer Esskultur.

Von kleinen Straßenständen über traditionelle Tempelküche bis hin zu einigen der spannendsten Fine-Dining-Restaurants Asiens.

Wer Seoul besucht, sollte sich Zeit nehmen.

Nicht nur zum Essen.

Sondern zum Verstehen.

Denn in kaum einer anderen Küche spiegeln sich Geschichte, Landschaft und Kultur so unmittelbar wider.

Jeju Island – Koreas stille Seite

Während Seoul für Dynamik steht, erzählt Jeju eine andere Geschichte.

Vulkanlandschaften, Küstenpfade, Teeplantagen und eine Atmosphäre, die an manchen Stellen eher an Hawaii oder die Azoren erinnert als an Ostasien.

Viele Koreaner reisen hierher, um Abstand vom urbanen Alltag zu gewinnen.

Für Besucher eröffnet sich eine Seite des Landes, die überraschend ruhig, ursprünglich und entschleunigt wirkt.

Warum Korea gerade jetzt relevant ist

Südkorea ist mehr als ein Trend.

Mehr als K-Pop.

Mehr als Hautpflege.

Mehr als Technologie.

Das Land zeigt, wie sich kulturelle Identität und Fortschritt gegenseitig stärken können.

Wie Tradition Inspiration für Innovation werden kann.

Und wie aus den Herausforderungen der Vergangenheit eine kreative Kraft entsteht, die heute Menschen auf der ganzen Welt beeinflusst.

Vielleicht ist genau das die eigentliche Faszination Koreas.

Nicht die Geschwindigkeit seines Aufstiegs.

Sondern die Art und Weise, wie es gelungen ist, dabei seine eigene Geschichte weiterzuerzählen.

Zwischen den weiten Landschaften Colorados und den archaischen Materialien des amerikanischen Südwestens entsteht das Werk eines Künstlers, der seit Jahrzehnten eine außergewöhnliche Verbindung zur Natur pflegt. Der US-amerikanische Bildhauer James Surls zählt zu den prägenden Stimmen der modernen Skulptur. Seine monumentalen Arbeiten aus Holz und Stahl finden sich heute in renommierten Sammlungen wie dem Smithsonian American Art Museum, dem Solomon R. Guggenheim Museum und dem Museum of Modern Art.

Heute arbeitet Surls in seinem Atelier in Carbondale, Colorado, umgeben von der rauen Schönheit der Rocky Mountains. Die Landschaft ist dabei weit mehr als Kulisse. Sie ist Inspirationsquelle, spiritueller Resonanzraum und Lieferant jener Materialien, die seine Skulpturen prägen.

Für den NOWNESS-Film Will of the Wisp begleitet Regisseur Garrett Creamer den Künstler bei einem außergewöhnlichen Vorhaben: dem Transport eines gewaltigen Baumstamms, den Surls auf einem Feld entdeckt hat und der zur Grundlage eines neuen Werkes werden soll. Der Film eröffnet einen seltenen Einblick in den kreativen Prozess eines Künstlers, dessen Arbeiten von physischer Präsenz, organischer Kraft und einer tiefen Achtung vor natürlichen Formen geprägt sind.

Dabei geht es nicht nur um Skulptur. Es geht um Zeit, Vergänglichkeit und die Frage, wie sich der Blick auf das Leben mit zunehmendem Alter verändert. Mit der Gelassenheit eines Menschen, der seit Jahrzehnten mit den Kräften der Natur arbeitet, spricht Surls über Kreativität, Gesundheit und die Überzeugung, dass letztlich alles seinen Platz findet.

„One part artist, poet and philosopher, one part uncompromising Texan.“ – Garrett Creamer

Will of the Wisp ist ein stilles, eindrucksvolles Porträt eines Künstlers, der aus rohen Materialien Werke erschafft, die zugleich kraftvoll und poetisch wirken – und der zeigt, dass wahre Größe oft dort entsteht, wo Mensch und Natur miteinander in Dialog treten.

Über NOWNESS

NOWNESS ist eine globale Videoplattform für Kunst, Kultur, Design, Mode und außergewöhnliches Storytelling. Mit einem kuratierten Ansatz präsentiert NOWNESS Filme, die kreative Perspektiven sichtbar machen und den Blick auf zeitgenössische Kultur erweitern. Die Plattform arbeitet mit einigen der spannendsten Filmemacher:innen, Künstler:innen und Kreativen weltweit zusammen und gilt als eine der wichtigsten Adressen für visuelles Erzählen im digitalen Raum.

