Zu den Laufsteg-Naturen Südtirols

Eine stille Selbsterfahrung zwischen Bergen, Schafen und jahrhundertealter Tradition

Falls die Uhren mal wieder auf fünf vor Stress stehen, gibt es in Südtirol ein Schauspiel, das auf besondere Weise entschleunigt und erdet: die legendäre Transhumanz. Jahr für Jahr zieht der traditionelle Schafabtrieb vom österreichischen Ötztal zurück ins Schnalstal zahlreiche Wanderer, Hirten und Naturliebhaber in seinen Bann – ein uralter Brauch, der heute zum immateriellen UNESCO-Weltkulturerbe zählt.

Vom Wiener Laufsteg in die alpine Stille

Es beginnt wie ein klassischer Abend der Modewelt: Ein renommiertes Wiener Fashion-Label lädt zur Show. Menschen begrüßen sich mit Küsschen, Prosecco wird gereicht, Kunst präsentiert, Jazz gespielt. Dann gleiten Models in traumhaften Kleidern über den Laufsteg – Attitüde unter feinsten Stoffen, perfekt inszeniert.

Nur wenige Tage später wartet in Südtirol ein völlig anderer Laufsteg: ein steiler Bergpfad oberhalb von Vernagt im Schnalstal. Statt Blitzlicht und Catwalk bestimmen Lärchenwälder, Gebirgsbäche und alpine Ruhe das Bild. Die „Models“ dieses Schaulaufens kommen aus der Natur selbst – über tausend Schafe, die von den Hochweiden des Ötztals zurück nach Südtirol getrieben werden.

Loslassen auf anderem Weg

Der Aufstieg führt durch stille Wälder hinauf Richtung Hochgebirge. Gedanken kreisen, Fragmente innerer Dialoge tauchen auf und verschwinden wieder zwischen Vogelrufen und dem Rauschen der Bäche. Mit jedem Höhenmeter wird die Luft dünner, der Wind kühler und der eigene Atem präsenter.

Die alpine Landschaft der südlichen Ötztaler Alpen wirkt beinahe surreal: Gräser, Flechten und Moose ziehen sich in spätsommerlichen Grün- und Gelbtönen bis an die schroffen Bergmassive. Tiefhängende Wolken verhüllen die Gipfel und tauchen die Szenerie in eine fast meditative Ruhe.

Selbst eingefleischten Kopfmenschen fällt es hier leichter, den Gedankenstrom loszulassen und sich ganz auf Bewegung, Atmung und Wahrnehmung einzulassen.

Wenn Stille zum Ereignis wird

Auf rund 2300 Metern öffnet sich schließlich ein Plateau zwischen gewaltigen Felsformationen. Hier wird Stille zu einem Erlebnis. Kein konsumgetriebener Reiz, kein künstlicher Nervenkitzel – nur Berge, Licht, Wind und die eigene Wahrnehmung.

Während warmer Tee und einfache belegte Brote in dieser rauen Umgebung beinahe zu einer sensorischen Neuerfahrung werden, beginnt sich der Geist zu beruhigen. Die Rastlosigkeit des Alltags zieht sich zurück. Für einen Moment zählt nur das Hier und Jetzt.

Dann erscheinen sie in der Ferne: die Schafe. Zunächst nur schemenhaft sichtbar, bewegen sich hunderte Tiere langsam den steilen Hang hinab. Mit ihnen kommen das Läuten der Glocken und das charakteristische Blöken näher.

Die legendäre Transhumanz

Mehr als ein Dutzend Hirten treiben rund 1300 Schafe von den Sommerweiden des österreichischen Ötztals zurück nach Südtirol. Der Weg führt über Felsrinnen, Schneefelder und Grate – und gilt als weltweit einziger Schafabtrieb über einen Gletscher, der zwei Nationen miteinander verbindet.

Die Tradition reicht bis ins 14. Jahrhundert zurück. Ein historisches Weiderecht erlaubt den Bauern des Schnalstals bis heute, ihre Tiere im Sommer auf österreichischen Weiden grasen zu lassen. Über Generationen hinweg entstanden daraus kulturelle Beziehungen, gemeinschaftliche Rituale und gelebte alpine Identität.

Auch Nachhaltigkeit spielt eine zentrale Rolle: Oberhirte Manuel Götsch engagiert sich für Biodiversität sowie die traditionelle Herstellung von Milch- und Wollprodukten und setzt sich dafür ein, dass junge Menschen dieses kulturelle Erbe weiterführen.

Das Glück im Geerdeten

Besonders eindrucksvoll ist das Schmücken der Tiere vor dem Abstieg ins Tal. Die schönsten Schafe werden mit bunten Stoffblumen dekoriert, während Hirten und Treiber mit humorvoller Gelassenheit zusammenarbeiten. Die Tiere tragen farbige Markierungen, um sie ihren Besitzern und Zuchtvereinen zuordnen zu können.

Es braucht hier keine große Inszenierung. Stolze Blicke, ehrliche Freude und das stille Beobachten reichen völlig aus. Selbst ein Border Collie legt sich plötzlich neben einen Wanderer, als wäre man längst Teil der Herde geworden.

