Die australische Tanzkompanie Chunky Move lässt die Grenzen zwischen Mensch und Maschine verschwimmen – und erkundet durch Bewegung das Verhältnis von Spiritualität und Technologie.

Wie könnte Spiritualität in einem postindustriellen, digitalen Zeitalter aussehen? Mit ihrer Produktion U>N>I>T>E>D widmet sich die experimentelle australische Tanzkompanie Chunky Move dem Gedanken einer „Maschinenmystik“. Die filmische Umsetzung führt die Auseinandersetzung des künstlerischen Leiters Antony Hamilton mit möglichen Zukünften weiter.

Sechs Tänzerinnen und Tänzer tragen Exoskelette, entwickelt von den Animatronik-Spezialisten Creature Technology Co., und verwandeln sich in cyborgartige Wesen. Tanz, javanische elektronische Musik und mechanische Bewegungen eröffnen einen Raum, in dem das Zusammenspiel von menschlichem Körper und Technologie untersucht wird.

Für den Kurzfilm U>N>I>T>E>D übersetzt die in China geborene französische Filmemacherin Sylvia Suli die Performance und ihre zugrunde liegenden Gedanken in eine markante, futuristische Bildsprache. Technologie und Mythologie, das Uralte und das Zeitgenössische finden darin zusammen.

Über NOWNESS
NOWNESS ist eine globale Videoplattform für Kunst, Design, Mode, Musik, Kultur und Reisen. Gemeinsam mit etablierten und aufstrebenden Filmschaffenden erzählt sie Geschichten, die neue Perspektiven eröffnen und Menschen, Ideen und kreative Ausdrucksformen sichtbar machen.

Shanghai weiß sowohl mit seinen historischen Gassen als auch mit einer futuristischen Skyline zu bestechen. Mit der Jia Art Gallery zeigen Foster + Partners hier nun ein neues architektonisches Highlight, das selbst zum eindrucksvollen Kunstwerk wird.

Shanghai ist neben Seoul und Tokio die wohl am meisten gehypte Großstadt Ostasiens – auf Instagram-For-You-Pages und darüber hinaus. Nicht zuletzt wegen ihrer aufstrebenden Kreativszene, die sowohl Mode, Kunst, Kultur als auch Architektur in ein völlig neues Scheinwerferlicht stellt.

Shanghai ist eine Stadt der Gegensätze: Die Stadt lebt von der Dualität historischer Ecken und Bauten einerseits und einer hoch modernen Skyline andererseits. Wer gerne bummelt und sich einen guten Kaffee to go mitnehmen möchte, ist hier allemal an der richtigen Stelle. Somit ist Shanghai auch eine Stadt, die auch unter westlichen Besuchern immer beliebter wird. Zudem scheint die Metropole auch vom politischen Trubel Chinas unberührt zu sein. Vielmehr lädt sie dazu ein, dem Trubel der Stadt zu folgen, sich treiben zu lassen – und die so gegensätzliche Architektur zwischen Tradition und Moderne zu bewundern. 

Für Kunst und Kultur

Eine der neuen architektonischen Highlights ist die Jia Art Gallery. Versteckt innerhalb eines kleinen, unscheinbaren Bezirks namens Putuo im nordwestlichen Zentrum der Großstadt, realisieren Foster + Partners damit ein Projekt, das das ganz besondere Flair des Ortes einfängt und neben der ausgestellten Kunst im Inneren ein ganz eigenes Kunstwerk zu sein scheint.

Putuo hat sich in der Vergangenheit als Industrie- und Arbeiterbezirk etabliert, zeigt sich heute jedoch stark gentrifiziert und als bunter Stadtteil mit vielfältigen kulturellen und innovativen Einflüssen. Die Gestaltung der Galerie ist Teil des Changfeng-Stadtteilprojekts, das ebenfalls von den Architekten konzipiert wurde. Dieses wiederum gehört zum Shanghai 2035 Masterplan, der ein lebendiges Viertel mit gemischter Nutzung, einer optimierten Vernetzung und hoher Lebensqualität für dessen Bewohner vorsieht. Im Zentrum soll Jia Art stehen und auf rund 5.000 Quadratmetern genügend Raum für Ausstellungen sowie Events und Bildungseinrichtungen bieten. 

„Jia Art ist ein Projekt, das verdeutlicht, wie wichtig es ist, Kunst und Kultur in unsere Städte zu integrieren“, so Gerard Evenden, Head of Studio bei Foster + Partners. Kein Wunder also, dass sich die Architekten hierfür auch gestalterisch so richtig ausgetobt haben. Entstanden ist ein Ort, der sowohl die umliegende Natur aufgreift als auch Menschen zusammenbringt und der Kunst einen eigenen Raum schafft. Dafür blickten sie in den nahegelegenen Changfeng-Park.

Wahrlich blumig

Dieser liegt ebenfalls im Putuo-Distrikt. Hier ist nicht nur eine klassische chinesische Gartenlandschaft angelegt, sondern auch ein kleinerer See namens Yinchu Lake. Die Anlage wurde größtenteils künstlich erschaffen und orientiert sich in ihrer Ausrichtung am Sommerpalast in Beijing, wobei auch die Gartenkunst an die beiden Großstädte Hangzhou und Suzhou erinnern soll. Hier blühen die verschiedensten Blumen, wie etwa Pfingstrosen, Magnolien und Kirschblüten. Von ihnen holten sich die  Architekten die Inspiration für ihr Projekt, das sich an der Besonderheit dieser Blumen orientiert und sie in ein komplexes architektonisches Gesamtwerk übersetzt.

