Wie ein minimalistischer Bikini zum Ausdruck eines modernen Sommergefühls wird

Farben kommen und gehen. Manche bleiben länger als eine Saison, weil sie mehr transportieren als einen Trend. Candy Pink gehört in diesem Sommer dazu.

Für die aktuelle Swimwear-Kollektion von Calzedonia präsentiert Hailey Bieber den neuen Minimal Fit Bikini in einem leuchtenden Rosaton, der zwischen Verspieltheit und Selbstbewusstsein balanciert. Die Farbe wirkt leicht, optimistisch und zugleich überraschend klar – ein Ton, der die Sehnsucht nach Unbeschwertheit ebenso einfängt wie das Bedürfnis nach individueller Ausdruckskraft.

Hailey Bieber verkörpert dabei eine Ästhetik, die die Mode der Gegenwart maßgeblich prägt. Ihre Looks entstehen selten durch Übertreibung, sondern durch Reduktion. Klare Linien, mühelose Silhouetten und eine moderne Form von Lässigkeit definieren ihren Stil – und spiegeln sich auch in der aktuellen Swimwear-Kollektion von Calzedonia wider.

Im Mittelpunkt steht der Minimal Fit Bikini. Seine reduzierte Formensprache verzichtet auf überflüssige Details und setzt stattdessen auf präzise Passformen und eine zeitlose Silhouette. Candy Pink verleiht dem Design dabei eine frische Dynamik und macht den Bikini zu einem Statement, das nicht laut sein muss, um Aufmerksamkeit zu erzeugen.

Die aktuellen Kampagnenbilder zeigen einmal mehr, wie eng Mode und digitale Kultur heute miteinander verbunden sind. Wenn Hailey Bieber einen Look auf ihren Kanälen präsentiert, wird daraus nicht nur ein Produktbild, sondern Teil eines globalen visuellen Dialogs über Stil, Identität und Zeitgeist.

So wird Candy Pink mehr als nur eine Trendfarbe. Es wird zum Symbol eines Sommers, der Leichtigkeit nicht als Oberflächlichkeit versteht, sondern als bewusste Entscheidung.

Saint-Tropez war nicht immer das, was man heute auf Social Media davon sieht.

Bevor der Ort zur Kulisse für Sichtbarkeit wurde, ging es dort um etwas anderes: um Tage ohne Eile, um Mittagessen, die in den Abend übergingen, um salzige Haut, verblasste Farben, Segelboote im Hafen und eine Eleganz, die nie besonders angestrengt wirkte.

Genau aus diesem Lebensgefühl heraus entstand 1971 Vilebrequin.

Der Gründer Fred Prysquel – Fotograf und Motorsportjournalist – soll seine erste Idee für eine Badehose auf einer Papiertischdecke in einem Café in Saint-Tropez skizziert haben. Inspiriert von den lockeren Surfershorts Kaliforniens entstanden Schnitte, die sich deutlich von der damals üblichen, engen Swimwear abhoben. Länger, entspannter, leichter.

Bis heute trägt die Marke etwas von dieser ursprünglichen Riviera in sich.

Nicht die laute Riviera.

Sondern jene, die nach Leinenhemden, Holzdecks und sonnengebleichten Farben aussieht.

Zwischen Bademode und Resortwear

Vielleicht liegt darin auch der Grund, warum Vilebrequin nie nur reine Swimwear geblieben ist.

Über die Jahre entwickelte sich daraus eine vollständige Sommergarderobe – mit luftigen Shirts, Resortwear, Accessoires und Kollektionen, die weniger nach „Beach Club“ wirken als nach einer bestimmten Haltung zum Sommer.

Gerade aktuelle Kollektionen zeigen das deutlich. Die Übergänge zwischen Bademode, Tailoring und Ready-to-wear werden fließender. Materialien wirken weicher, Farben zurückhaltender, Prints künstlerischer.

Magazine wie The Times Style/LUXX beschrieben zuletzt genau diese Entwicklung: weg von rein funktionaler Swimwear hin zu Stücken, die sich ebenso selbstverständlich am Strand wie beim Lunch tragen lassen. Die Idee dahinter ist weniger Inszenierung als Vielseitigkeit.

Auch die aktuellen Capsule Collections greifen diese Richtung auf. Für Summer 2026 arbeitet Vilebrequin etwa mit dem Label 3.PARADIS sowie dem französischen Künstler Fabrice Hyber zusammen – nicht als plakative Fashion-Kollaboration, sondern eher als Erweiterung einer bestimmten Bildwelt zwischen Kunst, Natur und Riviera-Kultur.

