Zwischen Rüstung und Vision, Handwerk und Science Fiction: Marina Hoermanseder nutzt ihre Frühjahr/Sommer-Kollektion 2027, um Mode als Experimentierfeld für Identität, Körper und Zukunft neu zu denken.

Mode war schon immer mehr als Kleidung. Sie erzählt Geschichten darüber, wie wir uns selbst sehen – und wie wir gesehen werden möchten. Mit ihrer Frühjahr/Sommer-Kollektion 2027 richtet Marina Hoermanseder den Blick konsequent nach vorne. Outer Space ist keine Reise ins All im klassischen Sinn, sondern eine Expedition in jene Räume, in denen Fantasie, Innovation und persönlicher Wandel entstehen.

Die österreichische Designerin entwirft ein Universum, das gleichermaßen futuristisch wie überraschend menschlich wirkt. Ihre Protagonistinnen sind keine passiven Heldinnen einer Science-Fiction-Erzählung, sondern Frauen, die vertraute Grenzen hinter sich lassen und ihre eigene Zukunft gestalten.

Mode als Schutzschild

Die Kollektion bewegt sich zwischen Stärke und Verletzlichkeit. Skulpturale Silhouetten treffen auf chromglänzende Oberflächen, eisblaues Leder und rüstungsähnliche Konstruktionen. Was zunächst wie futuristische Inszenierung erscheint, entwickelt sich bei genauerem Hinsehen zu einer Reflexion über den Körper selbst.

Hoermanseder beschäftigt sich seit Jahren mit der Frage, wie Kleidung den Menschen verändern kann. Orthopädische Formen, Korsetts und technische Konstruktionen gehören seit Beginn zu ihrer gestalterischen Sprache. In Outer Space entwickelt sie diese Handschrift konsequent weiter. Kleidung wird zum Schutzraum, aber ebenso zum Symbol von Transformation.

Handwerk trifft Zukunft

Trotz aller futuristischen Anmutung bleibt die Kollektion tief im traditionellen Handwerk verwurzelt. Besonders sichtbar wird dies in der Rückkehr der charakteristischen Twisted-Buckle-Technik, die längst zu einem Markenzeichen der Designerin geworden ist.

Gedrehte Schnallen ersetzen klassische Nähte und erzeugen gemeinsam mit mehrschichtigen Lederkonstruktionen außergewöhnliche plastische Oberflächen. Die Technik verleiht den Kleidungsstücken eine beinahe architektonische Qualität und macht sichtbar, wie sehr Innovation aus handwerklicher Präzision entstehen kann.

Gleichzeitig kehrt Marina Hoermanseder zu einem Material zurück, das ihre frühen Kollektionen geprägt hat: naturbelassenes Leder. In Kombination mit futuristischen Formen entsteht ein spannender Dialog zwischen Ursprung und Vision.

Der Körper als kulturelle Projektionsfläche

Besonders interessant wird die Kollektion dort, wo sie Mode mit gesellschaftlichen Fragen verbindet. Die Hyper Physicality Vase übersetzt übersteigerte anatomische Ideale in eine bewusst überzeichnete Formensprache. Dahinter steht die Auseinandersetzung mit Körperbildern und den Mechanismen toxischer Männlichkeit.

Auch die erstmals vorgestellten Strap Pants und Strap Shorts für Menswear erweitern die bekannte Designsprache der Marke. Die ikonischen Strap-Elemente werden dabei nicht einfach übernommen, sondern in einen neuen Kontext gestellt und öffnen Marina Hoermanseders Ästhetik erstmals stärker für den männlichen Körper.

Eine neue Ästhetik des Unbekannten

Farblich bewegt sich Outer Space zwischen natürlichen Erdtönen und intensivem Orange. Swarovski-Kristalle in Blau- und Grüntönen erinnern an kosmische Tiefen, während die sogenannte Lunar Landscape-Technik Oberflächen entstehen lässt, die an die Struktur von Mondgestein erinnern.