Am Nachmittag beginnt schließlich der große Abstieg nach Vernagt. Tausende Menschen erwarten dort die geschmückten Tiere. Unter Glockenklang und lautem Blöken zieht die Herde über einen naturbelassenen Laufsteg, geschaffen von Bergen, Wind und Jahrtausenden alpiner Geschichte.

Die Transhumanz ist weit mehr als Brauchtum. Sie ist eine geerdete Selbsterfahrung – eine Erinnerung daran, wie wichtig innere Balance in einer rastlosen Welt geworden ist.

Zwischen Disruption und Ruhe, Ästhetik und Veränderung, Architektur und Bewusstsein bewegt sich die neue Ausgabe von THE Stylemate Issue No 02 | 2026 – PANTA RHEI. Inspiriert vom Gedanken des ständigen Wandels widmet sich die aktuelle Ausgabe jenen Momenten, in denen sich Systeme verschieben, Räume neu gedacht werden und Schönheit nicht mehr statisch, sondern fließend erscheint.

„Panta Rhei“ – alles fließt. Kaum ein Gedanke beschreibt unsere Gegenwart treffender. Die neue THE Stylemate begreift Wandel nicht als Störung, sondern als Einladung: zum Perspektivwechsel, zum bewussteren Leben und zum offenen Denken.

Im Zentrum der Ausgabe stehen Themen wie Disruption, Transformation und die Frage, wie wir in Zukunft leben, arbeiten und gestalten wollen. Philosophische Essays treffen auf visionäre Architektur, innovative Hospitality-Konzepte auf Design, das Haltung zeigt. Bereits das Editorial beschreibt Disruption nicht als Buzzword, sondern als Zustand unserer Zeit – leise, subtil und dennoch unumkehrbar.

Besondere Highlights der Ausgabe:

• Das Gespräch mit Transformationsexperte Markus Petzl über KI, Zukunftsdenken und warum echte Innovation niemals im Kern eines Systems beginnt.
• Der essayistische Beitrag „How We Might Unlearn Coherence“, der sich zwischen Philosophie, Gesellschaft und Ästhetik bewegt und Fragen nach Identität, Räumen und Auflösung stellt.
• Inspirierende Orte und Hotels zwischen Südtirol, Mexiko, Menorca und Österreich, die Rückzug, Design und neue Formen von Luxus neu interpretieren.
• Architektur, Kunst und Design als Spiegel einer Welt im Übergang – poetisch, visionär und bewusst kuratiert.

Wie gewohnt verbindet THE Stylemate anspruchsvollen Journalismus mit außergewöhnlicher Bildsprache und einem feinen Gespür für Ästhetik, Nachhaltigkeit und kulturelle Relevanz. Die neue Ausgabe lädt dazu ein, sich Zeit zu nehmen. Zum Lesen. Zum Nachdenken. Zum Neu-Sehen.

Denn vielleicht ist genau das die wichtigste Erkenntnis dieser Ausgabe:
Wir sind nicht verloren. Wir sind einfach noch nicht fertig.

Die neue Ausgabe PANTA RHEI ist ab sofort hier erhältlich >>>

Gradonna**S Mountain Resort, Osttirol / Kals am Großglockner

Alpiner Luxus und die Kraft der Natur verschmelzen hier in atemberaubender Höhenlage zu einem harmonischen Erlebnis aus Aktivität, Wellness und Kunst.

Wenn sich die majestätischen Gipfel der Hohen Tauern in den Fensterscheiben des Gradonna Mountain Resort spiegeln, ist es fast, als stünde man vor einem Kunstwerk. Einem Kunstwerk, das aus dem Zusammenspiel von Natur und Mensch entstanden ist.

Es ist ein subtiler Hinweis auf das, was im Gradonna Mountain Resort am Großglockner auf uns wartet: eine kuratierte Auswahl an Werken, die die Magie und Kraft der Bergwelt ins Innere holt. Ausgestellt an einem Ort, der ihre Wirkung auf natürliche Weise vollendet.

Begleiten Sie uns auf dieser Seite zu einer kleinen, feinen Vernissage mit sieben ausgewählten Werken:

LOIS SALCHER

Welche Gefühle werden beim Betrachten bestimmter Farbflächen ausgelöst – und umgekehrt: Welche Farben vermögen bestimmte Emotionen auszudrücken?

Der in Lienz lebende Künstler denkt und malt in Farbräumen, in denen Emotion und Fläche ineinander übergehen.

Ohne Titel
Tempera auf Leinwand

HELENE MARIA SCHORN

Von ihrem Elternhaus blickte sie schon als Kind auf die Hohen Tauern. Es war also im wahrsten Sinne naheliegend, sich auch künstlerisch mit den Bergen auseinanderzusetzen.

Das Kitzsteinhorn, 2012
Fenster zum Nationalpark Hohe Tauern
Öl auf Leinwand

HELMUT STROBL

Mit der Gestaltung der Maximiliankapelle im Gradonna und dem dort schwebenden Fragment seines „Weltbilds des Friedens“ hat Helmut Strobl einen stillen, kraftvollen Ort der Erinnerung geschaffen.

In der Kapelle: Welttuch des Friedens
Acryl auf Leinwand, 2003

PETER NIEDERTSCHEIDER

Schon in der Antike lebte man die Badekultur – eine Tradition, die auch im Gradonna zelebriert wird.