Die bestickten Modelle

Besonders interessant sind dabei die bestickten Modelle der Marke.

Sie verändern die Wirkung von Bademode vollkommen. Statt rein grafischer Prints entstehen Oberflächen mit Struktur und Tiefe – beinahe wie textile Objekte. Manche Motive wirken aus der Distanz fast gemalt, andere erinnern an mediterrane Illustrationen oder maritime Fundstücke.

Dabei geht es weniger um Luxus als Statement, sondern eher um Handwerk und Materialität. Genau das unterscheidet Vilebrequin oft von vielen anderen Brands im Resort-Bereich.

Die Stücke wollen nicht auffallen.

Aber sie haben Charakter.

La Plage

Spannend ist auch, wie stark die Marke mittlerweile über Orte funktioniert.

Mit Konzepten wie „La Plage“ oder Kooperationen mit Hotels und Resorts versucht Vilebrequin nicht nur Kleidung zu verkaufen, sondern ein bestimmtes Sommergefühl räumlich erlebbar zu machen. Pool Clubs, Cabana Spaces und temporäre Installationen greifen die Idee eines entspannten Riviera-Lifestyles auf, ohne daraus ein nostalgisches Klischee zu machen.

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Stärke der Marke.

Vilebrequin erzählt nicht von Urlaub als Eskapismus.

Sondern von einer Art, den Sommer wahrzunehmen.

Etwas langsamer vielleicht.
Etwas leichter.
Und mit einer Eleganz, die nicht erklärt werden muss.

Maison Margiela stellt sein visuelles Gedächtnis öffentlich – und verändert damit die Regeln von Mode, Erinnerung und Autorschaft.

Maison Margiela macht sein visuelles Archiv öffentlich zugänglich und stellt damit nicht nur die Regeln des Archivierens infrage, sondern auch die Mechanismen der Mode selbst. Zwischen digitaler Zugänglichkeit und kuratorischer Neuinterpretation entsteht ein vielschichtiger Dialog über Autorschaft, Erinnerung und die Zukunft des Hauses.

Ein radikaler Schritt in Richtung Transparenz

Maison Margiela hat sich nie über Sichtbarkeit definiert. Eher über das gezielte Spiel mit ihr. Umso bemerkenswerter ist der jüngste Schritt des Hauses: die vollständige Öffnung seines visuellen Archivs über eine frei zugängliche Dropbox. Was zunächst wie ein pragmatischer Akt der Digitalisierung wirkt, entfaltet bei näherer Betrachtung eine fast programmatische Dimension.

In einer Branche, die ihre Geschichte oft kuratiert, filtert und mythologisiert, setzt Margiela auf radikale Transparenz und lädt zugleich zur Neubewertung des eigenen Erbes ein.

Dekonstruktion als System

Die Geste passt zur DNA des Hauses. Seit der Gründung steht Margiela für Dekonstruktion, für das Sichtbarmachen von Prozessen, die andere verbergen. Nähte wurden nach außen gekehrt, Futterstoffe zu Oberflächen erhoben, das Unfertige zur Ästhetik erklärt.

Nun wird dieser Ansatz auf das Archiv selbst übertragen: Kampagnenbilder, Runway-Dokumentationen, Detailaufnahmen und visuelle Fragmente erscheinen nicht als museal geordnete Chronologie, sondern als offenes System.

Es ist weniger ein Archiv im klassischen Sinne als vielmehr ein Werkzeug – eine Einladung an Stylisten, Kuratoren, Studierende und Enthusiasten, sich ihre eigene Lesart zu erschließen.

Neue Formen der Ausstellung

Parallel dazu verdichtet sich das Jahr 2026 zu einem entscheidenden Moment für die physische Begegnung mit Margielas Werk. Mehrere Ausstellungen greifen unterschiedliche Facetten des Hauses auf und übersetzen die digitale Offenheit zurück in räumliche Erfahrung.

Während einige Institutionen den Fokus auf die frühen Jahre und konzeptionelle Modenschauen legen, widmen sich andere der Materialität: Textilien, Techniken und der stillen Radikalität handwerklicher Eingriffe.

Kuratorischer Perspektivwechsel

Auffällig ist ein Wandel im kuratorischen Ansatz:
Wo früher retrospektive Erzählungen dominierten, treten heute fragmentarische und thematische Zugänge in den Vordergrund.