Das Bridge House im indischen Bundesstaat Maharashtra überbrückt einen 30 Meter breiten Graben. Konstruiert wie eine Hängebrücke und mit einer Außenhülle aus beweglichen Lehmschuppen ist eine bewohnbare Skulptur entstanden, die lebt.

Architektur findet immer dort die kreativsten Lösungen, wo die topografischen Bedingungen eine konventionelle Lösung unmöglich machen. Es ist die Kunst des Entwurfs, aus dieser Unmöglichkeit die sinnvollste und schönste Konsequenz zu ziehen. Im Fall eines Wohnbauprojekts in der Metropolregion Mumbai bestand die Herausforderung darin, einen sieben Meter tiefen Abgrund zu überbrücken. Das Grundstück der Bauherrschaft wurde nämlich vom Überlauf-Graben des Walwhan-Staudamms durchschnitten und in zwei Teile geteilt. Diese galt es durch das Bauprojekt zu verbinden, ohne dabei ein Fundament im darunterliegenden Kanal zu errichten. Der Überlauf musste für regelmäßige Räumarbeiten durch einen Bagger frei bleiben. Eine Aufgabe, die dem avantgardistischen indischen Architekturbüro Wallmakers gerade knifflig genug war. Wo andere Architekten kurzerhand einen Betonblock in den Einschnitt gespreizt hätten, suchte Bürogründer Vinu Daniel nach einer ökologisch verträglichen Variante. 

Er fand sie schließlich in einer minimalinvasiven Hängebrückenkonstruktion und einer Außenhaut aus beweglichen Schuppen, die aus lokalen Naturmaterialien gefertigt sind. Auf diese Weise ist ein Bauwerk entstanden, das lebt. Gestatten: das Bridge House.

Ökologisch und ökonomisch im Vorteil

Wie ein tierischer Kokon hängt der 30 Meter lange Brückenbau über dem Abgrund und verbindet die Grundstückshälften auf natürliche Weise. Er kommt mit nur vier Verankerungspunkten aus und besteht aus vier hyperbolischen Paraboloidschalen, deren Hohlräume die Wohnbereiche bilden. Um der Konstruktion die nötige Zugfestigkeit zu verleihen, setzte man so wenig Stahlrohre und -seile wie möglich ein. 

Der Ansatz, Wohnhaus und Brücke miteinander zu verbinden hat nicht nur ökologische, sondern auch ökonomische Vorteile gebracht. Auf der einen Seite konnte man so den Fußabdruck des Gebäudes auf ein absolutes Minimum reduzieren. Auf der anderen Seite sparte es der Bauherrschaft Kosten und ließ zugleich mehr Fläche für die landwirtschaftliche Nutzung frei.

Materialien aus der näheren Umgebung

Das Wohnhaus bildet eine komplexe, organische Form, wie sie auch in der Natur vorkommen könnte. Als hätte sich hier ein gigantisches Insekt einen Kobel gebaut. Dazu passt auch die schuppige Außenhaut des Wohnbaus, die einem Gürteltier abgeschaut ist. Vermutlich wäre es schwierig gewesen, für diesen extravagant geformten Baukörper ein industriell hergestelltes Fassadensystem zu finden, das passt. Der Grund für die außergewöhnliche Hülle war allerdings ein anderer. 

Das Studio Wallmakers hielt sich bei der Materialbeschaffung an Mahatma Gandhis Prinzip des idealen Hauses. Demnach sollen die Baumaterialien aus einem Umkreis von maximal acht Kilometern stammen. Was die Planer in der Umgebung der Stadt Karjat, wo das Grundstück liegt, in Hülle und Fülle vorfanden, waren vor allem zwei Dinge: Gras und Schlamm.

Strohdach 2.0

Daraus formten sie ein Materialgemisch, das der Konstruktion eine wetterfeste Hülle verlieh und zugleich für die nötige Stabilität sorgte. Zwar haben Strohdächer eine lange Tradition in der Region, aber in jüngerer Zeit ist die Technik mehr und mehr in Vergessenheit geraten.

Die Lehmputzschicht verhindert, dass sich Nagetiere oder Schädlinge in das Gebäude einnisten – der Hauptgrund dafür, dass Strohdächer aus der Mode gekommen sind. 

