Zwischen Wasser, Fels und Vorstellungskraft verwandelt sommer.frische.kunst. Bad Gastein erneut in einen der faszinierendsten Kunstorte des Alpenraums. Die Ausgabe 2026 steht unter dem Titel „Between Waters“ und erkundet das Wasser nicht nur als Naturphänomen, sondern als Metapher für Bewegung, Wandel und Verbindung.

Es gibt Orte, deren Identität sich kaum von ihrer Landschaft trennen lässt. Bad Gastein ist ein solcher Ort. Der Wasserfall, die heißen Quellen, die dramatische Topografie und die besondere Mischung aus alpiner Natur und historischer Architektur prägen seit Jahrhunderten die Wahrnehmung des Kurorts.

Genau hier setzt das Kunst- und Kulturfestival sommer.frische.kunst. an. Unter der künstlerischen Leitung von Andrea von Goetz widmet sich die 16. Ausgabe des Festivals dem Thema „Between Waters: Zirkulation, Reflexion und Imagination“ und macht den gesamten Ort vom 11. Juni bis 30. August 2026 zur Bühne für internationale Gegenwartskunst.

Wasser als Symbol einer Welt in Bewegung

„Panta Rhei – alles fließt“ lautet eine der ältesten philosophischen Erkenntnisse Europas. Kaum ein Ort macht diesen Gedanken so unmittelbar erfahrbar wie Bad Gastein.

Das diesjährige Festival versteht Wasser nicht nur als lebensspendende Ressource, sondern als kulturelle, politische und poetische Kraft. Es wird zum Ausgangspunkt für künstlerische Arbeiten über Veränderung, Kreisläufe, Erinnerung und Zukunft.

Mit diesem kuratorischen Ansatz öffnet sommer.frische.kunst. einen Raum für neue Perspektiven auf eine Welt, die sich permanent im Wandel befindet.

Künstlerische Produktion direkt am Wasserfall

Ein Herzstück des Festivals bleibt das internationale Artist-in-Residence-Programm im historischen Kraftwerk am Wasserfall.

Acht internationale Künstlerinnen und Künstler arbeiten mehrere Wochen vor Ort und entwickeln neue, ortsspezifische Projekte, die unmittelbar aus der Begegnung mit Landschaft, Architektur und Geschichte entstehen.

Die Ergebnisse werden erstmals während des Opening Weekends Anfang Juli präsentiert und machen Bad Gastein selbst zum Teil der künstlerischen Erzählung.

Ein Wochenende zwischen Kunst, Architektur und alpiner Energie

Den offiziellen Auftakt bildet das Opening Weekend von 2. bis 5. Juli 2026.

Bereits am ersten Abend präsentiert der mexikanische Künstler Claudio Limón im Hotel Miramonte eine eigens entwickelte Ausstellung in Kooperation mit dem STRAAT Museum Amsterdam. Seine Arbeiten übersetzen die Energie der Gasteiner Bergwelt in eine zeitgenössische visuelle Sprache zwischen Street Art und poetischer Abstraktion.

Am folgenden Tag führt die Kaiser-Wilhelm-Promenade zum Radon Pavillon, wo die Künstlerin Nives Widauer ihre textilen Arbeiten zeigt. Inspiriert von Flüssen, Strömungen und natürlichen Bewegungsformen verbinden ihre Werke Materialität mit erzählerischer Leichtigkeit.

Kunst zieht ins Grand Hotel Astoria ein

Zu den spannendsten Neuerungen zählt die Premiere von ASTORIA curated x art:badgastein.

Das ehemalige Grand Hotel Astoria wird für wenige Tage zu einem offenen Ausstellungsraum, in dem dreizehn internationale Galerien und fünf Solo Artists historische Zimmer, Salons und Säle bespielen.

Dabei entsteht ein Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart, zwischen Architektur, Design, Kunst und Sammlerkultur. Das traditionsreiche Haus wird zum Experimentierraum für neue Formen des Ausstellens und Begegnens.

Bad Gastein als Ort der Transformation

Neben den während der Residency entstandenen Arbeiten werden auch internationale Positionen von Künstlern wie Julius von Bismarck, Mischa Leinkauf und Leonor Serrano Rivas präsentiert, die sich auf unterschiedliche Weise mit dem Thema Wasser auseinandersetzen.

Ergänzt wird das Programm durch die poetischen Teppicharbeiten von Holger Schmidhuber. Seine Serie Bad Gastein Energies basiert auf Texten, die während seiner Aufenthalte am Wasserfall entstanden sind und die besondere Atmosphäre des Ortes in eine visuelle Form übersetzen.

Ein Sehnsuchtsort zwischen Natur und Kultur

Was sommer.frische.kunst. seit Jahren von vielen Kunstfestivals unterscheidet, ist die enge Verbindung von Ort und Inhalt. Die Ausstellungen verteilen sich nicht auf neutrale White Cubes, sondern durchziehen Hotels, historische Gebäude, öffentliche Räume und Landschaften.

So wird Bad Gastein selbst zum Ausstellungsraum – und die Begegnung mit Kunst zu einer Bewegung durch den Ort.

Zwischen Wasserfall und Belle Époque, zwischen alpiner Wildheit und zeitgenössischer Reflexion entsteht ein kultureller Resonanzraum, der weit über klassische Ausstellungserlebnisse hinausgeht.

Sommer.frische.kunst. 2026 zeigt eindrucksvoll, dass Kunst nicht nur betrachtet werden will. Manchmal muss man sie durchwandern.

Zwischen Champagner, Design und Lebensfreude entsteht eine Kollektion, die mehr sein möchte als ein schönes Objekt: „Chasing the Sun“ von Veuve Clicquot und Yinka Ilori ist eine Hommage an Optimismus, Gemeinschaft und die Kunst, den Moment zu feiern.

Manche Marken schaffen es, weit über ihr Produkt hinaus zu wirken. Veuve Clicquot gehört zu ihnen. Seit mehr als 250 Jahren steht das Champagnerhaus nicht nur für Handwerkskunst und Innovation, sondern auch für eine Haltung zum Leben. Eine Haltung, die von Madame Clicquot geprägt wurde und bis heute in dem ikonischen Gelb der Maison sichtbar wird – jener Farbe, die seit 1877 die Etiketten ziert und an die Sonne erinnert.