Den eindrucksvollen Abschluss bildet die Alien Vase – eine skulpturale Arbeit mit orthopädisch inspirierten Kopf- und Armelementen. Sie verweist auf Marina Hoermanseders Zeit bei Alexander McQueen und dessen legendäre Kollektion Plato’s Atlantis, ohne dabei nostalgisch zu wirken. Vielmehr versteht sich der Entwurf als Blick in eine Zukunft, deren Form wir heute noch nicht kennen.

Wenn Mode Zukunft sichtbar macht

Mit Outer Space präsentiert Marina Hoermanseder weit mehr als eine neue Saisonkollektion. Sie nutzt Mode als Medium, um über Veränderung, Identität und die Grenzen unserer Vorstellungskraft nachzudenken.

Zwischen Couture, Produktdesign und Performance entsteht eine Bildwelt, die zeigt, dass die spannendsten Entwicklungen oft dort beginnen, wo bekannte Kategorien enden. Gerade in einer Zeit, in der Zukunft häufig mit Unsicherheit verbunden wird, entwirft Hoermanseder eine andere Perspektive: eine Zukunft, die Neugier weckt und Kreativität als stärkste Form des Fortschritts versteht.

Foto Credits: BERLIN, GERMANY – JULY 3: Runway at the Marina Hoermanseder Show during Berlin Fashion Week Spring/Summer 2027 at Haus der Visionaere on July 3, 2026 in Berlin, Germany. (Photos by Isa Foltin/Getty Images via Hoermanseder)

Eine Kollektion zwischen Riviera, Tennisplatz und Großstadt – Louis Vuitton interpretiert den Sommer 2026 als elegante Leichtigkeit voller Handwerkskunst und Reiselust.

Es gibt Kollektionen, die Kleidung für eine Saison entwerfen. Und es gibt Kollektionen, die ein Lebensgefühl einfangen. Mit der High Summer Collection 2026 gelingt Louis Vuitton genau das: Die Maison erzählt von langen Tagen am Meer, spontanen Wochenendtrips, Aperitifs bei Sonnenuntergang und der zeitlosen Eleganz des Reisens – jenem Wert, der seit jeher das Herz der Marke bildet.

Dabei verbindet die Kollektion sommerliche Lässigkeit mit dem hohen handwerklichen Anspruch, für den Louis Vuitton weltweit bekannt ist.

Sommer als Haltung

Anstatt Trends hinterherzulaufen, setzt Louis Vuitton auf eine Garderobe, die den Rhythmus des Sommers widerspiegelt. Die Silhouetten wirken leicht und entspannt, ohne an Raffinesse zu verlieren. Zwischen Tennisplatz, Küstenpromenade und Dinner unter freiem Himmel entstehen Looks, die ebenso funktional wie luxuriös erscheinen.

Natürliche Materialien spielen dabei eine zentrale Rolle. Raffia wird zum gestalterischen Leitmotiv und erhält durch raffinierte Trompe-l’Œil-Effekte eine überraschend moderne Interpretation. Besonders eindrucksvoll zeigt sich dies bei einem langen Rock aus gehäkeltem Baumwollband mit feinen Ladder-Stitch-Details, dessen fließende Bewegung den Sommer nahezu sichtbar macht.

Auch Tweed erhält eine neue Leichtigkeit: Weiß paspelierte Jacken und passende Wickelröcke greifen die Struktur von Raffia auf und verbinden klassische Eleganz mit entspannter Ferienatmosphäre.

Femininität in Bewegung

Die High Summer Collection verzichtet bewusst auf übertriebene Inszenierung. Stattdessen stehen klare Linien und hochwertige Materialien im Mittelpunkt.

Popeline-Kleider mit aufwendig gearbeiteten Details treffen auf A-Linien-Röcke aus Jersey mit kontrastierenden Paspeln und dezent eingearbeitetem Monogramm. Die Looks wirken sportlich, feminin und modern – geschaffen für Frauen, die sich zwischen Stadt, Strand und Resort selbstverständlich bewegen.

