Eine Marke besitzt ihre Entwürfe. Aber wer bewahrt die Geschichten, die über Jahrzehnte um sie entstehen? Mit der Collector Series bei Selfridges in London gibt Stone Island unabhängigen Sammlern Raum für ihre eigene Sicht auf mehr als vierzig Jahre Modegeschichte.

Eine Jacke aus einer vergangenen Kollektion ist für Stone Island mehr als ein früheres Produkt. An ihr lässt sich ablesen, wie die Marke mit Materialien, Färbungen und Funktionen experimentiert hat. Für Menschen, die solche Stücke über Jahre suchen, tragen, tauschen und dokumentieren, erzählt sie noch eine zweite Geschichte: die ihres eigenen Fundes und der Community, durch die sie weitergereist ist.

Diese beiden Perspektiven treffen nun in London aufeinander. Unter dem Titel Selected Works ’982–’026: Stone Island – The Collector Series bespielt Stone Island vom 21. September bis 6. November 2026 den Corner Shop von Selfridges. Erstmals arbeitet die Marke dafür offiziell mit unabhängigen Sammlern zusammen, die ihr Archiv über Jahrzehnte mitbewahrt und interpretiert haben.

Ein Archiv mit vielen Stimmen

Arco Maher, Better Gift Shop, ‘bout, 194 Local, Louis Holsgrove, Metallic Curtain, Pezze und SimJae bringen ihre eigenen Archive und Recherchen in das Projekt ein. Ihre Auswahl wechselt während der Laufzeit und steht im Dialog mit der Herbst/Winter-Kollektion 2026/27 sowie Entwürfen, die exklusiv bei Selfridges angeboten werden. So begegnen sich im selben Raum ältere Stücke, aktuelle Forschung und neue Produkte.

Das ist der interessante Schritt: Stone Island zeigt seine Vergangenheit nicht ausschließlich aus der Sicht des Unternehmens. Die Sammler haben andere Wege durch dieses Archiv gefunden. Sie interessieren sich für bestimmte Materialien, seltene Ausführungen oder Phasen der Marke und bringen Wissen mit, das aus jahrelanger Beschäftigung mit den Kleidungsstücken entstanden ist. Ihre Auswahl macht sichtbar, dass ein Markenarchiv auch außerhalb der Marke weiterlebt.

Ein Raum, der sich verändert

Gestaltet wurde die Installation von Willo Perron. Weiche Strukturen und modulare Elemente lassen sich immer wieder neu anordnen, während Sammler und Stücke wechseln. Der Raum folgt damit dem Prinzip des Projekts: Dieses Archiv hat keine einzige, endgültige Form.

Auch das Programm greift über Mode hinaus. Stone Island kündigt Veranstaltungen zu Musik und Design an, darunter eine Londoner Ausgabe von Stone Island Sound: Studio One und ein Gespräch mit Carlo Rivetti, Paul Harvey und Aitor Throup. Die Collector Series wird so zu einem Treffpunkt für Menschen, die sich mit der Entwicklung der Marke auseinandersetzen – vom Entwurf bis zu ihrem kulturellen Nachleben.

Eine Frage bleibt dabei besonders spannend: Was geschieht, wenn eine Marke jene unabhängige Sammlerkultur einlädt, die bisher ihre eigene Geschichte geschrieben hat? Bei Stone Island entsteht daraus vorerst ein ungewöhnlich offener Blick auf die Vergangenheit. Die Archive gehören Menschen mit unterschiedlichen Interessen und Perspektiven. Für einige Wochen erzählen sie gemeinsam, was Stone Island für sie geworden ist.

Was macht ein Kleidungsstück zum Sammlerstück? In seinem Kurzfilm Passport besucht Regisseur Glenn Kitson Menschen, die Stone Island nicht nur tragen, sondern erforschen, archivieren und über Generationen weitergeben.

Seit Massimo Osti Stone Island 1982 gründete, prägen Experimente mit Materialien, Färbungen und Funktionen die italienische Marke. Aus dieser Neugier ist weit mehr als eine Kollektion entstanden: In verschiedenen Städten haben Sammler eigene Archive aufgebaut, seltene Stücke aufgespürt und Wissen über ihre Herkunft zusammengetragen.

Sieben Städte, viele Perspektiven

Für Passport spricht Kitson mit Mitgliedern dieser internationalen Community. In London kommen die Archivare Arco Maher und HOLSALES sowie der Vintage-Store 194 Local zu Wort. Weitere Begegnungen führen zu SimJae in Seoul, Metallic Curtain in Paris, Better Gift Shop in Toronto, PEZZE in Neapel und Vintage-Kurator ‘bout in Tokio.

Der Film zeigt, wie unterschiedlich die Wege zu Stone Island sein können. Was die Beteiligten verbindet, ist ihre Aufmerksamkeit für Gestaltung und Funktion – und der Wunsch, die Geschichten hinter den Kleidungsstücken lebendig zu halten. Kitsons Aufnahmen mit älteren Digitalkameras geben diesen Begegnungen eine Bildsprache, die selbst etwas von einem Fundstück hat.

Fotografie: Glenn Kitson und Jago Stock

Hockerty eröffnet sein Herbst/Winter-Lookbook 2026/27 mit vier maßgefertigten Begleitern für jene Wochen, in denen ein Sakko allein zu wenig und ein Wollmantel noch zu viel ist.