Mit der neuen Kollaboration „Chasing the Sun“ erweitert Veuve Clicquot diese Geschichte um eine kreative Dimension. Gemeinsam mit dem britisch-nigerianischen Künstler und Designer Yinka Ilori entstand eine Kollektion, die Design, Emotion und Lebensfreude miteinander verbindet.

Der Architekt der Freude

Yinka Ilori wird häufig als „Architekt der Freude“ bezeichnet. Seine Arbeiten bewegen sich zwischen Kunst, Architektur, Interior Design und gesellschaftlichem Engagement. Farben, Muster und Geschichten werden bei ihm zu Werkzeugen, um Menschen miteinander zu verbinden.

Für Veuve Clicquot entwickelte Ilori ein visuelles Universum, das die Symbolik der Sonne neu interpretiert. Schützende Hände, Sterne und von der Natur inspirierte Formen erzählen von Wärme, Verbundenheit und den kleinen Gesten, die Gemeinschaft entstehen lassen.

Im Zentrum steht dabei eine einfache, aber kraftvolle Idee: Freude wächst, wenn sie geteilt wird.

Design für gemeinsame Momente

Die limitierte Kollektion übersetzt diese Philosophie in eine Reihe von Objekten, die klassische Champagner-Rituale neu denken.

Der Sun Holder interpretiert den traditionellen Champagnerkühler neu. Inspiriert von der Form einer Kalebasse verbindet er Mobilität mit zeitgenössischem Design. Gefertigt aus überwiegend recycelten Materialien mittels innovativer 3D-Stricktechnologie, hält er Champagner bis zu 90 Minuten kühl.

Ergänzt wird die Serie durch die Sun Totems, skulpturale Kühler für die ikonischen Cuvées Yellow Label und Rosé. Sie verbinden Funktionalität mit einer starken visuellen Präsenz und zeigen, wie alltägliche Objekte zu Designstücken werden können.

Auch der berühmte Clicquot Arrow wurde von Ilori neu gestaltet. Die individualisierbare Geschenkbox, die traditionell die Entfernung zwischen einem Ort und den historischen Kellern in Reims anzeigt, erscheint in drei neuen Designs, die Themen wie Identität, Perspektive und Licht aufgreifen.

Mehr als eine Kollektion

Interessant ist weniger das Objekt selbst als die Haltung dahinter. „Chasing the Sun“ erinnert daran, dass Luxus heute zunehmend über Erlebnisse definiert wird. Nicht Besitz steht im Mittelpunkt, sondern die Qualität gemeinsamer Momente.

Ob beim Abendessen mit Freunden, beim Aperitif unter freiem Himmel oder bei einer spontanen Begegnung im Sommer – die Kollektion versteht sich als Einladung, jene Augenblicke bewusst wahrzunehmen, die oft die schönsten Erinnerungen hinterlassen.

Damit knüpft Veuve Clicquot an ein kulturelles Verständnis von Gastfreundschaft an, das weit über Champagner hinausgeht. Es geht um Zusammenkunft, Austausch und die Freude daran, Zeit miteinander zu verbringen.

Eine Ode an Optimismus

Präsentiert wurde „Chasing the Sun“ während der Milan Design Week in einer immersiven Installation, die Besucherinnen und Besucher in die farbenfrohe Welt von Yinka Ilori eintauchen ließ.

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Stärke dieser Zusammenarbeit: Sie erinnert daran, dass Design nicht nur Räume und Objekte gestalten kann, sondern auch Emotionen. Dass Farbe, Kreativität und Gastlichkeit Menschen zusammenbringen. Und dass die Sonne, die wir verfolgen, manchmal nichts anderes ist als ein gemeinsam geteilter Moment.

Warum Pucci die vielleicht zeitgemäßeste Luxusmarke unserer Zeit ist

Während viele Luxusmarken auf Understatement und Zurückhaltung setzen, feiert Pucci etwas, das lange aus der Mode schien: Lebensfreude. Unter der kreativen Leitung von Camille Miceli wird das italienische Traditionshaus zu einem Manifest für Optimismus, Farbe und die Kunst, das Leben zu genießen.

Es gibt Modemarken, die Kleidung entwerfen. Und es gibt Marken, die ein Lebensgefühl vermitteln.

Pucci gehört seit jeher zur zweiten Kategorie.

Wer an Pucci denkt, denkt an leuchtende Farben, fließende Muster und den unverwechselbaren Geist des italienischen Sommers. An Capri. An das Mittelmeer. An Menschen, die neugierig auf die Welt sind und das Leben mit einer gewissen Leichtigkeit betrachten.

Was einst als revolutionäre Resortwear begann, wirkt heute überraschend aktuell. Denn in einer Zeit, die von Unsicherheit, Beschleunigung und permanenter Reizüberflutung geprägt ist, wächst die Sehnsucht nach etwas, das viele Menschen lange als selbstverständlich betrachtet haben:

Lebensfreude.

Die Rückkehr der Freude

Der aktuelle Trend des Color Blockings erzählt genau davon.

Natürlich geht es um Farben. Um kräftige Kontraste, mutige Kombinationen und den Abschied von jahrelanger Zurückhaltung. Doch hinter diesem Trend verbirgt sich mehr als eine ästhetische Entscheidung.

Color Blocking steht für Optimismus.

Für Selbstbewusstsein.

Für Individualität.

Für die Lust, sichtbar zu sein.

Nach Jahren, in denen Minimalismus, Quiet Luxury und gedeckte Farbwelten die Mode dominierten, scheint eine neue Energie zurückzukehren. Nicht laut oder schrill, sondern voller Neugier und Lebendigkeit.

Kaum eine Luxusmarke verkörpert dieses Lebensgefühl authentischer als Pucci.

Camille Miceli und die Neuerfindung einer Ikone

Seit 2021 steht die französische Designerin Camille Miceli an der kreativen Spitze des Hauses.

Miceli bringt eine außergewöhnliche Perspektive mit. Sie arbeitete für Chanel, Dior und Louis Vuitton, bevor sie zu Pucci wechselte. Statt die Marke grundlegend zu verändern, entschied sie sich dafür, ihre ursprüngliche DNA freizulegen.

Und diese DNA besteht nicht aus Trends.

Sie besteht aus Freude.