Auch der ultraleichte Denim kehrt zurück. In der neuen Flower Minigram-Interpretation erscheint das ikonische Material mit einem feinen, von der Monogram-Blüte inspirierten Muster auf Schößchen-Tops, Shorts und Windjacken.

Sportliche Eleganz neu interpretiert

Sport beeinflusst die Mode seit Jahren – Louis Vuitton übersetzt diesen Einfluss jedoch mit einer bemerkenswerten Leichtigkeit.

Die Capsule Baby Stripes kombiniert gestreifte Jersey-Stoffe mit luxuriösen Details wie kristallähnlichen Knöpfen oder silberfarbenen Stickereien. Cropped-Shirts, Mini-Shorts, marineblaue Frotteejacken und Poloshirts aus Monogram-Jacquard schaffen einen Look, der gleichzeitig entspannt und präzise wirkt.

Accessoires vervollständigen die sommerliche Erzählung. Ein gehäkelter Bucket Hat mit grafischen schwarzen Streifen verbindet handwerkliche Tradition mit zeitgenössischem Design.

Paris als Inspiration

Selbst im Hochsommer bleibt Paris das kreative Zentrum der Maison.

Die beidseitig tragbaren Promenade Parisienne-Seidentücher zeigen skizzenhafte Ansichten der französischen Hauptstadt und greifen damit die lange Verbindung Louis Vuittons zur Stadt des Lichts auf. Ob klassisch um den Hals, als Haarband oder als sommerliches Top getragen – sie verkörpern jene Vielseitigkeit, die moderne Luxusmode heute auszeichnet.

Taschen als Ausdruck von Handwerkskunst

Auch die Taschen erzählen Geschichten vom Reisen.

Die Capucines Flowergram erscheint in frischen Sommerfarben wie Mintgrün, Fuchsia oder Iris. Die Low Key Hobo erinnert mit ihrem gestreiften Canvas an klassische Liegestühle an der Riviera, während die Side Trunk unterschiedliche Materialien zu einem modernen Patchwork verbindet.

Besonders kunstvoll präsentieren sich die limitierten Capucines-Editionen. Die Barcelona City Tour würdigt mit aufwendiger Stickerei und Handbemalung die Mosaike des Parc Güell. Die Wild Roses Capucines setzt mit Tüllblüten, Pailletten und Glitzerelementen ein poetisches Statement über Weiblichkeit und handwerkliche Perfektion.

Die Rückkehr des Reisekoffers

Den emotionalen Höhepunkt der Kollektion bildet der Louis Boat Trunk.

Der aufwendig gefertigte Miniaturkoffer entstand anlässlich des ersten Jubiläums von The Louis in Shanghai – jener spektakulären Architektur in Form eines Ozeandampfers, die Boutique, Café und Ausstellung unter einem Dach vereint.

Gefertigt aus Canvas, Leder und Holz, verbirgt sich hinter dem silberfarbenen LV-Anker ein raffinierter Öffnungsmechanismus, der kleine Fächer für Schmuck oder persönliche Erinnerungsstücke freigibt. Es ist weniger eine Tasche als vielmehr eine Hommage an die Ursprünge der Maison als Kofferhersteller.

Luxus, der nach Sommer aussieht

Die High Summer Collection 2026 zeigt eindrucksvoll, dass moderner Luxus nicht laut sein muss. Er entsteht durch hochwertige Materialien, außergewöhnliche Handwerkskunst und Designs, die Leichtigkeit nicht nur darstellen, sondern tatsächlich vermitteln.

Ab 10. Juli 2026 ist die Kollektion weltweit in den Louis Vuitton Boutiquen erhältlich – bereit für einen Sommer, in dem Eleganz und Reiselust wieder selbstverständlich zusammengehören.