Übergangsmäntel werden gern über Jeans, T-Shirt oder Strick inszeniert. Dabei liegt ihre vielleicht eleganteste Aufgabe ganz woanders: Sie schließen die Lücke zwischen Anzug und Wintermantel. Mit Drop I des Lookbooks „Made to Keep“ rückt Hockerty genau diesen Moment in den Mittelpunkt – und zeigt zwei Trenchcoats sowie zwei Fieldjackets, die nach Maß gefertigt werden.

Es ist eine Garderobe für Tage, die kühl beginnen, mild enden und dazwischen einige stilistische Entscheidungen verlangen.

Der Trenchcoat als Teil des Anzugs

Im Zentrum stehen zwei Trenchcoats, die offen über dem Anzug getragen werden. Der marineblaue Zweireiher folgt einer langen, klassischen Silhouette. Kombiniert mit einem Doppelreiher aus reiner Schurwolle von Cerruti 1881 entsteht ein Look, der formell wirkt, ohne steif zu sein. Der Mantel ergänzt den Anzug, anstatt ihn hinter schweren Stofflagen verschwinden zu lassen.

Weicher präsentiert sich die anthrazitgraue Variante mit Gürtel. Ihre leichte Konstruktion und der locker gebundene Taillengürtel geben der Silhouette Bewegung. Sie formt nicht streng, sondern fällt selbstverständlich über das Sakko – ein Detail, das den gesamten Auftritt moderner erscheinen lässt.

Beide Modelle greifen eine Frage auf, die in der Männermode erstaunlich selten gestellt wird: Was trägt man über einem Anzug, solange ein klassischer Wollmantel noch nicht notwendig ist? Hockertys Antwort ist unaufgeregt und präzise. Der Trenchcoat wird nicht als funktionale Zugabe verstanden, sondern als integraler Bestandteil des Looks.

Fieldjackets für die informelleren Tage

Das lässigere Gegenstück bilden zwei Fieldjackets. Eine beige Version mit Revers sowie ein Modell mit klassischem Kragen lassen sich über Hemd oder feinem Strick tragen. Sie funktionieren zur Chino ebenso wie zur Anzughose und bewegen sich damit selbstverständlich zwischen Business, Alltag und Wochenende.

Ihre Stärke liegt gerade in dieser Offenheit. Die Fieldjackets müssen sich nicht eindeutig zwischen formell und informell entscheiden. Sie sind für jene Morgen gedacht, an denen eine zusätzliche Schicht willkommen ist – und für jene Mittage, an denen man sie bereits wieder über dem Arm trägt.

Kleidung, die bleiben soll

Der Titel „Made to Keep“ beschreibt mehr als die Ästhetik der Kollektion. Alle vier Modelle werden nach Maß gefertigt und können im 3D-Designer individuell konfiguriert werden. Schnitt, Maße und Details richten sich damit nicht nach einer standardisierten Konfektionsgröße, sondern nach ihrem späteren Träger.

Hockerty verbindet digitale Personalisierung mit den Prinzipien klassischer Schneiderkunst. Dahinter steht auch eine Idee von bewussterem Konsum: weniger Stücke zu kaufen, dafür solche, die passen, vielseitig kombinierbar sind und über eine Saison hinaus Bestand haben.

Drop I bildet den Auftakt zum mehrteiligen Herbst/Winter-Lookbook 2026/27. Im Fokus stehen zunächst jene Kleidungsstücke, die eine Saison begleiten, deren Wetter sich selten eindeutig entscheiden kann. Genau darin liegt ihre Relevanz: Sie machen den Übergang nicht nur tragbar, sondern zum eigentlichen Moment.

Für die neue DETOXDENIM-Kampagne von ARMEDANGELS übernimmt Cara Delevingne das Kommando. „Never the Expected“ verbindet ihre kompromisslose Individualität mit innovativen Materialien, markanten Silhouetten und einer Denim-Produktion, die den Status quo hinterfragt.

Cara Delevingne lässt sich nur schwer auf eine Rolle reduzieren. Model, Schauspielerin, Musikerin – und immer wieder eine Persönlichkeit, die sich Erwartungen entzieht. Genau diese Unberechenbarkeit macht sie zum Gesicht der Autumn/Winter 2026 DETOXDENIM-Kollektion von ARMEDANGELS.

Unter dem Titel „Never the Expected“ inszeniert die Kölner Fashion Brand Denim nicht als zeitlosen Klassiker, sondern als Material im Wandel. Im fiktiven DETOXDENIM Lab übernimmt Delevingne die Kontrolle, bricht mit vertrauten Bildern und macht aus Jeans eine Haltung: neugierig, eigenständig und bereit für Veränderung.

Die Kunst, sich nicht festlegen zu lassen

Cara Delevingne bewegt sich seit Jahren zwischen unterschiedlichen kreativen Welten. Sie stand auf internationalen Laufstegen, spielte in Film- und Serienproduktionen und schlägt nun mit ihrem Debütalbum Not Normal, das am 25. September 2026 erscheint, ein neues Kapitel auf.

Der Albumtitel könnte ebenso gut über der Zusammenarbeit mit ARMEDANGELS stehen. Denn sowohl Delevingne als auch die Marke verbindet die Weigerung, sich in eine vorgegebene Form einfügen zu lassen.