Konkret zeigt sich das an der imitierten vierblättrigen blütenförmigen Form der Galerie, die an eine fein geschliffene Skulptur erinnert. „Mit seiner unverwechselbaren Form, der dynamischen Fassade und den lichtdurchfluteten Galerieräumen bereichert das Gebäude das Stadtviertel und stärkt den Gemeinschaftsgeist des Bauprojekts“, sagt Evenden.

Licht sei Dank

Das Gebäude ist zweigeteilt in den Nord- und Südbau. Nördlich gelegen befinden sich alle Hauptausstellungsräume, südlich hingegen zusätzliche Ausstellungsflächen, Räumlichkeiten für Vorträge sowie ein Gastronomiebereich. Beide Bereiche sind über ein doppelstöckiges Atrium miteinander verbunden und erhalten dank der gläsernen Fassade zusätzliches natürliches Licht. Generell legten Foster + Partners den Fokus auf natürlichen Lichteinfall und integrierten zahlreiche Fenster in die Entwürfe, die Jia Art zu einem lichtdurchfluteten, warmen Ort machen. Auch das Dach besteht aus Glas und reduziert dadurch die Notwendigkeit von künstlicher Beleuchtung in den Ausstellungsräumen.

Die Fassade wiederum besteht aus veredelten Edelstahlpaneelen, die entsprechend der extravaganten Blütenform gebogen sind. Ihre Textur erinnert an ein geripptes Muster und ist zudem verspiegelt. Nachts können die einzelnen Paneele sogar beleuchtet werden. Somit strahlt die Galerie auch im Dunkeln. Besucher und zukünftige Bewohner können die Jia Art Galerie jederzeit bestaunen und dank dieser besonderen Beleuchtung keineswegs übersehen.

Text: Katarina Andraschko
Bilder: Foster + Partners

3. Juli 2026

Eine Hommage an das Reisen – nicht an das Ankommen

In einer Zeit, in der Geschwindigkeit oft wichtiger erscheint als der Weg selbst, erinnert Louis Vuitton daran, dass wahre Luxusreisen immer eine Frage der Erfahrung waren. Mit der Louis Vuitton Dolomites Classic Run 2026 kehrt eines der ikonischsten Events des Hauses zurück – und verbindet historische Automobile, spektakuläre Landschaften, Kultur und Handwerkskunst zu einer Reise, die weit über eine klassische Rallye hinausgeht.

Vom 1. bis 4. September 2026 führt die Route von Venedig durch die Dolomiten bis nach Monza und erzählt dabei jene Geschichte, die Louis Vuitton seit seiner Gründung begleitet: die Art of Travel.

Die Rückkehr einer legendären Tradition

Bereits seit 1993 veranstaltet Louis Vuitton seine legendären Classic Runs. Ob durch den malaysischen Dschungel, die Weinlandschaften der Toskana, Chinas Bergregionen oder die historischen Wälder Böhmens – stets stand nicht der Wettbewerb im Mittelpunkt, sondern das Reisen selbst.

Nach dem letzten Serenissima Run im Jahr 2012 feiert das Format nun seine Rückkehr. Passend dazu beginnt die neue Ausgabe erneut in Venedig – genau dort, wo die damalige Reise endete.

600 Kilometer durch eines der schönsten Gebirge Europas

Die Teilnehmer steuern außergewöhnliche historische Automobile aus bedeutenden internationalen Sammlungen über rund 600 Kilometer durch die spektakuläre Landschaft der Dolomiten. Die UNESCO-Welterberegion wird dabei zur Bühne einer Route, die kurvenreiche Alpenpässe, historische Villen und eindrucksvolle Panoramen miteinander verbindet.

Startpunkt der eigentlichen Ausfahrt ist die prachtvolle Villa Pisani an der Riviera del Brenta. Von dort führt die Strecke durch einige der eindrucksvollsten Landschaften Norditaliens bis zum legendären Autodromo Nazionale di Monza, wo die Fahrzeuge im Rahmen des Formel-1-Wochenendes des Gran Premio d’Italia präsentiert werden.

Automobile Kultur trifft kulturelles Erbe

Bemerkenswert ist, dass Louis Vuitton die Veranstaltung weit über den Motorsport hinaus denkt. Die Maison arbeitet mit bedeutenden italienischen Kulturinstitutionen wie der Villa Pisani, dem Castello Sforzesco in Mailand oder den Musei Civici di Venezia zusammen und unterstreicht damit ihr langjähriges Engagement für den Erhalt kulturellen Erbes.

Auch das Finale steht ganz im Zeichen dieser Verbindung von Design, Geschichte und Handwerkskunst. Die Preisverleihung findet im Castello Sforzesco statt. Die Trophäe wurde eigens von Designerin Sabine Marcelis entworfen und gemeinsam mit der traditionsreichen Glasmanufaktur Venini gefertigt. Transportiert wird sie – selbstverständlich – in einem maßgefertigten Louis Vuitton Trophy Trunk.

Warum Louis Vuitton überhaupt eine Automobilgeschichte erzählt

Schon lange bevor Automobile zum Symbol moderner Mobilität wurden, entwickelte Georges Vuitton Ende des 19. Jahrhunderts Koffer speziell für das Reisen mit dem Auto. Flache Koffer ersetzten die schweren Runddeckel-Truhen der Kutschen, später entstanden sogar eigens entwickelte Gepäckstücke für Reserveräder.

