Zwischen Nachtleben und Schneiderkunst

Die österreichische Designerin Gina Drewes inszeniert mit ihrer neuen Menswear-Kollektion THE LAST DAYS OF DISCO ein spannungsreiches Spiel der Gegensätze. Clubkid-Attitüde trifft auf dandyhafte Eleganz, opulente Materialien auf klassische Schneiderkunst, expressive Statements auf subtile Raffinesse. Das Ergebnis ist eine zehnteilige Kollektion, die Mode nicht als harmonische Einheit versteht, sondern als bewussten Dialog zwischen Nachtleben und formaler Tradition.

Statt Kontraste zu glätten, werden sie bei Drewes zum ästhetischen Prinzip. Die Looks erzählen von der Energie des Clubs, von Selbstinszenierung, Individualität und der Freude am Stil – ohne dabei die präzise Handwerkskunst der klassischen Menswear aus den Augen zu verlieren.

Bouclé trifft Batwing

Im Zentrum der Kollektion steht ein Anzug aus kompaktem Multicolour-Bouclé, der architektonische Präsenz mit moderner Lässigkeit verbindet. Die weit geschnittene Hose mit strukturiertem Fall trifft auf eine kantig konstruierte Jacke mit verdeckter Knopfleiste. Volumen und Materialität verschmelzen zu einer Silhouette, die gleichzeitig präzise und ausdrucksstark wirkt.

Als bewusstes Gegengewicht setzt Drewes auf ein gelb-schwarz gemustertes Seidenhemd mit dramatischen Fledermausärmeln. Die großzügige Form bringt Bewegung und Leichtigkeit in den Look und kontrastiert die strukturierte Strenge des Bouclé-Anzugs.

Die Wirkung verändert sich je nach Styling:
Mit Beanie und Sneakers entsteht ein urbaner Streetwear-Moment. Kombiniert mit klassischen Lederschuhen verwandelt sich derselbe Look in eine moderne Interpretation dandyhafter Eleganz. Genau diese Wandelbarkeit bildet den Kern der Kollektion.

Glanz, Textur und bewusster Stilbruch

THE LAST DAYS OF DISCO lebt von luxuriösen Stoffen und überraschenden Oberflächen. Lurex für Herren erweitert das klassische Menswear-Vokabular ebenso wie Brokat mit feinem Edelweißmotiv oder ein modernes Pixelmuster in warmen Brauntönen.

Eine voluminöse Bomberjacke im Grün-Schwarz-Braunen Karomix ergänzt die Kollektion und bringt eine sportliche Note in die opulente Materialwelt. Dazu kommen Seidenhemden und farblich abgestimmte Schalkrawatten, die den dandyhaften Charakter subtil unterstreichen.

Maskuline Eleganz erscheint hier nicht als starres Regelwerk, sondern als Haltung. Mode darf inszenieren, irritieren und Freude bereiten.

Für Männer jenseits des Mainstreams

Die Kollektion richtet sich an Männer, die Stil als persönliche Entscheidung verstehen. Sie funktioniert im Nachtleben ebenso wie bei festlichen Anlässen und lässt sich – klug kombiniert – auch in den Alltag übersetzen.

Ein Clubkid kann sie tragen wie ein Dandy.
Schrill oder subtil. Expressiv oder reduziert. Immer mit Haltung.

Mit THE LAST DAYS OF DISCO führt Gina Drewes ihre gestalterische Handschrift konsequent weiter: Vintage-Referenzen treffen auf zeitgenössische Silhouetten, klassische Codes werden neu interpretiert. Die Kollektion ist kein nostalgischer Rückblick, sondern ein Statement für die Gegenwart.

Erhältlich in der Boutique von Gina Drewes in Velden sowie im Online-Shop unter: https://www.ginadrewes.com/

Moderne Distinktion zwischen Business und Black Tie

Mit der Formal Fall/Winter 2026 Kollektion definiert Louis Vuitton unter der kreativen Leitung von Pharrell Williams die Codes formeller Herrenmode neu – saisonübergreifend, funktional und mit jener leisen Selbstverständlichkeit, die wahre Eleganz ausmacht.

Am 19. Februar 2026 lanciert Louis Vuitton eine formal ausgerichtete Menswear-Linie, die Dresscodes nicht nur erfüllt, sondern übertrifft. Vom Frühstücksmeeting bis zur Abendgala, von kühlen Morgenstunden bis zu warmen Übergängen – diese Kollektion ist eine Studie über Anpassungsfähigkeit, Raffinesse und zeitgenössische Maskulinität.