„ARMEDANGELS macht vieles anders als die meisten Marken. Und das ist wichtig, denn man weiß genau, was man trägt und wie es hergestellt wurde“, sagt Cara Delevingne.

Dabei bleibt „Never the Expected“ nicht bei einer rebellischen Bildsprache stehen. Die Kampagne stellt die Frage, wie Denim heute aussehen, sich anfühlen und produziert werden kann.

Denim als Materialexperiment

Seit 2018 bündelt ARMEDANGELS seine alternativen Ansätze zur Jeansproduktion unter dem Namen DETOXDENIM. Materialien, Waschungen, Verarbeitung und Finishing werden dabei immer wieder überprüft. Das Ziel: Jeans zu entwickeln, die nach Angaben der Marke ohne synthetische Pestizide und gefährliche Chemikalien auskommen, weniger Ressourcen benötigen und dennoch bei Passform, Qualität und Ästhetik überzeugen.

Eine zentrale Rolle in der neuen Kollektion spielt SaXcell®. Die Lyocell-Faser der nächsten Generation besteht zu 30 Prozent aus recycelten Baumwolltextilabfällen und zu 70 Prozent aus FSC®-zertifiziertem Holzzellstoff. Das Material verbindet einen weichen Griff und fließenden Fall mit der Qualität einer neu produzierten Faser. ARMEDANGELS führte SaXcell® bereits im Frühjahr 2025 ein und baut dessen Einsatz seither weiter aus.

Daneben rückt Selvedge Denim in den Mittelpunkt. Er entsteht auf traditionellen Webstühlen und ist an seiner besonders sauberen und robusten Webkante erkennbar. Statt des klassischen roten Details verwendet ARMEDANGELS eine gelbe Kante – ein kleiner, aber charakteristischer Bruch mit der Denim-Tradition. Gefertigt wird der Stoff aus Bio-Baumwolle.

Auch bei Waschungen und Finishing setzt die Marke unter anderem auf Ozon- und Lasertechnologien, um Wasserverbrauch und Chemikalieneinsatz zu reduzieren. Unabhängige Zertifizierungen wie GOTS, GRS, OCS und RCS dokumentieren bereits bei Teilen der Kollektion die eingesetzten Materialien und Produktionsstandards.

Neue Silhouetten in Deep Indigo

Optisch bewegt sich die Autumn/Winter 2026 Kollektion zwischen kräftigem Deep Indigo, ausgeprägten Vintage-Waschungen und entspannten, selbstbewussten Silhouetten.

Bei den Damen gehören der von Workwear inspirierte Barrel Fit Aalthea, die Wide-Leg-Modelle Enijaa und Astraeaas sowie der Straight Fit Aikaala zu den prägenden Formen. Die Herrenkollektion erweitert das Spiel mit Volumen durch den Relaxed Tapered Fit Maakxy, den Baggy Fit Jaameo und den neuen Classic Straight Fit Maadox.

Die Schnitte folgen keinem einzelnen Trend. Sie zeigen vielmehr, wie vielseitig moderner Denim sein kann: konstruiert oder fließend, körpernah oder bewusst oversized, nostalgisch und gleichzeitig zukunftsorientiert.

So wird Cara Delevingne nicht nur zum prominenten Gesicht einer Kampagne. Sie verkörpert deren eigentliche Idee: Identität ist nichts Starres. Sie darf sich verändern, widersprechen und immer wieder neu erfinden.

Die DETOXDENIM-Kollektion mit Cara Delevingne ist ab dem 17. September 2026 unter armedangels.com und im ausgewählten stationären Handel erhältlich.

Mit der Flight Mode Autumn-Winter 2026 Collection verwandelt Louis Vuitton die Garderobe für unterwegs in eine Hommage an das Reisen. Inspiriert von gemächlichen Zugfahrten und der besonderen Atmosphäre alter Bahnhöfe, verbindet die Kollektion Komfort mit jener unangestrengten Eleganz, die auch nach vielen Kilometern noch mühelos wirkt.

Es gibt diesen besonderen Moment kurz vor einer Reise: Der Zug steht bereits am Bahnsteig, Koffer rollen über den Boden, Abschiede und Vorfreude liegen gleichzeitig in der Luft. Genau dort setzt Louis Vuitton mit der neuen Flight Mode Autumn-Winter 2026 Collection an. Nicht das möglichst schnelle Ankommen steht im Mittelpunkt, sondern die Magie des Unterwegsseins.

Damit kehrt das Haus zu einer Idee zurück, die tief in seiner Geschichte verankert ist. Lange bevor Louis Vuitton zu einer der prägendsten Namen der internationalen Mode wurde, begann alles mit Reisegepäck. Die neue Kollektion übersetzt dieses Erbe in eine zeitgemäße Garderobe für Menschen, deren Leben selten an einem einzigen Ort stattfindet.

Eine Garderobe in Bewegung

Mäntel bilden das Herzstück der Kollektion. Gegürtet, doppelreihig, als Dufflecoat, Peacoat oder ärmelloses Cape interpretiert, verbinden sie klare Silhouetten mit der weichen Sinnlichkeit von zweifarbigem Double-Face-Cashmere. Große Kragen verleihen den Entwürfen eine beinahe filmische Präsenz – als wären sie für lange Bahnsteige, kühle Morgenstunden und spontane Richtungswechsel geschaffen.