Materialien, die Geschichten erzählen

Die neue Herbst-/Winterkollektion 2026/27 von MYTHS zeigt eindrucksvoll, dass Innovation nicht immer laut sein muss. Statt kurzfristigen Trends folgt das italienische Label einer kontinuierlichen Weiterentwicklung seiner Designhandschrift und verbindet traditionelle Schneiderkunst mit modernen Materialien, neuen Silhouetten und einem hohen Anspruch an Alltagstauglichkeit. Dabei entstehen Kollektionen für Frauen und Männer, die den Zeitgeist auf subtile Weise interpretieren – präzise, funktional und gleichzeitig überraschend entspannt.

Womenswear: Weiche Formen treffen auf modernes Tailoring

Die Damenkollektion entwickelt die charakteristische Formsprache von MYTHS konsequent weiter. Im Mittelpunkt stehen hochwertige Materialkompositionen aus Baumwolle, Modal, maschinenwaschbarer Wolle, Cashmere-Flanell sowie innovativen Kombinationen mit Cordura. Unterschiedliche Veredelungsverfahren wie Garment Dyeing, Piece Dyeing oder Yarn Dyeing verleihen den Stoffen Tiefe und eine authentische Patina, die jedes Kleidungsstück einzigartig wirken lässt.

Besonders spannend ist die neue Interpretation klassischer Schneiderkunst. Tailoring wird lockerer gedacht und erhält durch Overshirts aus Denim oder Cotton Bull eine moderne Leichtigkeit. Auch der Anzug löst sich von traditionellen Konventionen. Bedruckte Viskose-Ensembles aus Hemd und Hose erinnern an luxuriöse Pyjamas und schaffen einen fließenden Übergang zwischen Loungewear und eleganter Tagesgarderobe.

Neue Silhouetten wie Palazzo-Hosen, Culottes mit Umschlag, schmal geschnittene Flared Pants oder modern geschnittene, gepolsterte Gilets erweitern das Spektrum. Ergänzt wird die Kollektion durch weich fallenden Denim in Indigo und Schwarz sowie neue Stoffentwicklungen wie Indigo-Velvets oder Denim-Flanell, die durch spezielle Waschungen ihre besondere Tiefe erhalten. So entsteht eine Garderobe, die gleichermaßen für Beruf, Freizeit und Abend geeignet ist – funktional, vielseitig und elegant.

Menswear: Der Anzug wird zum Baukastensystem

Auch die Herrenkollektion setzt auf Evolution statt Revolution. Ausgangspunkt bleiben die ikonischen Hosen von MYTHS, die seit Jahren das Herzstück der Marke bilden. Für FW26/27 werden die Proportionen großzügiger interpretiert. Weite Silhouetten treffen auf neu gedachte Carrot Pants mit verkürzter Länge und markanter Linienführung – komfortabel, modern und dennoch präzise verarbeitet.

Besondere Aufmerksamkeit verdient das neu entwickelte Tailoring-Konzept. Statt klassischer Anzüge präsentiert MYTHS ein variables System aus Overshirts und Hosen, die aus identischen Stoffen gefertigt werden und sich frei miteinander kombinieren lassen. Dadurch entstehen zahlreiche Looks zwischen formeller Eleganz und entspannter Casualwear.

Auch bei den Materialien zeigt sich der Innovationsanspruch der Marke. Maschinenwaschbare Wollqualitäten, Cashmere-Flanelle, exklusive Herringbone-Gewebe aus Wolle, Seide und Cashmere sowie die charakteristische Combat Wool verbinden Funktionalität mit luxuriöser Haptik. Ergänzt wird dies durch experimentelle Garment-Dyeing-Techniken, die erstmals auch auf Baumwoll-Modal-Velvets angewendet werden. Farblich dominieren Mélange-Grau, Dunkelbraun, Bordeaux sowie ruhige Nuancen wie Mastix und Taupe und unterstreichen die zurückhaltende Eleganz der Kollektion.

Zeitlose Garderoben statt kurzlebiger Trends

Mit der Herbst-/Winterkollektion 2026/27 gelingt MYTHS der Spagat zwischen Tradition und Zukunft auf bemerkenswert unaufgeregte Weise. Die Kollektionen verstehen Kleidung nicht als saisonales Statement, sondern als langfristige Begleiter. Hochwertige Materialien, raffinierte Verarbeitung und flexible Kombinationsmöglichkeiten schaffen moderne Garderoben, die sich selbstverständlich an unterschiedliche Lebenssituationen anpassen.