Statuen aus Zirbenholz, kunstvoll aufeinandergeschichtet und im Stil antiker Akte gestaltet, begrüßen die Gäste im Eingangsbereich – ein dezenter Hinweis auf den Wellnessbereich.

Eingangshalle, Skulpturen
Zweiergruppe, Zirbe, 2012
Dreiergruppe, Zirbe, 2011–2012

WOLFGANG BÖHMER

Der Künstler aus Innsbruck schafft Naturbilder, die existenzielle Erfahrungen wie Glück, Trauer oder Freude ausdrücken.

Mit „Naturalized“ entstehen Werke direkt in und mit der Natur, inspiriert von Kraftplätzen wie dem Gradonna-Felsen – einem Ort von besonderer Ruhe und Stärke.

Kraftplatz #7
Natur in Leinwand, 125 × 90 cm

GISELBERT HOKE

Schwarz, braun, weiß: Die Farben dieses Werks, das in der Lobby hängt, harmonieren gut mit den Naturtönen im Gradonna.

Es stammt von Giselbert Hoke, der im Jahr 1956 mit den Bahnhofsfresken in Klagenfurt berühmt geworden ist.

Stadt
Ölfarbe auf Hartfaserplatte, 170 × 260 cm

BIRGIT SCHRÖTTNER-THURNER

Wärme, Kraft und Wandlung sind Stichworte, die dem „Feuer-Salamander“ in der Naturwesen-Numerologie zugeordnet sind.

Das gleichnamige Bild aus eigens hergestellten Naturfarben wie Tagetes, Mahonien oder Petunien ist eines von insgesamt zwölf Werken.

Feuer-Salamander
Pflanzensaftfarbe mit Ei auf Leinwand

Ort & Info

Gradonna****S Mountain Resort is a member of Lifestylehotels
Österreich / Osttirol / Kals am Großglockner
gradonna.at

Weniger zu machen fällt oft schwerer als mehr – vielleicht, weil Stille ungewohnt ist. In den Silent Villas merkt man im Leise sein erst, wie laut es in einem drinnen oft rumort. Und wie notwendig es ist, sich einfach einmal zurückzuziehen.

Auf der ständigen Suche nach Ablenkung übersieht man schließlich leicht, dass sie selten wirklich entlastet. Sie verschiebt nur. Und genau deshalb liegt in der Stille etwas so Wirksames: Sie unterbricht. Sie nimmt nichts dazu, sondern lässt weg.

Zwischen Goethestraße und Mühlweg liegen die zehn Villen des Thermenresorts Laa an der Thaya schon fast an der Grenze zu Tschechien in einer friedlichen klösterlich anmutenden Region in Niederösterreich.
Es ist ruhig. Und trotzdem mangelt es an nichts. Um einen Badesee gelegen, ruht jede Villa für sich in stiller Erwartung an ihre Gäste, um sie für ein, zwei, drei Nächte in Empfang zu nehmen.
Die Friedlichkeit umarmt einen schon bei der Ankunft.

Das architektonische Konzept folgt Reduktion und Klarheit. Das gotische Maßwerk, ein vierblättriges Kleeblatt, bringt nicht nur die symbolische Glückseligkeit, sondern auch Ruhe und Ordnung in die Gedanken.

Die Betten sind frisch bezogen, aus dem Polstermenu wählt man bei Bedarf Hirse-, Dinkel-, Zirbe-, Daunen oder Seitenschläferkissen aus, der Wellness Bag mit flauschigem Bademantel steht bereit, der Kamin wartet darauf, eingeheizt zu werden, und der Private Spa mit finnischer Sauna, Erlebnisdusche, freistehender Badewanne und Liegebereich gehört einem ganz allein.

Die Villen bieten absolute Privatsphäre: man muss niemandem begegnen, wenn man es nicht möchte.
Auch der Service fügt sich nahtlos in dieses stille Konzept ein. Auf Wunsch wird das Frühstück direkt in die Villa gebracht – unaufdringlich, diskret und genau dann, wenn man bereit dafür ist. Frisches Gebäck, regionale Produkte, warmes Kaffeearoma, das sich langsam im Raum verteilt.

Wer möchte, kann den Tag in der Therme verbringen, im warmen Wasser treiben oder sich im Spa-Bereich verwöhnen lassen. Oder auch nicht. Wer will, bleibt einfach in der Villa – und tut nichts. Und doch vielleicht das meiste. Für sich selbst. Denn manchmal hilft, was sich zunächst angewöhnt anfühlt: weniger zu machen, um mehr zu spüren.

Fotos: Pflanzl Media, Victor Liska

Silent Villas

www.therme-laa.at/silent-villas

Thermeplatz 3 A, 2136 Laa an der Thaya

Eine Kollektion zwischen Kontinenten und Kulturen

Was passiert, wenn aus einer persönlichen Begegnung eine gestalterische Haltung wird?
Mit der Bonguile Collection zeigt die österreichische Designerin Gina Drewes, wie Mode weit über Ästhetik hinauswirken kann. Für ihr Label Monkey on my Shoulder entstand eine limitierte Serie sommerlicher Unisex-Sets, die nicht nur stilistisch, sondern auch sozial Wirkung entfalten.