Wallmakers, Architekturbüro

Mit dem Bridge hat man sie nicht nur wiederbelebt, sondern auch weiterentwickelt. Durch die Kombination mit der Schlammschicht ist die Strohdeckung nämlich deutlich widerstandsfähiger geworden.

„Die Lehmputzschicht verhindert, dass sich Nagetiere oder Schädlinge in das Gebäude einnisten – der Hauptgrund dafür, dass Strohdächer aus der Mode gekommen sind. Außerdem sorgt sie für zusätzliche Druckfestigkeit, um die Konstruktion in Ermangelung einer vertikalen Tragsäule weiter zu stabilisieren“, wie das Büro Wallmakers erklärt. 

Vom Schuppentier abgeschaut

Eine doppelt gekrümmte Fläche zu decken ist oft problematisch, da das Wasser von zwei Seiten eindringen kann. Eine Lösung dieser Aufgabe fand man in der Natur, genauer gesagt beim Panzer von Schuppentieren. Dieser besteht aus mehreren hundert bis tausend dachziegelartig überlappenden Hornschuppen.

Praktische Tests mit entsprechenden Stroh-Lehm-Schuppen zeigten den gewünschten Erfolg: Während die Schuppen Bewegung zuließen, verhinderten sie zugleich das Eindringen von Wasser.

Damit haben Wallmakers ein skulpturales Bauwerk geschaffen, das sich, wie die Bionik, ein Prinzip aus der Natur zunutze macht. Mit diesem Wohnhaus knüpfen sie an Werke der organischen Architektur an, wie etwa die Casa Orgánica von Javier Senosiain. Der mexikanische Architekt kämpft seit den 1980er-Jahren mit seinen höhlenartigen Bauten gegen die Geradlinigkeit und Technokratie in der Architektur an.

Wenn es im Wohnzimmer regnet

So radikal organisch, wie sich das Bridge House von außen präsentiert, so radikal naturverbunden ist es auch im Inneren. 

In der Mitte des Brückenhauses, wo der Wohnbereich liegt, öffnet sich ein großes Okulus zum Himmel. Dieser runde Deckeneinschnitt bildet das atmosphärische Kernstück des Hauses. Lediglich von einem Seilnetz überspannt, macht es die Naturelemente direkt erlebbar. 

Und das gilt sowohl für einen angenehm lauen Abend als auch für die Monsunzeit. Wenn es regnet, dann regnet es auch im Wohnzimmer. Dabei kann das Wasser über speziell in den Boden eingelassene Öffnungen ablaufen und direkt in die Rinnen darunter fließen. Das wahre Gegenstück also zum Modell des Boden-versiegelnden Einfamilienhauses.

Text: Gertraud Gerst
Fotos: Studio IKSHA

Wie der japanische Künstler die Verbindung von Natur, Architektur und Champagner neu interpretiert

Mit der Fortsetzung der Kunstreihe “Conversations with Nature” setzt die Maison Ruinart 2026 ein poetisches Zeichen für Nachhaltigkeit, Wahrnehmung und die stille Kraft der Natur. Der japanische Künstler Tadashi Kawamata verwandelt Orte in sinnliche Erfahrungsräume – und lädt dazu ein, die Welt neu zu sehen.

Kunst, die Perspektiven verschiebt

Seit Jahren pflegt Ruinart einen einzigartigen Dialog zwischen Kunst und Natur. 2026 wird dieser Dialog mit Tadashi Kawamata fortgeführt – einem Künstler, der für seine ephemeren, architektonischen Interventionen bekannt ist. Seine Werke entstehen aus Holz, oft aus recycelten Materialien, und greifen subtil in bestehende Landschaften ein.

Ob fragile Stege, Hütten oder Beobachtungsplattformen: Kawamatas Installationen eröffnen neue Blickwinkel und verändern bewusst unsere Wahrnehmung von Raum, Maßstab und Natur.

Reims als Inspirationsquelle

Bei seinem ersten Besuch in den Weinbergen rund um die historische Adresse 4 RUE DES CRAYÈRES zeigte sich Kawamata tief beeindruckt von der Atmosphäre des Ortes – vom Morgennebel, der Feuchtigkeit der Luft bis hin zu den kaum sichtbaren Lebenswelten von Vögeln und Insekten.