Gerade diese Balance zwischen handwerklicher Präzision, technischer Innovation und entspannter Eleganz macht MYTHS zu einer jener Marken, die den Wandel der Mode nicht durch Lautstärke, sondern durch Substanz gestalten.

Die neue Eleganz des Dazwischen

Wie Pharrell Williams Surfkultur, Handwerkskunst und menschliche Verbundenheit zu einer neuen Form des Dandyismus verbindet

Während Mode oft von Trends, Statussymbolen und Abgrenzung lebt, richtet Pharrell Williams den Blick für Louis Vuitton auf etwas Verbindendes: das Meer.

Für die Frühjahr/Sommer-Kollektion 2027 verwandelt der Kreativdirektor die Welt des Surfens in eine Metapher für eine globale Gemeinschaft. Unabhängig von Herkunft, Kultur oder sozialem Hintergrund zieht es Menschen auf der ganzen Welt an dieselben Küsten, zu denselben Wellen, zu derselben Erfahrung von Freiheit und Naturverbundenheit. Die Welle wird zum Symbol einer universellen Sprache.

Genau dort setzt die neue Kollektion an.

Der Surfer als moderner Dandy

Seit seinem Wechsel zu Louis Vuitton interpretiert Pharrell Williams den klassischen Dandy neu. Seine Version verzichtet auf aristokratische Distanz und ersetzt sie durch Offenheit, Beweglichkeit und kulturelle Neugier.

Für Spring/Summer 2027 trifft diese Idee auf die Ästhetik der Surfkultur. Auf den ersten Blick scheinen beide Welten gegensätzlich: hier die Eleganz maßgeschneiderter Anzüge, dort die Lässigkeit eines Lebens zwischen Strand und Ozean.

Doch Pharrell erkennt die Gemeinsamkeiten.

Beide Welten sind geprägt von Handwerk, Individualität und einer gewissen Mühelosigkeit. Der Dandy und der Surfer teilen die Fähigkeit, sich zwischen unterschiedlichen Räumen zu bewegen, ohne ihre Identität zu verlieren.

Aus dieser Verbindung entsteht eine Garderobe für eine Generation, die sich weder ausschließlich der Stadt noch ausschließlich der Natur zugehörig fühlt.

Zwischen Maßanzug und Neoprenanzug

Die Kollektion bewegt sich konsequent zwischen diesen beiden Polen.

Technische Materialien aus der Welt des Surfens treffen auf klassische Schneiderkunst. Neopren-inspirierte Konstruktionen werden mit luxuriösen Stoffen kombiniert. Verwitterte Oberflächen, reparierte Strukturen und sonnengebleichte Texturen erinnern an Kleidung, die von Wind, Salz und Zeit gezeichnet wurde.

Besonders spannend ist Pharrell Williams‘ fortlaufende Arbeit mit Trompe-l’œil-Effekten. Materialien erscheinen wie verwittertes Denim, gealtertes Leder oder handgeflickte Stoffe, offenbaren jedoch bei näherer Betrachtung die außergewöhnliche handwerkliche Präzision von Louis Vuitton.

Die Grenze zwischen Realität und Illusion verschwimmt.

So entsteht eine Mode, die weniger durch offensichtlichen Luxus als durch subtile Raffinesse wirkt.

Die Sehnsucht nach Verbundenheit

Vielleicht ist die eigentliche Stärke dieser Kollektion jedoch ihre emotionale Botschaft.

Während viele Luxusmarken weiterhin Individualität und Exklusivität ins Zentrum stellen, spricht Pharrell Williams über Gemeinschaft. Über die Erfahrung, Teil eines größeren Ganzen zu sein.