Ein Teil der Erlöse fließt direkt in das Bonguile Project in Mosambik – eine Vorschule, die Kindern früh Zugang zu Bildung und Gemeinschaft ermöglicht.

Ursprung in Vilankulos

Die Geschichte dieser Kollektion beginnt in Vilankulos, einer Küstenstadt in Mosambik. Während eines Aufenthalts kam Gina Drewes erstmals mit dem Bonguile Project im Stadtteil Quinto Congresso in Kontakt. Was als flüchtige Begegnung begann, entwickelte sich zu einer langfristigen Verbindung.

Getragen wird das Projekt von ParCo, einer lokal verankerten Organisation, die nachhaltige Bildungs- und Sozialprojekte initiiert. Rund 70 Kinder im Alter von drei bis fünf Jahren finden hier jährlich einen geschützten Raum für frühkindliche Bildung – inklusive erster Berührungspunkte mit der portugiesischen Sprache, die für ihren weiteren Bildungsweg entscheidend ist.

Stoff als Medium der Wertschätzung

Zurück in Europa wurde aus Erinnerung Gestaltung. Mit einem Koffer voller afrikanischer Baumwollstoffe begann ein kreativer Prozess, der nicht auf Aneignung, sondern auf Interpretation basiert.

Keine direkten Zitate – vielmehr textile Liebesbriefe.

Die Designerin übersetzt Farben, Rhythmen und Strukturen in eine eigene Formsprache. Dabei steht ein respektvoller Umgang mit kultureller Vielfalt im Mittelpunkt. Mode wird hier zum Medium, das Verbindung sichtbar macht, ohne sie zu vereinnahmen.

„Es geht nicht darum, etwas zu übernehmen, sondern etwas Eigenes daraus entstehen zu lassen und damit einen Beitrag zu leisten.“ – Gina Drewes

Design mit Haltung

Die Bonguile Collection umfasst zehn sogenannte Surfer-Sets – kombinierte Looks, die sich mühelos zwischen Alltag und Urlaub bewegen.

• luftige Baumwollstoffe
• fließende, großzügige Schnitte
• bewusst reduzierte Silhouetten
• oversized und unisex gedacht

Die Designs passen sich den Träger:innen an – nicht umgekehrt. Eine Haltung, die Freiheit und Individualität in den Mittelpunkt stellt.

Die Prints entstehen aus einem fein abgestimmten Zusammenspiel von Farbe, Struktur und Rhythmus. Jedes Set wirkt für sich, bleibt aber Teil eines größeren visuellen Narrativs.

Mode als Prozess, nicht als Moment

Statt klassischen Drop-Zyklen folgt die Kollektion einem offenen System:
Vergriffene Modelle werden durch neue ersetzt. Die Linie entwickelt sich weiter – organisch, dynamisch, lebendig.

Mode wird hier nicht als abgeschlossenes Produkt verstanden, sondern als fortlaufender Prozess.

Wirkung über das Produkt hinaus

35 Prozent des Reinerlöses fließen direkt in die Zusammenarbeit mit ParCo und unterstützen die kontinuierliche Arbeit des Bonguile Projects vor Ort.

Eine Kollektion, die zeigt, dass Mode Verantwortung übernehmen kann – leise, aber wirkungsvoll.

Über die Designerin

Seit über einem Jahrzehnt steht Gina Drewes für präzise Schnittführung, detailverliebte Verarbeitung und eine unverwechselbare Handschrift zwischen Klassik und Avantgarde. Ihre Entwürfe verbinden Vintage-Referenzen mit zeitgenössischem Design und richten sich an Menschen, die ihren eigenen Stil definieren.

Erhältlich

Die Bonguile Collection ist in der Gina-Drewes-Boutique in Velden sowie online unter
www.monkeyonmyshoulder.com erhältlich.

Unter dem Alter Ego Sheisinblack.art erschafft die österreichische Künstlerin Manuela Klauser surreale Bildwelten zwischen künstlicher Intelligenz, digitaler Ästhetik und poetischer Dunkelheit.

Die Zukunft der Kunst ist zunehmend digital – und manchmal auch algorithmisch. Mit ihrem künstlerischen Alter Ego Sheisinblack.art gehört die österreichische Künstlerin Manuela Klauser zu jener neuen Generation von Kreativen, die künstliche Intelligenz als kreativen Partner begreifen. Ihre Werke bewegen sich zwischen surrealen Traumlandschaften, urbanen Fragmenten und einer subtil düsteren Ästhetik, die sie selbst als eine Form von „Soft Goth Surrealism“ beschreibt.

Die Bildwelten von Sheisinblack.art

Unter dem Namen Sheisinblack.art entwickelt Manuela Klauser visuelle Kompositionen, die zwischen Traum und digitaler Realität oszillieren. Ihre Arbeiten wirken oft wie Szenen aus einem surrealen Film: geheimnisvolle Figuren, architektonische Fragmente und atmosphärische Lichtstimmungen verschmelzen zu poetischen Bildräumen.

Diese Ästhetik ist charakteristisch für Sheisinblack.art – eine künstlerische Praxis, die künstliche Intelligenz mit intuitiver Bildgestaltung verbindet. Die generierten Bildwelten entstehen im Dialog zwischen menschlicher Idee und algorithmischer Interpretation.