Unter ihrer Führung wurde Pucci zu einer Marke, die wieder offen über Emotionen spricht. Über die Freude am Anziehen. Über die Freude am Reisen. Über die Freude, sich selbst auszudrücken.

In einer Branche, die häufig von Exklusivität und Distanz geprägt ist, wirkt dieser Ansatz beinahe radikal.

Pucci spricht nicht über Status.

Pucci spricht über Lebensqualität.

Jenseits der Saison

Diese Haltung zeigt sich auch im neuen Rhythmus der Marke.

Während die klassische Luxusindustrie weiterhin in Saisonzyklen denkt, verfolgt Pucci einen anderen Ansatz. Statt weniger großer Kollektionen setzt das Haus zunehmend auf regelmäßige Drops und Capsule Collections.

Die einzelnen Releases entstehen häufig rund um bestimmte Orte, Stimmungen oder Momente. Präsentationen finden nicht zufällig in Capri, Portofino, St. Moritz oder an anderen Sehnsuchtsorten statt.

Pucci orientiert sich weniger an Modekalendern als an Lebenswelten.

Die Marke fragt nicht, welche Saison gerade beginnt.

Sie fragt, wo Menschen als Nächstes hinträumen.

Resort Wear als Philosophie

Die Geschichte von Pucci beginnt auf Capri.

Emilio Pucci war Aristokrat, Sportler und Weltreisender. Seine Mode entstand nie im Elfenbeinturm der Haute Couture, sondern aus der Beobachtung eines neuen Lebensstils.

Menschen wollten reisen.

Sie wollten sich bewegen.

Sie wollten die Welt entdecken.

Resort Wear wurde deshalb zum Kern der Marke.

Leichte Kaftane, Seidenkleider, Badebekleidung, Tuniken und Accessoires waren nicht für formelle Anlässe gedacht, sondern für das Leben selbst.

Für sonnige Tage.

Für spontane Begegnungen.

Für Abenteuer.

Für die Freude, unterwegs zu sein.

Auch heute prägt diese Haltung jede Kollektion.

Pucci verkauft keine Garderobe für bestimmte Anlässe.

Pucci verkauft eine Haltung zur Welt.

Die Kunst, das Leben zu feiern

Vielleicht erklärt genau das die aktuelle Relevanz der Marke.

In einer Zeit, in der vieles komplex erscheint, suchen Menschen nach Erfahrungen, die inspirieren und neue Energie schenken. Nach Orten, Menschen und Ideen, die das Leben bereichern.

Pucci antwortet darauf mit Farbe.

Mit Leichtigkeit.

Mit Kreativität.

Und mit der Erinnerung daran, dass Luxus nicht immer still sein muss.

Vielleicht besteht moderner Luxus nicht mehr nur aus Perfektion, Exklusivität oder Besitz.

Vielleicht besteht er darin, neugierig zu bleiben.

Neue Perspektiven zu entdecken.

Sich begeistern zu lassen.

Und das Leben immer wieder als Abenteuer zu betrachten.

Mehr als ein Trend

Wer heute auf Pucci blickt, sieht deshalb mehr als Mode.

Die Marke steht für eine Haltung, die aktueller kaum sein könnte.

Für den Mut, Farbe zu bekennen.

Für die Freude am Ausdruck.

Für die Lust auf neue Erfahrungen.

Und für die Überzeugung, dass Optimismus keine Naivität ist, sondern eine bewusste Entscheidung.

Vielleicht ist das die eigentliche Botschaft hinter der Rückkehr der Farben.

Nicht die Farbe selbst verändert etwas.

Sondern das Lebensgefühl, das sie transportiert.

Pucci erinnert uns daran, dass Stil mehr sein kann als Kleidung.

Er kann Ausdruck von Lebensfreude sein.

Und genau darin liegt heute seine größte Stärke.

Es gibt kaum etwas Schwierigeres, als sich in Griechenland für nur eine Insel zu entscheiden. Mykonos, Sifnos und Folegandros könnten unterschiedlicher kaum sein – und genau darin liegt ihr Reiz. Doch was wäre, wenn man sich gar nicht entscheiden müsste?

Die Kykladen gehören zu den wenigen Orten Europas, an denen Inselhopping nicht kompliziert, sondern ganz selbstverständlich ist. Mykonos wird von zahlreichen europäischen Städten direkt angeflogen. Von dort verbinden regelmäßige Fähren die Insel mit Sifnos und Folegandros. Was auf der Karte wie drei einzelne Reiseziele aussieht, wird in Wirklichkeit zu einer einzigen Sommerreise durch die Ägäis. Eine Reise, die mit Energie beginnt, über authentische Inselmomente führt und in völliger Weite endet.

Erste Station: Mykonos und die Vorfreude des Anfangs

Jede große Reise braucht einen starken Auftakt. Für viele beginnt dieser auf Mykonos. Die Insel ist bekannt für ihre lebendige Atmosphäre, ihr internationales Flair und ihre besondere Mischung aus kosmopolitischem Leben und griechischer Inselkultur. Doch abseits der bekannten Hotspots zeigt sich eine ruhigere Seite von Mykonos.

Das The Wild Hotel by Interni liegt in einer geschützten Bucht und wirkt wie ein Gegenpol zum Trubel der Insel. Hier beginnt der Sommer. Mit dem ersten Sprung ins Meer. Mit Spaziergängen durch die Gassen der Chora. Mit den ersten Abenden am Wasser. Und mit diesem besonderen Gefühl, dass das Abenteuer gerade erst beginnt. Nach einigen Tagen ruft bereits die nächste Insel.

Die Fähre als Teil der Reise

Die wahre Magie der Kykladen liegt nicht nur auf den Inseln selbst. Sie liegt dazwischen. Auf dem Wasser. Während die Fähre den Hafen von Mykonos verlässt, verschwindet die Insel langsam am Horizont. Die salzige Luft, das offene Meer und die Aussicht auf die nächste Küste machen die Überfahrt zu einem Teil des Erlebnisses. Schon bald taucht am Horizont die nächste Insel auf: Sifnos. Und mit ihr eine völlig neue Stimmung.