Das Meer wird dabei zur verbindenden Kraft. Wasser steht für Bewegung, Wandel und Leben. Es verbindet Kontinente ebenso wie Menschen. Die Surfkultur dient nicht als ästhetische Referenz, sondern als Sinnbild für eine Lebenshaltung, die Respekt vor der Natur, Offenheit gegenüber anderen Kulturen und die Freude am gemeinsamen Erleben in den Mittelpunkt stellt.

In einer Zeit, in der gesellschaftliche Fragmentierung vielerorts zunimmt, wirkt diese Botschaft überraschend zeitgemäß.

Luxus mit Verantwortung

Dass Louis Vuitton die Kollektion gleichzeitig mit einem konkreten Nachhaltigkeitsprojekt verbindet, unterstreicht diesen Anspruch.

Im Rahmen der Regeneration-2030-Initiative unterstützt das Haus die Organisation Coral Gardeners bei der Wiederherstellung von Korallenriffen in Französisch-Polynesien. Geplant sind die Auspflanzung von 1.000 Korallen sowie die Renaturierung von 250 Quadratmetern Rifflandschaft.

Es ist ein vergleichsweise kleiner Beitrag angesichts globaler Herausforderungen, aber ein symbolisch wichtiger Schritt. Denn die Kollektion erinnert daran, dass die Beziehung zwischen Mensch und Natur nicht nur Inspiration, sondern auch Verantwortung bedeutet.

Eine Vision von Freiheit

Mit seiner Louis Vuitton Spring/Summer 2027 Kollektion entwirft Pharrell Williams letztlich mehr als eine neue Garderobe.

Er entwirft eine Haltung.

Eine Haltung, die Eleganz nicht als Distanz versteht, sondern als Fähigkeit zur Verbindung. Die Reisen nicht als Statussymbol betrachtet, sondern als Möglichkeit, unterschiedliche Welten zusammenzubringen. Und die im Rhythmus der Wellen eine Erinnerung daran findet, dass manche Erfahrungen universeller sind als jede kulturelle Grenze.

Vielleicht liegt genau darin die Zukunft des Luxus: nicht in der Abgrenzung, sondern in der Verbundenheit.

Credits Video

MUSIC:

Show soundtrack by Pharrell Williams

Quavo ‚HAAVIN‘

Produced by Pharrell Williams

Written by Quavo & Pharrell Williams

Courtesy of Universal Music Group, Sony Music Publishing, Universal Music Publishing

Lil Baby ‚Dead Fresh‘ – orchestra & choir version

Produced by Pharrell WIlliams

Written by Lil Baby

Orchestrated by Thomas Roussel

Courtesy of Universal Music Group, Sony Music Publishing, Universal Music Publishing

YoungBoy Never Broke Again ‚Simulation (feat. Pharrell Williams)‘ – strings version

Produced by Pharrell Williams

Written by Pharrell Williams & YoungBoy Never Broke Again

Additional orchestrations by Thomas Roussel

Sony Music Entertainment, Sony Music Publishing, APG Music, Kobalt

Angelique Kidjo ‚Bando (feat. Pharrell Williams & Quavo)‘ – orchestra & choir version

Produced by Pharrell Williams

Written by Pharrell Williams & Quavo

Orchestrated by Thomas Roussel

Courtesy of Universal Music Group, Warner Music Group, Sony Music Entertainment, Sony Music Publishing, Universal Music Publishing

Additional original music composed & orchestrated by Thomas Roussel.

Performed live by Voices of Fire & l’Orchestre du Pont Neuf conducted by Thomas Roussel.

Credits Pictures

“LOUIS VUITTON MEN’S SPRING-SUMMER 2027 SHOW © Louis Vuitton – All rights reserved”

Warum Pucci die vielleicht zeitgemäßeste Luxusmarke unserer Zeit ist

Während viele Luxusmarken auf Understatement und Zurückhaltung setzen, feiert Pucci etwas, das lange aus der Mode schien: Lebensfreude. Unter der kreativen Leitung von Camille Miceli wird das italienische Traditionshaus zu einem Manifest für Optimismus, Farbe und die Kunst, das Leben zu genießen.

