Ein Hotel mit einer eigenen Handschrift. Eine Destination, die Natur und Lebensfreude zusammenbringt. Mit dem ESH Hotel & Spa erweitert Lifestylehotels seine Kollektion erstmals um eine Adresse in Costa Rica.

Manchmal erzählt ein neues Mitglied besonders viel über die Kollektion, der es sich anschließt. Beim ESH Hotel & Spa in Nosara ist das der Fall: Das Haus hat eine unverwechselbare Architektur, eine persönliche Geschichte und eine enge Beziehung zu seiner Umgebung. Für Lifestylehotels beginnt damit zugleich ein neues Kapitel – Costa Rica ist erstmals Teil des Portfolios.

Ein Haus, das man nicht vergisst

ESH liegt im Grünen nahe der Pazifikstrände Playa Guiones und Playa Pelada. Seine 29 Zimmer, Suiten und Villen verteilen sich auf Gebäude, zwischen denen Wege, Höfe und erhaltene Bäume immer wieder hinaus in die Landschaft führen. Beton, dunkles Holz und üppige Vegetation ergeben eine Architektur, die im Gedächtnis bleibt.

Hinter dem Hotel stehen Jaime und Miri Bravo. Gemeinsam haben sie einen Ort geschaffen, an dem sich Ruhe und Bewegung ganz selbstverständlich abwechseln können: ein Morgen am Pazifik, Zeit im Spa, Yoga oder ein Abend im Restaurant Almar. ESH gibt Gästen viele Möglichkeiten, Nosara auf ihre eigene Weise zu erleben.

Costa Rica fühlt sich plötzlich ganz nah an

Seit 2001 sucht Lifestylehotels nach Häusern mit eigenständigen Ideen, überzeugender Gestaltung und Gastgebern, deren Vision spürbar wird. ESH erfüllt diesen Anspruch auf eine Weise, die neugierig macht: Das Hotel ist sorgfältig gestaltet, ohne die Natur zur bloßen Kulisse werden zu lassen. Und es liegt in einem Land, das dem Schutz seiner außergewöhnlichen Landschaften einen hohen Stellenwert gibt.

Mit ESH gewinnt Lifestylehotels ein besonderes neues Mitglied – und Costa Rica einen Platz in der Kollektion. Über das Hotel, seine Menschen und die Destination gibt es noch viel mehr zu erzählen. Dies ist der Anfang.

In einem Hotelzimmer steht das Bett normalerweise an der Wand. Der Flur endet an der Zimmertür. Und wenn irgendwo etwas einen Riss bekommt, wird es repariert. Logisch. Bis man das K5 Hotel Tokio betritt. Denn hier beginnt erstaunlich vieles mit einer einfachen Frage: Warum muss es eigentlich so sein?

Ein Haus, das seine Vergangenheit nicht versteckt

1923 entsteht im Tokioter Finanzviertel Kabutochō ein Bankgebäude, entworfen vom japanischen Architekten Yoshitoki Nishimura. Fast hundert Jahre später stehen die schwedischen Architekten von Claesson Koivisto Rune im selben Haus – mit der Aufgabe, daraus etwas völlig Neues zu machen.

Sie beginnen nicht von vorne. Als das K5 Hotel Tokio 2020 eröffnet, darf man dem Gebäude sein Alter weiterhin ansehen. Roher Beton bleibt sichtbar, historische Parkettböden, Fenster, hohe Räume und Spuren verschiedener Zeiten werden bewahrt. Alt und neu versuchen hier nicht, sich gegenseitig zu verdrängen. Vielleicht funktioniert gerade deshalb so gut, was danach passiert. Denn hinter den fast hundert Jahre alten Mauern ist kein Hotel entstanden, das nur zurückblickt. Sondern ein Ort, an dem offenbar niemand Angst davor hatte, ein paar ungewöhnliche Fragen zu stellen.

Wenn Räume ihre Regeln ändern

Die Korridore wurden auf die lautere, der Straße zugewandte Seite des Gebäudes gelegt – weiter weg von den Hotelzimmern. Das Bodenmuster wiederum läuft einfach durch die Zimmertür hindurch weiter. Fast so, als hätte jemand vergessen, die Grenze zwischen Flur und Zimmer einzuzeichnen. Und dann ist da das Bett. Mitten im Raum. Darüber hängt ein großer, kreisförmiger Vorhang aus transparentem, indigogefärbtem Stoff. Zieht man ihn zu, entsteht ein eigener Raum im Raum. Öffnet man ihn wieder, gehört alles zusammen. Die Idee erinnert auch an die japanische Tradition von Tatami und Futon, bei der der Schlafplatz nicht automatisch durch ein dauerhaft an einer Wand stehendes Möbelstück bestimmt wird.

wer jetzt denkt, damit wären die ungewöhnlichen Ideen abgehakt, sollte ein paar Stockwerke nach unten gehen. Im Erdgeschoss gehen unterschiedliche gemeinschaftliche und gastronomische Bereiche ineinander über. Und im Untergeschoss versteckt sich sogar eine Beer Hall – der Tokioter Standort der Brooklyn Brewery. Oben, auf den Hoteletagen, beginnt währenddessen eine völlig andere Welt: die der Ruhe. Ein Gebäude. Unzählige Rollen. Und immer weniger Gründe, zwischen ihnen klare Grenzen zu ziehen.

Dafür gibt es sogar ein Wort

Aimai. Ein japanischer Begriff für etwas, das nicht eindeutig definiert ist. Etwas, das irgendwo dazwischenliegt. Dessen Grenze sich nicht ganz klar ziehen lässt. Die Architekten von Claesson Koivisto Rune machten genau diesen Gedanken zu einem der Grundprinzipien des K5. Und plötzlich ergibt alles, was wir bisher gesehen haben, Sinn. Der Flur darf ein bisschen Teil des Zimmers sein. Ein Raum kann mehrere Funktionen haben. Ein Vorhang kann einen neuen Raum entstehen lassen. Und ein fast hundert Jahre altes Gebäude kann gleichzeitig seine Vergangenheit bewahren und etwas völlig Neues beginnen.

Man muss sich nicht entscheiden. Vielleicht ist genau das der spannendste Teil des Designs im K5. Es funktioniert nicht deshalb, weil möglichst viele schöne Dinge darin platziert wurden. Sondern weil wir plötzlich anders auf Dinge schauen, die wir längst für selbstverständlich gehalten haben.

Ein Riss aus Gold

Früher oder später bekommt selbst die schönste Architektur einen Kratzer. Oder eben einen Riss. In den gefliesten Bereichen der oberen Etagen können durch die Bewegungen des alten Gebäudes feine Risse entstehen. Man könnte die betroffenen Fliesen austauschen und so tun, als wäre nie etwas passiert. Im K5 entschied man sich für eine andere Lösung. Die Risse werden mit Gold hervorgehoben – angelehnt an die japanische Idee des Kintsugi, bei der Beschädigungen nicht versteckt, sondern sichtbar Teil der Geschichte eines Gegenstands werden. Und eine passendere Antwort könnte dieses Haus kaum finden. Ein Gebäude von 1923 muss nicht aussehen, als wäre es 2020 gebaut worden.