Diese Eindrücke übersetzt der Künstler in Zeichnungen, Modelle und schließlich in großformatige Installationen. Seine Werke verstehen sich als „imaginäre Zufluchtsorte“ – poetische Antworten auf die Fragilität des Lebendigen.

Drei Installationen – ein Gesamtkunstwerk

Im Sommer 2026 entstehen in Reims drei permanente In-situ-Arbeiten:
Cabane, Nid und Observatoire.

Sie bilden ein Ensemble, das Kunst, Handwerk und Natur miteinander verbindet. Besucher:innen können die Installationen begehen, erleben und die „Schwingungen der Natur“ bewusst wahrnehmen – ein zentrales Element für die Harmonie des Champagners.

„Hier oben nimmt man jede Wetterlage ganz deutlich wahr … Ich möchte, dass die Besucher dem Vergehen der Zeit bewusst nachspüren.“

Zwischen Miniatur und Monument

Ein spannender Aspekt von Kawamatas Arbeit ist das Spiel mit Maßstäben. Modelle aus recyceltem Holz fungieren als konzeptuelle Vorstudien, bevor sie in monumentale Installationen übersetzt werden.

Diese Transformation vom Kleinen ins Große eröffnet neue Perspektiven auf Material, Raum und Zeit – und macht den kreativen Prozess selbst sichtbar.

Ruinart & die Kunst des Dialogs

Die Verbindung von Kunst und Natur ist tief in der DNA von Ruinart verankert. Bereits im 19. Jahrhundert setzte das Haus auf künstlerische Ausdrucksformen – heute arbeiten internationale Künstler:innen daran, ökologische Fragestellungen erfahrbar zu machen.

Kawamata reiht sich damit in eine Tradition ein, die Kunst nicht als Dekoration versteht, sondern als Medium für Bewusstsein und Veränderung.

Ein sinnliches Erlebnis zwischen Natur und Champagner

Die 4 RUE DES CRAYÈRES ist heute mehr als ein Ort der Champagnerproduktion – sie ist ein kultureller Erlebnisraum. Zwischen historischen Kreidekellern (UNESCO-Weltkulturerbe) und zeitgenössischer Architektur entsteht ein Ort, an dem sich Natur, Kunst und Handwerk verbinden.

Mit Kawamatas Intervention wird dieser Ort um eine weitere Dimension erweitert: eine Einladung, die Natur nicht nur zu sehen, sondern zu fühlen.

Ein Gespräch über Improvisation, Haltung und die Zukunft des Jazz

Anlässlich der Auszeichnung mit dem Deutschen Jazzpreis 2026 für ihr Lebenswerk spricht Aki Takase im Interview über ihre künstlerische Entwicklung, die Rolle von Improvisation und ihren Blick auf die heutige Jazzszene. Seit Jahrzehnten zählt sie zu den prägenden Stimmen des zeitgenössischen Jazz – mit einer musikalischen Sprache, die sich konsequent zwischen Komposition und Improvisation bewegt und sich immer wieder neu erfindet.

Die Preisverleihung findet am 25. April 2026 im Congress Centrum Bremen im Rahmen des 20-jährigen Jubiläums der jazzahead! statt. Im Vorfeld gibt die Pianistin und Komponistin Einblicke in ihre Arbeit, ihre Einflüsse und die Dynamiken einer Szene, die sich stetig verändert. Heute sind wir mit Aki Takase im Gespräch.

INTERVIEW

Sie erhalten den Deutschen Jazzpreis für Ihr Lebenswerk. Was bedeutet es für Sie, in diesem Zusammenhang gelesen zu werden – also nicht nur rückblickend, sondern im Kontext der heutigen Jazzszene?

Aki Takase:
Das ist eine große Ehre und erfüllt mich mit Stolz. Außerdem hat mir die Anerkennung für die Musik, die ich bisher geschaffen habe, den Mut gegeben, meine Musik in neue Richtungen weiterzuentwickeln. Herzlichen Dank!

Ihre Musik bewegt sich seit Jahrzehnten zwischen unterschiedlichen kulturellen Kontexten. Wie haben diese Perspektiven Ihr künstlerisches Denken geprägt und was hat sich daran im Laufe der Zeit verändert?