Eine Ausstellung widmet sich ausschließlich der Farbe Weiß – von Atelierkitteln bis zu anonymisierten Labels. Eine andere untersucht die Beziehung zwischen Kleidung und Körper: Volumen, Verschiebung und Verhüllung.

Diese Spezialisierung spiegelt nicht nur die Vielschichtigkeit des Hauses wider, sondern auch ein verändertes Publikum – eines, das weniger lineare Geschichten sucht als Bedeutungsebenen.

Digital trifft physisch

Interessant ist die Wechselwirkung zwischen digitalem Archiv und Ausstellungspraxis. Kuratoren nutzen die Dropbox nicht nur als Recherchetool, sondern als integralen Bestandteil der Inszenierung.

Projektionen, Screens und interaktive Stationen binden das Material direkt ein und schaffen einen erweiterten Raum, in dem physische Exponate und digitale Bilder miteinander korrespondieren.

Die Grenze zwischen Original und Reproduktion bleibt bewusst unscharf – ganz im Sinne Margielas, der Authentizität stets als verhandelbare Kategorie verstand.

Ein Wendepunkt für die Modeindustrie

Auch für die Branche insgesamt markiert dieser Schritt einen möglichen Wendepunkt. In einer Zeit, in der Archive zu strategischen Assets geworden sind, wirkt Margielas Offenheit fast subversiv.

Sie unterläuft die Logik von Exklusivität und Zugriffsbeschränkung und setzt stattdessen auf kollektive Aneignung.

Gleichzeitig entsteht ein neuer Wert: Sichtbarkeit als kulturelles Kapital, das sich nicht im Besitz erschöpft, sondern im Gebrauch entfaltet.

Mode als dynamisches Gedächtnis

Die Initiative verändert auch die Art und Weise, wie Mode erinnert wird. Statt fixer Narrative entsteht ein dynamisches Gedächtnis – gespeist aus individuellen Perspektiven und Kontexten.

Die Bilder im Archiv sind nicht nur Dokumente der Vergangenheit, sondern Bausteine für zukünftige Geschichten – in Editorials, Ausstellungen und digitalen Formaten.

Ein stilles Statement

Das Projekt lässt sich als klares Statement lesen:
Mode ist kein abgeschlossenes Kapitel, sondern ein fortlaufender Dialog.

Maison Margiela öffnet nicht nur sein Archiv, sondern auch den Raum für Interpretation – und macht deutlich, dass Relevanz heute weniger aus Kontrolle entsteht als aus Zugänglichkeit.

Zwischen Intimität und Öffentlichkeit, Material und Bild entsteht eine neue Form von Luxus:
die Freiheit, Bedeutung selbst zu konstruieren.

Die Olympiasiegerin wird zur neuen House Ambassador – und verkörpert die moderne Louis Vuitton Woman.

Mit Alysa Liu gewinnt Louis Vuitton nicht nur eine Ausnahmesportlerin, sondern eine Persönlichkeit, die für Mut, Individualität und eine neue Definition von Luxus steht.

Paris, Mai 2026. Das französische Traditionshaus Louis Vuitton präsentiert die amerikanische Eiskunstlauf-Olympiasiegerin Alysa Liu als neue House Ambassador – eine Entscheidung, die den Zeitgeist perfekt trifft. Die Partnerschaft vereint sportliche Exzellenz mit modischer Ausdruckskraft und spiegelt eine moderne Vision von Weiblichkeit wider: kraftvoll, kreativ und selbstbestimmt.

Zwischen Präzision und Poesie

Mit gerade einmal 20 Jahren schrieb Alysa Liu Geschichte: Als erste Amerikanerin seit 24 Jahren gewann sie olympisches Gold im Eiskunstlauf – und das gleich doppelt. Doch es ist nicht nur ihre technische Brillanz, die fasziniert. Es ist ihre Ausstrahlung – eine Kombination aus Energie, Leichtigkeit und persönlichem Stil, der sich auch in ihrem ikonischen Look, wie etwa ihrem gestreiften Haar, manifestiert.

Diese Dualität – Stärke und Sanftheit – macht sie zur idealen Repräsentantin für Louis Vuitton. Eine Frau, die sich nicht festlegen lässt, sondern Gegensätze vereint.

Die neue Louis Vuitton Woman

„Alysa Liu verkörpert die moderne Louis Vuitton Woman – selbstbewusst, kreativ und furchtlos“, so Nicolas Ghesquière, Artistic Director der Damenkollektionen.