Zweite Station: Sifnos und die Kunst des Authentischen

Während Mykonos Energie schenkt, verleiht Sifnos der Reise Tiefe. Die Insel versucht nicht, Aufmerksamkeit zu erzwingen. Vielleicht wirkt sie gerade deshalb so besonders. Oberhalb von Kastro gelegen, eröffnet das Verina Astra einen weiten Blick über die Ägäis. Hier verändert sich die Perspektive. Sifnos ist bekannt für seine Kulinarik, seine Keramikkunst und seine traditionellen Dörfer. Es ist eine Insel, die nicht von Sehenswürdigkeiten lebt, sondern von Atmosphäre und Charakter. Von kleinen Bäckereien. Von versteckten Wegen. Von Begegnungen mit Menschen, die seit Generationen hier leben. Man entdeckt die Insel nicht auf einmal. Man lernt sie langsam kennen. Und genau darin liegt ihr Zauber.

Dritte Station: Folegandros und die Weite des Horizonts

Von Sifnos führt die Reise weiter nach Folegandros. Bereits die Anfahrt verändert alles. Steile Klippen steigen aus dem Meer empor. Die Landschaft wird wilder. Die Natur ursprünglicher. Wenn Mykonos für Aufbruch steht und Sifnos für Authentizität, dann steht Folegandros für Freiheit. Hoch über der Küste gelegen, fügt sich das Gundari Resort beinahe nahtlos in die dramatische Landschaft ein. Hier geht es nicht mehr darum, möglichst viel zu erleben. Sondern darum, die Weite wahrzunehmen.

Den Wind. Das Meer. Die Stille zwischen den Klippen. Und plötzlich bekommt die gesamte Reise eine neue Bedeutung.

Drei Inseln, drei Gesichter Griechenlands

Die Schönheit dieser Route liegt nicht darin, dass eine Insel schöner wäre als die andere. Sondern darin, dass jede eine andere Seite Griechenlands zeigt.

Mykonos steht für den Beginn. Sifnos für Kultur und Tradition. Folegandros für Natur und Freiheit.

Zusammen ergeben sie eine Reise, die weit mehr ist als die Summe ihrer Stationen.

Warum nur eine Insel wählen?

Vielleicht liegt genau darin die wahre Magie der Kykladen. Die Inseln waren nie dafür gedacht, isoliert voneinander erlebt zu werden. Das Meer verbindet sie. Die Geschichte verbindet sie. Und die Reisen zwischen ihnen verbinden ihre Geschichten.

Die schönsten Sommer beginnen manchmal mit einem Flug nach Mykonos. Und enden mit drei völlig unterschiedlichen Erinnerungen an Griechenland.

Österreichs Beitrag zur Biennale Venedig 2026 zwischen Performance, Mode und radikaler Körperlichkeit

Wenn die 61. Internationale Kunstausstellung der Biennale von Venedig ihre Tore öffnet, wird der österreichische Pavillon kaum zu übersehen sein. Nicht wegen spektakulärer Architektur oder technologischer Effekte, sondern wegen einer Künstlerin, die den menschlichen Körper seit Jahren zu ihrem zentralen Medium macht: Florentina Holzinger.

Mit SEAWORLD VENICE verwandelt die österreichische Choreografin und Performance-Künstlerin den Pavillon in eine lebendige Installation aus Wasser, Bewegung, Ritual und Transformation. Das Projekt, kuratiert von Nora-Swantje Almes, erstreckt sich über den Pavillon hinaus in die Lagune und die Stadt Venedig selbst. Gezeigt werden eine permanente Live-Installation sowie ortsspezifische Performances, die Holzingers langjährige Auseinandersetzung mit Wasser als Symbol, Lebensraum und politischer Metapher fortführen.

Der Körper als letztes Territorium

Kaum eine Künstlerin hat die Diskussion über den Körper in den vergangenen Jahren so konsequent vorangetrieben wie Florentina Holzinger. Während die Modeindustrie zunehmend über Identität, Gender, Selbstbestimmung und Körperbilder spricht, geht Holzinger einen Schritt weiter. Sie macht den Körper selbst zum Schauplatz dieser Verhandlungen.

Ihre Arbeiten bewegen sich zwischen Tanz, Theater, Stunt-Performance und bildender Kunst. Nacktheit erscheint dabei nie als Provokation um ihrer selbst willen, sondern als Werkzeug, um gesellschaftliche Konventionen sichtbar zu machen. Der Körper wird zur Projektionsfläche für Fragen nach Freiheit, Kontrolle, Verletzlichkeit und Widerstand.

Fashion ohne Kleidung

Dass dieser Beitrag in einer Fashion-Kategorie erscheint, mag auf den ersten Blick überraschen. Doch gerade Florentina Holzinger zeigt, wie sehr sich Mode heute über die Grenzen des Kleidungsstücks hinaus entwickelt hat.

Mode war immer mehr als Stoff. Sie war Inszenierung, Haltung und Ausdruck eines Zeitgeistes. Holzinger entfernt das Kleidungsstück beinahe vollständig und legt damit jene Fragen frei, die auch die interessantesten Designer unserer Zeit beschäftigen: Wer gestaltet den Körper? Wer definiert Schönheit? Welche Bilder von Weiblichkeit und Stärke tragen wir mit uns?

In einer Zeit, in der Labels wie Balenciaga, Rick Owens oder Comme des Garçons den Körper zunehmend als performativen Raum begreifen, wirkt Holzingers Werk fast wie eine radikale Weiterführung dieser Entwicklung. Nicht das Kleid steht im Mittelpunkt, sondern der Mensch selbst.

Wasser als Spiegel unserer Gegenwart

Für SEAWORLD VENICE nutzt Holzinger Wasser als zentrales Element. Die Künstlerin beschreibt es als Symbol für eine Welt im Wandel, in der Natur, Technologie und menschliche Existenz immer stärker miteinander kollidieren. Der österreichische Pavillon wird dabei zu einer hybriden Landschaft zwischen dystopischem Freizeitpark, Forschungsstation und Ritualraum.

Der Titel könnte kaum passender sein. Venedig selbst steht seit Jahrhunderten für die fragile Beziehung zwischen Mensch und Wasser. Die Stadt wird damit nicht nur zum Austragungsort der Arbeit, sondern zu ihrem eigentlichen Mitspieler.