Timeless Business – Die neue Klassik

Im Zentrum steht der moderne Geschäftsmann: ambidextrisch, beweglich zwischen Kontexten, präzise im Ausdruck. Anzüge wie „Gaston“, „Napolitana“ oder „Pont Neuf“ verbinden klassische Silhouetten mit subtilen Innovationen. Superfeine Materialien werden mit Mikro-Musterungen veredelt – feine Nadelstreifen aus LV-Blüten, ein filigraner Damier Seeds Jacquard oder Ton-in-Ton Monogrammierungen.

Layering wird zur Haltung: Wendegilets aus Woll-Kaschmir, Half-Zip-Sweater, wasserabweisende Ripstop-Parkas oder 3-in-1 Technical Jackets mit herausnehmbarer Innenweste verbinden Funktionalität mit ästhetischer Stringenz.

Diese Garderobe ist saisonlos – und gerade deshalb zeitgemäß.

Modern Tailoring – Codes im Dialog

Pharrell Williams’ Handschrift zeigt sich besonders in der Kategorie „Modern Tailoring“. Workwear-Referenzen treffen auf Dandyismus, Uniform-Elemente auf Trucker-Details. Woll-Twill-Anzüge zitieren Carpenter-Hosen mit genieteten Taschen und geprägten Jeansknöpfen, während Blousons mit Veloursleder-Panels oder LV-geprägten Lederbändern an historische Koffer erinnern.

Strickwaren aus Seidenmischungen zeigen dezente Pointelle-Damier-Streifen und Monogramm-Details. Polos, Cardigans und Zip-Ups wirken reduziert – und offenbaren ihre Raffinesse erst im Detail.

Evening – Die Fluidität der Form

Abendgarderobe erhält eine neue Weichheit. Tuxedo-Silhouetten werden mit der fließenden Eleganz von Morgenmänteln kombiniert. Ein doppelt geknöpfter Gaston-Anzug aus Seide, Mohair und Wolle trägt ein stark reduziertes, weit gesetztes Monogramm – inspiriert von Loungewear.

Ein seidiges Pyjama-Set mit Cheetah-Motiv oder ein satinierter Wollanzug mit demselben Print setzen selbstbewusste Statements. Kragenlose Jacken mit leuchtenden Nadelstreifen oder Kristalllinien, die das LV-Emblem durchziehen, definieren Abendmode neu – subtil, aber unübersehbar.

Schuhe & Accessoires – Die Kunst der Vollendung

Die Schuhlinie reicht vom Varenne Richelieu über Sorbonne Loafer bis zum neuen LV Gent Loafer mit italienischer Sacchetto-Konstruktion, die eine fast handschuhartige Passform ermöglicht. Patentleder-Oxfords und Monogram-printed Evening Slippers runden die Abendlooks ab.

Die überarbeitete LV Aerogram Linie interpretiert Business-Bags und Carry-On-Luggage neu – mit geprägten V-Details, inspiriert von Rollfeldmarkierungen.

Accessoires wie Monogram Flower Manschettenknöpfe, emaillierte Krawattenclips, Seidentücher, Aviator-Sonnenbrillen oder Gürtel aus patiniertem Kalbsleder, Strauß oder Krokodil vollenden das Ensemble.

Die Formal Fall/Winter 2026 Kollektion ist mehr als eine Garderobe – sie ist ein System. Ein modulares, intelligentes Konzept für Männer, die zwischen Räumen, Rollen und Realitäten navigieren. Pharrell Williams gelingt für Louis Vuitton eine Balance zwischen Heritage und Gegenwart, zwischen Funktion und Finesse.

Eine Kollektion, die Distinktion nicht inszeniert – sondern lebt.

Eine neue Ära moderner Weiblichkeit und kreativer Freiheit

Rom, 19. Februar 2026. Das römische Schmuckhaus Bvlgari schlägt ein neues Kapitel auf und ernennt Dua Lipa zur globalen Markenbotschafterin. Eine Entscheidung, die nicht nur strategisch, sondern auch kulturell gelesen werden kann: Hier trifft ikonische italienische Handwerkskunst auf eine der prägendsten Stimmen ihrer Generation.

Zwischen Popkultur und zeitloser Eleganz

Dua Lipa steht für eine Generation, die Erfolg neu definiert – selbstbestimmt, kreativ und kompromisslos authentisch. Mit mehreren Grammy- und BRIT-Awards sowie Milliarden Streams weltweit hat sie sich als feste Größe der zeitgenössischen Kultur etabliert Dua Lipa x Bvlgari.

Ihre Karriere ist geprägt von künstlerischer Freiheit und einem klaren Bekenntnis zu Integrität – Werte, die auch im Selbstverständnis von Bvlgari verankert sind.

„Dua Lipa verkörpert eine zeitgemäße Vision von Empowerment und Freiheit, die zutiefst mit den Werten von Bvlgari im Einklang steht“, so Laura Burdese, Deputy CEO von Bvlgari und CEO ab dem 1. Juli 2026 Dua Lipa x Bvlgari.