Die Verbindung zwischen Louis Vuitton und der Automobilwelt ist deshalb keine neue Marketingidee, sondern Teil der eigenen Unternehmensgeschichte. Die Dolomites Classic Run macht dieses Erbe auf eindrucksvolle Weise wieder sichtbar.

Mehr als eine Rallye

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Stärke dieser Veranstaltung.

Während viele Oldtimer-Events Geschwindigkeit oder Exklusivität feiern, erzählt Louis Vuitton eine andere Geschichte. Eine Geschichte über Neugier, Entdeckung und die Freude am Unterwegssein. Über Landschaften, Architektur, Kultur und Menschen. Über Reisen als kulturelle Erfahrung.

Gerade in einer Zeit, in der Reisen häufig zur Checkliste geworden ist, wirkt die Louis Vuitton Dolomites Classic Run fast wie ein Manifest für entschleunigten Luxus – und erinnert daran, dass die schönsten Reisen oft jene sind, bei denen nicht das Ziel im Mittelpunkt steht, sondern der Weg dorthin.

Wie Architektur den Einzelhandel in eine kulturelle Erfahrung verwandelt

Shopping galt lange als rein funktionaler Vorgang. Heute entstehen an den bedeutendsten Einkaufsadressen der Welt Räume, die weit mehr sein wollen als Verkaufsflächen. Sie verbinden Architektur, Kunst, Handwerk und Markenidentität zu kulturellen Erlebnissen, die Städte prägen und Besucher inspirieren.

Genau diese Entwicklung würdigt der Prix Versailles mit seiner Liste der World’s Most Beautiful Emporiums 2026. Sieben außergewöhnliche Flagship Stores aus Asien, Europa und den USA zeigen, wie Retail zum kulturellen Raum werden kann – und weshalb der stationäre Handel gerade im digitalen Zeitalter eine neue Bedeutung gewinnt.

Wenn Marken Architektur erzählen

Seit seiner Gründung untersucht der Prix Versailles die Schnittstelle zwischen Architektur, Kultur, Nachhaltigkeit und Wirtschaft. Gerade Flagship Stores übernehmen dabei zunehmend eine Rolle, die früher Museen oder Galerien vorbehalten war: Sie erzählen Geschichten, vermitteln Werte und schaffen Orte, an denen Menschen Marken physisch erleben können.

Statt standardisierter Verkaufsflächen entstehen Gebäude, die selbst zu Sehenswürdigkeiten werden. Architektur wird dabei nicht zum Selbstzweck, sondern zum Ausdruck der Identität einer Marke.

Sieben Stores, sieben völlig unterschiedliche Welten

Die diesjährige Auswahl führt einmal um den Globus.

In Peking interpretiert Christian de Portzamparc das Haus Dior als skulpturales Gebäude, dessen Fassade von den Stoffbahnen inspiriert ist, mit denen Christian Dior einst seine Entwürfe entwickelte.

In Paris beweist RH Champs-Élysées gemeinsam mit Foster + Partners, dass Möbelhandel ebenso spektakulär inszeniert werden kann wie Kunst. Bibliothek, Restaurant, Dachterrasse und Galerie verschmelzen zu einem hybriden Kulturort.

Ebenfalls in Paris schafft Saint Laurent Montaigne unter der kreativen Leitung von Anthony Vaccarello einen Ort zwischen historischer Architektur, Sammlerkultur und zeitgenössischer Kunst.

Im Tokioter Stadtteil Ginza verbindet Tiffany & Co. japanische Gestaltung mit fast zweihundert Jahren Markengeschichte. Die wellenförmige Glasfassade und das lichtdurchflutete Innere machen das Gebäude selbst zum Schmuckstück.

Im Miami Design District übersetzt Cartier tropische Landschaften in Architektur. Organische Formen, sanfte Farben und eine skulpturale Glasfassade schaffen eine beinahe traumartige Atmosphäre.

In Beverly Hills setzt Dior auf Gärten, Licht und Offenheit. Der Flagship Store wirkt eher wie ein Museum als ein klassisches Luxusgeschäft.

Und in New York verbindet Issey Miyake japanischen Minimalismus mit der historischen Architektur des New York Life Buildings. Der Store wird durch eine Galerie ergänzt, die künftig wechselnde Ausstellungen präsentieren wird und damit den kulturellen Anspruch der Marke unterstreicht.

Der Store als kulturelle Destination

Auffällig ist, dass kaum eines der ausgezeichneten Projekte ausschließlich dem Verkauf dient.

Bibliotheken, Restaurants, Galerien, Kunstinstallationen, Dachterrassen oder öffentliche Aufenthaltsbereiche erweitern den klassischen Retail-Gedanken. Einkaufen wird zur Erfahrung, Architektur zum Medium und der Besuch selbst zum eigentlichen Ereignis.

Damit reagieren Luxusmarken auf eine Entwicklung, die weit über den Handel hinausgeht: Produkte lassen sich heute nahezu überall kaufen. Ein einzigartiges Erlebnis hingegen entsteht nur an einem Ort.

Architektur als emotionales Markenerlebnis

Die Auswahl des Prix Versailles zeigt eindrucksvoll, wie sich Luxus verändert. Exklusivität entsteht längst nicht mehr allein über Produkte, sondern über Atmosphäre, kulturelle Relevanz und architektonische Qualität.