Österreichs mutigste Modegeste

In einer Biennale, die unter dem Motto In Minor Keys nach neuen Formen des Zusammenlebens sucht, erscheint Holzingers Beitrag wie ein radikaler Vorschlag für die Zukunft. Nicht durch Objekte, sondern durch Körper. Nicht durch Repräsentation, sondern durch Erfahrung.

Vielleicht liegt genau darin seine Verbindung zur Mode. Denn die spannendsten Entwicklungen entstehen heute nicht mehr ausschließlich auf Laufstegen. Sie entstehen dort, wo Identität, Körper und Kultur neu verhandelt werden.

Mit SEAWORLD VENICE präsentiert Österreich keinen klassischen Pavillon. Es präsentiert eine Frage: Wie wollen wir als Menschen in Zukunft leben – und welchen Körper bringen wir in diese Zukunft mit?

Wie Kiichiro Asakawa mit außergewöhnlichen Stoffen und japanischer Präzision eine neue Form von Luxus definiert

Während viele Modemarken nach Aufmerksamkeit streben, verfolgt Kiichiro Asakawa einen anderen Weg. Der Gründer des japanischen Labels ssstein hat seine Marke nicht über spektakuläre Inszenierungen aufgebaut, sondern über etwas deutlich Subtileres: Stoffe, Schnitte und die Kunst, Kleidung entstehen zu lassen, die mit jeder Bewegung an Charakter gewinnt.

Monocle bezeichnete Asakawa jüngst als „The rising Japanese fashion designer with a keen eye for fabrics“ – eine treffende Beschreibung für einen Designer, dessen Karriere von einer beinahe obsessiven Liebe zu Materialien geprägt ist.

Vom Vintage-Denim zur eigenen Designsprache

Bevor Kiichiro Asakawa sein Label ssstein gründete, beschäftigte er sich intensiv mit Vintage-Kleidung. Besonders Denim faszinierte ihn. Er zerlegte alte Jeans, analysierte ihre Konstruktion, rekonstruierte einzelne Elemente und verkaufte die Stücke über seinen Multibrand-Store Carol in Tokio.

Diese frühe Auseinandersetzung mit Schnittführung, Stoffen und Verarbeitung prägt seine Arbeit bis heute. Als Asakawa 2016 ssstein ins Leben rief, bestand die Kollektion lediglich aus wenigen Kleidungsstücken. Doch bereits damals war erkennbar, worum es ihm ging: zeitlose Silhouetten, außergewöhnliche Stoffqualitäten und eine Reduktion auf das Wesentliche.

Luxus beginnt beim Material

Im Zentrum von ssstein steht nicht das Logo, sondern die Materialität.

Asakawa arbeitet eng mit japanischen Textilherstellern zusammen, entwickelt Stoffe nach eigenen Vorgaben und produziert konsequent in Japan. Die Beziehung zu den Manufakturen ist für ihn ebenso wichtig wie das fertige Kleidungsstück.

Das Ergebnis ist eine Garderobe, die vertraut wirkt und dennoch anders ist. Klassische Hemden werden großzügiger geschnitten, Strickwaren erhalten neue Proportionen und traditionelle Tailoring-Elemente erscheinen entspannter und zeitgemäßer.

Die aktuelle Kollektion zeigt diesen Ansatz besonders deutlich: Oversized-Hemden aus hochwertiger Baumwolle, leichte Kaschmir-V-Necks mit lockerer Strickstruktur und Sweatpants aus Baumwoll-Kaschmir-Mischungen verbinden Komfort mit handwerklicher Raffinesse.

Die Kraft der Zurückhaltung

In einer Branche, die sich oft über permanente Neuerfindung definiert, verfolgt Asakawa eine bemerkenswert ruhige Haltung.

Statt jede Saison eine neue Geschichte zu erzählen, verfeinert er bestehende Ideen. Seine Kollektionen entwickeln sich evolutionär statt revolutionär. Gerade diese Kontinuität macht den Reiz von ssstein aus.

Es ist Mode für Menschen, die Qualität erkennen, ohne dass sie laut kommuniziert werden muss. Die Eleganz liegt nicht im Spektakel, sondern in den Details – in der Art, wie ein Mantel fällt, wie sich ein Stoff bewegt oder wie ein Pullover über Jahre hinweg seine Form behält.

Der internationale Durchbruch

Lange galt ssstein als Geheimtipp innerhalb der japanischen Modeszene. Das änderte sich 2025, als das Label den Fashion Prize of Tokyo gewann.

Die Auszeichnung brachte Asakawa nach Paris und öffnete die Türen zu einem internationalen Publikum. Einkäufer und Brancheninsider reagierten begeistert auf die präzisen Schnitte, die entspannte Eleganz und die kompromisslose Qualität der Kollektionen.

Heute wird ssstein von rund 140 Händlern weltweit geführt – etwa 50 in Japan und weitere 90 international. Für Asakawa ist dieses Wachstum jedoch kein Selbstzweck.

Vielmehr verfolgt er weiterhin denselben Ansatz wie zu Beginn: bewusst, sorgfältig und in seinem eigenen Tempo.

Eine neue Generation japanischen Luxus

Japanische Mode hat immer wieder Designer hervorgebracht, die den internationalen Diskurs geprägt haben. Während frühere Generationen oft durch radikale Konzepte und avantgardistische Silhouetten auffielen, verkörpert Kiichiro Asakawa eine neue Form von Luxus.

Eine Form, die nicht auf Lautstärke setzt, sondern auf Präzision. Nicht auf Trends, sondern auf Beständigkeit. Nicht auf Aufmerksamkeit, sondern auf Qualität.

Vielleicht ist genau das der Grund, warum ssstein gerade jetzt weltweit Aufmerksamkeit erhält. In einer Zeit permanenter Beschleunigung wirkt Asakawas Mode wie ein Gegenentwurf – ruhig, bewusst und außergewöhnlich gut gemacht.

Weitere Informationen unter ssstein.com

Mit der neuen Polsterkollektion Jazz übersetzt Designer Giuseppe Viganò musikalische Improvisation in eine zeitlose Formensprache für Turri.

Musik war schon immer mehr als Klang. Sie kann Atmosphäre schaffen, Geschichten erzählen und Emotionen transportieren. Genau diesen Gedanken greift der italienische Designer Giuseppe Viganò mit seiner neuen Sofakollektion Jazz für Turri auf. Nach der erfolgreichen Serie Blues erweitert er die musikalische Inspirationswelt nun um eine weitere Designkomposition.