Fliegerjacken, Blousons, ärmellose Kleider und weit geschnittene Hosen aus geschmeidigem Leder oder Materialien mit samtiger Oberfläche setzen diese Idee fort. Die neutralen Farbtöne wirken ruhig und kultiviert, während Zopfstrick und gebürsteter Cashmere in Beige, Weiß, zweifarbigen Varianten und Monogram-Ausführungen für Wärme und Komfort sorgen.

Flight Mode versteht Reisemode nicht als funktionale Nebenkategorie. Vielmehr entsteht eine vollständige Garderobe, in der Bewegungsfreiheit, Haptik und Eleganz selbstverständlich zusammenspielen.

Vertraute Formen, neue Farben

Auch die Taschen erzählen vom Reisen. Die 2024 eingeführte Low Key Bag aus genarbtem Kalbsleder erscheint in Monogram Red und Walnut. Ihre minimalistische Bucket-Silhouette macht sie zur zurückhaltenden Begleiterin, ergänzt durch den klassischen Nice Vanity Case.

Die vielseitige Express Bag wird neu interpretiert, während Side Trunk und Neverfull das neue Monogram-Emblème-Canvas in Monogram Blue und Jura Green tragen. Die Farbpalette bleibt kontrolliert, erhält durch die satten Blau-, Grün-, Rot- und Walnussschattierungen aber eine subtile Tiefe.

Für größere Distanzen vervollständigen der Keepall und der Horizon Trolley, nun auch in einer neuen Aluminium-Ausführung, die Kollektion. Sie erinnern daran, dass Louis Vuitton das Reisen nicht nur begleitet, sondern seit jeher gestaltet.

Details für das Dazwischen

Zu den charakteristischen Accessoires gehört der komfortable Colorado Mary Jane aus Mahina-Veloursleder mit gravierter Schnalle und goldfarbenen Ösen. Die LV Aura Flower Sonnenbrille, der mit Mikro-Monogrammen versehene Forevergram Wollschal und die LV Arctic Mütze aus Leder und Baumwolle greifen bekannte Codes des Hauses auf, ohne sie lediglich zu wiederholen.

So wird Flight Mode Autumn-Winter 2026 zu einer Kollektion über das Dazwischen: über Bahnsteige und Abteile, über Bewegung und Erwartung, über den Moment, in dem der Alltag bereits zurückbleibt und das Neue noch nicht ganz begonnen hat. Vielleicht liegt gerade darin die eigentliche Eleganz des Reisens.

Ein Poloshirt statt Club Sandwich? The Hoxton und Lacoste machen aus dem klassischen Room Service ein kleines Modeerlebnis. Gemeinsam mit dem Künstler Michael McGregor bringen sie eine Capsule Collection heraus, die ausschließlich dort erhältlich ist, wo sie hingehört: im Hotelzimmer. Eine Brand Collaboration, die zeigt, wie spannend es wird, wenn Hospitality und Fashion ihre Rollen tauschen.

Brand Collaborations sind längst nichts Neues mehr. Sneaker treffen auf Luxusmode, Designer auf Automarken, Künstler auf Möbelhersteller. Interessant wird es dort, wo nicht einfach zwei Logos aufeinandertreffen, sondern zwei Markenwelten eine dritte entstehen lassen.

Genau das versuchen The Hoxton und Lacoste mit ihrer neuen Kooperation. Im September 2026 verwandeln sie einen der traditionsreichsten Services der Hotellerie in etwas, das man wohl als fashionable Room Service bezeichnen könnte.

Statt ausschließlich Burger, Drinks oder ein spätes Frühstück zu bestellen, können Gäste der 19 Hoxton Hotels nun auch ein Polo, einen Hoodie, Pyjamas oder einen Bademantel aufs Zimmer ordern.

Und plötzlich klingt das Klopfen an der Hoteltür ein wenig interessanter.

Do not disturb. We’re getting dressed.

Im Mittelpunkt der Kooperation steht eine auf sieben Teile limitierte Capsule Collection, die The Hoxton gemeinsam mit Lacoste und dem in Los Angeles lebenden Künstler Michael McGregor entwickelt hat.

McGregor ist ein ziemlich perfekter Partner für dieses Experiment. In seinen Arbeiten beschäftigt er sich immer wieder mit jenen Dingen, die normalerweise kaum jemand genauer betrachtet: Hotelbriefpapier, Menükarten oder andere beiläufige Objekte des Alltags werden bei ihm zu kleinen Designstücken.

Für The Hoxton x Lacoste hat er genau diese Beobachtungsgabe auf das Hotelleben übertragen.

Check-in. Room Service. Das Öffnen der Zimmertür. Dieser kurze Moment, in dem ein fremdes Zimmer für ein paar Tage zum eigenen wird.

McGregor übersetzt solche Situationen in Illustrationen mit kräftiger Typografie, Humor und einer Portion kalifornischer Nostalgie. Dazu kommen die klaren Linien und das unverkennbare Grün-Weiß von Lacoste.

Das Ergebnis bewegt sich irgendwo zwischen Hotel-Memorabilia, Streetwear und französischem Sportswear-Klassiker.

Das Krokodil checkt ein

Natürlich darf dabei jenes Kleidungsstück nicht fehlen, mit dem die Geschichte von Lacoste 1933 begann: das Poloshirt.