Dabei nutzt Klauser AI-basierte Bildgeneratoren, digitale Bearbeitung und kuratorische Auswahl, um aus einer Vielzahl generierter Bilder jene Kompositionen zu formen, die ihre künstlerische Vision am präzisesten widerspiegeln.

AI als Werkzeug und künstlerischer Dialog

Für Sheisinblack.art ist künstliche Intelligenz nicht bloß ein technisches Hilfsmittel. Vielmehr versteht Manuela Klauser AI als eine Form kreativer Kollaboration – ein System, das neue Bildmöglichkeiten eröffnet und unerwartete visuelle Ideen hervorbringen kann.

Diese Herangehensweise prägt auch ihre Workshops und Vorträge, in denen sie über Prompting, Bildgenerierung und kreative AI-Prozesse spricht. Dabei geht es nicht nur um Technik, sondern vor allem um die Frage, wie Künstler:innen diese neuen Werkzeuge bewusst und kritisch einsetzen können.

Gerade in der aktuellen Debatte über AI in der Kunst nimmt Sheisinblack.art damit eine interessante Position ein: Die Technologie wird nicht als Ersatz menschlicher Kreativität verstanden, sondern als Erweiterung.

Zwischen Kunst, Innovation und digitaler Kultur

Neben ihrer künstlerischen Tätigkeit ist Manuela Klauser auch als Creative & Innovation Consultant aktiv und engagiert sich in der kreativen Community. Talks, Workshops und Veranstaltungen im Bereich künstliche Intelligenz gehören ebenso zu ihrer Praxis wie die kontinuierliche Weiterentwicklung von Sheisinblack.art.

Gerade diese Verbindung aus künstlerischem Ausdruck, technologischer Kompetenz und Vermittlung macht das Projekt besonders relevant. Sheisinblack.art steht exemplarisch für eine neue Generation digitaler Kunstpraxis, in der kreative Intuition und algorithmische Systeme miteinander verschmelzen.

Die Zukunft der AI-Kunst

Mit Sheisinblack.art zeigt Manuela Klauser, wie sich neue ästhetische Räume im Zeitalter künstlicher Intelligenz eröffnen. Die Bilder sind atmosphärisch, manchmal düster, oft überraschend poetisch – und immer Ausdruck eines kreativen Dialogs zwischen Mensch und Maschine.

In einer Kunstwelt, die zunehmend von Technologie geprägt ist, gehört Sheisinblack.art zu jenen Projekten, die zeigen, wie künstliche Intelligenz zu einem eigenständigen künstlerischen Medium werden kann.

Die Ausstellung „Tanzbild“ in der ALBERTINA MODERN erzählt anhand historischer Fotografien die faszinierende Geschichte des Tanzes zwischen Bewegung, Inszenierung und fotografischer Innovation – von den frühen Atelieraufnahmen des 19. Jahrhunderts bis zur avantgardistischen Tanzfotografie der 1930er-Jahre.

Wenn Bewegung zum Bild wird

Tanz ist flüchtig. Eine Bewegung existiert nur für einen Augenblick – und verschwindet im selben Moment wieder. Genau diese Vergänglichkeit fasziniert Fotograf:innen seit den Anfängen der Fotografie. Mit der Ausstellung „Tanzbild. Fotografien aus der Sammlung der ALBERTINA“ widmet sich die ALBERTINA MODERN diesem Spannungsfeld zwischen Bewegung und Stillstand und zeichnet eine visuelle Geschichte der Tanzfotografie von den 1860er-Jahren bis in die frühen 1940er-Jahre nach. Rund 120 Werke aus der Fotosammlung der Albertina geben Einblick in eine Epoche, in der Tanz und Fotografie gleichermaßen neue Ausdrucksformen entwickelten.

Tanzfotografie zwischen Bühne und Atelier

Die frühesten Tanzfotografien entstanden in den Ateliers des 19. Jahrhunderts. Tänzerinnen und Tänzer wurden dort in statischen Posen oder klassischen Porträts inszeniert – oft als Sammelbilder im sogenannten Visitformat oder als großformatige Kabinettkarten. Diese Fotografien machten Künstler:innen zu frühen Stars und prägten eine neue visuelle Kultur der Prominenz.

Mit den technischen Fortschritten der Fotografie – insbesondere kürzeren Belichtungszeiten – begann sich das Bild des Tanzes zu verändern. Ab dem späten 19. Jahrhundert konnte erstmals Bewegung selbst fotografisch festgehalten werden. Serienaufnahmen und Bewegungsstudien machten Abläufe sichtbar, die zuvor dem menschlichen Auge verborgen geblieben waren.

Die Geburt der Tanzmoderne

Besonders intensiv widmet sich die Ausstellung der Zwischenkriegszeit, einer Phase, in der sich der moderne Tanz als eigenständige Kunstform etablierte. Tänzerinnen wie Isadora Duncan, Mary Wigman oder Josephine Baker prägten eine neue Körperästhetik, die sich bewusst vom klassischen Ballett abgrenzte. Ausdruck, Individualität und körperliche Freiheit rückten in den Mittelpunkt.