Das Haus würdigt damit nicht nur eine internationale Künstlerin, sondern eine Persönlichkeit, die weibliche Stärke und Selbstbewusstsein sichtbar macht.

Schmuck als Statement

Für Dua Lipa selbst ist die Zusammenarbeit mehr als eine klassische Markenpartnerschaft.

„Es ist etwas ganz Besonderes, mit einer ikonischen Marke wie Bvlgari zusammenzuarbeiten … ein Haus, das für Selbstbewusstsein, Kreativität sowie moderne Weiblichkeit steht und dessen Schmuckstücke jedem Look den perfekten letzten Schliff verleihen“, kommentiert die Künstlerin Dua Lipa x Bvlgari.

Schmuck wird hier nicht als Accessoire verstanden, sondern als Ausdruck von Haltung – als funkelnde Signatur einer Persönlichkeit.

Gerade im Kontext von Mindful Luxury entsteht daraus eine spannende Spannung: Handwerk, Heritage und High Fashion verbinden sich mit einer globalen Pop-Ikone, die für Unabhängigkeit und kulturelle Relevanz steht.

THE Stylemate Perspective

Die Ernennung von Dua Lipa zur globalen Markenbotschafterin ist mehr als ein PR-Moment. Sie markiert eine strategische Ausrichtung auf eine neue, selbstbewusste Generation von Frauen, die Luxus nicht über Status, sondern über Identität definiert.

Bvlgari bleibt damit seiner DNA treu – opulent, sinnlich, römisch – und öffnet sich zugleich einer globalen, zeitgenössischen Narration von Empowerment und kreativer Freiheit.

Kunst, Emotion und italienische Exzellenz – Sergio Soldano kehrt auf die internationale Bühne zurück

New York als Bühne einer Wiedergeburt: Mit einer eindrucksvollen Präsentation im legendären Printemps New York feierte das italienische Modehaus Sergio Soldano sein offizielles Comeback im Rahmen der New York Fashion Week. In Partnerschaft mit Fashion Group International (FGI) präsentierte das Haus seine Fall/Winter 2026–2027 Ready-to-Wear Kollektion – ein kraftvolles Statement zwischen Heritage und Zukunft.

Ein Abend zwischen Art Déco und Avantgarde

Die Präsentation entfaltete sich wie eine immersive Inszenierung: Im Boudoir-Salon des Hauses, durchdrungen von Art-Déco-Atmosphäre und französischer Eleganz, entstand eine lebendige Mise-en-Scène. Silhouetten schwebten über den Köpfen der Gäste, während Models die Entwürfe performativ interpretierten – Mode als lebendiges Tableau.

Für die emotionale Dramaturgie sorgten die Geigerin Lauren Cauley sowie die Sängerin Minda Larsen, deren Performance den Abend in eine fast theatrale Intensität tauchte.

Unter den Gästen: Branchenpersönlichkeiten wie Maryanne Grisz, Thierry Prevost und Fern Mallis – ein klares Signal für die Relevanz dieser Rückkehr.

Die Kollektion: 107 Kapitel einer neuen Ära

Unter der kreativen Leitung von Giovanni Premoli und Dario Di Bella präsentiert sich Sergio Soldano mit 77 Looks und 27 Accessoires als neu definierte Luxusvision.

Statt nostalgischer Archiv-Zitate entwickelten die Designer eine neue visuelle Sprache: Ölmalerei auf Leinwand wird in Prints transformiert, auf Seide und edle Stoffe übertragen – Memory becomes Vision. Das Ergebnis ist eine Kollektion, die handwerkliche Präzision mit emotionalem Storytelling verbindet.

1. The Architecture of Black – Die Offenbarung der Anemone

Schwarz als architektonische Struktur: Leder und Seide formen skulpturale Volumen. Zentrales Motiv ist die handgefertigte Leder-Anemone – Symbol für Neubeginn, Resilienz und stille Stärke.

2. Genoa: Return to Origins

Eine Hommage an Genua – Geburtsort des Maestros. Historische Palazzi und urbane Perspektiven werden zu grafischen Seidenprints und klaren Linien. Die kulturellen Wurzeln des Hauses bilden das Fundament seiner Zukunft.

3. Squares in the City – Urbane Geometrien

Präzise Linien, funktionale Volumen, vibrierende Farbakzente. Eine Garderobe für die dynamische, moderne Frau – vielseitig, beweglich, urban.

4. The Time of Sinopia – Poetik des Neubeginns

Inspiriert von vorbereitenden Freskozeichnungen und architektonischen Details entlang der Via XX Settembre in Genua, transformiert die Kollektion Erinnerung in zukunftsweisende Gestaltung.