Für die Capsule Collection wird der Klassiker neu interpretiert. Ergänzt wird er durch grafisch bedruckte T-Shirts, Hoodies, Pyjamas und einen eigens entworfenen Bademantel. Alle Pieces sind unisex und in den Größen XS bis XL erhältlich, die Preise beginnen bei 95 Euro.

Doch eigentlich ist die Art, wie man an die Kollektion kommt, mindestens ebenso wichtig wie die Kollektion selbst.

Denn The Hoxton und Lacoste eröffnen keinen gewöhnlichen Pop-up-Store.

Der Shop ist das Hotelzimmer.

Wer eines der Pieces kaufen möchte, muss in einem der 19 Hoxton Hotels einchecken. Dort wartet eine spezielle Room-Service-Karte. Kleidungsstück auswählen, bestellen – und kurze Zeit später wird die Mode direkt an die Zimmertür geliefert.

E-Commerce könnte kaum weiter entfernt sein.

Und genau darin liegt der Reiz.

Ein Cheeseburger zum Hoodie

Damit das Spiel vollständig wird, hat Michael McGregor auch das kulinarische Room-Service-Menü kuratiert.

Darauf stehen seine persönlichen Hotelklassiker: Cheeseburger mit Pommes, französisches Omelett und Club Sandwich. Dazu gibt es Negroni, Mezcal Negroni oder Champagner.

Es ist keine Revolution der Gastronomie – und soll auch keine sein. Vielmehr entsteht eine liebevoll überzeichnete Vorstellung davon, was ein Aufenthalt im Hotel sein kann: ein bisschen Rückzug, ein bisschen Genuss, ein bisschen Inszenierung.

Vielleicht sitzt man also im neuen Lacoste-Bademantel auf dem Bett, isst Pommes und trinkt Champagner.

Warum eigentlich nicht?

Das Hotel als Bühne für Marken

Gerade darin wird die Kooperation interessant. Denn sie zeigt eine Entwicklung, die weit über eine Capsule Collection hinausgeht.

Hotels werden zunehmend zu kulturellen Plattformen. Sie sind Restaurants, Bars, Galerien, Shops, Treffpunkte und Orte, an denen Marken unmittelbar erlebt werden können. Für Fashion Labels eröffnet Hospitality damit etwas, das ein klassischer Store nur schwer bieten kann: Zeit.

Man betritt ein Hotel nicht für zehn Minuten. Man lebt für einige Stunden oder Tage darin.

Für Lacoste bedeutet das, die eigene Lifestyle-Welt in einen neuen Kontext zu stellen. Für The Hoxton wiederum wird Mode zu einer Verlängerung der eigenen Markenidentität. Und McGregor liefert jene Portion Individualität, die verhindert, dass daraus lediglich Merchandising wird.

Das Entscheidende ist dabei nicht das Logo.

Es ist das Ritual rundherum.

Einchecken. Karte entdecken. Bestellen. Klopfen an der Tür. Paket entgegennehmen. Anziehen.

So wird aus einem Produkt eine Erinnerung an einen Ort.

Souvenir 2.0

Vielleicht ist das ohnehin die schönste Idee hinter The Hoxton x Lacoste: die Neuinterpretation des Souvenirs.

Keine Schneekugel. Kein Kugelschreiber von der Rezeption. Kein Bademantel, der heimlich im Koffer verschwindet.

Sondern ein Kleidungsstück, das bewusst für einen Aufenthalt geschaffen wurde und später etwas von diesem Gefühl mit nach Hause nimmt.

The Hoxton feiert 2026 sein 20-jähriges Bestehen. Seit dem ersten Haus in Shoreditch hat sich die Marke von East London in Städte von Amsterdam über Paris, Rom und Berlin bis Wien, Los Angeles und Chicago ausgebreitet. Dabei gehört die Idee, ein Hotel nicht als abgeschlossene Welt, sondern als Teil seines Viertels und seiner kulturellen Szene zu verstehen, von Anfang an zur DNA der Marke.

Dass The Hoxton sein Jubiläumsjahr nun ausgerechnet mit einer Kollektion begeht, die man nur über den Room Service bekommen kann, wirkt deshalb erstaunlich konsequent.

Und Lacoste?

Das Krokodil hat schon viele Orte gesehen.

Jetzt hängt es eben am Do not disturb-Schild.

Weicher, weiter, freier: MYTHS übersetzt klassische Schneiderkunst für Herbst/Winter 2026/27 in eine Garderobe, die sich nicht mehr zwischen formell und lässig entscheiden muss. Bei Damen wie Herren bestimmen fließende Silhouetten, besondere Materialien und eine neue Idee des Anzugs das Bild.

Der Anzug hat seine Strenge verloren. Und vielleicht liegt gerade darin seine neue Stärke. Bei MYTHS wird Tailoring für Herbst/Winter 2026/27 nicht abgeschafft, sondern von seinen alten Regeln befreit. Jacke und Hose werden zu einzelnen Bausteinen, Overshirts übernehmen die Rolle des Blazers und großzügige Proportionen bringen Bewegung in eine traditionell präzise Welt.

Eine Entwicklung, die sich durch die Damen- und Herrenkollektion zieht – mit unterschiedlichen Akzenten, aber einer gemeinsamen Haltung: Kleidung soll heute nicht mehr definieren, zu welchem Anlass sie gehört. Sie soll mit ihrem Träger oder ihrer Trägerin durch den Tag gehen.