Parallel dazu entwickelte sich die Fotografie zu einem kreativen Partner der Performance. Fotograf:innen wie Trude Fleischmann, Rudolf Koppitz, Atelier d’Ora oder Charlotte Rudolph arbeiteten eng mit den Tänzer:innen zusammen. In diesem dialogischen Prozess entstanden ikonische Bilder, die nicht nur Bewegung dokumentierten, sondern selbst zu künstlerischen Interpretationen des Tanzes wurden. pressemappe_tanzbild_de

Avantgarde, Ausdruck und Inszenierung

Die Tanzfotografie wurde zunehmend experimentell. Fotograf:innen suchten nach neuen Möglichkeiten, Dynamik, Geschwindigkeit und Emotion sichtbar zu machen. Ungewöhnliche Perspektiven, fragmentierte Bildausschnitte oder bewusst inszenierte Gesten spiegelten die ästhetischen Strömungen der Moderne wider.

Ein eindrucksvolles Beispiel ist die Fotografie der Tänzerin Gret Palucca während eines Sprungs, aufgenommen von Charlotte Rudolph. Das Bild vermittelt eine fast schwerelose Dynamik und wurde zu einem ikonischen Motiv der fotografischen Avantgarde der 1920er-Jahre.

Tanz als Spiegel gesellschaftlicher Veränderungen

Die Fotografien zeigen nicht nur Tanz, sondern auch gesellschaftliche Entwicklungen. In den Illustrierten der Zwischenkriegszeit wurden Tänzerinnen zunehmend als moderne, selbstbewusste Persönlichkeiten inszeniert. Gleichzeitig spiegelte ihre Darstellung neue Vorstellungen von Körperlichkeit, Emanzipation und Sinnlichkeit wider.

Mit der Machtübernahme der Nationalsozialisten 1933 in Deutschland und 1938 in Österreich erlebten sowohl Tanzszene als auch Fotografie jedoch einen drastischen Bruch. Viele Künstler:innen wurden verfolgt, vertrieben oder ermordet – eine Zäsur, die auch in der Geschichte der Tanzfotografie tiefe Spuren hinterließ.

Eine visuelle Geschichte des Tanzes

„Tanzbild“ macht deutlich, wie eng Tanz und Fotografie miteinander verbunden sind. Die Kamera konserviert nicht nur flüchtige Bewegungen, sondern erschafft auch neue Bildwelten des Körpers in Bewegung.

Die Ausstellung lädt dazu ein, Tanz nicht nur als Performance zu erleben, sondern als ästhetisches Zusammenspiel von Körper, Licht, Technik und künstlerischer Interpretation.

Ausstellung:
Tanzbild – Fotografien aus der Sammlung der ALBERTINA
Ort: ALBERTINA MODERN, Wien
Dauer: 3. März – 7. Juni 2026
Kuratorin: Astrid Mahler
Werke: ca. 120 Fotografien

Zwischen Nachtleben und Schneiderkunst

Die österreichische Designerin Gina Drewes inszeniert mit ihrer neuen Menswear-Kollektion THE LAST DAYS OF DISCO ein spannungsreiches Spiel der Gegensätze. Clubkid-Attitüde trifft auf dandyhafte Eleganz, opulente Materialien auf klassische Schneiderkunst, expressive Statements auf subtile Raffinesse. Das Ergebnis ist eine zehnteilige Kollektion, die Mode nicht als harmonische Einheit versteht, sondern als bewussten Dialog zwischen Nachtleben und formaler Tradition.

Statt Kontraste zu glätten, werden sie bei Drewes zum ästhetischen Prinzip. Die Looks erzählen von der Energie des Clubs, von Selbstinszenierung, Individualität und der Freude am Stil – ohne dabei die präzise Handwerkskunst der klassischen Menswear aus den Augen zu verlieren.

Bouclé trifft Batwing

Im Zentrum der Kollektion steht ein Anzug aus kompaktem Multicolour-Bouclé, der architektonische Präsenz mit moderner Lässigkeit verbindet. Die weit geschnittene Hose mit strukturiertem Fall trifft auf eine kantig konstruierte Jacke mit verdeckter Knopfleiste. Volumen und Materialität verschmelzen zu einer Silhouette, die gleichzeitig präzise und ausdrucksstark wirkt.

Als bewusstes Gegengewicht setzt Drewes auf ein gelb-schwarz gemustertes Seidenhemd mit dramatischen Fledermausärmeln. Die großzügige Form bringt Bewegung und Leichtigkeit in den Look und kontrastiert die strukturierte Strenge des Bouclé-Anzugs.

Die Wirkung verändert sich je nach Styling:
Mit Beanie und Sneakers entsteht ein urbaner Streetwear-Moment. Kombiniert mit klassischen Lederschuhen verwandelt sich derselbe Look in eine moderne Interpretation dandyhafter Eleganz. Genau diese Wandelbarkeit bildet den Kern der Kollektion.

Glanz, Textur und bewusster Stilbruch

THE LAST DAYS OF DISCO lebt von luxuriösen Stoffen und überraschenden Oberflächen. Lurex für Herren erweitert das klassische Menswear-Vokabular ebenso wie Brokat mit feinem Edelweißmotiv oder ein modernes Pixelmuster in warmen Brauntönen.