Aki Takase:
Alle Musik hat sich von der Vergangenheit bis zur Gegenwart weiterentwickelt und die Welt, wie wir sie heute kennen, geprägt. Ich habe mich schon immer für die Geschichte des Jazz interessiert, insbesondere dafür, die musikalischen Botschaften von Komponisten und Musikern, die mich faszinieren, aufzunehmen und sie aus meiner eigenen Perspektive weiterzuentwickeln, um ihnen heute neues Leben einzuhauchen. Seit letztem Jahr widme ich mich, aufbauend auf meinen bisherigen Erfahrungen, einem neuen Projekt: dem Timeless Orchestra.

Was hat Sie ursprünglich zum Jazz gebracht und was hält Sie bis heute in dieser Form, die sich ja ständig verändert?

Aki Takase:
Es fing ganz zufällig an. Als ich an der Musikhochschule studierte, lud mich eine Freundin ein, mir ein paar Jazzplatten anzuhören, und das war der Beginn meiner neuen musikalischen Reise. Jazz ist wie eine Droge – ein starkes Aphrodisiakum. Ehe ich mich versah, war ich in die Welt des Jazz hineingezogen worden, und hier bin ich heute.

Sie haben sehr unterschiedliche musikalische Phasen durchlaufen. Gab es Momente, in denen Sie Ihre eigene künstlerische Richtung grundlegend infrage gestellt haben?

Aki Takase:
Ich hatte nie Zweifel an der Richtung meiner Musik. Ich habe mich schon immer für alle Arten von Musik interessiert, vor allem für klassische Musik, zeitgenössische Musik, Jazzimprovisation, Volksmusik und so weiter. Für Popmusik oder Anime-Soundtracks habe ich jedoch absolut kein Interesse.

Sie arbeiten seit vielen Jahren in wechselnden Konstellationen. Was macht für Sie eine Zusammenarbeit produktiv und wann wird sie es nicht?

Aki Takase:
Wenn die musikalischen Ansichten der Mitmusiker sich von meinen unterscheiden, ist es schwierig, lange zusammen zu spielen. Im Idealfall wäre es großartig, wenn wir trotz etwas unterschiedlicher Musikgeschmäcker gemeinsam großartige Musik schaffen könnten.

Improvisation spielt im Jazz eine zentrale Rolle. Was bedeutet Improvisation für Sie heute – auch im Verhältnis zu Erfahrung und Routine?

Aki Takase:
„Extremer Inspiration“

Wenn Sie auf Ihre Laufbahn zurückblicken: Wie haben sich die Bedingungen für Frauen im Jazz verändert und wo sehen Sie heute noch strukturelle Unterschiede?

Aki Takase:
Eine positive Entwicklung ist, dass sich heute mehr Frauen für Jazz interessieren als früher. Es ist auch gut, dass es – teilweise als Folge davon – heute mehr Musikerinnen gibt als früher; da Männer und Frauen jedoch je nach Instrument unterschiedliche Körperbauten haben, sind die Voraussetzungen möglicherweise nicht dieselben. Das hat auch mit politischen und soziologischen Entwicklungen zu tun.

Wenn Sie auf die heutige Jazzszene blicken: Welche Entwicklungen interessieren Sie und wo sehen Sie vielleicht auch Spannungen oder Brüche?

Aki Takase:
In letzter Zeit spüre ich eine größere Klangvielfalt, da immer mehr interessante Musiker auftauchen, die sich vom Jazzgenre entfernt haben oder von anderen Musikrichtungen beeinflusst wurden. Es ist jedoch schade, dass die Dynamik und Spannung, die dem Jazz innewohnen, nachlassen.

Was würden Sie jüngeren Musiker:innen heute mitgeben – nicht nur künstlerisch, sondern auch im Hinblick auf Arbeitsrealitäten im Jazz?

Aki Takase:
Lasst euch nicht von der Informationsflut verwirren. Und vergesst bitte nicht, dass es die Musiker sind, denen wir die Musik verdanken. Sucht nach Musik, die ihr eines Tages selbst gerne hören würdet.

Woran arbeiten Sie im Moment und was interessiert Sie gerade musikalisch?

Aki Takase:
Letztes Jahr habe ich mit Daniel Erdmann ein Projekt namens „Timeless“ ins Leben gerufen. Gemeinsam mit jungen Musikern aus verschiedenen Genres möchte ich mich mit faszinierender Musik von der Vergangenheit bis zur Gegenwart auseinandersetzen, neue musikalische Wege erkunden und herausfinden, wohin sich die Musik entwickelt.