Ein Hotel muss nicht nur Hotel sein. Ein Bett muss nicht an der Wand stehen. Und etwas muss nicht verschwinden, nur weil es nicht perfekt ist. Das ehemalige Bankgebäude ist heute Teil eines neuen Kapitels für Kabutochō – ein Viertel, das selbst nach einer neuen Rolle gesucht hat und bei dessen Wiederbelebung auch das K5 eine Rolle spielen sollte. Und wir? Wir haben am Ende ein neues japanisches Wort gelernt, sind im Keller einer ehemaligen Bank auf ein Bier gegangen, haben ein paar Grenzen überschritten, ohne es überhaupt zu merken, und festgestellt, dass selbst ein Riss nicht unbedingt ein Problem sein muss.

Bleibt eigentlich nur noch eine ziemlich einfache Frage: Warum eigentlich nicht?

Smart Traveller

K5 Hotel Tokio

Lust bekommen, das K5 selbst zu entdecken? Mit THE Stylemate Smart Traveller Gutschein wird aus „Warum eigentlich nicht?“ vielleicht schon bald Tokio.

The Zetter denkt Boutiquehotellerie nicht als reproduzierbares Designkonzept, sondern als Sammlung eigenwilliger Häuser. Nach Clerkenwell, Marylebone und dem im April 2026 eröffneten The Zetter Bloomsbury wagt die britische Gruppe 2027 erstmals den Schritt über London hinaus – in ein historisches Grachtenhaus in Amsterdam.

Es gibt Hotels, deren Gestaltung sich an jedem Ort wiedererkennen lässt. Und es gibt The Zetter. Die britische Hotelgruppe setzt nicht auf ein Design, das von Adresse zu Adresse kopiert wird, sondern auf eine gemeinsame Haltung: Jedes Haus soll sich anfühlen wie eine private Residenz, die im Laufe vieler Jahre gewachsen ist.

Antiquitäten stehen neben zeitgenössischer Kunst, gemusterte Stoffe treffen auf verblasstes Holz, Bücherregale auf gut bestückte Bars. Nichts wirkt vollkommen aufeinander abgestimmt – und gerade darin liegt die Raffinesse. The Zetter bezeichnet diese Haltung selbst als „timeless imperfection“: eine zeitlose Unvollkommenheit, die Räumen Wärme, Persönlichkeit und Glaubwürdigkeit verleiht.

Keine Hotels, sondern Persönlichkeiten

Die Häuser in Clerkenwell, Marylebone und Bloomsbury besitzen jeweils eine eigene Identität. Verbunden werden sie weniger durch eine wiederkehrende Ästhetik als durch das Gefühl, zu Gast in einem außergewöhnlichen Zuhause zu sein.

Ein wichtiger Bestandteil sind die sogenannten Parlours. Sie ersetzen die klassische Hotellobby durch Salons, in denen man frühstückt, einen Cocktail trinkt oder sich mit Freunden trifft. Sie richten sich bewusst nicht ausschließlich an Hotelgäste. Dadurch entstehen lebendige Orte, die in ihr Viertel eingebunden sind und auch von Londonern besucht werden.

The Zetter verkauft damit nicht nur Übernachtungen, sondern ein temporäres Lebensgefühl: kultiviert, ein wenig exzentrisch, sehr britisch und nie überinszeniert. Der Luxus liegt nicht in Marmorflächen oder demonstrativer Perfektion, sondern in Atmosphäre, Großzügigkeit und Details, die eine Geschichte erzählen.

Bloomsbury: Wohnen bei einem imaginären Sammler

Wie weit sich diese Idee entwickeln lässt, zeigt das am 1. April 2026 eröffnete The Zetter Bloomsbury. Das Hotel befindet sich in sechs miteinander verbundenen georgianischen Stadthäusern an der Montague Street, direkt gegenüber dem British Museum und nahe dem Russell Square.

Mit 68 Zimmern ist Bloomsbury das bisher ambitionierteste Haus der Gruppe – und zugleich das erste neue Zetter Hotel seit rund einem Jahrzehnt. Trotz seiner Größe soll es nicht wie ein klassisches Stadthotel wirken. Interior Designer James Thurstan Waterworth, der zuvor unter Martin Brudnizki arbeitete und später als European Design Director den Stil von Soho House mitprägte, entwickelte das Haus als „Collector’s Residence“: als Wohnsitz eines weit gereisten, kunstinteressierten Sammlers.

Vier Jahre lang wurden Möbel, Stoffe, Kunstwerke und Objekte auf Auktionen, bei Antiquitätenhändlern und auf Märkten zusammengetragen. Europäische Antiquitäten treffen auf Mid-Century-Möbel, afrikanische Textilien und eigens für das Hotel gefertigte Details. Mehr als 500 Kissen entstanden aus historischen Stoffen, türkische Teppiche wurden zu Ottomanen verarbeitet. Zur Sammlung gehören Werke der britischen Nachkriegsmoderne sowie über 600 alte Kunst- und Auktionskataloge.

Die Nähe zum British Museum ist dabei mehr als eine attraktive Lage. Sie prägt die Erzählung des Hotels. Vitrinen, Bücher, Textilien und Fundstücke lassen an ein privates Kuriositätenkabinett denken – nicht als museale Inszenierung, sondern als vielschichtiges Interieur, das erst beim genaueren Hinsehen seine Geschichten preisgibt.

Ein Hotel als moderner Salon

Bloomsbury war über Jahrzehnte ein Treffpunkt von Schriftstellern, Künstlern und Intellektuellen. Virginia Woolf, E. M. Forster und John Maynard Keynes sind untrennbar mit dem Viertel verbunden. The Zetter übersetzt diese Tradition des Austauschs in die Gegenwart.

Im Parlour werden Cocktails und kleine Gerichte serviert, während sich die lichtdurchflutete Orangery zum Garten hin öffnet. Frühstück, Afternoon Tea, sommerliche Dinner und wechselnde Gastköche sollen nicht nur Reisende, sondern auch die kreative Nachbarschaft ansprechen.

Eine Besonderheit ist der rund 1.000 Quadratmeter große private Garten. Die Landschaftsarchitekten Harry und David Rich verwandelten die zuvor ebene Fläche in einen verwunschenen Rückzugsort mit britischen und subtilen japanischen Einflüssen. Ergänzt wird er durch eine Yoga-Terrasse – ein bemerkenswerter Freiraum mitten in London.

Die Zimmer reichen von kleinen, holzvertäfelten Rückzugsorten bis zur Terrace Suite mit Himmelbett, freistehender Badewanne und umlaufender Terrasse. Kein Zimmer soll exakt wie das andere aussehen. Die historischen Grundrisse der sechs ehemaligen Wohnhäuser werden nicht kaschiert, sondern als Teil ihres Charakters bewahrt.

Warum Amsterdam der logische nächste Schritt ist

Anfang 2027 verlässt The Zetter erstmals Großbritannien. Das The Zetter 717 Amsterdam entsteht an der Prinsengracht im UNESCO-geschützten Amsterdamer Grachtengürtel. Das Fünf-Sterne-Boutiquehotel wird lediglich 24 Zimmer besitzen und damit bewusst intim bleiben.

Die Wahl Amstersterdams erscheint keineswegs zufällig. Wie London verbindet die Stadt historische Architektur mit einer international ausgerichteten Kreativszene. Vor allem aber bietet das Gebäude genau jene Substanz, aus der The Zetter seine Geschichten entwickelt: Der vordere Teil des Grachtenhauses wurde 1810 im Empire-Stil errichtet, während ein rückwärtiger Gebäudeteil bis ins niederländische Goldene Zeitalter des 17. Jahrhunderts zurückreicht.