Eine voluminöse Bomberjacke im Grün-Schwarz-Braunen Karomix ergänzt die Kollektion und bringt eine sportliche Note in die opulente Materialwelt. Dazu kommen Seidenhemden und farblich abgestimmte Schalkrawatten, die den dandyhaften Charakter subtil unterstreichen.

Maskuline Eleganz erscheint hier nicht als starres Regelwerk, sondern als Haltung. Mode darf inszenieren, irritieren und Freude bereiten.

Für Männer jenseits des Mainstreams

Die Kollektion richtet sich an Männer, die Stil als persönliche Entscheidung verstehen. Sie funktioniert im Nachtleben ebenso wie bei festlichen Anlässen und lässt sich – klug kombiniert – auch in den Alltag übersetzen.

Ein Clubkid kann sie tragen wie ein Dandy.
Schrill oder subtil. Expressiv oder reduziert. Immer mit Haltung.

Mit THE LAST DAYS OF DISCO führt Gina Drewes ihre gestalterische Handschrift konsequent weiter: Vintage-Referenzen treffen auf zeitgenössische Silhouetten, klassische Codes werden neu interpretiert. Die Kollektion ist kein nostalgischer Rückblick, sondern ein Statement für die Gegenwart.

Erhältlich in der Boutique von Gina Drewes in Velden sowie im Online-Shop unter: https://www.ginadrewes.com/

Intuitive AI, Privacy auf Pixelebene und Hi-Fi Sound für ein vernetztes Leben

Mit der neuen Galaxy S26 Serie und den Galaxy Buds4 definiert Samsung das Zusammenspiel von künstlicher Intelligenz, Design und Audioqualität neu. Das Ergebnis ist ein ganzheitliches Ökosystem, das Technologie intuitiver, persönlicher und diskreter in den Alltag integriert – leistungsstark, ästhetisch und konsequent auf Nutzer:innen zugeschnitten.

Galaxy S26 Serie: Das bislang intuitivste Galaxy AI Smartphone

Mit dem Samsung Galaxy S26 Ultra, dem Samsung Galaxy S26+ und dem Samsung Galaxy S26 präsentiert Samsung seine dritte Generation der Galaxy AI Smartphones.

Im Zentrum steht eine Vision: AI soll nicht kompliziert sein – sondern selbstverständlich.

Privacy neu gedacht: Das erste integrierte Privacy Display

Das Galaxy S26 Ultra setzt als erstes Smartphone der Branche auf ein integriertes Privacy Display, das Privatsphäre auf Pixelebene ermöglicht.

Durch gezielte Lichtstreuung bleiben Inhalte für Nutzer:innen klar sichtbar, während sie für seitliche Betrachter:innen ab einem Winkel von über 45 Grad stark eingeschränkt werden. Anders als bei herkömmlichen Folien bleibt die volle Bildqualität erhalten, wenn die Funktion deaktiviert ist.

Gerade im öffentlichen Raum – in Cafés, Zügen oder Co-Working-Spaces – wird das Smartphone so zum diskreten Begleiter.

Performance & Kamera: AI trifft Präzision

Im Inneren arbeitet der maßgeschneiderte Snapdragon® 8 Elite Gen 5 for Galaxy Prozessor, der CPU-, GPU- und NPU-Leistung deutlich steigert. Verbesserte Wärmeableitung sorgt selbst bei Gaming oder Videoaufnahmen für konstante Performance.

Die bisher beste Galaxy Kamera

Das S26 Ultra überzeugt mit größeren Blendenöffnungen für mehr Lichtaufnahme und klarere Details – selbst bei schwierigen Lichtverhältnissen.

Features wie:

• Nightography Video für lebendige Low-Light-Aufnahmen
• Optimiertes SuperSteady für stabilere Videos
• AI-gestützte Bildbearbeitung via Photo Assist

machen Content Creation intuitiver denn je.

Mit Creative Studio lassen sich Skizzen, Fotos oder Text-Prompts direkt in ausgefeilte Designs verwandeln – ohne App-Wechsel, ohne kreative Unterbrechung.

Proaktive Galaxy AI im Alltag

Galaxy AI denkt mit.

• Now Nudge schlägt kontextbezogen passende Fotos oder Termine vor
• Now Brief liefert personalisierte Updates wie Trainings-Playlists oder Reminder
• Finder versteht semantische Suchanfragen wie „Wann geht mein Flug diese Woche?“
• Circle to Search mit Google erkennt mehrere Objekte gleichzeitig

Die AI arbeitet im Hintergrund – Nutzer:innen erleben nur die Leichtigkeit.

Galaxy Buds4 Serie: Hi-Fi Sound trifft adaptive Intelligenz

Parallel zur Smartphone-Serie stellt Samsung die neue Samsung Galaxy Buds4 Pro und Samsung Galaxy Buds4 vor.

Digital entwickeltes Design

Basierend auf über 100 Millionen globalen Ohrdatenpunkten und mehr als 10.000 Simulationen wurde die ergonomische Passform optimiert.

Das ultraschlanke Design sorgt für ganztägigen Komfort und Stabilität.

24-Bit Hi-Fi Audio & adaptives ANC

Die Galaxy Buds4 Pro verfügen über einen breiteren Tieftonlautsprecher mit rund 20 % größerer effektiver Lautsprecherfläche.