Vorgestellt wurde die Kollektion auf dem Salone del Mobile.Milano 2026. Die Linie umfasst Zwei- und Dreisitzer-Sofas, deren Gestaltung von einer bemerkenswerten Balance geprägt ist: klare Linien, eine leichte visuelle Präsenz und eine handwerkliche Detailtiefe, die typisch für Turri ist. Charakteristisch sind die lederbezogene Basis mit doppelten Ziernähten und feinen Metalleinsätzen sowie die hochwertige Verarbeitung von Leder- oder Stoffbezügen mit ledernen Paspelierungen.

Dabei steht nicht nur die Ästhetik im Mittelpunkt. Großzügige Armlehnen und komfortabel gepolsterte Sitz- und Rückenelemente schaffen einen Ort der Ruhe und des Ankommens. Luxus zeigt sich hier nicht als Inszenierung, sondern als Selbstverständlichkeit.

Zwischen Kunst, Mode und Poesie

Die Handschrift von Giuseppe Viganò entsteht seit Jahren an der Schnittstelle von Design, Kunst und Kultur. Seine Entwürfe greifen immer wieder Impulse aus Malerei, Mode und Poesie auf und übersetzen sie in Möbel mit eigener Identität. Dabei entstehen oft ganze Kollektionen aus der Auseinandersetzung mit neuen Materialien oder ungewöhnlichen gestalterischen Ansätzen.

Mit Studio Viganò arbeitet der Designer international für renommierte Marken der Möbelbranche und verbindet industrielle Präzision mit kreativer Experimentierfreude. Zu seinen langjährigen Partnern zählen unter anderem Poliform, Arflex, Bonaldo, Visionnaire, Lema, Minotti und Porada.

Die Leichtigkeit des Jazz

Wie die Musik, nach der sie benannt ist, lebt die Kollektion Jazz von Harmonie und Freiheit zugleich. Sie verbindet die handwerkliche Tradition des italienischen Möbeldesigns mit einer zeitgenössischen Eleganz, die sich selbstverständlich in internationale Wohnwelten einfügt.

Ein Sofa als stille Komposition – geprägt von Komfort, Materialität und dem Rhythmus guter Gestaltung.

Wie das Palais Chotek ein Wiener Palais des 19. Jahrhunderts in die Gegenwart übersetzt

Hinter den Mauern eines sorgfältig restaurierten Palais im neunten Bezirk entsteht ein neues Stück Stadt. Mit versteckten Gärten, einer Bar als neuer Treffpunkt für das Grätzl und Räumen, die sich mit historischer und zeitgenössischer Eleganz präsentieren, zeigt das Palais Chotek, wie ein Wiener Haus des 19. Jahrhunderts im 21. Jahrhundert ankommen kann.

Wien liebt seine Palais. Aber Wien weiß auch, wie schwierig sie sein können. Zu groß für die Gegenwart, zu kostbar für den Abriss und oft gefangen zwischen Denkmalschutz, Nostalgie und dem Wunsch nach einem zweiten Leben.

Im neunten Bezirk hat eines dieser Häuser nun genau das bekommen.

Wer durch das Tor des Palais Chotek tritt, lässt den Verkehr der Währinger Straße überraschend schnell hinter sich. Ein paar Schritte genügen und die Stadt verliert ihre Geschäftigkeit. Es raschelt, irgendwo bewegt sich ein Ast im Wind, Türen stehen offen zu kleinen Höfen, Terrassen und begrünten Winkeln.

Das neue Hotel ist das Ergebnis einer Restaurierung, die mit bemerkenswerter Geduld betrieben wurde. Man begegnet dem Gebäude nicht mit dem Ehrgeiz, ihm eine neue Identität aufzuzwingen, stattdessen wurde freigelegt, repariert, ergänzt und weitergebaut.

Alte Türen tragen ihre Geschichte sichtbar weiter, historische Details wurden bewahrt, während neue Elemente selbstverständlich ihren Platz gefunden haben. Hinter dieser Achtsamkeit steckt eine österreichische Eigentümerfamilie, die dem Haus Zeit gegeben hat. Das spürt man in den Proportionen, in den Materialien und in den vielen Entscheidungen, die sich nicht sofort rechnen müssen, aber lange Freude machen.

Das Palais als Stadtoase

Zwischen den Gebäudeteilen öffnen sich Gärten unterschiedlicher Größe. Die Gestaltung spielt mit historischen Motiven, barocke Anklänge tauchen auf, verschwinden wieder, Wege und Pflanzungen zitieren die große Wiener Gartenkultur mit leichter Hand.

Man erkennt Anspielungen auf Schönbrunn, schließlich ist man ja in Wien. Da macht es Sinn, dass das Palais weniger für den schnellen Aufenthalt konzipiert zu sein scheint als für jene angenehme Form des Verweilens, die Wien seit jeher kultiviert.

Das zeigt sich besonders auf der Beletage. Hier wird gefrühstückt und gebruncht, gelesen und beobachtet. Unterschiedliche Tapeten setzen eigene Stimmungen, Farben verändern die Atmosphäre von Salon zu Salon. Dazwischen stehen Thonet-Stühle, gemütliche Sitznischen, darüber historische Stuckaturen.

Holzarbeiten, Stoffe und Oberflächen, Luster und Möbel verstehen sich gut, ob historisch oder zeitgenössisch. Das Alte wird nicht ausgestellt, das Neue nicht demonstriert. Beides existiert nebeneinander, ohne viel Aufhebens darum zu machen.

Räume der Ruhe

Auch in den Zimmern setzt sich diese Idee fort. Statt historisches Dekor zu inszenieren, arbeitet das Palais Chotek mit einer ruhigeren Form von Eleganz.

Fischgrätparkett, warme Sandtöne, Messingdetails, Marmor und die charakteristischen Grüntöne des Hauses schaffen Räume, die Gelassenheit ausstrahlen. Viele Zimmer blicken in die begrünten Innenhöfe, einige verfügen über eigene Garten- oder Dachterrassen.