Amsterdam ermöglicht der Marke somit eine Expansion, ohne ihr Prinzip aufzugeben. The Zetter muss hier keine britische Kulisse exportieren. Stattdessen kann die Gruppe ihre eigentliche Kompetenz zeigen: ein historisches Haus zu lesen, seine Eigenheiten zu bewahren und daraus eine neue, ortsspezifische Persönlichkeit zu entwickeln.

Erneut wurde James Thurstan Waterworth mit der Gestaltung beauftragt. Gealtertes Messing, wiedergewonnenes Holz, antike Spiegel und schwere Textilien sollen eine Atmosphäre schaffen, die gesammelt statt dekoriert wirkt. Der botanisch gestaltete Garden Room wird beim Frühstück den Blick in den privaten Garten öffnen. Die Library mit Bücherwänden, rost- und terrakottafarbenen Tönen sowie dunkler Eiche ist für Drinks und kleine Gerichte vorgesehen.

Geleitet wird das Haus von General Manager Yara Al Hattouni. Dass The Zetter dabei ausdrücklich auf ihre lokale Kenntnis setzt, ist entscheidend: Amsterdam soll keine niederländische Kopie von Bloomsbury werden, sondern ein Haus, das die Energie der Stadt aus einer persönlichen Perspektive aufnimmt.

Wachstum ohne Verlust der Eigenart

The Zetter 717 Amsterdam könnte zum Modell für die weitere Entwicklung der Gruppe werden. Die Marke ist stark genug, um wiedererkannt zu werden, aber offen genug, um sich jedem Gebäude und jedem Viertel neu anzupassen.

Gerade darin liegt ihre Relevanz für die zeitgenössische Hotellerie. Während viele Lifestylemarken mit zunehmender Expansion standardisierter werden, versucht The Zetter das Gegenteil: Nicht das fertige Konzept reist weiter, sondern die Haltung dahinter.

So betrachtet ist Amsterdam weniger der Beginn einer internationalen Kette als das nächste Kapitel einer Sammlung. Ein neues Haus, eine andere Stadt, eine eigene Geschichte – verbunden durch die Kunst, Gästen für einige Tage das Gefühl zu geben, an einem Ort zu wohnen, der schon lange auf sie gewartet hat.

180 Hektar Land. Ein Herrenhaus aus dem 18. Jahrhundert. 1.537 neu gepflanzte Bäume. Ein Gemüsegarten, aus dem später ein Teil des Abendessens kommt. Ein Weg, der bis hinunter zum Meer führt. Und gleich daneben ein historischer Pfad, der einmal rund um Menorca verläuft. Wo fangen wir an?

Am besten einfach irgendwo. Denn im Vestige Son Vell führt erstaunlich oft eine Entdeckung zur nächsten. Wir gehen los, weil wir zum Meer wollen, bleiben unterwegs im Garten hängen, landen plötzlich auf einem jahrhundertealten Weg und kommen später in ein Haus zurück, in dem selbst der Boden eine Geschichte erzählt. Eigentlich wollten wir uns doch nur ein bisschen umsehen.

Einfach losgehen

Son Vell endet nicht am Pool oder beim letzten Liegestuhl. Das rund 180 Hektar große Anwesen erstreckt sich bis hinunter zur Küste und war lange bevor hier Gäste eincheckten zugleich herrschaftlicher Landsitz und bewirtschaftetes Landgut. Seine Geschichte ist bis heute zwischen Olivenbäumen, Zitrusfrüchten, mediterranen Gärten und dem eigenen Bio-Gemüsegarten sichtbar. Bei der Restaurierung wurde außerdem nicht nur das Herrenhaus wiederbelebt: 1.537 Bäume wurden gepflanzt, um die Regeneration der Landschaft und die Biodiversität zu fördern.

Wir gehen weiter, bis zur Cala Son Vell. Zu Fuß oder mit dem Fahrrad führt der Weg durch das Anwesen dorthin, und irgendwo unterwegs wird aus „Wir schauen nur kurz“ plötzlich „Und was ist eigentlich dort hinten?“

Die Antwort: der Camí de Cavalls. Der historische „Weg der Pferde“ führt einmal rund um Menorca. Über Jahrhunderte diente er unter anderem dazu, die Küste der Insel zu erreichen und zu überwachen. Heute lässt er sich zu Fuß, mit dem Fahrrad und auf bestimmten Abschnitten auch zu Pferd erkunden. Wir wollten eigentlich nur zum Meer. Jetzt stehen wir auf einem Weg, auf dem wir theoretisch einfach weitergehen könnten. Einmal rund um die Insel.

Beim zweiten Blick sieht man mehr

Nach so viel Landschaft könnte man beinahe vergessen, dass hinter uns eines der interessantesten Gebäude des Anwesens steht.

Die Geschichte Son Vells reicht weit zurück. 1762 kaufte der menorquinische Adelige Josep Vigo Squella das Anwesen, später entwickelte sich aus dem ursprünglichen Landhaus jene repräsentative Villa, die wir heute sehen. An der Fassade finden sich noch immer steinerne Adler und die Jahreszahl 1829. Und wenn wir schon einmal genauer hinschauen, machen wir gleich weiter. Bei der Restaurierung kamen unter später hinzugefügten Schichten alte Mauern aus lokalem Marès-Stein zum Vorschein. Historische Holzbalken und Türen wurden erhalten, ebenso wie mehr als zweihundert Jahre alte Terrakottaböden.

Plötzlich sehen wir denselben Raum ein wenig anders als beim ersten Betreten. Nicht, weil sich etwas verändert hätte. Sondern weil wir jetzt wissen, worauf wir schauen.

Vom Garten auf den Teller

Und dann begegnet uns etwas wieder, an dem wir vor ein paar Stunden schon vorbeigelaufen sind.

Was im Bio-Gemüsegarten des Anwesens wächst, findet seinen Weg in die Küche von Son Vell. Küchenchef Joan Bagur verbindet die Ernte des eigenen Gartens mit Produkten von Menorcas Land und Küste.

Im Restaurant Vermell – vermell bedeutet auf Menorquinisch „rot“ –begegnen uns einige der Zutaten aus dem Garten später auf dem Teller wieder.

Und weil wir heute ohnehin schon einiges über Menorca gelernt haben, nehmen wir an der Bar gleich noch eine Lektion dazu. Diesmal in flüssiger Form. Die Pomada gehört zu den Klassikern der Insel: menorquinischer Gin trifft auf Limonade. Dagegen haben wir wenig einzuwenden.

Noch einmal nach oben schauen

Eigentlich könnte der Tag jetzt vorbei sein. Aber Son Vell hat noch eine Richtung übrig, in die wir bisher kaum geschaut haben: nach oben. Stargazing gehört hier ebenso zu den Erlebnissen wie Reiten, Yoga, Bootsfahrten oder Ausflüge nach Ciutadella. Und so endet ein Tag, der mit der Frage begonnen hat, wo wir überhaupt anfangen sollen, unter dem menorquinischen Nachthimmel. Wir sind durch ein ehemaliges Landgut gelaufen, bis ans Meer gekommen, ein Stück auf einem Weg gegangen, der Menorca umrundet, haben plötzlich auf zweihundert Jahre alte Böden geachtet und später gegessen, was wenige Stunden zuvor noch im Garten gewachsen ist.