Gemeinsam mit Hochtonlautsprechern unterstützen sie 24-Bit/96-kHz-Audio für klangtreuen Hi-Fi-Sound.

Die verbesserte adaptive ANC/EQ-Technologie analysiert Tragebedingungen und Ohrform in Echtzeit und passt Klang sowie Geräuschunterdrückung intelligent an.

Ob Flugzeug, Straßenbahn oder Restaurant – der Sound bleibt klar und immersiv.

AI zum Hören: Sprachsteuerung & Head Gesture

In Kombination mit der Galaxy S26 Serie ermöglichen die Buds4:

• Starten von AI-Agenten per Sprachbefehl
• Anrufe annehmen oder ablehnen via Kopfbewegung
• Freihändige Steuerung im Alltag

Technologie wird unsichtbar – und genau dadurch relevanter.

Verfügbarkeit & Preise in Österreich

Galaxy S26 Serie:

• S26 Ultra ab EUR 1.449,- (UVP)
• S26+ ab EUR 1.249,- (UVP)
• S26 ab EUR 999,- (UVP)
• Verkaufsstart: 11.03.2026

Galaxy Buds4 Serie:

• Buds4 Pro ab EUR 249,- (UVP)
• Buds4 ab EUR 179,- (UVP)

Vorbestell-Aktion  

Kundinnen und Kunden, die vom 25.02.2026 bis inklusive 10.03.2026 im Samsung Online Shop oder im ausgewählten österreichischen Handel ein Samsung Galaxy S26 Ultra, Galaxy S26+ oder Galaxy S26 vorbestellen, erhalten einen 200€ Vorteil (im Vergleich zum UVP) beim Kauf der größeren Speichervariante z.B. 512GB zum Preis von 256GB)²⁵ Zusätzlich gibt es auf die neuen Galaxy Buds4 Pro oder Galaxy Buds4 -10% Rabatt beim gleichzeitigen Kauf einer Galaxy S26 Serie.

Es gelten die Teilnahmebedingungen auf vorbestellung.samsung.at.  

Mit der Galaxy S26 Serie und den Galaxy Buds4 verschiebt Samsung die Grenze zwischen Technologie und Intuition.

AI wird persönlicher. Privatsphäre wird smarter. Klang wird immersiver.

Ein Schritt in Richtung eines vernetzten, bewussteren digitalen Lebens – ganz im Sinne eines modernen Mindful Tech-Lifestyles.

Ein Coffee Table Book, das mehr ist als Inspiration – es ist eine Haltung.

Als Magazin für Mindful Living beobachten wir bei THE Stylemate seit Jahren, wie sich Reisen verändert. Es geht nicht mehr nur um Destinationen, sondern um Bedeutung. Nicht nur um Design, sondern um Tiefe. Die 22. Edition von Lifestylehotels THE BOOK trifft genau diesen Nerv.

Mit dem Titel Stylish Retreats for Inspiring Timeouts versammelt die neue Ausgabe Orte, an denen Ästhetik, Achtsamkeit und moderne Gastlichkeit in Einklang stehen. Orte, die Raum geben – für Rückzug, Reflexion und neue Perspektiven.

Ein visuelles Statement

Auch in ihrer 22. Ausgabe bleibt die Publikation dem Anspruch treu, nicht nur Inhalt, sondern Erlebnis zu sein. Über 350 kunstvoll gestaltete Seiten, rund 1.500 hochwertige Fotografien und eine sorgfältige kuratorische Handschrift machen das Buch zu einem echten Sammlerstück.

Das Cover ziert eines der neuen Mitgliedshotels auf Menorca: Vestige Son Vell. Die restaurierte Finca vereint historische Architektur mit zeitgenössischer Zurückhaltung – ein Sinnbild für jene Form von Luxus, die wir bei THE Stylemate besonders schätzen: leise, durchdacht, nachhaltig.

Neue Orte, neue Perspektiven

Neben Menorca finden sich neue Mitgliedshotels in Mallorca, Südtirol und Österreich – Häuser, die Ästhetik und Qualität als Kern moderner Gastlichkeit verstehen. Viele von ihnen setzen auf Farm-to-Table-Konzepte, arbeiten mit lokalen Künstler:innen zusammen oder entwickeln ressourcenschonende Modelle für eine verantwortungsvolle Zukunft der Hotellerie.

Für uns bei THE Stylemate ist genau diese Verbindung aus Design, Haltung und Vision entscheidend. Lifestylehotels THE BOOK dokumentiert nicht nur außergewöhnliche Architektur, sondern eine Bewegung: hin zu bewussterem Reisen und echter Experience.

Jetzt im THE Stylemate Online Shop

Die 22nd Edition ist ab sofort im Presale erhältlich und wird bis Anfang/Mitte April 2026 ausgeliefert.

Format: 21 × 29 cm
Umfang: über 350 Seiten
Fotografien: ca. 1.500
Preis: € 79 inkl. kostenlosem Versand (EU + CH)

Das Buch ist auch im THE Stylemate Online Shop erhältlich – sorgfältig ausgewählt für alle, die Design nicht nur sehen, sondern fühlen möchten.

Ein inspirierender Begleiter für alle, die Orte suchen, an denen man nicht nur ankommt – sondern aufblüht.