Das Erbe von 1968 – und seine Zukunft

1968 gegründet, prägte Sergio Soldano mit geometrischer Kühnheit, leuchtenden Farben und femininer Silhouettenführung die internationale Modeszene. Ikonen wie Elizabeth Taylor, Gina Lollobrigida und Monica Vitti trugen seine Entwürfe.

2024 wurde das Haus von Desire Holding Group übernommen und strategisch neu positioniert. Die Vision: italienisches Savoir-faire in einer zeitgenössischen, urbanen Ästhetik neu zu definieren.

Mindful Luxury mit urbaner Haltung

Was diese Rückkehr so besonders macht, ist ihre Haltung: kein lautes Revival, sondern eine bewusste, reflektierte Neuausrichtung. Handwerk, Materialität und Emotion stehen im Mittelpunkt. Sergio Soldano definiert Luxus nicht als Statussymbol, sondern als kulturellen Ausdruck.

Eine Renaissance, die zeigt: Wahre Mode entsteht dort, wo Vergangenheit und Zukunft in einen Dialog treten.

Eine Hommage an das Erbe – neu gedacht von Pharrell Williams

Mit der Fall-Winter 2026 Men’s Trunk Edition schlägt Louis Vuitton ein neues Kapitel zwischen Tradition und moderner Lässigkeit auf.

Die von Pharrell Williams kuratierte Linie – lanciert am 5. Februar 2026 – versteht sich als transsaisonale Garderobe für den stilbewussten Mann: reduziert, hochwertig, zeitlos. Inspiriert vom ersten Objekt des Hauses – dem ikonischen Koffer von 1854 – wird das Vermächtnis der Maison in eine zeitgemäße, mühelose Silhouette übersetzt.

Die Essenz des Reisens – als Garderobe

Die Trunk Edition ist mehr als eine Kollektion: Sie ist ein kuratiertes System aus Kleidungsstücken, das Country und City, Tag und Abend, Formalität und Nonchalance miteinander verbindet.

Double-Face-Seidenblousons, gebürstete Cashmere-Mäntel oder wasserabweisende Workwear-Jacken aus Wollmischungen definieren eine urbane Modernität. Hemden aus Baumwoll-Seiden-Chambray oder mehrfarbig gestreiftem Cashmere-Seiden-Twill unterstreichen den Layering-Ansatz der Linie.

Ein entspannt konzipierter Anzug aus Double-Face-Baumwoll-Seiden-Crêpe wirkt gleichzeitig strukturiert und weich – ein Sinnbild für Pharrell Williams’ Vision von refined ease.

Die Farbpalette bleibt bewusst reduziert: Beige, Blau, Braun und Schwarz dominieren und verleihen der Kollektion eine ruhige, natürliche Tiefe. Jedes Kleidungsstück trägt ein lederinspiriertes, geprägtes Etikett – eine subtile Referenz an das Koffer-Erbe des Hauses.

Tailoring in Bewegung

Relaxed Tailoring wird zum Leitmotiv. Anzüge aus atmungsaktivem Seiden-Woll-Canvas verbinden Strapazierfähigkeit mit Eleganz, während Seiden-Cashmere-Mischungen Leichtigkeit und Raffinesse vereinen. Ungefütterte Blazer aus Double-Face-Woll-Cashmere sorgen für Flexibilität und Komfort – ideal für eine transsaisonale Garderobe.

Für das Wochenende präsentiert sich die Linie in veredelten Off-Duty-Pieces: Nubuk-Truckerjacken, Cashmere-Hoodies in Double-Face-Ausführung oder ein Work-Suit aus Baumwoll-Seiden-Denim, der Utility und Schneiderkunst verschmelzen lässt.

Drei Schuhe, eine Haltung

Die Trunk Edition umfasst drei essentielle Schuhmodelle:

• LV Croisette – ein eleganter Loafer aus gewachstem Kalbsleder mit leichter Gummisohle und halbblütenförmiger Monogramm-Schnalle.
• LV Horizon – ein flexibler Slipper in Sacchetto-Konstruktion, ideal für Reisen.
• LV Soft – ein ultraleichter Slip-on-Sneaker aus Veloursleder mit Memory-Foam-Innensohle.

Funktionalität und Komfort stehen im Dialog mit diskreter Eleganz – ganz im Sinne der Maison.

LV Touch – Lederwaren mit Feingefühl

Mit LV Touch präsentiert Louis Vuitton eine neue Linie maskuliner Lederwaren. Vier zeitlose Taschenmodelle aus genarbtem Kalbsleder – darunter der neu interpretierte Steamer 30, der reversible Verso Hobo, der Steamer Backpack sowie die Delta Slingbag – vereinen Utility und Understatement.

Stil als Haltung

Seit 1854 steht Louis Vuitton für Innovationsgeist und Handwerkskunst. Die Trunk Edition verkörpert diese DNA in einer Garderobe, die Beständigkeit über Trends stellt.