Die schönsten Flagship Stores der Welt verkaufen deshalb weit mehr als Mode, Schmuck oder Möbel. Sie inszenieren Identität, schaffen Inspiration und machen Architektur selbst zum Erlebnis.

Wie der Prix Versailles Architektur zur neuen Sprache der Gastlichkeit macht

Restaurants sind längst mehr als Orte zum Essen geworden.
Sie sind Bühnen für Atmosphäre, Architektur, Erinnerung und kulturelle Identität.

Mit der Veröffentlichung der „World’s Most Beautiful Restaurants List 2026“ richtet der Prix Versailles den Blick erneut auf jene Räume, in denen Gastlichkeit weit über Kulinarik hinausgeht. Die diesjährige Auswahl vereint sechzehn Restaurants aus aller Welt, die zeigen, wie Design, Architektur und emotionale Erfahrung zu einer neuen Form von Hospitality verschmelzen.

Von Dubai bis Kapstadt, von Helsinki bis Hongkong entsteht dabei ein Bild zeitgenössischer Gastlichkeit, das weniger von Luxus im klassischen Sinn erzählt als von Atmosphäre, kultureller Tiefe und räumlicher Inszenierung.

Was ist der Prix Versailles?

Der 2015 gegründete und von der UNESCO unterstützte Prix Versailles zählt heute zu den bedeutendsten internationalen Architektur- und Designpreisen im Bereich Hospitality und kultureller Räume.

Im Gegensatz zu klassischen Restaurant- oder Hotelrankings bewertet der Preis nicht allein Kulinarik oder Luxus, sondern die Verbindung aus Architektur, intelligenter Nachhaltigkeit, kultureller Relevanz und menschlicher Erfahrung. Ausgezeichnet werden Projekte, die Räume schaffen, die emotional wirken und zugleich Ausdruck ihrer Umgebung sind.

Gerade deshalb gilt der Prix Versailles mittlerweile als wichtiger Seismograf für die Zukunft von Hospitality Design.

The World’s Most Beautiful Restaurants 2026

Nobu One Za’abeel — Dubai, Vereinigte Arabische Emirate

Hundert Meter über Dubai schwebt Nobu One Za’abeel wie eine architektonische Brücke zwischen Kulturen.

Im spektakulären Sky Concourse des One Za’abeel verbinden sich Chef Nobu Matsuhisas japanisch-südamerikanische Einflüsse mit monumentaler Architektur, dramatischem Licht und einem Blick über die Skyline der Stadt.

Das Restaurant wirkt wie eine urbane Bühne zwischen Himmel, Kulinarik und Nachtleben.

Le Fou — Wien, Österreich

Le Fou übersetzt die sinnliche Atmosphäre der Pariser Nacht in einen zeitgenössischen Wiener Kontext.

Seide, Mohair-Samt, Naturstein und patinierte Metalloberflächen schaffen Räume, die weniger gestaltet als emotional komponiert wirken. Warme Terrakotta-Töne, gedämpftes Licht und intime Nischen verleihen dem Ort eine fast filmische Qualität.

Luxus zeigt sich hier nicht durch Perfektion, sondern durch Atmosphäre.

Monti — Gstaad, Schweiz

Mit Blick auf die alpine Landschaft interpretiert Monti traditionelle Bergarchitektur auf zeitgenössische Weise neu.

Warme Hölzer, gewebte Bronzeelemente und italienisch inspirierte Eleganz schaffen einen Ort, der zugleich lokal verwurzelt und international wirkt.

Die Atmosphäre bleibt intim, ohne ihre architektonische Klarheit zu verlieren.

Akira Back — Hong Kong, China

Im von Zaha Hadid Architects entworfenen Hochhaus The Henderson entsteht mit Akira Back eine multisensorische Komposition aus Design, Licht und Kulinarik.

Runde Formen, skulpturale Decken und sorgfältig inszenierte Lichtstimmungen spiegeln die Dynamik Hongkongs wider.

Das Restaurant wirkt gleichzeitig futuristisch und warm.

Hana no Kumo — Hong Kong, China

Hana no Kumo reduziert Gastlichkeit auf ihre essenziellsten Elemente: Ruhe, Handwerk und Konzentration.

Mit nur 24 Sitzplätzen erinnert das Restaurant an eine moderne japanische Berghütte. Holz, Washi-Papier und sakura-inspirierte Lichtobjekte erzeugen eine fast meditative Atmosphäre.

Jedes Detail scheint bewusst gesetzt zu sein.

Monsieur Dior by Anne-Sophie Pic — Peking, China

Im House of Dior in Peking verschmelzen Haute Couture, Architektur und Fine Dining zu einer poetischen Erzählung.

Fotografien ikonischer Dior-Silhouetten, Kunstwerke des chinesischen Künstlers Hong Hao und die kulinarische Handschrift von Anne-Sophie Pic schaffen einen Raum zwischen Frankreich und China.

Kulinarik wird hier zur Form von kultureller Couture

Peridot — Hong Kong, China

Peridot gleicht einer futuristischen Traumlandschaft.

Mehr als 20.000 handgefertigte Lichtobjekte, spiegelnde Oberflächen und tiefgrüne Farbtöne verwandeln die Cocktailbar in eine immersive Installation zwischen Disco-Glamour und Kunstwerk.

Der Raum scheint permanent in Bewegung zu sein.