Wo hört Son Vell auf und wo beginnt Menorca? Nach einem Tag hier wissen wir es immer noch nicht.

Dafür wissen wir ziemlich genau, warum wir morgen noch ein Stück weitergehen wollen.

Im neuen Hôtel LULU trifft die intellektuelle Eleganz der Rive Gauche auf Sichtbeton, Vintage-Design und mediterrane Farben. Vanessa Scoffier hat damit kein weiteres hübsches Boutiquehotel geschaffen, sondern eine eigenwillige Pariser Persönlichkeit.

Paris braucht eigentlich kein neues Hotel. Was die Stadt braucht, sind neue Orte mit Haltung. Häuser, die nicht versuchen, jedem zu gefallen, sondern eine eigene Vorstellung davon entwickeln, wie man heute wohnen, ankommen und miteinander Zeit verbringen möchte. Das gerade eröffnete Hôtel LULU am Boulevard du Montparnasse ist genau so ein Ort.

Nur wenige Schritte vom Jardin du Luxembourg entfernt treffen rohe Materialien auf weiche Texturen, Designklassiker auf Fundstücke und Pariser Ernsthaftigkeit auf eine gehörige Portion Humor. LULU ist modernistisch, ohne museal zu wirken. Intellektuell, aber nicht unnahbar. Und gerade eigenwillig genug, um neugierig zu machen.

Eine neue Figur am linken Seineufer

Der Name klingt vertraut, fast wie der Kosename einer Person, die man schon lange kennt. Tatsächlich ist LULU eine liebevolle Verkürzung des nahe gelegenen Jardin du Luxembourg. Ein Name, der zugleich an das freie, kreative und manchmal exzentrische Paris der Rive Gauche erinnert.

Hier, zwischen Montparnasse, Quartier Latin und Saint-Germain-des-Prés, eröffnet Vanessa Scoffier ihr zweites Hotelprojekt. Die frühere Modejournalistin, Stylistin, Dekorateurin und Hotelierin wurde mit dem Hôtel Henriette bekannt – einem charmanten, bohemienhaften Haus nahe der Rue Mouffetard. Für LULU wählt sie eine deutlich radikalere Sprache. Statt dekorativer Nostalgie bestimmen Sichtbeton, gebürsteter Edelstahl, Holz, recyceltes Glas und klare Linien das Bild.

Das Ergebnis ist kein kalkuliertes Designkonzept, das sich in drei Stichworten erklären lässt. Es ist eine Collage aus persönlichen Erinnerungen, Architektur, Mode, Kunst und gefundenen Dingen. Genau darin liegt seine Spannung.

Große Namen, persönliche Fundstücke

LULU verfügt über lediglich 27 Zimmer. Klein genug, um nicht in Routinen zu erstarren, und groß genug, um mehr als ein privates Gästehaus zu sein. In den öffentlichen Bereichen begegnen sich Entwürfe von Verner Panton, Tommaso Barbi, Florian Schulz, Curtis Jeré sowie Noomi Backhausen und Paul Brandborg für Søholm. Ein Corbi-Sofa von Klaus Uredat aus den 1970er-Jahren steht neben patinierten Spiegeln, Terrakottavasen, alten Büchern und Türen, die einst zu einem Schloss gehörten.

Dazwischen taucht eine für Vogue entstandene Fotografie von Manolo Campion auf. In den Korridoren durchbricht ein Leopardenmuster die kontrollierte Strenge des Hauses. Es sind genau solche Momente, die LULU davor bewahren, zu einem allzu korrekten Designhotel zu werden.

Hier wird Gestaltung nicht als Übung in Perfektion verstanden. Die Dinge dürfen unterschiedliche Geschichten erzählen. Nicht alles muss aus derselben Epoche stammen, nicht alles muss zusammenpassen. Es genügt, dass die einzelnen Elemente miteinander ins Gespräch kommen.

Auch die Geschichte des Gebäudes bleibt sichtbar. Während der Arbeiten wurde auf dem Dachboden eine alte Leuchtschrift des früheren Hôtel de Nice entdeckt. Sie blieb erhalten – wie eine kleine Erinnerung daran, dass ein Hotel nie ganz neu beginnt.

Vom Beton ans Mittelmeer

In den Zimmern wird der Ton leiser. Dicke Teppiche, naturfarbene Wände, Leinenvorhänge und zurückhaltende Materialien schaffen eine Atmosphäre, die eher an eine sehr gut eingerichtete Pariser Wohnung als an ein klassisches Hotelzimmer erinnert. Licht fällt durch die Fenster und öffnet den Blick über die Dächer der Stadt.

Dann kommt die Überraschung: Die Badezimmer leuchten in Rosa, Grün oder Blau. Vom Boden bis zur Decke verlegte Mosaike erinnern an Swimmingpools und an den Süden Frankreichs. Sie bringen Sonne, Farbe und eine beinahe filmische Stimmung in die reduzierte Welt des Hotels.

Der Kontrast ist präzise gesetzt. Beton und Edelstahl stehen für das Urbane, die farbigen Mosaike für eine imaginäre Reise ans Mittelmeer. Dazwischen entfaltet sich jene Form von Eleganz, die nicht durch Kostbarkeit entsteht, sondern durch eine sehr persönliche Auswahl.

Ein Hotel, das seinen Rhythmus verändert

Besonders interessant wird LULU dort, wo es aufhört, ausschließlich Hotel zu sein. Im Erdgeschoss öffnet sich das Haus zum Quartier. Morgens wird gefrühstückt, tagsüber verwandelt sich der Raum in einen Coffee-Shop, abends übernimmt das Piano.

Unter dem Glasdach des Wintergartens treffen Reisende auf Nachbarn, Kreative auf Flaneure und Hotelgäste auf Menschen, die nur auf einen Kaffee hereingekommen sind. Eine Feuerstelle, Bücher, offene Räume und das Klavier schaffen keine klassische Lobby, sondern eine kleine Bühne für das Pariser Alltagsleben.

Damit folgt LULU einer Entwicklung, die für die zeitgenössische Hotellerie entscheidend geworden ist: Ein relevantes Hotel definiert sich nicht mehr allein über seine Zimmer. Es muss Beziehung zu seinem Umfeld aufnehmen. Es muss Teil eines Viertels werden, statt lediglich darin zu stehen.

Bei LULU wirkt dieser Gedanke nicht wie eine nachträglich entwickelte Strategie. Er scheint vielmehr der Ausgangspunkt des gesamten Hauses gewesen zu sein.

Die Schönheit des Unfertigen

LULU besitzt jene seltene Qualität, zugleich gestaltet und intuitiv zu wirken. Nichts erscheint zufällig, doch auch nichts wurde so lange poliert, bis jede Spur von Persönlichkeit verschwunden ist. Das Hotel lässt Widersprüche zu: rohe und sanfte Materialien, modernistische Klarheit und Leopardenmuster, Pariser Intellekt und mediterrane Lebensfreude.

Vielleicht ist genau das zeitgemäßer Luxus: kein Überfluss und keine zur Schau gestellte Perfektion, sondern die Freiheit, einen Ort konsequent nach den eigenen Vorstellungen zu formen.

Paris hat also doch ein neues Hotel gebraucht. Nicht irgendeines, sondern eines wie LULU.