Eine Kollektion für Männer, die Bewegung schätzen – im Denken wie im Stil.

rebekka ruétz übersetzt einen Mythos in radikale Gegenwart

Zwischen Rabenschwarz und Blutrot, zwischen organischem Moos und skulpturaler Avantgarde entsteht eine Kollektion, die weniger Mode als Haltung ist. Mit LILITH transformiert rebekka ruétz eine mythische Figur in ein zeitgenössisches Manifest weiblicher Ganzheit – roh, poetisch und kompromisslos.

Die Rückkehr der Dämonisierten

Lilith – jene Figur, die über Jahrhunderte als Bedrohung markiert wurde – erscheint hier nicht als Provokation, sondern als Spiegel. In der Neuinterpretation von rebekka ruétz wird sie zur Projektionsfläche für all jene Zuschreibungen, die weibliche Autonomie historisch begleitet haben.

Angst neben Würde. Verletzlichkeit neben Stärke. Licht neben Schatten.

LILITH löst Widersprüche nicht auf – sie trägt sie. Die Kollektion versteht Rebellion nicht als Pose, sondern als Reaktion. Nicht als Inszenierung, sondern als Integration.

Mode im Werden

Die Entwürfe entstehen prozessorientiert – nicht als fertige Skizze, sondern im Dialog mit dem Körper. Drapierungen werden verschoben, Schnitte neu geformt, Materialien getestet. Silhouetten entwickeln sich im Prozess.

Jeder Look ist weniger „gemacht“ als entdeckt.

Skulpturale Korsagen treffen auf fließende Konstruktionen, Volumen entsteht durch gleichzeitige Konstruktion und Auflösung. Der Körper wird nicht verkleidet, sondern begleitet. Minimalistische Avantgarde trifft auf organische Dreidimensionalität.

Lebendiges Material: Moos als Manifest

Ein zentrales Element der Kollektion sind Applikationen aus echtem Moos – in Blutrot, rauchigem Schwarz und schmutzigem Weiß. Das Material, bekannt aus dem Interior Design, wird erstmals konsequent auf den Körper übertragen.

Moos ist lebendig.
Es reagiert auf Bewegung, Zeit und Berührung.
Es verändert sich. Es bröselt. Es hinterlässt Spuren.

Perfektion wird bewusst unterlaufen. Das Kleid ist kein abgeschlossenes Objekt, sondern ein Körper, der Geschichte trägt.

In Kooperation mit Organoid entsteht so eine textile Oberfläche, die Vergänglichkeit nicht kaschiert, sondern zelebriert.

Farbwelten zwischen Erdung und Transzendenz

Rabenschwarz bildet das Fundament.
Rottöne erscheinen in vielschichtigen Abstufungen – dunkles Blutrot als Ursprung, klares Leuchtrot als Impuls, tiefes Purpur mit violettem Einschlag als mythische Referenz.

Weiß changiert zwischen Kalkweiß, schlangenartigen Texturen und schmutzigem Beige. Ergänzt wird die Palette durch muted Gold und moonlit Silver.

Die Farbwelt oszilliert zwischen Körperlichkeit und Transzendenz – zwischen Erdung und Schimmer.

Nachhaltigkeit als Haltung

Upcycling-, Recycling- und Deadstockstoffe bilden die Basis der Kollektion. Ergänzt werden sie durch nachhaltige Spitze, Denim aus Biobaumwolle, gegossenes Naturlatex in Schlangenoptik, zertifizierte Materialien wie Tencel sowie traditionell gefertigten Tiroler Loden.

Material wird hier nicht dekorativ eingesetzt, sondern neu kontextualisiert.

Nachhaltigkeit ist kein Add-on – sie ist strukturelle Entscheidung.

Hair & Make-up: Die zweite Haut

Die visuelle Ebene wird durch aufwendig gefertigte Hair-Accessoires, Masken und geflochtene Kappen aus veganem Haar erweitert – entstanden in über 400 Arbeitsstunden.

Sie wirken wie zweite Haut oder auferlegte Hülle.
Sie bewegen sich zwischen Unschuld und Dämonisierung.

Make-up und Hairstyling oszillieren zwischen rauer Oberfläche und klarer grafischer Linie. Skulpturale Nail-Designs greifen Motive wie Schlange, Moos und organische Texturen auf – abstrahiert, körperlich erfahrbar, niemals illustrativ.

Berlin als Resonanzraum

Präsentiert wird LILITH in der Alten Münze in Berlin – einem Ort zwischen Monumentalität und Rohheit. Installation, Fashion Film und inszenierte Runway-Präsentation verschmelzen zu einer dichten Atmosphäre.