Escā Playa — Ras El Hekma, Ägypten

Escā Playa erhebt sich aus der ägyptischen Küstenlandschaft wie eine vom Wind geformte Felsenlandschaft.

Architekt Mohamed Badie löst die Grenzen zwischen Architektur und Natur beinahe vollständig auf. Licht, Schatten und mineralische Oberflächen erzeugen einen Raum, der eher entdeckt als gebaut wirkt.

Die Architektur scheint direkt aus der Landschaft zu wachsen.

Finlandia Bistro — Helsinki, Finland

Das Finlandia Bistro befindet sich in einem der bedeutendsten Bauwerke Finnlands: der von Alvar Aalto entworfenen Finlandia Hall.

Die behutsame Neugestaltung durch das Designstudio Fyra verbindet den Geist der Moderne mit zeitgenössischer Zurückhaltung und bemerkenswerter Sensibilität.

Ein stiller Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart

Carbone — London, United Kingdom

Carbone London bringt die glamouröse Welt amerikanischer Supper Clubs nach Mayfair.

Samt, Mosaike, lackiertes Holz und Kunstwerke von Ai Weiwei bis René Ricard erschaffen eine dramatische Atmosphäre voller Nostalgie und Inszenierung.

Alles wirkt wie die Kulisse eines stilisierten Filmsets.

Rosso — Hinganigada, Indien

Mitten in einer weitläufigen Weinlandschaft verbindet Rosso mediterrane Eleganz mit indischer Architektur und Landschaft.

Poliertes Holz, grüner Marmor und warmes Licht schaffen eine Atmosphäre zwischen italienischem Barock und zeitgenössischer Zurückhaltung.

Der Ort wirkt gleichzeitig opulent und geerdet.

Marlow — Monaco

Marlow interpretiert britische Eleganz auf überraschend warme Weise neu.

Der Künstler und Architekt Hugo Toro erschafft im neuen Mareterra-Viertel einen Ort voller historischer Referenzen, maßgefertigter Möbel und subtiler Riviera-Nostalgie.

Wie ein fiktiver Members Club zwischen Vergangenheit und Gegenwart.

Lucia — Los Angeles, United States

Lucia bringt afro-karibische Kultur in die Nachtlandschaft von Los Angeles.

Tropische Muster, skulpturale Formen und Musik als integraler Bestandteil des Erlebnisses schaffen einen Ort voller Energie und Leichtigkeit.

Das Restaurant fühlt sich jung, mutig und lebendig an.

Monsieur Dior by Dominique Crenn — Beverly Hills, United States

m Dior House in Beverly Hills begegnen sich kalifornisches Licht und französische Raffinesse.

Peter Marino verbindet florale Elemente, Gartenreferenzen und offene Terrassen zu einer Atmosphäre zwischen Couture und entspanntem Westcoast-Lifestyle.

Innen- und Außenraum fließen beinahe nahtlos ineinander.

Mottai — Coral Gables, United States

Mottai verbindet japanische Präzision mit weichen, zeitgenössischen Formen.

Im Zentrum des Restaurants steht eine offene Sushi-Bar unter einem skulpturalen Baldachin, während geschwungene Linien und taktile Materialien eine ruhige Intimität erzeugen.

Dining wird hier zur Choreografie.

Amura by Ángel León — Cape Town, Süd Afrika

Amura interpretiert das Meer als räumliches Erlebnis.

Inspiriert von Unterwasserlandschaften und marinen Ökosystemen entsteht ein atmosphärischer Raum aus tiefen Grüntönen, Bronze und warmem Licht.

Das Restaurant wirkt wie ein cineastischer Tauchgang zwischen zwei Ozeanen.

Architektur als emotionale Erfahrung

Die Auswahl des Prix Versailles 2026 zeigt eindrucksvoll, wie sehr sich Hospitality verändert hat.

Die spannendsten Restaurants unserer Zeit definieren sich nicht allein über ihre Küche, sondern über die Emotionen, die ihre Räume erzeugen. Licht, Materialität, Klang, Kultur und Architektur werden Teil eines ganzheitlichen Erlebnisses.

Oder anders gesagt:
Architektur ist längst Teil der Speisekarte geworden.

Ein Besuch im Atelier eines der prägendsten abstrakten Künstler Chinas

Im lichtdurchfluteten Atelier am Fluss in Shanghai reflektiert der Künstler Ding Yi über vier Jahrzehnte künstlerischen Schaffens, die Kraft der Wiederholung – und die stille Transformation eines einzigen Symbols in ein universelles Vokabular.

Die Entscheidung für das Kreuz

Als Ding Yi 1988 an der Shanghai Academy of Fine Arts studierte, traf er eine radikale Entscheidung: Er wandte sich bewusst von der gegenständlichen Malerei ab und begann, das Kreuz – als „+“ oder „x“ – als zentrales Motiv zu verwenden.

Diese Reduktion war mehr als eine ästhetische Wahl. Sie wurde zu einem künstlerischen Manifest, das bis heute Bestand hat.

„Sobald ich mich für das Kreuzmotiv entschieden hatte, bin ich diesem Weg treu geblieben.“

Abstraktion als Haltung

In einer Zeit, in der China lange vom westlichen Kunstgeschehen isoliert war, bedeutete dieser Schritt auch eine Suche nach Identität.

Ding Yi erinnert sich an diese prägende Phase als eine Zeit des Fragens:
Was inspiriert mich wirklich? Welche Form von Kunst möchte ich schaffen?