Besonders angenehm ist dabei die Atmosphäre: viel Licht, großzügige Proportionen und eine wohltuende Ruhe, die man mitten in der Stadt nicht unbedingt erwartet. Die Zimmer verstehen sich nicht als Schaubühnen für Design, obwohl sie das durchaus leisten können, sondern als Rückzugsorte.

Treffpunkt der Nachbarschaft

Im Erdgeschoss, in der Bar „Sophie“, werden ausgezeichnete Cocktails serviert. Statt eines Restaurants gibt es hier eine kleine, aber feine Speisenauswahl.

Der Name klingt nach Wiener Grande Dame, die Stimmung ist entspannt und lädt dazu ein, den Blick schweifen zu lassen. Die Bar ist wie eine Guckkastenbühne angelegt, allerdings kann man dem „Spektakel“ von zwei Seiten folgen.

Hotelgäste treffen auf Menschen aus der Nachbarschaft, jemand kommt auf einen schnellen Aperitif vorbei und bleibt bis zum Dessert.

Darin könnte auch der Reiz des Palais Chotek liegen. Es möchte auch Teil seines Viertels sein. Für Nachbarn, Freunde, Geschäftsleute, Flaneure und jene Wiener, die immer auf der Suche nach einem neuen Lieblingsplatz sind.

Als hätte dieses Haus nur darauf gewartet, wieder das zu werden, was gute Wiener Häuser immer waren: Orte der Begegnung.

Was passiert, wenn moderne Neurowissenschaft auf Spiritualität trifft? In der aktuellen Episode des Podcasts Know Thyself spricht die Neurowissenschaftlerin Emily McDonald mit Gastgeber André Duqum über Neuroplastizität, Identität, Intuition und die Frage, warum so viele Menschen sich in ihrem Leben festgefahren fühlen.

McDonald gehört zu einer neuen Generation von Wissenschaftskommunikatorinnen, die komplexe Erkenntnisse aus der Hirnforschung verständlich machen und sie mit Themen wie persönlicher Entwicklung, Bewusstsein und Selbstwirksamkeit verbinden. Im Zentrum des Gesprächs steht die Idee, dass unser Gehirn nicht statisch ist, sondern sich durch Erfahrungen, Aufmerksamkeit und bewusst gewählte Verhaltensweisen ständig verändert.

Besonders spannend ist ihr Ansatz, Identität nicht als Ergebnis von Erfolg zu betrachten, sondern als dessen Ausgangspunkt. Wer ein bestimmtes Leben führen möchte, sollte beginnen, wie die Person zu denken und zu handeln, die dieses Leben bereits lebt. Aus neurowissenschaftlicher Sicht entstehen dadurch neue neuronale Muster, die zukünftiges Verhalten beeinflussen können.

Ein weiterer Schwerpunkt der Episode ist die Rolle des Nervensystems. McDonald erklärt, wie Stress, Angst und übermäßige Reizüberflutung unsere Wahrnehmung prägen und weshalb die Regulation des Nervensystems entscheidend für Klarheit, Kreativität und Intuition sein kann. Themen wie der Vagusnerv, Selbstwahrnehmung und emotionale Resilienz werden dabei aus einer Perspektive beleuchtet, die Wissenschaft und persönliche Erfahrung miteinander verbindet.

Für Leserinnen und Leser der THE Stylemate ist dieses Gespräch vor allem deshalb interessant, weil es eine zentrale Frage unserer Zeit berührt: Wie können wir in einer Welt permanenter Ablenkung wieder Zugang zu unserer inneren Orientierung finden? McDonald liefert keine einfachen Antworten, sondern Denkanstöße – und erinnert daran, dass Veränderung oft mit der Entscheidung beginnt, eine neue Geschichte über sich selbst zu erzählen.

Der Podcast Know Thyself versteht sich als Plattform für Gespräche über Bewusstsein, persönliche Entwicklung und die großen Fragen menschlicher Existenz. Gastgeber André Duqum bringt dafür Wissenschaftler, spirituelle Lehrer und kreative Denker zusammen und schafft einen Raum, in dem unterschiedliche Perspektiven aufeinandertreffen.

Zwischen Tradition und Zukunft: Warum Südkorea zu den faszinierendsten Reisezielen unserer Zeit gehört

Es gibt Orte, die man besucht. Und es gibt Orte, die einen verändern. Südkorea gehört zweifellos zur zweiten Kategorie. Zwischen jahrhundertealten Tempeln, futuristischer Architektur, innovativer Kulinarik und einer Kreativszene, die die Welt prägt, erzählt das Land eine Geschichte von Transformation. Eine Geschichte, die weit über K-Pop, Beauty-Trends oder Design hinausgeht.

Wer heute auf dem Flughafen von Seoul landet, betritt eines der innovativsten Länder der Welt.

Eine Nation mit Hochgeschwindigkeitszügen, digitaler Infrastruktur und globalen Kulturmarken. Ein Land, dessen Musik Stadien auf allen Kontinenten füllt, dessen Filme Oscars gewinnen und dessen Kosmetikindustrie Trends setzt.

Was leicht vergessen wird: Noch vor wenigen Jahrzehnten war Südkorea eines der ärmsten Länder der Welt.

Nach dem Koreakrieg lag das Land weitgehend in Trümmern. Die wirtschaftlichen Perspektiven waren begrenzt, die Infrastruktur zerstört. Kaum jemand hätte damals vorhergesagt, dass ausgerechnet Südkorea zu einer der kulturellen und wirtschaftlichen Erfolgsgeschichten des 21. Jahrhunderts werden würde.

Heute spricht man vom „Miracle on the Han River“ – dem Wunder am Han-Fluss.

Doch vielleicht liegt die wahre Leistung nicht allein im wirtschaftlichen Aufstieg.

Sondern darin, dass Südkorea seine kulturelle Identität nie verloren hat.

Seoul – wo Vergangenheit und Zukunft denselben Rhythmus teilen

Seoul ist keine Stadt, die sich sofort erschließt.

Sie entfaltet sich langsam.

In den frühen Morgenstunden vor dem Gyeongbokgung-Palast. Zwischen den traditionellen Hanok-Häusern von Bukchon. In den stillen Innenhöfen buddhistischer Tempel.

Und gleichzeitig in den futuristischen Kurven des Dongdaemun Design Plaza, den digitalen Fassaden von Gangnam oder den kreativen Vierteln von Seongsu-dong.