Der Anzug wird zum System

Besonders deutlich wird dieser Gedanke in der Menswear. Die für MYTHS charakteristischen Hosen bleiben Ausgangspunkt der Kollektion, ihre Silhouetten werden jedoch entspannter und voluminöser. Weite Passformen treffen auf die wieder stärker ins Zentrum rückende Carrot Pant mit verkürzter Länge.

Auch der Anzug wird neu gedacht: Fünf Overshirts und fünf Hosen aus identischen Stoffqualitäten lassen sich frei miteinander kombinieren. Statt eines festgelegten Ensembles entsteht ein variables System zwischen klassischem Tailoring und moderner Casualwear.

In der Womenswear setzt sich diese neue Freiheit fort. Palazzo Pants, Culottes mit Umschlag und schmale Flared Silhouetten treffen auf Overshirts aus Denim und Cotton Bull. Selbst der Pyjama wird Teil dieser neuen Idee von Eleganz: Bedruckte Viskose-Ensembles mit leichtem Vintage-Charakter oder Ton-in-Ton-Prints bewegen sich selbstverständlich zwischen Daywear und Evening Look.

Material mit Gedächtnis

Fast noch wichtiger als die Silhouette ist bei MYTHS die Oberfläche. Garment Dyeing, Piece Dyeing, Yarn Dyeing, Vintage Wash und Frosted Wash verleihen den Stoffen Tiefe und lassen Kleidungsstücke weniger fabrikneu als vielmehr bereits persönlich erscheinen. In der Damenkollektion reicht das Spektrum von Baumwoll-Modal-Mischungen über Cashmere-Flanell bis zu Modal-Velvet und Wolle in Verbindung mit Cordura.

Bei den Herren treffen garngefärbte Cashmere-Flanelle und Herringbone-Qualitäten aus Wolle, Seide und Cashmere auf die sogenannte Combat Wool: ein Material, das Knitterresistenz, Temperaturausgleich und Strapazierfähigkeit mit einem hochwertigen Erscheinungsbild verbinden soll.

Auch Denim verlässt bei MYTHS sein gewohntes Terrain. Denim-Flanell, Fischgrat-Denim aus organischen Garnen und spezielle Indigo-Behandlungen bringen den robusten Klassiker näher an die Welt der Schneiderkunst. Bei den Damen entstehen durch Indigo-Lock-Waschungen und garngefärbte Velvets ungewöhnlich elegante Oberflächen.

Zwischen Geschichte und Gegenwart

Mélange-Grau, Dunkelbraun und Bordeaux, ergänzt um Mastix und Taupe, geben der Menswear eine ruhige, fast herbstliche Tiefe. Doch letztlich erzählt FW26/27 weniger von einzelnen Farben oder Pieces als von einer veränderten Vorstellung davon, wie wir uns kleiden.

MYTHS bewegt sich dabei genau zwischen zwei Polen: der Präzision klassischer Schneiderkunst und dem Wunsch nach Freiheit, Komfort und Individualität. Tradition muss dafür nicht verschwinden. Sie muss nur beweglich genug sein, um in der Gegenwart anzukommen.

80 Jahre Modegeschichte – und kein Grund, rückwärtszublicken. Gattinoni übersetzt für Herbst/Winter 2026/27 die große Vergangenheit der römischen Maison in eine neue, tragbare Gegenwart. Zwischen italienischer Skulptur, 1950er-Silhouetten und moderner Weiblichkeit entsteht Prêt-à-porter mit Haltung.

Audrey Hepburn, Anita Ekberg, das Rom der 1950er- und 1960er-Jahre: Es wäre für Gattinoni ein Leichtes, sich zum 80-jährigen Jubiläum im eigenen Archiv zu verlieren. Schließlich gehört die Maison zu jener Generation italienischer Modehäuser, die das Bild von Made in Italy weit über die Landesgrenzen hinaus geprägt haben.

Doch Nostalgie interessiert Creative Director Luigi Filippo Morelli offenbar weniger als Transformation. Das historische Erbe wird nicht reproduziert, sondern zerlegt, reduziert und neu zusammengesetzt. Das Ergebnis ist die Herbst/Winter-Kollektion 2026/27 – und eine deutlichere Positionierung von Gattinoni als zeitgenössische Prêt-à-porter-Marke.

Von Couture zu Contemporary

Die neue Gattinoni-Frau lebt nicht mehr in der Welt der großen Filmstudios. Sie bewegt sich zwischen Arbeit, Reisen und Kultur, ist international, selbstständig und aktiv. Ihre Kleidung darf elegant sein – aber sie muss sich bewegen können.

Genau hier beginnt die interessante Verschiebung: Couture bleibt Teil der DNA, zeigt sich jedoch weniger in großer Geste als in Konstruktion und Detail.

Morelli findet seine Inspiration in der italienischen Skulptur. Drapierungen erinnern an in Stein gemeißelte Stoffe, Ärmel entwickeln plastisches Volumen, Rüschen werden beinahe architektonisch. Hemden erhalten dekorative Plastrons und Manschetten, Strick wird mit Rosettenstickereien versehen. Selbst Denim spielt mit Kulturgeschichte: Laserprints greifen Motive klassischer Architektur auf.