Die Berlin Fashion Week bietet hier den kulturellen Kontext: Mode als Diskursraum, als künstlerische Sprache jenseits reiner Marktlogik.

LILITH ist keine Kollektion.

Sie ist eine Einladung.

Komplexität sichtbar zu machen.
Widersprüche nicht zu glätten.
Vergänglichkeit als ästhetische Qualität zu begreifen.

Mode wird zur Sprache für das, was oft verdrängt oder dämonisiert wird – und genau dadurch gegenwärtig.

Photos: Marcus Hartelt for Berlin Fashion Week | Linda Leitner | Annika Yanura

Zwischen Fair Isle, Folklore und Future-Craft: Der in London arbeitende Designer Oscar Ouyang zeigt, wie traditionelles Stricken plötzlich radikal zeitgenössisch wirken kann.

Es gibt Designer, die Silhouetten neu denken. Und es gibt Designer, die beim Material beginnen – als würde das Kleidungsstück erst dann eine Stimme bekommen, wenn der Faden seine Geschichte erzählt. Oscar Ouyang gehört zur zweiten Kategorie. Der in Beijing geborene, in London lebende Knitwear-Designer hat sich in kürzester Zeit eine klare Handschrift erarbeitet: heritage Stricktechniken, aber nicht nostalgisch, sondern als Bühne für Narrative, Symbole und eigensinnige Proportionen. Vogue beschreibt ihn als LFW-Debütanten, der „time-honoured craft techniques“ mit innovativen Twists auflädt.

Wofür Oscar Ouyang steht

1) Knitwear als Sprache (nicht als „Saisontrend“)
Ouyang behandelt Strick nicht als gemütliche Oberfläche, sondern als System: Muster, Dichte, Fransen, Applikationen und unruhige Texturen werden zu Codes. AnOther spricht von „mossy knits“, „coded symbols“ und einer bewusst gesetzten Sanftheit.
Diese Haltung macht seine Mode weniger „look-driven“ und stärker weltbildgetrieben: Kleidung als erzählendes Medium.

2) Tradition – aber subversiv
Vogue UK verortet ihn in einer Londoner Linie von Designer:innen, die Heritage-Strick „sliced, chopped and screwed“ neu interpretieren – und nennt Ouyangs Ansatz idiosynkratisch und kultbildend.
Das ist entscheidend: Bei ihm geht es nicht um Retro, sondern um Reibung – zwischen Handwerk und Popkultur, zwischen Schutz und Zurschaustellung, zwischen Uniform und Fantasie.

3) Gender-neutral & zeitgemäße Materialethik
Auf dem offiziellen London-Fashion-Week-Profil wird Ouyang als Designer mit Fokus auf gender-neutral fashion beschrieben, mit Betonung auf sustainable knitwear and textile practices.
Das wirkt bei ihm nicht wie ein Label-Statement, sondern wie eine logische Konsequenz aus dem Prozess: Strick bedeutet Zeit, Materialintelligenz, Verantwortung.

Was ihn anders macht (und warum das relevant ist)

Er baut nicht nur eine Ästhetik, sondern eine funktionierende Designer-Realität.
i-D hebt seinen unternehmerischen Blick hervor: Er beobachtet, dass manche nach einem „hyped show“ explodieren – und dann an Nachfrage, Finanzierung und Struktur scheitern.
Diese Perspektive ist selten in einer Szene, die oft von Konzept und Moment lebt. Ouyang denkt Mode als Langstrecke.

Seine Referenzen sind nicht „Moodboard“, sondern Mythologie.
Wallpaper nennt als Einflüsse u. a. Anime und mittelalterliche Folklore – und rahmt ihn als Rising Star, der Knitwear in „new realms“ führt.
Das passt: Seine Looks wirken häufig wie tragbare Artefakte – vertraut (Strick), aber in einem anderen Kontext aufgeladen.

Institutionelle Relevanz + Retail-Beweis
Er ist im LFW-Kosmos sichtbar (inkl. BFC-Newgen-Kontext in der Berichterstattung) – und gleichzeitig bereits kommerziell präsent: Dover Street Market führt seine Stücke, was für ein junges Label ein wichtiges Signal ist.

Perspektive: Warum wir ihn jetzt beobachten sollten

Oscar Ouyang steht für eine Generation, die Handwerk nicht romantisiert, sondern als High-Tech der Langsamkeit versteht: präzise, arbeitsintensiv, bedeutungsvoll. In einer Zeit, in der Mode oft zwischen Quiet Luxury und Algorithmus-Ästhetik pendelt, setzt er einen dritten Pol: Craft als Storytelling-System.
Das macht seine Kleidung nicht automatisch „besser“ – aber eigensinniger. Und Eigensinn ist im Moment vielleicht die wertvollste Ressource im Design.