Hôtel LULU
155 Boulevard du Montparnasse
75006 Paris, Frankreich
27 Zimmer · Coffee-Shop · Wintergarten · Piano-Bar
hotelluluparis.com

In Los Angeles hat die Boutiquehotelgruppe Casetta eine Kirche aus dem Jahr 1931 in ein Hotel mit 25 Zimmern verwandelt. Das Hotel Lucile bewahrt Buntglasfenster, Kreuz und Kirchengewölbe – und schenkt Silver Lake einen neuen Ort für Kunst, Kulinarik und Begegnung.

Es gibt Gebäude, deren Geschichte sich nicht einfach überschreiben lässt. Sie bleibt in den Mauern, im Licht, in der besonderen Stille eines Raumes. Beim neuen Hotel Lucile in Los Angeles ist sie allgegenwärtig: in den hohen Gewölben, den restaurierten Buntglasfenstern, den alten Holzbalken und selbst im Kreuz auf dem Dach, das weiterhin bei Nacht leuchtet.

Fast ein Jahrhundert lang prägte die 1931 errichtete Bethany Presbyterian Church die Ecke von Lucile Avenue und Griffith Park Boulevard. Nach wechselnden Nutzungen und mehreren Jahren Leerstand begann für das Gebäude nun ein neues Kapitel. Die kalifornische Boutiquehotelgruppe Casetta verwandelte die ehemalige Kirche und das zugehörige Gemeindehaus in ein intimes Hotel mit 25 Zimmern, Restaurant, Café, Pool und Dachterrasse. Am 14. September 2026 öffnete das Hotel Lucile offiziell seine Türen.

Eine behutsame Form der Verwandlung

Für Architektur und Interior Design zeichnet das in Venice ansässige Studio Electric Bowery unter der Leitung von Lucia Bartholomew und Cayley Lambur verantwortlich. Ihr Entwurf folgt keiner inszenierten Kirchenästhetik. Vielmehr bewahrt er die Würde und räumliche Kraft des Bestands, während neue Farben, Möbel und Kunstwerke eine selbstbewusste Gegenwart einziehen lassen.

Die ursprünglichen Holzböden, Stahlfenster, Bögen und Deckenkonstruktionen wurden weitgehend erhalten. Juwelentöne treffen auf warmes Holz, historische Details auf maßgefertigte Sitzlandschaften und Vintage-Mobiliar. Electric Bowery beschreibt die Atmosphäre als eine Verbindung aus europäischer Villa, Ausstellungshaus und dem privaten Zuhause eines Galeristen – ein Ort, der kultiviert wirkt, ohne die entspannte Haltung von Los Angeles zu verlieren.

Wo früher die Gemeindeschule untergebracht war, liegen heute die Gästezimmer. Die Kategorien reichen vom kompakten Petit King über Signature- und Loft-Zimmer bis zur rund 50 Quadratmeter großen Lucile Suite mit Wohnbereich und privatem Innenhof. Helle, bewusst reduzierte Räume, Vintage-Stücke, handgefertigte Leuchten, Parachute-Bettwäsche und Pflegeprodukte von Aesop bestimmen das Bild.

Ein Hotel als bewohnte Galerie

Kunst ist im Hotel Lucile nicht Dekoration, sondern Teil der Identität. Mehr als 100 zeitgenössische Arbeiten sind über das Haus verteilt, viele davon können erworben werden. In den Zimmern und Gemeinschaftsräumen finden sich Werke von Künstlerinnen und Künstlern aus Los Angeles; wechselnde Ausstellungen und Artist-in-Residence-Programme sollen das Hotel langfristig mit der lokalen Kulturszene verbinden.

Besonders eindrucksvoll sind zwei großformatige Wandgemälde der klassisch ausgebildeten Ölmalerin Erin Lynn Welsh. Eines erinnert in tiefen Rottönen an den Eaton Canyon und die verheerenden Brände von 2025, das andere übersetzt die heimische Vegetation des Elysian Park in eine grüne Landschaft. So wird das Haus auch zu einem visuellen Porträt seiner Stadt.

Southern France trifft American South

Das räumliche und gesellschaftliche Zentrum des Hotels befindet sich im ehemaligen Kirchenschiff. Dort ist mit Sous Sous ein Restaurant entstanden, das südfranzösische Küche mit kulinarischen Einflüssen aus den amerikanischen Südstaaten und kalifornischen Produkten verbindet.

Chef Patrick Costa und Beverage Director Lee Zaremba servieren unter anderem Austern mit Espelette-Pfeffer, Bouillabaisse, Hush Puppies mit Honigbutter sowie Gemüse vom Farmers Market. Einige Kräuter wachsen direkt im Dachgarten des Hotels. Die Bar erinnert mit ihrer hohen, symmetrischen Form subtil an eine Kirchenorgel; auf der Karte stehen französische Weine kleiner Produzenten und Cocktails wie eine Green Tomato Margarita oder eine mit Kokos verfeinerte Interpretation des Sazerac.

Der frühere Chorraum wurde zu einer Lounge für Kaffee und Drinks, der Orgelboden dient heute als Meeting- und Veranstaltungsbereich. Hinzu kommen ein kleiner, beinahe verborgen wirkender Pool und eine nur Hotelgästen zugängliche Dachterrasse mit Blick über Silver Lake bis zur Skyline von Downtown Los Angeles.

Ein kleines Haus für die Nachbarschaft

Casetta – der Name bedeutet auf Italienisch „kleines Haus“ – hat sich auf die Wiederbelebung charaktervoller Gebäude spezialisiert. Zum Portfolio gehören unter anderem Casa Cody in Palm Springs, The Surfrider in Malibu, The Pearl in San Diego, Marina Riviera am Big Bear Lake und Hotel Willa in Taos.

Auch das Hotel Lucile möchte nicht allein Unterkunft sein. Sunday Brunches, Ausstellungen, ein Run Club, lokale Field Guides und kulturelle Programme sollen Gäste und Nachbarschaft zusammenbringen. Das ist gerade in Silver Lake von Bedeutung: Das kreative Viertel im Osten von Los Angeles besitzt zwar eine lebendige Restaurant-, Design- und Musikszene, verfügte bisher jedoch nur über wenige anspruchsvolle, kleinere Hotels.

Das Hotel Lucile gibt dem Viertel nun einen Ort, der seine Geschichte nicht museal konserviert, sondern weiterleben lässt. Aus einem ehemaligen Gotteshaus ist wieder ein Haus der Gemeinschaft geworden – offen für Reisende, Künstler, Nachbarn und all jene, die Los Angeles lieber aus der Nähe als aus der Distanz kennenlernen.

Zehn Zimmer, Weinberge vor der Tür, ein Restaurant mit offenem Feuer und viel Gespür für Handwerk: Mit dem Maison Le Chevreuil bekommt Meursault ein Boutique-Hotel, das nicht versucht, das Burgund neu zu erfinden. Es macht vielmehr spürbar, warum man diese Region liebt.

Es gibt Orte, deren Name bereits ein Versprechen ist. Meursault gehört dazu. Weinliebhaber denken an Chardonnay, an einige der berühmtesten Lagen des Burgunds, an Keller, deren Geschichten über Generationen weitergegeben wurden. Mitten in diesem kleinen Kosmos hat nun das Maison Le Chevreuil eröffnet – direkt am Dorfplatz, gegenüber dem historischen Rathaus und der Kirche.

Nach einer zweijährigen Restaurierung ist aus dem Haus ein Boutique-Hotel mit gerade einmal zehn Zimmern geworden. Klein genug, um persönlich zu bleiben. Und ambitioniert genug, um mehr sein zu wollen als nur ein schöner Ausgangspunkt für Entdeckungen in einer der faszinierendsten Weinregionen Frankreichs.