Und tatsächlich: Liu bringt eine frische Perspektive in die Welt des Luxus. Ihre Auftritte – etwa bei der Louis Vuitton Fall/Winter 2026 Show oder der Vanity Fair Oscar Party – zeigen ein Gespür für Stil, das sowohl verspielt als auch präzise ist. Denim-Looks treffen auf kunstvolle Stickereien, sportliche Attitüde auf Haute Couture.

Luxus liegt im Detail

Auch Alysa Liu selbst beschreibt die Verbindung zur Maison als inspirierend:

„Als Eiskunstläuferin bin ich Athletin – ich trainiere hart, ich bin schnell. Aber wenn ich performe, möchte ich zeigen, wie sanft ich sein kann.“

Diese Balance spiegelt sich auch in ihrer neuen Rolle wider. Für Liu bedeutet Luxus nicht nur Ästhetik, sondern Detailarbeit, Hingabe und Ausdruck. Werte, die sowohl im Eiskunstlauf als auch im Designprozess eine zentrale Rolle spielen.

Eine Partnerschaft mit Zukunft

Mit Alysa Liu setzt Louis Vuitton ein klares Zeichen: Die Zukunft des Luxus ist multidimensional. Sie vereint Disziplin und Kreativität, Tradition und Innovation, Stärke und Sensibilität.

Eine neue Generation tritt ins Rampenlicht – und sie ist mutiger, freier und inspirierender denn je.

Zwischen Disruption und Ruhe, Ästhetik und Veränderung, Architektur und Bewusstsein bewegt sich die neue Ausgabe von THE Stylemate Issue No 02 | 2026 – PANTA RHEI. Inspiriert vom Gedanken des ständigen Wandels widmet sich die aktuelle Ausgabe jenen Momenten, in denen sich Systeme verschieben, Räume neu gedacht werden und Schönheit nicht mehr statisch, sondern fließend erscheint.

„Panta Rhei“ – alles fließt. Kaum ein Gedanke beschreibt unsere Gegenwart treffender. Die neue THE Stylemate begreift Wandel nicht als Störung, sondern als Einladung: zum Perspektivwechsel, zum bewussteren Leben und zum offenen Denken.

Im Zentrum der Ausgabe stehen Themen wie Disruption, Transformation und die Frage, wie wir in Zukunft leben, arbeiten und gestalten wollen. Philosophische Essays treffen auf visionäre Architektur, innovative Hospitality-Konzepte auf Design, das Haltung zeigt. Bereits das Editorial beschreibt Disruption nicht als Buzzword, sondern als Zustand unserer Zeit – leise, subtil und dennoch unumkehrbar.

Besondere Highlights der Ausgabe:

• Das Gespräch mit Transformationsexperte Markus Petzl über KI, Zukunftsdenken und warum echte Innovation niemals im Kern eines Systems beginnt.
• Der essayistische Beitrag „How We Might Unlearn Coherence“, der sich zwischen Philosophie, Gesellschaft und Ästhetik bewegt und Fragen nach Identität, Räumen und Auflösung stellt.
• Inspirierende Orte und Hotels zwischen Südtirol, Mexiko, Menorca und Österreich, die Rückzug, Design und neue Formen von Luxus neu interpretieren.
• Architektur, Kunst und Design als Spiegel einer Welt im Übergang – poetisch, visionär und bewusst kuratiert.

Wie gewohnt verbindet THE Stylemate anspruchsvollen Journalismus mit außergewöhnlicher Bildsprache und einem feinen Gespür für Ästhetik, Nachhaltigkeit und kulturelle Relevanz. Die neue Ausgabe lädt dazu ein, sich Zeit zu nehmen. Zum Lesen. Zum Nachdenken. Zum Neu-Sehen.

Denn vielleicht ist genau das die wichtigste Erkenntnis dieser Ausgabe:
Wir sind nicht verloren. Wir sind einfach noch nicht fertig.

Die neue Ausgabe PANTA RHEI ist ab sofort hier erhältlich >>>

Wie Barena Venezia modernen Luxus neu definiert

In einer Welt der Beschleunigung liegt wahre Eleganz oft im Rückzug. Nicht im Sichtbaren, sondern im Spürbaren. Zwischen Licht, Stoff und Bewegung entsteht eine Form von Luxus, die sich nicht aufdrängt – sondern bleibt. Barena Venezia verkörpert genau diese Haltung: leise, präzise und zutiefst zeitlos.