Wenn Mode zur Haltung wird

Wenn der Tag sich verabschiedet und das Licht weicher wird, beginnt die Blaue Stunde.
Jener magische Moment zwischen Tag und Nacht dient Marcel Ostertag als poetischer Ausgangspunkt für seine neue Autumn/Winter 2026 Kollektion The Blue Hour – eine Modeerzählung über Wandel, Zusammenhalt und stille Stärke.

Zwischen Ostsee und Tegernsee

Entstanden ist die Kollektion in kreativen Rückzugsorten: im Ostseebad Ahrenshoop und am Tegernsee. Fernab des gewohnten Modezirkus fand der Designer Ruhe, Klarheit und neue Fokussierung. Die Natur wurde dabei nicht nur zur Inspirationsquelle, sondern zum aktiven Gestaltungsraum. Fotografisch festgehaltene Abendstimmungen – das tiefe Blau der Ostsee, glühende Sonnenuntergänge über dem See – wurden direkt in Prints übersetzt und bilden das emotionale Herz der Kollektion.

Eleganz trifft moderne Streetwear

Im Zentrum stehen kraftvolle Drucke und eine ausdrucksstarke Farbwelt: intensive Blautöne treffen auf Mandarin, Kupfer, Mint, Offwhite, Schwarz und verschiedene Grauschattierungen. Marmor-Effekte und grafisch verfremdete Naturstrukturen verleihen Tiefe und Bewegung.
Fließende Jersey-Kleider umspielen die Silhouette, handgestrickte Maxi-Schals setzen textile Akzente. Power-Mäntel mit klaren Linien treffen auf zarten Chiffon, schmale Röcke und markante Schultern – ein Look, der Haltung zeigt und gleichzeitig feminine Stärke feiert.

Glamour mit Geschichte

Glamour bleibt ein fester Bestandteil der Ostertag-DNA. Schwarze Pailletten verschmelzen mit schimmerndem Kupfer, Retro-Silhouetten der 70er-Jahre werden neu interpretiert und in die Gegenwart transportiert. Selbst der klassische Jogginganzug erhält ein glamouröses Update – ein selbstbewusster Stilbruch, der zeigt: Diese Kollektion will nicht gefallen, sondern erzählen.

„Wir kämpfen für Freiheit und Frieden.
Wir stehen für Respekt und Gerechtigkeit.
Nicht allein – immer zusammen.“

Neue Wege der Präsentation

Statt einer klassischen Runway-Show lädt Marcel Ostertag zur Cocktail-Party. Die Kollektion wird den gesamten Abend über videografisch inszeniert – ein bewusster Bruch mit Konventionen und zugleich ein Zeichen für Veränderung. Der Ausstieg aus dem Fashion Council Germany und die Neuausrichtung der Berlin Fashion Week markieren einen Wendepunkt: Ostertag blickt nach vorn und plant, seine Kollektionen künftig wieder international zu präsentieren.

Nachhaltigkeit als gelebte Überzeugung

Seit fast zwei Jahrzehnten verfolgt Marcel Ostertag einen klaren Anspruch: Luxus und Nachhaltigkeit schließen sich nicht aus. Rund 80 Prozent der Kollektion bestehen aus hochwertigen Deadstock-Materialien renommierter Luxusmarken. Ergänzt wird dieser Ansatz durch einen lebenslangen Reparaturservice – ein Plädoyer für Wertschätzung, Langlebigkeit und bewussten Konsum.

Starke Partnerschaften

Auch in dieser Saison wird die Kollektion von langjährigen Partnern begleitet: nachhaltige Eyewear-Designs, individuelle Hair- und Make-up-Looks sowie atmosphärische Kampagnenfilme ergänzen The Blue Hour zu einem ganzheitlichen Modeerlebnis. Eine Kollektion, die zeigt, dass Mode mehr sein kann als Kleidung – nämlich Ausdruck von Haltung.

Eine radikal poetische Wintervision zwischen Fremdheit und Intimität, in der Louis Gabriel Nouchi Mode als emotionalen Grenzraum inszeniert.

Als einer der faszinierendsten Visionäre der Pariser Modeszene präsentiert LGN Louis Gabriel Nouchi seine neueste Saisonarbeit – die „ALIEN“ Fall/Winter 2026 Collection. Der Designer verwebt darin erneut seine unverwechselbare Vision von Mode als narrative Skulptur, die nicht nur ästhetische Formen schafft, sondern komplexe Gefühlsräume und kulturelle Codes neu definiert.

Seit der Gründung seines Labels im Jahr 2017 in Paris versteht Nouchi Mode als eine Bibliothek der Emotionen: Jede Saison ist eine Erzählung, inspiriert von Geschichten, Mythen oder literarischen Avantgarden, die das menschliche Erleben in all seinen Facetten erforschen.