Ein Haus, das zu seinem Ort gehört

Das Maison Le Chevreuil versteht sich als offenes Haus für Reisende und Einheimische. Das klingt zunächst selbstverständlich, ist aber ein interessanter Gedanke in einer Zeit, in der sich viele Hotels zunehmend als eigene, von ihrer Umgebung unabhängige Welten inszenieren.

Hier ist es genau umgekehrt.

Die Gestaltung orientiert sich an der Kultur und Handwerkskunst des Burgunds. Maßgefertigte Möbel, warme Farbtöne, die an Wein und Landschaft erinnern, lokal gefertigte Details und Ausblicke auf die Weinberge oder den historischen Dorfplatz lassen das Haus mit seiner Umgebung verschmelzen. Auch die zweijährige Restaurierung wurde in Zusammenarbeit mit lokalen Handwerkern umgesetzt.

Es ist eine Form von Luxus, die weniger über Inszenierung als über Material, Herkunft und Zeit funktioniert.

Vom Weinberg an den Tisch

Natürlich wäre ein Haus in Meursault kaum denkbar, ohne dem Genuss einen entsprechend großen Platz einzuräumen. Das hauseigene Restaurant TERRE konzentriert sich auf saisonale Produkte aus dem Burgund und das Kochen über offenem Feuer.

Dazu kommen eine Weinbar und Außenterrassen – Orte, an denen das Burgund gewissermaßen selbst Teil des Hotelprogramms wird. Ein beheizter Swimmingpool setzt einen angenehm entspannten Kontrapunkt zwischen Weinverkostung, Dinner und einem Tag in den umliegenden Dörfern und Weinbergen.

Vielleicht liegt genau darin der Reiz des Maison Le Chevreuil: Man muss hier nicht permanent etwas erleben. Das Haus scheint vielmehr dazu einzuladen, sich auf den Rhythmus der Region einzulassen – essen, trinken, schlafen, spazieren, schauen. Und wieder von vorne.

Luxus endet nicht an der Bettkante

Dass dabei auch der Schlaf Teil des Gesamtkonzepts ist, erscheint fast logisch. Das Maison Le Chevreuil ist das erste Hotel Frankreichs, dessen sämtliche Zimmer mit handgefertigten Schlafsystemen von Hästens ausgestattet sind. Acht Zimmer verfügen über das Hästens 2000T, die beiden Suiten über das Modell Maranga. Gefertigt werden sie im schwedischen Köping aus natürlichen Materialien wie Rosshaar, Baumwolle, Wolle, Flachs und langsam gewachsener schwedischer Kiefer.

Die Kooperation passt erstaunlich gut zu diesem Ort. Denn Burgund und Hästens verbindet zumindest eine Idee: Qualität lässt sich nicht beliebig beschleunigen. Handwerk braucht Erfahrung, gute Materialien brauchen Herkunft – und manches wird schlicht besser, wenn man ihm Zeit gibt.

Im Zimmer ergänzen Pflegeprodukte von La Chênaie, großzügige Wohnbereiche und ausgewählte Designdetails dieses Verständnis von Komfort.

Zehn Zimmer für eine ganze Region

Das Maison Le Chevreuil könnte gerade deshalb interessant werden, weil es nicht versucht, möglichst viel Hotel auf möglichst großer Fläche zu bieten. Seine zehn Zimmer machen es eher zu einer Adresse, von der aus man das Burgund erleben kann – und zu der man nach einem langen Mittagessen, einer Degustation oder einer Fahrt durch die Weinberge gerne zurückkehrt.

Ein kleines Haus in einem kleinen Ort, umgeben von einer großen Kultur des Genusses.

Und vielleicht ist genau das die zeitgemäßeste Form von Luxus: nicht mehr, sondern besser.

250 Schritte liegen zwischen der berühmten Wiener Staatsoper und dem gleichnamigen Hotel Zur Wiener Staatsoper. Was sie verbindet? Eleganz, Geschichte und die eigentümliche Fähigkeit, sich für einen Moment aus dem Alltag zu lösen.

Die schönste Rolle? Gast sein!

Ein Opernabend beginnt nicht zwingend mit dem ersten Ton. Manchmal beginnt er auch schon im Zimmer oder der Suite. Etwas mehr als zwei Handvoll hält das feine Boutiquehotel Zur Wiener Staatsoper davon bereit. An den Zimmertüren stehen Namen von Komponisten, die unzertrennlich mit der Wiener Musikgeschichte verbunden sind : Mahler, Strauss, Tschaikowski oder Mozart. Namen, die schon im Kopf zu Musik werden, noch bevor das Orchester überhaupt Platz genommen hat. Für einen Moment ist man hier, in dem intimen Gründerzeithaus in der ruhigen Seitengasse, ganz bei sich. Weit entfernt vom eigenen Alltag, den ein oder anderen Gedanken schon bei Figaro, Tosca oder Violetta.

Vor dem ersten Akt

Das Kleid aus dem Koffer hängt schon am Kasten und wird noch einmal behutsam geglättet, das Sakko fein säuberlich zurechtgerückt – und dann: ein Blick in den Spiegel. Die Lippen werden nachgezogen. Ein vorfreudiges Lächeln setzt ein. Und vielleicht auch ein bisschen Aufregung. Ein Opernbesuch oder vielleicht sogar der Besuch des Opernballs sind oftmals nichts Alltägliches.

Ouvertüre zum großen Abend

Mit einem Aperitif im Schmuckstückchen, dem entzückenden Frühstücksraum des Hotels oder schon mit einem Fuß in der Innenstadt im neu eröffneten Schanigarten, gelingt die Einstimmung auf den stimmungsvollen Abend. Es muss ja nicht immer gleich das große Dinner sein. Und wenn doch, geben Hoteldirektorin Victoria Kreuzer und ihr Team ihre Tipps gerne weiter. Ebenso, wenn am Outfit noch etwas zu richten ist – oder für den besonderen Abend überhaupt erst das Passende gefunden werden muss.

Wo die Stadt den Ton angibt…

Und dann sind es nur noch wenige Schritte. Auch in hohen Schuhen gut zu bewältigen, wenn auch das Kopfsteinpflaster ein wenig Aufmerksamkeit verlangt. Ein kurzer Weg durch die Wiener Innenstadt, ein märchenhafter Auftritt – bis sich die Türen der Staatsoper öffnen und roter Samt, Stimmen und der Klang des Orchesters den Abend übernehmen.

…und der Applaus in Träume übergeht

Ein Besuch der Wiener Staatsoper gehört bei einem Aufenthalt in dem Boutiquehotel nahezu unweigerlich dazu. Nicht selten hallen auch nach der Vorstellung oder am nächsten Morgen beim Frühstück noch Stimmen durch das Haus: „Was für ein Sopran!“ – „Diese Inszenierung!“ – „Bei der letzten Szene hatte ich Gänsehaut.“ Die Oper mag vorbei sein, aber im Hotel klingt sie noch ein wenig nach. Vor allem rund um den Opernball, wenn der Abend mit Canapés und Häppchen eingeleitet wird und die Stimmung noch ein wenig aufgeregter ist als sonst.

250 Schritte liegen zwischen den Zimmern mit den Komponistennamen und der Opernloge. Nicht viel. Und doch weit genug, um dem Alltag für einen Abend zu entkommen.