Seine frühen Arbeiten folgten strengen, fast meditativen Rasterstrukturen. Mit der Zeit entwickelten sich daraus komplexe geometrische Kompositionen – lebendig, rhythmisch, oft in intensiven Farbwelten, die den urbanen Wandel Shanghais widerspiegeln.

Vom Raster zum Universum

Seit etwa 2011 hat sich Ding Yis Blick erweitert. Seine Arbeiten bewegen sich zunehmend zwischen Rationalität und Intuition – zwischen Struktur und Spiritualität.

Seine Muster erinnern heute an Sternenkonstellationen, an kosmische Ordnungen und natürliche Rhythmen. Das Kreuz bleibt – doch es transformiert sich, wird Teil eines größeren, fast universellen Zusammenhangs.

Vergangenheit und Zukunft im Dialog

Für seine Ausstellung „Cosmotechnics“ in der Fondazione Querini Stampalia, entstanden in Zusammenarbeit mit Lisson Gallery und ShanghArt Gallery, verbindet Ding Yi neue und historische Arbeiten.

Neben Archivwerken präsentiert er eine Serie von zwölf schwarz-weißen Reliefgemälden aus Lindenholz sowie zwei monumentale Steinstelen – graviert mit seinem ikonischen Kreuzmotiv.

„Fast jede Zivilisation hat Steinstelen genutzt, um ihre Geschichte festzuhalten“, erklärt der Künstler.
„Ich blicke nicht nur in den Himmel, sondern auch zurück in die Vergangenheit – und lasse beides in meine Arbeit einfließen.“

Ausstellungsinfo

„Cosmotechnics“
Fondazione Querini Stampalia
9. Mai – 22. November 2026
Venice

Wie eine junge Designerin die Grenzen zwischen digitaler und physischer Welt neu definiert

Mit einer faszinierenden Verbindung aus CGI, Produktdesign und räumlicher Inszenierung betritt die Amsterdamer Designerin Kilian Vos die internationale Bühne. Im Rahmen der Milan Design Week 2026 präsentiert sie erstmals Arbeiten in Zusammenarbeit mit dem renommierten Designlabel Moooi – und eröffnet dabei eine neue Dimension des Erlebens zwischen Realität und Virtualität.

Das Surreale wird greifbar

Kilian Vos gehört zu einer neuen Generation von Designer:innen, die nicht mehr zwischen digital und analog unterscheiden – sondern beide Welten bewusst verschmelzen. Mit ihrem Hintergrund in CGI erschafft sie Objekte und Räume, die zugleich vertraut und fremd wirken. Ihre Arbeiten bewegen sich in einem Spannungsfeld aus Materialität und Illusion: Das Digitale fühlt sich physisch an, das Physische erscheint surreal.

Ihre Entwürfe sind mehr als Produkte – sie sind Experimente der Wahrnehmung. Skulpturale Möbelstücke, imaginierte Räume und hybride Objekte laden dazu ein, die eigene Realität neu zu hinterfragen. Dabei geht es Vos nicht nur um Ästhetik, sondern um ein neues Verhältnis zwischen Mensch, Objekt und Raum.

Mailand als Bühne für eine neue Design-Dimension

Im Rahmen der Milan Design Week 2026 feiert Vos ihr internationales Debüt – und das gleich mit einem starken Partner: Moooi. Ihre Teppichdesigns, ursprünglich als Vorschlag für Moooi Carpets entwickelt, überzeugten so sehr, dass sie nun Teil der offiziellen Kollektion sind. Sie werden exklusiv in Mailand präsentiert und markieren die einzigen neuen Teppichlaunches des Labels in diesem Jahr.

Die Präsentation findet sowohl im Superstudio Più als auch im Moooi Store im Zentrum Mailands statt – zwei Orte, die für immersive Design-Erlebnisse stehen und Vos’ visionären Ansatz perfekt ergänzen.

Dialog zwischen Vision und Handwerk

Was Vos’ Arbeit besonders macht, ist die konsequente Verbindung von virtueller Gestaltung und physischer Umsetzung. Ihre Designs entstehen im digitalen Raum, werden jedoch in reale Objekte übersetzt – ohne dabei ihre experimentelle Herkunft zu verlieren.

Dieser Dialog eröffnet neue Möglichkeiten:

• Formen, die physikalische Grenzen scheinbar überwinden
• Materialien, die sich visuell transformieren
• Räume, die zwischen Realität und Simulation oszillieren

Vos sieht hierin die Zukunft des Designs: eine Disziplin, die nicht mehr nur gestaltet, sondern erlebbar macht.

Moooi: 25 Jahre visionäres Design

Die Zusammenarbeit mit Moooi ist dabei mehr als ein Karriereschritt – sie ist ein Statement. Das niederländische Designlabel, gegründet 2001, steht seit jeher für experimentelle, emotionale und grenzüberschreitende Gestaltung.

Zur Milan Design Week 2026 feiert Moooi sein 25-jähriges Bestehen mit einer spektakulären, silbernen Inszenierung. Die Ausstellung reflektiert die Geschichte der Marke und blickt gleichzeitig in die Zukunft – eine Zukunft, die perfekt mit Vos’ Vision harmoniert:

Design als Erlebnis, als Emotion, als kontinuierlicher Wandel.