Mit „ALIEN“ betritt der Designer ein Terrain, das zwischen Furcht, Begehren, Angst und Verlangen oszilliert – eine Welt, die sich weniger an konventionelle Laufstegästhetik hält als vielmehr an die Urkraft der Symbolik. Die Kollektion spielt bewusst mit dem Bild des Fremden: der fremde Körper, die fremde Form, der fremde Blick. Angesiedelt zwischen surrealer Sci-Fi-Referenz und einer zutiefst sinnlichen, beinahe gefährlichen Erotik, evoziert „ALIEN“ eine Spannung, die Mode nicht nur zeigt, sondern fühlbar macht.

Im Zentrum dieser Winterkollektion steht eine ästhetische Dialektik: Angst trifft auf Verlangen, Gewalt auf Erotik, Verlust auf Selbstbehauptung. Die Haar- und Stylingkonzepte nehmen dabei eine zentrale Rolle ein – sie verschlingen das Gesicht, um eine Identität zu fragmentieren und zugleich zu überhöhen. Diese visuelle Metapher bringt das Grundmotiv der Kollektion auf den Punkt: die ambivalente Beziehung zwischen Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit, zwischen Verhüllung und Enthüllung.

Gezeigt wurde die Kollektion im Rahmen der Pariser Modewochen – ein Terrain, auf dem Nouchi bereits mehrfach für Aufsehen gesorgt hat. Seine Arbeiten sind weniger konventionelle Modenschauen, vielmehr performative Räume, in denen Couture als eine phänomenologische Erfahrung verstanden wird.

LGN Louis Gabriel Nouchi führt mit „ALIEN“ seine ikonische Auseinandersetzung mit der Körperlichkeit der Kleidung fort – dabei verschmelzen moderne Silhouetten, maskuline wie feminine Codes und eine kompromisslose sinnliche Energie zu einer neuen Vision zeitgenössischer Mode. Wer Mode als Grenzgänger zwischen Konzept und Gefühl versteht, findet in dieser Kollektion einen der spannendsten Ausdrucksformen der Saison.

Ein stiller Rückzugsort, ein gelebter Raum, eine neue Form von Femininität: Mit der Women’s Spring–Summer 2026 Kampagne inszeniert Louis Vuitton ein poetisches Tableau zwischen Privatsphäre und Couture. Fotografiert von Cass Bird, übersetzt die Bildwelt die Atmosphäre der gleichnamigen Show von Nicolas Ghesquière in eine intime, fast kontemplative Bildsprache.

Die Präsentation der Kollektion fand in den historischen Sommerappartements von Anna von Österreich im Louvre statt – ein Ort, der wie geschaffen scheint für Ghesquières Vision vom Zuhause als emotionalem, vom Leben geprägtem Raum. Nicht als Bühne der Repräsentation, sondern als Quelle von Freiheit, Leichtigkeit und kreativer Selbstentfaltung.

In sanftes Licht getaucht, verkörpert Jennifer Connelly die Essenz dieser Idee. Edle Materialien, fließende Drapierungen und eine Palette aus Weiß- und Rosétönen schaffen eine Atmosphäre von Geborgenheit und femininer Ruhe. Lingerie-inspirierte Silhouetten treffen auf voluminöse, architektonisch gedachte Ensembles. Florale, gefranste Stickereien verweisen ebenso auf das präzise Savoir-faire der Maison wie klare Linien und subtile Strenge.

Auch die Accessoires erzählen von Transformation und Weiterentwicklung ikonischer Formen. Die Express Bag, eine feminine Neuinterpretation der legendären Speedy, erscheint in leuchtenden Farben wie Rose Atomic oder Vanille und wird zur selbstverständlichen Begleiterin des urbanen Alltags. Die Squire, hervorgegangen aus der Cosmetic Pouch, interpretiert das Monogram in der Tradition der Alma neu, während der Noé Trunk ikonische Hartschalen-Elemente mit markanten Ecken verbindet. Gemeinsam markieren sie die Erweiterung einer Linie neuer Silhouetten und neu gedachter Klassiker.

Die Schmucklinie LV Cube, inspiriert vom historischen Pateki-Spiel von Gaston Vuitton und geprägt von der Damier-Signatur, lädt zum spielerischen Layering ein und wird um eine neue Silberlinie ergänzt. Mit der Sneakerina etabliert Louis Vuitton zudem ein neues Symbol moderner Weiblichkeit: eine Synthese aus Eleganz, Komfort und zeitgemäßem Design. Farbige Varianten sowie Modelle in Weiß, Braun oder Schwarz ergänzen die Haven Mules und runden das Bild einer Kollektion ab, die Intimität nicht als Rückzug, sondern als Haltung versteht.

Die Louis Vuitton Women’s Spring–Summer 2026 Kollektion ist ab dem 20. Februar in den Stores erhältlich.