Rom, in Stein und Stoff

Auch die Farbpalette wirkt wie ein Spaziergang durch eine italienische Stadtlandschaft: Steinweiß, Grau, Beige und Braun treffen auf Olivgrün, pudriges Rosa, Anthrazit und Schwarz. Denimblau setzt einen bewusst alltäglicheren Akzent.

Flanell, Cashmere-Mischungen, Georgette, Baumwollpopeline, Eco-Fur und Eco-Wildleder erzeugen unterschiedliche Oberflächen und Volumen. Besonders die Strickwaren aus Cashmere und Schurwolle übersetzen mit ausgeprägten Rippenstrukturen architektonische Formen in etwas erstaunlich Körperliches.

Und dann sind da die 1950er-Jahre – allerdings ohne Retro-Kostüm. Betonte Schultern, ausgestellte Midi-Röcke und -Kleider, voluminöse Ärmel und Blazer mit spitzem Revers zitieren die Vergangenheit, während weite Bundfaltenhosen, Carrot-Silhouetten und oversized Hemden sie wieder ins Heute holen.

80 Jahre – und weiter

Dass Gattinoni seine neue Kollektion gemeinsam mit ausgewählten Archivstücken präsentiert, ist deshalb nur konsequent. Die Vergangenheit wird nicht versteckt. Sie wird zum Gegenüber.

Historische Filmsequenzen und Originalmodelle, die einst unter anderem Anita Ekberg und Audrey Hepburn trugen, erzählen von einer Ära, in der italienische Mode begann, ein internationales Lebensgefühl zu definieren.

Acht Jahrzehnte später stellt sich Gattinoni einer vielleicht schwierigeren Aufgabe: nicht zu zeigen, wie bedeutend die Vergangenheit war, sondern warum die Marke heute noch relevant sein kann.

Die Antwort liegt womöglich genau in dieser Kollektion: Tradition wird erst dann interessant, wenn sie sich verändern darf.

Mit der Black Bay Ceramic zeigt TUDOR, dass zeitgenössischer Luxus nicht lauter, sondern intelligenter geworden ist.

Manche Uhren beeindrucken durch Komplikationen, andere durch ihre Geschichte. Die neue TUDOR Black Bay Ceramic geht einen anderen Weg: Sie verbindet kompromisslose Ingenieurskunst mit einer radikal reduzierten Ästhetik und zeigt, dass Innovation oft dort beginnt, wo Funktion und Design untrennbar miteinander verschmelzen. Mit ihrem vollständig schwarzen Erscheinungsbild und dem erstmals aus Keramik gefertigten Armband interpretiert sie die ikonische Black Bay Linie konsequent neu.

Schwarz als Ausdruck technischer Präzision

Schwarz gilt in der Gestaltung häufig als Farbe der Reduktion. Bei der Black Bay Ceramic ist es jedoch weit mehr als eine gestalterische Entscheidung. Das mattschwarze Keramikgehäuse trifft auf ein harmonisch abgestimmtes Keramikarmband, dessen Entwicklung als eine der größten technischen Herausforderungen dieses Modells gilt. Keramik ist außergewöhnlich hart, leicht und kratzfest – gleichzeitig aber anspruchsvoll in der Verarbeitung. Dass TUDOR nun ein vollständig integriertes Keramikarmband mit hohem Tragekomfort realisieren konnte, unterstreicht den technologischen Anspruch der Marke.

Das Zusammenspiel aus sandgestrahlten Oberflächen, polierten Kanten und fein abgestuften Schwarztönen verleiht der Uhr eine skulpturale Präsenz. Sie wirkt kraftvoll, ohne laut zu sein – eine Form von Luxus, die sich nicht über Glanz, sondern über Materialqualität und Präzision definiert.

Master Chronometer – wenn Präzision messbar wird

Was äußerlich minimalistisch erscheint, ist im Inneren hochkomplex. Die Black Bay Ceramic trägt die begehrte METAS Master Chronometer-Zertifizierung – eine der anspruchsvollsten Prüfungen der modernen Uhrmacherei. Dabei werden nicht nur die Ganggenauigkeit, sondern auch Magnetfeldresistenz, Wasserdichtheit und Gangreserve unabhängig überprüft.

Das Manufakturkaliber MT5602-U arbeitet mit einer Siliziumspiralfeder, widersteht Magnetfeldern bis 15.000 Gauß und bietet eine zertifizierte Gangreserve von 70 Stunden. Für den Alltag bedeutet das nicht nur außergewöhnliche Präzision, sondern auch die Freiheit, die Uhr über ein Wochenende abzulegen, ohne sie anschließend neu einstellen zu müssen.

Tradition neu interpretiert

Obwohl die Black Bay Ceramic technologisch zu den modernsten Modellen der Marke zählt, bleibt sie ihren Wurzeln treu. Die charakteristischen Snowflake-Zeiger, seit 1969 fester Bestandteil der TUDOR-DNA, verbinden die Geschichte der legendären Taucheruhren mit zeitgenössischer Uhrmacherkunst. Das Ergebnis ist keine nostalgische Neuauflage, sondern eine Evolution, die Vergangenheit und Zukunft selbstverständlich miteinander verbindet.