Ein Blick in die Zukunft des Designs

Kilian Vos zeigt eindrucksvoll, wohin sich Design bewegt: weg von klaren Kategorien, hin zu fluiden Übergängen. Ihre Arbeit steht für eine neue Ära, in der digitale Technologien nicht nur Werkzeuge sind, sondern kreative Räume eröffnen.

Die Grenze zwischen real und virtuell? Sie wird zunehmend irrelevant.

Und genau darin liegt die Kraft ihrer Entwürfe: Sie machen das Unsichtbare sichtbar – und das Unvorstellbare greifbar.

Wie ein Fotograf Mode neu erzählt – und dabei selbst verschwindet

Zwischen Erinnerung und Inszenierung, zwischen Modebild und kulturellem Archiv: Die Arbeiten von Leslie Zhang wirken wie visuelle Gedichte. Sie erzählen nicht nur von Kleidung, sondern von Herkunft, Identität und einer neuen, selbstbewussten Ästhetik Chinas. Und während seine Bilder laut sprechen, bleibt er selbst leise.

Eine neue Bildsprache

Leslie Zhang gehört zu jener neuen Generation von Fotograf:innen, die Mode nicht nur inszenieren, sondern kulturell neu codieren. Seine Bildwelten sind durchzogen von Symbolen, Farben und Objekten, die tief in der chinesischen Alltagskultur verwurzelt sind – oft inspiriert von den 80er- und 90er-Jahren.

Zwischen üppigen Blumenarrangements, alltäglichen Gegenständen und sorgfältig komponierten Stillleben entstehen Szenen, die sich jeder schnellen Lesbarkeit entziehen. Mode wird hier nicht zum Selbstzweck, sondern Teil eines größeren Narrativs.

Zwischen Nostalgie und Gegenwart

Seine Arbeiten bewegen sich in einem Spannungsfeld zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Es ist eine Form der visuellen Nostalgie, die jedoch nie sentimental wird. Vielmehr schafft Zhang eine neue Realität – eine, in der kulturelle Erinnerung und zeitgenössische Mode miteinander verschmelzen.

Dabei entsteht eine Ästhetik, die sich bewusst von westlich geprägten Bildsprachen löst. Seine Fotografien sind keine Referenz, sondern ein eigenständiges visuelles System.

Die stille Haltung

Bemerkenswert ist nicht nur seine Bildsprache, sondern auch seine Haltung: Leslie Zhang tritt selbst kaum in Erscheinung. In einer Branche, die oft von starken Persönlichkeiten lebt, wirkt seine Zurückhaltung fast radikal.

Seine Bilder sprechen für sich – vielschichtig, emotional und offen für Interpretation. Der Fotograf bleibt im Hintergrund, als würde er bewusst Raum schaffen für das, was wirklich zählt: die Geschichte im Bild.

Leslie Zhang ist mehr als ein Modefotograf. Er ist ein visueller Erzähler, der Mode als Medium nutzt, um kulturelle Identität neu zu denken. Seine Arbeiten markieren einen Wandel – weg von global vereinheitlichten Ästhetiken hin zu einer vielstimmigen, lokal verwurzelten Bildsprache.

Seine Bilder sind laut in ihrer Symbolik, doch ihr Urheber bleibt leise.

Im Xuhui-Distrikt von Shanghai hat das chinesische Studio AAN Architects einen Skatepark entworfen, der das Skaten über den Dächern der Metropole möglich machen soll: den Moreprk Skyline Skatepark.

Schon mal 20 Meter über dem Boden geskatet? In Shanghai soll genau das dank des chinesischen Architekturstudios AAN Architects möglich werden, die mit ihrem Projekt namens Moreprk Skyline einen ganz besonderen Skatepark erschaffen haben. Dieser soll nicht nur für ein einmaliges Sporterlebnis sorgen, sondern den Blick zugleich auf eine weitere Attraktion lenken: die Skyline Shanghais. Die Metropole ist nicht nur eine der größten und bevölkerungsreichsten Städte Chinas, sondern auch eine der Must-See-Reisedestinationen weltweit – nicht zuletzt, da sie eine beeindruckende Mischung aus Geschichte, Kultur und hochmodernem Stadtleben bietet.

Dieser Skatepark befindet sich im Xuhui-Bezirk, im Südwesten Shanghais. Der Standort ist insofern bedeutsam, da der Distrikt als Pionierregion für den Austausch zwischen chinesischer und westlicher Kultur gilt. In Xuhui allein leben rund 1,1 Millionen Menschen, die sich an einer Mischung aus moderner Urbanität und historischen Architekturstilen erfreuen können. Neben zahlreichen Kulturzentren wurde der Bezirk nun dank dieses außergewöhnlichen Skateparks erneut bereichert – und die Skyline sogar bis ins kleinste Detail integriert.

Rampenpoesie

Die Anlage befindet sich auf der dritten und vierten Etage des Einkaufskomplexes Xuhui Vanke Center. Dank der unmittelbaren Nähe zum Shanghai South Railway Station ist der Komplex hervorragend angebunden und dient als Anlaufstelle für so ziemlich alles: Einzelhandel, Büros, Gastronomie und Freizeitangebote vereinen sich hier unter einem Dach. In Form einer Glasbox schwebt der Skatepark geradezu über dem Gebäude, während das Innenleben von der Stadt selbst bestimmt wird. Denn das Architekturbüro orientierte sich beim Design des Skateparks direkt an der Skyline. Die Konturen der Hochhäuser wurden in geschwungene Skateflächen und Rampen übersetzt, die fließende Bewegungen simulieren sollen.