Inspiriert von der Lagune

Der Ursprung von Barena Venezia liegt in Venedig – genauer gesagt in der Lagune, jener stillen Landschaft zwischen Wasser und Land.

Es ist eine Umgebung ohne Eile, geprägt von Licht, Nebel und gedämpften Farben. Diese Atmosphäre findet sich in jeder Kollektion wieder: in sanften Grautönen, erdigen Nuancen und einer zurückhaltenden Klarheit.

Die Kleidung scheint nicht entworfen, sondern gewachsen.

Sie trägt die Ruhe ihres Ursprungs in sich.

Soft Tailoring als Haltung

Barena ist bekannt für sein „Soft Tailoring“ – doch dahinter verbirgt sich mehr als eine Silhouette.

Sakkos sind ungefüttert, Schnitte folgen dem Körper, ohne ihn einzuengen. Formen bleiben bewusst unperfekt, lebendig, beweglich.

Hier wird Schneiderkunst nicht als Struktur verstanden, sondern als Freiheit.

Eleganz entsteht nicht durch Strenge, sondern durch Leichtigkeit.

Materialität als Ausdruck

Stoffe sind das Herz der Marke.

Leinen, Wolle und Baumwolle stammen oft aus traditionellen italienischen Webereien. Sie sind nicht nur Träger von Form, sondern von Geschichte.

Die Oberflächen wirken natürlich, fast roh – mit einer Tiefe, die sich erst beim näheren Hinsehen erschließt.

Barena spricht durch Material, nicht durch Logos.

Zeit statt Trend

Barena entzieht sich bewusst dem schnellen Rhythmus der Mode.

Kollektionen wirken wie Fortsetzungen, nicht wie Brüche. Farben kehren wieder, Formen entwickeln sich leise weiter.

Diese Kontinuität schafft Vertrauen – und eine Form von Stil, die nicht von Saisons abhängt.

Mode wird hier nicht konsumiert, sondern begleitet.

Alltag als Bühne

Was Barena besonders macht, ist seine Selbstverständlichkeit.

Die Kleidung verlangt keine Inszenierung. Sie funktioniert im Alltag, im Gehen, im Leben.

Ein Blazer wird zur zweiten Haut, ein Mantel zum stillen Begleiter.

Luxus zeigt sich im Tragen, nicht im Zeigen.

Barena Venezia steht für eine Form von Mode, die sich der Lautstärke entzieht.

Zwischen Handwerk, Herkunft und Haltung entsteht eine Ästhetik, die nicht beeindrucken will – sondern berührt.

In ihrer Zurückhaltung liegt ihre Stärke.
In ihrer Ruhe ihre Relevanz.

Vielleicht ist das die radikalste Form von Luxus heute.

Wie CMMN SWDN eine neue Sprache von Männlichkeit und Moderne entwirft

Mode war lange eine Frage der Zugehörigkeit. Heute ist sie ein Raum für Bewegung. Zwischen kulturellen Einflüssen, persönlichen Geschichten und sich wandelnden Rollenbildern entsteht eine neue Form von Ausdruck – leiser, vielschichtiger und bewusster. Kaum ein Label verkörpert diesen Wandel so präzise wie CMMN SWDN.

Die Ästhetik der Spannung

Die Entwürfe von CMMN SWDN leben von Gegensätzen. Klare Linien treffen auf fließende Materialien, klassische Silhouetten werden aufgebrochen, vertraute Formen neu interpretiert.

Es ist ein Spiel mit Balance – nicht als Kompromiss, sondern als bewusst gesetzte Spannung.

Hier wird Tailoring nicht dekonstruiert, sondern erweitert. Jacken wirken strukturiert und gleichzeitig weich, Hosen folgen keiner festen Regel mehr, sondern einer Haltung.

Mode wird zu einer offenen Form.

Kulturelle Hybridität als Ausgangspunkt

Gegründet von Saif Bakir und Emma Hedlund, bewegt sich CMMN SWDN zwischen Malmö und London – geografisch wie kulturell.

Diese Dualität ist kein Nebenaspekt, sondern der Kern der Marke.

Einflüsse aus skandinavischer Klarheit treffen auf internationale Perspektiven, persönliche Narrative auf kollektive Themen. Kollektionen greifen immer wieder Motive aus Kunst, Musik oder Alltagskultur auf und übersetzen sie in tragbare Konzepte.

Identität wird hier nicht definiert – sondern verhandelt.