Vielleicht liegt genau darin die Magie dieser Metropole.

Hier existieren mehrere Zeitebenen gleichzeitig.

Tradition wird nicht konserviert, sondern weiterentwickelt.

Modernität wird nicht als Bruch verstanden, sondern als Fortsetzung.

Must See in Seoul

Bukchon Hanok Village
Traditionelle koreanische Architektur zwischen engen Gassen und kleinen Innenhöfen.

Gyeongbokgung Palace
Der bedeutendste Königspalast Koreas und ein eindrucksvoller Einstieg in die Geschichte des Landes.

Dongdaemun Design Plaza (DDP)
Die ikonische Architektur von Zaha Hadid gilt als Symbol des kreativen Seoul.

Seongsu-dong
Ehemaliges Industrieviertel, heute Heimat unabhängiger Designer, Concept Stores und innovativer Cafés.

Leeum Museum of Art
Eine außergewöhnliche Verbindung aus traditioneller koreanischer Kunst und zeitgenössischen Positionen.

Wo man in Korea übernachtet

Die Hotelwelt Koreas spiegelt die Vielfalt des Landes wider.

Josun Palace Seoul

Zeitgenössischer Luxus mit spektakulärem Blick über die Skyline von Gangnam. Elegant, zurückhaltend und tief in der koreanischen Gastfreundschaft verwurzelt.

RYSE Hotel Seoul

Im kreativen Viertel Hongdae gelegen. Kunst, Design und urbane Kultur verschmelzen hier zu einem modernen Lifestyle-Hotel.

Rakkojae Seoul

Wer Korea verstehen möchte, sollte zumindest eine Nacht in einem traditionellen Hanok verbringen. Rakkojae zählt zu den schönsten Adressen des Landes.

Signiel Seoul

Untergebracht im Lotte World Tower. Moderne koreanische Luxushotellerie in ihrer vielleicht spektakulärsten Form.

Parnas Hotel Jeju

Auf Jeju Island verbindet sich Natur mit entspanntem Luxus und dem Gefühl, weit entfernt vom Tempo der Großstadt zu sein.

K-Beauty – Schönheit als Ritual

Kaum ein kultureller Export hat die Welt in den vergangenen Jahren so nachhaltig beeinflusst wie K-Beauty.

Doch hinter den innovativen Produkten verbirgt sich eine Philosophie, die weit über Kosmetik hinausgeht.

Schönheit wird in Korea nicht als Korrektur verstanden.

Sie beginnt mit Aufmerksamkeit.

Mit Zeit.

Mit Pflege.

Die tägliche Hautpflege ist weniger Routine als Ritual.

Dieser Gedanke zieht sich durch viele Bereiche des koreanischen Lebens: Qualität entsteht durch Kontinuität.

Wer tiefer eintauchen möchte, sollte durch die Beauty-Distrikte von Myeong-dong spazieren oder die Flagship Stores koreanischer Marken besuchen.

K-Pop und die kreative Explosion

Was einst als regionale Musikszene begann, hat sich zu einem globalen Kulturphänomen entwickelt.

K-Pop prägt heute nicht nur Musik, sondern auch Mode, Design, Social Media und visuelle Kommunikation.

Interessanter als die Musik selbst ist jedoch, was sie über Korea erzählt.

Disziplin und Kreativität.

Perfektion und Emotion.

Tradition und Innovation.

Werte, die sich auch in Architektur, Design und Unternehmenskultur des Landes wiederfinden.

Korean Cinema – Die neue Filmsprache der Welt

Mit Filmen wie „Parasite“ und Serien wie „Squid Game“ hat Südkorea endgültig seinen Platz auf der globalen Kulturkarte eingenommen.

Dabei beeindruckt weniger der kommerzielle Erfolg als die erzählerische Qualität.

Koreanische Filme verbinden gesellschaftliche Themen mit visueller Präzision und emotionaler Tiefe.

Wer Korea bereist, sollte daher auch einen Blick in die unabhängigen Kinos Seouls werfen oder – wenn möglich – das Busan International Film Festival besuchen, das als wichtigstes Filmfestival Asiens gilt.

K-Food – Die Kultur der Fermentation

Die koreanische Küche erlebt aktuell einen ähnlichen Moment, wie ihn die nordische Gastronomie vor einigen Jahren erfahren hat.

Internationale Spitzenköche interessieren sich zunehmend für koreanische Fermentationstechniken, regionale Zutaten und traditionelle Herstellungsverfahren.

Kimchi ist dabei nur der Anfang.

Die eigentliche Entdeckung liegt in den vielen Facetten koreanischer Esskultur.

Von kleinen Straßenständen über traditionelle Tempelküche bis hin zu einigen der spannendsten Fine-Dining-Restaurants Asiens.

Wer Seoul besucht, sollte sich Zeit nehmen.

Nicht nur zum Essen.

Sondern zum Verstehen.

Denn in kaum einer anderen Küche spiegeln sich Geschichte, Landschaft und Kultur so unmittelbar wider.

Jeju Island – Koreas stille Seite

Während Seoul für Dynamik steht, erzählt Jeju eine andere Geschichte.

Vulkanlandschaften, Küstenpfade, Teeplantagen und eine Atmosphäre, die an manchen Stellen eher an Hawaii oder die Azoren erinnert als an Ostasien.

Viele Koreaner reisen hierher, um Abstand vom urbanen Alltag zu gewinnen.

Für Besucher eröffnet sich eine Seite des Landes, die überraschend ruhig, ursprünglich und entschleunigt wirkt.

Warum Korea gerade jetzt relevant ist

Südkorea ist mehr als ein Trend.

Mehr als K-Pop.

Mehr als Hautpflege.

Mehr als Technologie.

Das Land zeigt, wie sich kulturelle Identität und Fortschritt gegenseitig stärken können.

Wie Tradition Inspiration für Innovation werden kann.

Und wie aus den Herausforderungen der Vergangenheit eine kreative Kraft entsteht, die heute Menschen auf der ganzen Welt beeinflusst.

Vielleicht ist genau das die eigentliche Faszination Koreas.

Nicht die Geschwindigkeit seines Aufstiegs.

Sondern die Art und Weise, wie es gelungen ist, dabei seine eigene Geschichte weiterzuerzählen.