Der beim Skaten so wichtige Flow sollte keinesfalls unterbrochen werden, weshalb die sogenannte Bowl dank der vielen vertikalen Flächen für ein ganzheitliches Erlebnis sorgt. Dieses große, schüsselförmige Betonbecken ist mit weiteren geschwungenen Flächen verbunden, sodass man ohne Unterbrechung von einem zum nächsten Hindernis fahren kann. Ergänzt wird das Ganze durch Rampen und Street-Elemente. Letztere erzeugen ein echtes städtisches Skategefühl – sprich: Geländer, Kanten und Treppen, die authentisches Skaten in urbaner Atmosphäre ermöglichen. Außerdem passt sich Moreprk Skyline damit flexibel an verschiedenste Skatestile und Erfahrungslevel an. Die Rampen und die Bowl bestehen aus speziell geglättetem Beton, der optimal fürs Skaten geeignet ist.

In der Schwebe

Die Glasbox hängt förmlich an der Gebäudefassade und ist so gestaltet, dass man auf mehreren Ebenen fahren kann. Diese Dreidimensionalität soll Skatern das Gefühl vermitteln, über der Stadt zu schweben. Der vertikale Charakter des Skateparks macht das Projekt zu einem umfassenden Sporterlebnis, das in dieser Form nur einmal in der Stadt zu finden ist. Die riesige Glasfront verstärkt das urbane Gefühl zusätzlich: Nicht nur erinnern die Rampen an die Metropole, auch der Ausblick bindet die Skyline direkt in das gesamte Konzept ein. Zusätzlich kann der Skatespaß auch draußen genossen werden – dank der Terrasse, die sich auf der Glasbox befindet.

Während der Park im Inneren wetterunabhängig ist, bietet der Außenbereich mit einer Rundbahn einen zusätzlichen Track sowie eine Kuppel für schnelle Skateabschnitte. Dazu zählen auch Bereiche für BMX- und Scooter-Fahrer. Moreprk Skyline soll aber vor allem zur perfekten Schnittstelle zwischen Sport, Stadtraum und Öffentlichkeit werden. Dank der Glasbox können auch Passanten das rege Treiben im Skatepark von der Straße aus mitverfolgen. Darüber hinaus ist der Park frei zugänglich und soll als Anlaufstelle für Sportler und neugierige Zuschauer dienen – stets mit der Stadt und ihrer Skyline im Hintergrund.

Architektur mit Storyline

AAN Architects haben neben dem Morepark Skyline bereits einige Projekte, vor allem im Bereich Innenarchitektur, umgesetzt. Dabei ist der vollständige Name des Büros Programm: Architecture As Narration, Architektur als Erzählung; legt das Studio doch großen Wert auf die Geschichten, die hinter ihren Werken stecken.

Ob der Skatepark die Geschichte der Stadt, der Skyline und ihrer Sportler erfolgreich erzählt, liegt im Auge des Betrachters. Fest steht jedoch: Das Projekt ist unter anderem auf der Longlist der Dezeen Awards 2025 und in der Shortlist des World Architecture Festival 2025 vertreten.

Text: Katarina Andraschko
Bilder: Lv Xiaobin 

Wenn Mythologie den Kosmos berührt

Was passiert, wenn zeitlose Mythen auf modernste Raumfahrt treffen? Der chinesische Multimedia-Künstler Jacky Tsai hebt mit Chang E Flying to the Moon nicht nur symbolisch ab, sondern schickt die legendäre Mondgöttin buchstäblich ins All – auf der weltweit ersten vollständig kunstbemalten Rakete.

Von der Neuinterpretation traditioneller chinesischer Handwerkskunst bis hin zu großformatigen Interventionen, die Kunst in reale Bewegung versetzen: Jacky Tsai hat über Jahre hinweg eine kraftvolle visuelle Sprache entwickelt, die Vergangenheit und Gegenwart Chinas miteinander verbindet. Seine Arbeiten verschmelzen östliche Erzähltraditionen mit zeitgenössischer Ästhetik – poetisch, politisch und stets visionär.

In seinem jüngsten Projekt greift Tsai auf die chinesische Mythologie zurück und rückt die Mondgöttin Chang E ins Zentrum einer intergalaktischen Erzählung. Die Legende wird zur kosmischen Metapher für Sehnsucht, Transformation und kollektive Imagination.

„Mein Kunstwerk auf einer echten Rakete ins All starten zu sehen, war einer der emotionalsten Momente meiner Karriere. Mit diesem Projekt möchte ich unsere gemeinsamen Träume und Vorstellungen tatsächlich in den Kosmos senden.“

In Zusammenarbeit mit dem kommerziellen Raumfahrtunternehmen LandSpace überschritt Tsai Anfang des Jahres eine neue Grenze: Sein Kunstwerk passierte die Kármán-Linie und machte die ZQ-2E Y2 zur ersten vollständig kunstbemalten Rakete im Weltraum. Der begleitende Kurzfilm Chang E Flying to the Moon dokumentiert diesen außergewöhnlichen Prozess und zeigt, wie Kunst, Technologie und Mythos zu einer neuen Form zeitgenössischer Erzählung verschmelzen.

Ein Projekt, das nicht nur Raumfahrt neu denkt, sondern auch die Frage stellt, wie weit Kunst reichen kann – im wörtlichen wie im übertragenen Sinn.