Neue Männlichkeit

Ein zentrales Element der Marke ist ihr Umgang mit Männlichkeit.

CMMN SWDN entzieht sich bewusst klassischen Zuschreibungen. Stattdessen entstehen Silhouetten, die Raum lassen – für Bewegung, für Interpretation, für Individualität.

Maskuline Codes werden nicht negiert, sondern erweitert. Sie werden weicher, durchlässiger, offener.

Es geht nicht um Bruch, sondern um Entwicklung.

Materialität und Bewusstsein

Trotz aller konzeptionellen Tiefe bleibt CMMN SWDN im Kern ein Ready-to-Wear Label.

Die Stücke sind tragbar, funktional und präzise gefertigt. Stoffe spielen dabei eine zentrale Rolle: strukturierte Wollqualitäten, fließende Mischgewebe, unerwartete Oberflächen.

Diese Materialität verankert die Kollektionen im Alltag – sie macht aus Idee Realität.

Design wird fühlbar.

Jenseits von Trends

CMMN SWDN folgt keinem schnellen Rhythmus.

Statt Trends zu reproduzieren, entwickelt die Marke eine eigene visuelle Sprache – eine, die sich kontinuierlich verändert, ohne beliebig zu werden.

Das Ergebnis ist Mode, die nicht auf Aufmerksamkeit angewiesen ist, sondern auf Wahrnehmung.

Sie fordert den Blick – und belohnt ihn.

CMMN SWDN steht für eine Generation von Design, die sich nicht mehr über klare Kategorien definiert.

Zwischen Struktur und Freiheit, zwischen Herkunft und Zukunft entsteht eine neue Form von Eleganz – eine, die weniger erklärt und mehr zulässt.

Mode wird hier nicht lauter, sondern relevanter.

Zwischen Y2K-Nostalgie, Streetwear und sportlicher DNA

Die Rückkehr eines Klassikers: Mit dem Relaunch seines legendären Soccer-Sneakers knüpft Bikkembergs an seine kraftvolle Vergangenheit an und übersetzt sie in eine zeitgemäße Formsprache. Zwischen Fußballkultur, Streetwear-Ästhetik und italienischer Schneiderkunst entsteht eine Kollektion, die mehr ist als Mode – sie ist ein Statement.

Mode trifft Bewegung – eine Rückkehr zu den Wurzeln

Seit seiner Gründung durch Dirk Bikkembergs im Jahr 1986 steht das Label für eine unverkennbare Verbindung von Mode und Sport. Als Teil der legendären Antwerp Six prägte Bikkembergs früh eine Ästhetik, die körperlich, direkt und authentisch ist.

In den 1990er- und frühen 2000er-Jahren verlagerte die Marke ihre Runway-Shows bewusst aus den klassischen Modekontexten – hinein in Fußballstadien von Mailand bis Barcelona. Mode wurde hier zur Bewegung, zur Performance, zur gelebten Kultur.

Ein prägender Moment: Ein spontanes Fitting mit dem Kapitän des italienischen Clubs FC Fossombrone führte schließlich dazu, dass Dirk Bikkembergs den Verein übernahm – und ihn zu einem kreativen Experimentierfeld zwischen Stil und Sport entwickelte.

Der Soccer-Sneaker als kulturelles Symbol

Aus dieser Haltung heraus entstand die ikonische Soccer-Linie – eine Sneaker-Kollektion, die Sport nicht nur funktional, sondern als kulturelle Erzählung versteht.

Internationale Teams wie Inter Mailand oder Málaga CF sowie Spieler wie Giorgio Chiellini oder Paolo Cannavaro trugen die Designs – und machten sie zu einem festen Bestandteil der Fußball- und Modegeschichte.

Der Soccer-Sneaker entwickelte sich dabei zu einem Signature-Piece, das die Grenzen zwischen Spielfeld und Straße mühelos überwindet.

2025: Der Relaunch einer Ikone

Mit kreativer Leitung von Lee Wood erlebt die Soccer-Linie nun ein modernes Revival. Den Auftakt machte im Juni 2025 eine aufmerksamkeitsstarke Kooperation mit Gosha Rubchinskiy, bekannt für seine Arbeit bei Yeezy.

Seine Neuinterpretation brachte eine klare Streetwear-Perspektive ein und griff die sogenannte Bloke-Core-Ästhetik auf – ein Trend, der Fußballkultur und Alltagsmode verschmelzen lässt.