Und genau das ist für mich das Schöne an unserem Standort: Man muss kein Opernexperte sein, um einen Opernabend in Wien zu lieben. Man muss sich nur darauf einlassen.

Victoria Kreuzer, Hoteldirektorin

Hotel Zur Wiener Staatsoper is a member of Lifestylehotels

Fotos: Hotel Zur Wiener Staatsoper; WienTourismus/Paul Bauer

Zwischen Wasser und Alpen, Obstgärten und Architektur zeigt sich der Bodensee von einer Seite, die man vielleicht viel öfter entdecken sollte. Im Seegut Zeppelin bei Friedrichshafen bekommt die alte Idee der Sommerfrische eine überraschend zeitgemäße Interpretation – und für THE Stylemate Leser gibt es mit dem Smart Traveller einen besonders guten Grund, sie selbst zu erleben.

Ein See, vier Länder und ziemlich viel Freiheit

Vielleicht liegt der besondere Reiz des Bodensees darin, dass er sich nie so ganz festlegen lässt. Deutschland? Österreich? Schweiz? Ein kleiner Abstecher nach Liechtenstein? Am Bodensee werden Grenzen erstaunlich nebensächlich.

Viel wichtiger ist das Wasser.

Mal liegt es glatt und beinahe silbern vor einem, mal verschwindet das gegenüberliegende Ufer im Dunst, und an klaren Tagen bildet das Alpenpanorama eine Kulisse, die daran erinnert, wie außergewöhnlich die Lage dieses Sees eigentlich ist. Dazu kommen Weinberge und Obstgärten, historische Städte, zeitgenössische Kultur und eine Landschaft, die sich hervorragend mit dem Fahrrad, zu Fuß oder vom Wasser aus entdecken lässt.

Vielleicht ist genau das die schönste Art, den Bodensee zu bereisen: ohne allzu großen Plan.

Am Vormittag mit dem Schiff über den See, am Nachmittag durch einen Garten spazieren, ein Museum besuchen oder einfach irgendwo am Ufer sitzen und beobachten, wie Segelboote langsam am Horizont verschwinden.

Friedrichshafen fügt dieser Landschaft noch eine weitere Dimension hinzu: den Pioniergeist. Die Geschichte der Zeppeline ist bis heute eng mit der Stadt verbunden. Das Zeppelin Museum besitzt auf rund 4.000 Quadratmetern die weltweit größte Sammlung zur Geschichte der Luftschifffahrt, während das Dornier Museum ein Jahrhundert Luft- und Raumfahrtgeschichte erzählt. Und wer möchte, kann die Region sogar aus jener Perspektive erleben, die Friedrichshafen berühmt gemacht hat: aus der Luft, bei einem Flug mit einem Zeppelin.

Die neue Sommerfrische

Ein paar Kilometer außerhalb des Zentrums von Friedrichshafen liegt Fischbach. Und hier, direkt am See, findet sich ein Ort, der erstaunlich gut zum Bodensee passt: das Seegut Zeppelin, Member of Lifestylehotels.

Vier Hektar Landschaftspark, jahrhundertealte Bäume und ein eigener Zugang zum Bodensee bilden die Kulisse. Dazwischen stehen eine historische Villa und vier zurückhaltende zeitgenössische Gebäude.

Interessanterweise begann die Geschichte dieses Ortes lange bevor hier Hotelgäste eincheckten. 1907 kaufte der Reutlinger Textilfabrikant Gustav Gminder das Grundstück als „Sommerfrische“ für seine Familie und ließ die Villa Gminder errichten. Nach einer wechselvollen Geschichte wurde das Anwesen umfassend revitalisiert.

Heute könnte man sagen: Die Sommerfrische ist zurück.

Nur sieht sie im 21. Jahrhundert etwas anders aus.

Architektur, die sich zurücknimmt

Die denkmalgeschützte Villa Gminder bildet noch immer das historische Herz des Seeguts. Um sie gruppieren sich Haus Ferdinand, Haus Helene, Haus Isabella und Haus August – benannt nach Mitgliedern der Familie von Zeppelin.

Ihre dunkel lasierten Fichtenholzfassaden und begrünten Zeltdächer versuchen nicht, mit der Landschaft zu konkurrieren. Im Gegenteil: Die Architektur nimmt sich bewusst zurück.

Das ist vielleicht eine der angenehmsten Eigenschaften des Seegut Zeppelin. Hier wurde nicht versucht, möglichst viel Hotel auf möglichst wenig Fläche unterzubringen. Der eigentliche Luxus ist Raum.

Raum zwischen den Häusern. Raum unter alten Bäumen. Raum am Wasser.

Die insgesamt 62 Zimmer öffnen sich mit Balkon oder Terrasse zum Garten oder zum See. Holz, natürliche Materialien und eine ruhige Gestaltung holen etwas von der Landschaft nach innen. Und dann ist da immer wieder dieser Blick hinaus – ins Grün, zwischen die Bäume oder über den Bodensee.

Vom Garten auf den Teller

Auch kulinarisch spielt die Umgebung eine zentrale Rolle.

Das Restaurant Pinus befindet sich in der historischen Villa Gminder mit ihren neugotischen Gewölben und der großzügigen Seeterrasse. Sein Sharing-Konzept stellt das gemeinsame Essen in den Mittelpunkt.

Der Schwerpunkt der Küche liegt auf kreativen vegetarischen Gerichten. Fisch und Fleisch werden bewusst als Ergänzung eingesetzt; Fleischprodukte stammen überwiegend aus einer Nose-to-Tail-Verarbeitung. Vieles beginnt jedoch direkt vor der Tür: Der Garten des Seeguts ist Teil der kulinarischen Idee.

Vielleicht passt gerade dieses Teilen besonders gut zu einem Haus, das ohnehin weniger vom klassischen Hotelbetrieb als vom Gefühl eines großzügigen Anwesens lebt.

Am besten: nichts vorhaben

Natürlich könnte man vom Seegut Zeppelin aus die gesamte Bodenseeregion erkunden. Zur Insel Mainau fahren. Museen besuchen. Wandern. Rad fahren. Mit dem Schiff den See überqueren.

Man könnte.

Man darf aber genauso gut bleiben.

Im Garten einen Platz unter den Bäumen suchen. Zum privaten Seezugang spazieren. Schwimmen. Lesen. Im Garten Spa in Haus Isabella in die Sauna gehen, eine Massage buchen oder im Yoga-Raum der Villa ein wenig Zeit verbringen.

Und irgendwann stellt sich jene besondere Form von Luxus ein, die heute vielleicht kostbarer geworden ist als vieles andere: Man muss gerade nirgendwo hin.

Smart Traveller: ein guter Grund für den Bodensee

Für Leserinnen und Leser von THE Stylemate gibt es noch einen zusätzlichen Grund, das Seegut Zeppelin kennenzulernen. Über unseren Smart Traveller Gutschein bieten wir eine spezielle Ermäßigung für einen Aufenthalt im Seegut Zeppelin. Die Idee dahinter ist einfach: besondere Hotels zu besonderen Konditionen selbst erleben.

Und vielleicht ist der Smart Traveller diesmal auch eine Einladung, eine Destination neu zu betrachten.

Denn der Bodensee muss nicht unbedingt die Reise sein, die man irgendwann einmal macht. Vielleicht ist er genau die Reise, die man jetzt machen sollte.