Luxus durch Substanz

In einer Zeit, in der Luxus häufig über Sichtbarkeit definiert wird, setzt die Black Bay Ceramic auf eine andere Form von Exklusivität. Ihre Qualitäten offenbaren sich nicht auf den ersten Blick, sondern im Detail: in der Materialforschung, der Präzision des Uhrwerks, den hohen Zertifizierungsstandards und der außergewöhnlichen Verarbeitung.

Gerade diese Haltung macht sie interessant. Sie versteht Luxus nicht als Inszenierung, sondern als Ergebnis konsequenter Entwicklung. Eine Uhr für Menschen, die Design nicht nur sehen, sondern verstehen möchten.

Wie Bode Erinnerungen in Kleidung verwandelt und zeigt, dass wahre Transformation nicht im Neuen, sondern im Weiterleben liegt.

Mode ist eine der vergänglichsten Ausdrucksformen unserer Zeit. Kaum ist eine Kollektion präsentiert, richtet sich der Blick bereits auf die nächste Saison. Trends entstehen, verschwinden und werden durch neue ersetzt. Was gestern noch begehrenswert war, wirkt heute oft schon überholt.

Und doch gibt es Labels, die einen völlig anderen Weg einschlagen.

Das New Yorker Label Bode, gegründet von Emily Adams Bode Aujla, versteht Kleidung nicht als kurzlebiges Produkt, sondern als Träger von Erinnerungen. Viele ihrer Entwürfe entstehen aus historischen Quilts, bestickten Tischdecken, Bettwäsche oder Stoffen, die über Jahrzehnte hinweg Teil eines Familienlebens waren. Textilien, die ursprünglich nie für einen Laufsteg gedacht waren, erhalten eine neue Bestimmung. Aus Alltagsgegenständen werden Kleidungsstücke. Aus Erinnerungen entsteht Gegenwart.

Diese Transformation ist weit mehr als Upcycling. Sie verändert nicht nur das Material, sondern auch dessen Bedeutung.

Die Schönheit gelebter Zeit

In einer Welt, die Perfektion oft mit Makellosigkeit verwechselt, erinnert Bode daran, dass gerade Gebrauchsspuren Charakter schaffen.

Ein geflickter Quilt erzählt von Händen, die ihn gefertigt haben. Eine gestickte Tischdecke erinnert an gemeinsame Mahlzeiten, an Feste, an Generationen, die sich um denselben Tisch versammelt haben. Ein Stoff wird dadurch mehr als eine textile Oberfläche. Er wird zum stillen Zeugen eines gelebten Lebens.

Indem Bode diese Materialien in moderne Silhouetten übersetzt, entstehen Kleidungsstücke, die Vergangenheit nicht konservieren, sondern weiterführen. Sie tragen Geschichte nicht als Dekoration, sondern als Identität.

Transformation bedeutet hier nicht, Altes zu ersetzen. Sie bedeutet, ihm eine neue Zukunft zu schenken.

Erinnerungen als Luxus

Vielleicht verändert sich gerade deshalb auch unsere Vorstellung von Luxus.

Lange wurde Luxus über Seltenheit, Exklusivität oder den Preis definiert. Heute gewinnt eine andere Qualität an Bedeutung: Bedeutung selbst.

Ein Objekt wird wertvoll, weil es eine Geschichte erzählt. Weil es Herkunft besitzt. Weil es nicht beliebig reproduzierbar ist.

Bode zeigt eindrucksvoll, dass Kleidung mehr sein kann als Mode. Sie wird zum kulturellen Gedächtnis. Jeder Stoff trägt Spuren seines früheren Lebens in sich und macht jedes Kleidungsstück zu einem Unikat – nicht nur aufgrund seiner Verarbeitung, sondern aufgrund seiner Geschichte.

Gerade in einer Zeit, in der Algorithmen Trends beschleunigen und künstliche Intelligenz Bilder in Sekunden erzeugt, wächst die Sehnsucht nach etwas Echtem. Nach Dingen, die Zeit in sich tragen.

Die Kunst der Verwandlung

Transformation ist eines der ältesten kreativen Prinzipien überhaupt. Künstler verwandeln Stein in Skulpturen, Architekten geben historischen Gebäuden eine neue Funktion, Designer interpretieren Tradition neu, ohne sie zu verlieren.

Bode folgt genau diesem Gedanken.

Die Vergangenheit wird nicht romantisiert und auch nicht museal konserviert. Sie bleibt lebendig, weil sie Teil der Gegenwart wird. Aus einer Familiengeschichte entsteht eine neue Geschichte. Aus einem Stoff, der Jahrzehnte in einer Truhe lag, wird ein Kleidungsstück, das wieder getragen wird.

Vielleicht liegt genau darin die nachhaltigste Form von Design: nicht immer Neues zu erschaffen, sondern das Vorhandene mit neuen Augen zu betrachten.

Mehr als Kleidung

Bode beweist, dass Mode weit mehr sein kann als ein Spiegel des Zeitgeists. Sie kann Erinnerungen bewahren, Identität sichtbar machen und Vergangenheit in die Zukunft tragen.

Vielleicht liegt die wahre Innovation heute nicht darin, immer schneller Neues zu produzieren.

Vielleicht beginnt sie genau dort, wo wir lernen, das Vorhandene neu zu sehen.

Denn die schönsten Geschichten sind oft jene, die nicht neu geschrieben werden müssen – sondern weitererzählt.