Y2K trifft Gegenwart

Die neuen Modelle greifen bewusst die Designsprache der frühen 2000er-Jahre auf – ein subtiler Verweis auf das anhaltende Y2K-Revival.

Hochwertige Leder, innovative Materialien und eine neu gedachte Farbpalette definieren die Kollektion:

• Neutrale, elegante Töne für zeitlose Looks
• Markante Akzente in Himmelblau und leuchtendem Rot
• Neue Muster, Stickereien und Prints als Weiterentwicklung des Originals

Der ikonische Soccer-Sneaker bleibt dabei das Herzstück – ein Design, das sich wie ein roter Faden durch die gesamte Kollektion zieht.

Heritage, das in die Zukunft führt

Der Relaunch ist mehr als ein nostalgischer Rückblick. Er ist eine bewusste Rückkehr zur DNA der Marke – und gleichzeitig ein Schritt nach vorne.

Bikkembergs gelingt es, Vergangenheit und Gegenwart zu verbinden:
Sport trifft Stil. Bewegung trifft Ästhetik. Tradition trifft Innovation.

Oder anders gesagt: Der Soccer-Sneaker bleibt, was er immer war – ein Symbol für eine Haltung, die Mode nicht nur zeigt, sondern lebt.

Eine Kollektion zwischen Kontinenten und Kulturen

Was passiert, wenn aus einer persönlichen Begegnung eine gestalterische Haltung wird?
Mit der Bonguile Collection zeigt die österreichische Designerin Gina Drewes, wie Mode weit über Ästhetik hinauswirken kann. Für ihr Label Monkey on my Shoulder entstand eine limitierte Serie sommerlicher Unisex-Sets, die nicht nur stilistisch, sondern auch sozial Wirkung entfalten.

Ein Teil der Erlöse fließt direkt in das Bonguile Project in Mosambik – eine Vorschule, die Kindern früh Zugang zu Bildung und Gemeinschaft ermöglicht.

Ursprung in Vilankulos

Die Geschichte dieser Kollektion beginnt in Vilankulos, einer Küstenstadt in Mosambik. Während eines Aufenthalts kam Gina Drewes erstmals mit dem Bonguile Project im Stadtteil Quinto Congresso in Kontakt. Was als flüchtige Begegnung begann, entwickelte sich zu einer langfristigen Verbindung.

Getragen wird das Projekt von ParCo, einer lokal verankerten Organisation, die nachhaltige Bildungs- und Sozialprojekte initiiert. Rund 70 Kinder im Alter von drei bis fünf Jahren finden hier jährlich einen geschützten Raum für frühkindliche Bildung – inklusive erster Berührungspunkte mit der portugiesischen Sprache, die für ihren weiteren Bildungsweg entscheidend ist.

Stoff als Medium der Wertschätzung

Zurück in Europa wurde aus Erinnerung Gestaltung. Mit einem Koffer voller afrikanischer Baumwollstoffe begann ein kreativer Prozess, der nicht auf Aneignung, sondern auf Interpretation basiert.

Keine direkten Zitate – vielmehr textile Liebesbriefe.

Die Designerin übersetzt Farben, Rhythmen und Strukturen in eine eigene Formsprache. Dabei steht ein respektvoller Umgang mit kultureller Vielfalt im Mittelpunkt. Mode wird hier zum Medium, das Verbindung sichtbar macht, ohne sie zu vereinnahmen.

„Es geht nicht darum, etwas zu übernehmen, sondern etwas Eigenes daraus entstehen zu lassen und damit einen Beitrag zu leisten.“ – Gina Drewes

Design mit Haltung

Die Bonguile Collection umfasst zehn sogenannte Surfer-Sets – kombinierte Looks, die sich mühelos zwischen Alltag und Urlaub bewegen.

• luftige Baumwollstoffe
• fließende, großzügige Schnitte
• bewusst reduzierte Silhouetten
• oversized und unisex gedacht

Die Designs passen sich den Träger:innen an – nicht umgekehrt. Eine Haltung, die Freiheit und Individualität in den Mittelpunkt stellt.

Die Prints entstehen aus einem fein abgestimmten Zusammenspiel von Farbe, Struktur und Rhythmus. Jedes Set wirkt für sich, bleibt aber Teil eines größeren visuellen Narrativs.

Mode als Prozess, nicht als Moment

Statt klassischen Drop-Zyklen folgt die Kollektion einem offenen System:
Vergriffene Modelle werden durch neue ersetzt. Die Linie entwickelt sich weiter – organisch, dynamisch, lebendig.