Und wenn wir uns dafür eine Adresse aussuchen dürften?

Dann würden wir ziemlich gerne unter den alten Bäumen des Seegut Zeppelin sitzen, hinüber zum Wasser schauen und die alte Kunst der Sommerfrische wiederentdecken.

Ein Poloshirt statt Club Sandwich? The Hoxton und Lacoste machen aus dem klassischen Room Service ein kleines Modeerlebnis. Gemeinsam mit dem Künstler Michael McGregor bringen sie eine Capsule Collection heraus, die ausschließlich dort erhältlich ist, wo sie hingehört: im Hotelzimmer. Eine Brand Collaboration, die zeigt, wie spannend es wird, wenn Hospitality und Fashion ihre Rollen tauschen.

Brand Collaborations sind längst nichts Neues mehr. Sneaker treffen auf Luxusmode, Designer auf Automarken, Künstler auf Möbelhersteller. Interessant wird es dort, wo nicht einfach zwei Logos aufeinandertreffen, sondern zwei Markenwelten eine dritte entstehen lassen.

Genau das versuchen The Hoxton und Lacoste mit ihrer neuen Kooperation. Im September 2026 verwandeln sie einen der traditionsreichsten Services der Hotellerie in etwas, das man wohl als fashionable Room Service bezeichnen könnte.

Statt ausschließlich Burger, Drinks oder ein spätes Frühstück zu bestellen, können Gäste der 19 Hoxton Hotels nun auch ein Polo, einen Hoodie, Pyjamas oder einen Bademantel aufs Zimmer ordern.

Und plötzlich klingt das Klopfen an der Hoteltür ein wenig interessanter.

Do not disturb. We’re getting dressed.

Im Mittelpunkt der Kooperation steht eine auf sieben Teile limitierte Capsule Collection, die The Hoxton gemeinsam mit Lacoste und dem in Los Angeles lebenden Künstler Michael McGregor entwickelt hat.

McGregor ist ein ziemlich perfekter Partner für dieses Experiment. In seinen Arbeiten beschäftigt er sich immer wieder mit jenen Dingen, die normalerweise kaum jemand genauer betrachtet: Hotelbriefpapier, Menükarten oder andere beiläufige Objekte des Alltags werden bei ihm zu kleinen Designstücken.

Für The Hoxton x Lacoste hat er genau diese Beobachtungsgabe auf das Hotelleben übertragen.

Check-in. Room Service. Das Öffnen der Zimmertür. Dieser kurze Moment, in dem ein fremdes Zimmer für ein paar Tage zum eigenen wird.

McGregor übersetzt solche Situationen in Illustrationen mit kräftiger Typografie, Humor und einer Portion kalifornischer Nostalgie. Dazu kommen die klaren Linien und das unverkennbare Grün-Weiß von Lacoste.

Das Ergebnis bewegt sich irgendwo zwischen Hotel-Memorabilia, Streetwear und französischem Sportswear-Klassiker.

Das Krokodil checkt ein

Natürlich darf dabei jenes Kleidungsstück nicht fehlen, mit dem die Geschichte von Lacoste 1933 begann: das Poloshirt.

Für die Capsule Collection wird der Klassiker neu interpretiert. Ergänzt wird er durch grafisch bedruckte T-Shirts, Hoodies, Pyjamas und einen eigens entworfenen Bademantel. Alle Pieces sind unisex und in den Größen XS bis XL erhältlich, die Preise beginnen bei 95 Euro.

Doch eigentlich ist die Art, wie man an die Kollektion kommt, mindestens ebenso wichtig wie die Kollektion selbst.

Denn The Hoxton und Lacoste eröffnen keinen gewöhnlichen Pop-up-Store.

Der Shop ist das Hotelzimmer.

Wer eines der Pieces kaufen möchte, muss in einem der 19 Hoxton Hotels einchecken. Dort wartet eine spezielle Room-Service-Karte. Kleidungsstück auswählen, bestellen – und kurze Zeit später wird die Mode direkt an die Zimmertür geliefert.

E-Commerce könnte kaum weiter entfernt sein.

Und genau darin liegt der Reiz.

Ein Cheeseburger zum Hoodie

Damit das Spiel vollständig wird, hat Michael McGregor auch das kulinarische Room-Service-Menü kuratiert.

Darauf stehen seine persönlichen Hotelklassiker: Cheeseburger mit Pommes, französisches Omelett und Club Sandwich. Dazu gibt es Negroni, Mezcal Negroni oder Champagner.

Es ist keine Revolution der Gastronomie – und soll auch keine sein. Vielmehr entsteht eine liebevoll überzeichnete Vorstellung davon, was ein Aufenthalt im Hotel sein kann: ein bisschen Rückzug, ein bisschen Genuss, ein bisschen Inszenierung.

Vielleicht sitzt man also im neuen Lacoste-Bademantel auf dem Bett, isst Pommes und trinkt Champagner.

Warum eigentlich nicht?

Das Hotel als Bühne für Marken

Gerade darin wird die Kooperation interessant. Denn sie zeigt eine Entwicklung, die weit über eine Capsule Collection hinausgeht.

Hotels werden zunehmend zu kulturellen Plattformen. Sie sind Restaurants, Bars, Galerien, Shops, Treffpunkte und Orte, an denen Marken unmittelbar erlebt werden können. Für Fashion Labels eröffnet Hospitality damit etwas, das ein klassischer Store nur schwer bieten kann: Zeit.

Man betritt ein Hotel nicht für zehn Minuten. Man lebt für einige Stunden oder Tage darin.

Für Lacoste bedeutet das, die eigene Lifestyle-Welt in einen neuen Kontext zu stellen. Für The Hoxton wiederum wird Mode zu einer Verlängerung der eigenen Markenidentität. Und McGregor liefert jene Portion Individualität, die verhindert, dass daraus lediglich Merchandising wird.

Das Entscheidende ist dabei nicht das Logo.

Es ist das Ritual rundherum.

Einchecken. Karte entdecken. Bestellen. Klopfen an der Tür. Paket entgegennehmen. Anziehen.

So wird aus einem Produkt eine Erinnerung an einen Ort.

Souvenir 2.0

Vielleicht ist das ohnehin die schönste Idee hinter The Hoxton x Lacoste: die Neuinterpretation des Souvenirs.

Keine Schneekugel. Kein Kugelschreiber von der Rezeption. Kein Bademantel, der heimlich im Koffer verschwindet.

Sondern ein Kleidungsstück, das bewusst für einen Aufenthalt geschaffen wurde und später etwas von diesem Gefühl mit nach Hause nimmt.

The Hoxton feiert 2026 sein 20-jähriges Bestehen. Seit dem ersten Haus in Shoreditch hat sich die Marke von East London in Städte von Amsterdam über Paris, Rom und Berlin bis Wien, Los Angeles und Chicago ausgebreitet. Dabei gehört die Idee, ein Hotel nicht als abgeschlossene Welt, sondern als Teil seines Viertels und seiner kulturellen Szene zu verstehen, von Anfang an zur DNA der Marke.

Dass The Hoxton sein Jubiläumsjahr nun ausgerechnet mit einer Kollektion begeht, die man nur über den Room Service bekommen kann, wirkt deshalb erstaunlich konsequent.

Und Lacoste?

Das Krokodil hat schon viele Orte gesehen.

Jetzt hängt es eben am Do not disturb-Schild.