Mode wird hier nicht als abgeschlossenes Produkt verstanden, sondern als fortlaufender Prozess.

Wirkung über das Produkt hinaus

35 Prozent des Reinerlöses fließen direkt in die Zusammenarbeit mit ParCo und unterstützen die kontinuierliche Arbeit des Bonguile Projects vor Ort.

Eine Kollektion, die zeigt, dass Mode Verantwortung übernehmen kann – leise, aber wirkungsvoll.

Über die Designerin

Seit über einem Jahrzehnt steht Gina Drewes für präzise Schnittführung, detailverliebte Verarbeitung und eine unverwechselbare Handschrift zwischen Klassik und Avantgarde. Ihre Entwürfe verbinden Vintage-Referenzen mit zeitgenössischem Design und richten sich an Menschen, die ihren eigenen Stil definieren.

Erhältlich

Die Bonguile Collection ist in der Gina-Drewes-Boutique in Velden sowie online unter
www.monkeyonmyshoulder.com erhältlich.

Eine Kollektion, die das Reisen neu denkt – mit luxuriöser Funktionalität, subtiler Eleganz und dem unverkennbaren Spirit von Louis Vuitton.

Mit der Flight Mode 2026 Collection interpretiert Louis Vuitton das Konzept des Reisens neu: als stilvolle Bewegung zwischen Orten, Atmosphären und Momenten. Inspiriert von der „Art of Travel“ vereint die Kollektion Komfort, Raffinesse und moderne Vielseitigkeit – geschaffen für eine globale, ästhetisch anspruchsvolle Generation.

Unterwegs zwischen Ästhetik und Funktion

Die Flight Mode 2026 Kollektion versteht sich nicht nur als Garderobe, sondern als Ausdruck eines Lebensgefühls. Ready-to-Wear, Lederwaren, Schuhe und Accessoires verschmelzen zu einem harmonischen Gesamtbild – funktional, aber stets elegant. Die Silhouetten wirken entspannt und zugleich präzise, gefertigt aus Materialien, die Bewegung erlauben und Leichtigkeit transportieren.

Ob in den Tälern Kaliforniens, beim Spaziergang durch urbane Parks oder entlang azurblauer Küsten – jedes Piece passt sich dem Kontext an und bleibt dennoch unverkennbar Louis Vuitton.

Materialität & Handwerkskunst

Im Zentrum stehen hochwertige Materialien und feine Details. Lederjacken im Bomberstil, Cardigans und Gilets werden aus außergewöhnlichen Ledern gefertigt und zeigen eine Bandbreite an Oberflächen – von soft und veloursartig bis hin zu glänzend und perforiert. Ergänzt werden die Looks durch Kaschmir und feine Wolle, die ein Gefühl von luxuriösem Komfort vermitteln.

Diese subtile Opulenz verkörpert eine neue Form von Understatement – leise, aber wirkungsvoll.

Denim, Leichtigkeit und Farbspiel

Ein zentrales Element ist Denim, neu interpretiert in einem ausgewaschenen Blau-Grau mit dem ikonischen Monogramm. Locker geschnittene Hosen, Jacken und fließende Kleider schaffen eine entspannte Silhouette.

Dazu gesellen sich luftige Stoffe wie Baumwollpopeline, Seidentaft und gewaschene Seide – Materialien, die Bewegung und Leichtigkeit unterstreichen. Farblich reicht die Palette von neutralen Tönen bis hin zu warmen Akzenten in Tangerine, Rose, Sand und Sienna.

Ikonische Details & neue Klassiker

Die Kollektion greift bekannte Codes des Hauses auf und interpretiert sie neu:

• Das Mahina-Motiv erscheint in eleganten Weiß- und Brauntönen
• Prints, inspiriert von Hotelschlüsseln, verweisen auf die Geschichte des ersten Luxushotels in Paris
• Der Low Key Bag überzeugt durch minimalistisches Design und handwerkliche Präzision

Besonders hervorzuheben ist die LV Sneakerina – ein dynamisches Modell, das sportliche Energie mit urbaner Eleganz verbindet und nun in neuen Varianten erscheint.

Eine neue Leichtigkeit des Reisens

Die Flight Mode 2026 Kollektion ist mehr als Mode – sie ist eine Hommage an das Reisen als kulturelle Praxis. Louis Vuitton gelingt es, Funktionalität und Luxus in Einklang zu bringen und eine Garderobe zu schaffen, die sowohl zeitlos als auch zeitgemäß ist.