Es gibt Modemarken, die Kleidung entwerfen. Und es gibt Marken, die ein Lebensgefühl vermitteln.

Pucci gehört seit jeher zur zweiten Kategorie.

Wer an Pucci denkt, denkt an leuchtende Farben, fließende Muster und den unverwechselbaren Geist des italienischen Sommers. An Capri. An das Mittelmeer. An Menschen, die neugierig auf die Welt sind und das Leben mit einer gewissen Leichtigkeit betrachten.

Was einst als revolutionäre Resortwear begann, wirkt heute überraschend aktuell. Denn in einer Zeit, die von Unsicherheit, Beschleunigung und permanenter Reizüberflutung geprägt ist, wächst die Sehnsucht nach etwas, das viele Menschen lange als selbstverständlich betrachtet haben:

Lebensfreude.

Die Rückkehr der Freude

Der aktuelle Trend des Color Blockings erzählt genau davon.

Natürlich geht es um Farben. Um kräftige Kontraste, mutige Kombinationen und den Abschied von jahrelanger Zurückhaltung. Doch hinter diesem Trend verbirgt sich mehr als eine ästhetische Entscheidung.

Color Blocking steht für Optimismus.

Für Selbstbewusstsein.

Für Individualität.

Für die Lust, sichtbar zu sein.

Nach Jahren, in denen Minimalismus, Quiet Luxury und gedeckte Farbwelten die Mode dominierten, scheint eine neue Energie zurückzukehren. Nicht laut oder schrill, sondern voller Neugier und Lebendigkeit.

Kaum eine Luxusmarke verkörpert dieses Lebensgefühl authentischer als Pucci.

Camille Miceli und die Neuerfindung einer Ikone

Seit 2021 steht die französische Designerin Camille Miceli an der kreativen Spitze des Hauses.

Miceli bringt eine außergewöhnliche Perspektive mit. Sie arbeitete für Chanel, Dior und Louis Vuitton, bevor sie zu Pucci wechselte. Statt die Marke grundlegend zu verändern, entschied sie sich dafür, ihre ursprüngliche DNA freizulegen.

Und diese DNA besteht nicht aus Trends.

Sie besteht aus Freude.

Unter ihrer Führung wurde Pucci zu einer Marke, die wieder offen über Emotionen spricht. Über die Freude am Anziehen. Über die Freude am Reisen. Über die Freude, sich selbst auszudrücken.

In einer Branche, die häufig von Exklusivität und Distanz geprägt ist, wirkt dieser Ansatz beinahe radikal.

Pucci spricht nicht über Status.

Pucci spricht über Lebensqualität.

Jenseits der Saison

Diese Haltung zeigt sich auch im neuen Rhythmus der Marke.

Während die klassische Luxusindustrie weiterhin in Saisonzyklen denkt, verfolgt Pucci einen anderen Ansatz. Statt weniger großer Kollektionen setzt das Haus zunehmend auf regelmäßige Drops und Capsule Collections.

Die einzelnen Releases entstehen häufig rund um bestimmte Orte, Stimmungen oder Momente. Präsentationen finden nicht zufällig in Capri, Portofino, St. Moritz oder an anderen Sehnsuchtsorten statt.

Pucci orientiert sich weniger an Modekalendern als an Lebenswelten.

Die Marke fragt nicht, welche Saison gerade beginnt.

Sie fragt, wo Menschen als Nächstes hinträumen.

Resort Wear als Philosophie

Die Geschichte von Pucci beginnt auf Capri.

Emilio Pucci war Aristokrat, Sportler und Weltreisender. Seine Mode entstand nie im Elfenbeinturm der Haute Couture, sondern aus der Beobachtung eines neuen Lebensstils.

Menschen wollten reisen.

Sie wollten sich bewegen.

Sie wollten die Welt entdecken.

Resort Wear wurde deshalb zum Kern der Marke.

Leichte Kaftane, Seidenkleider, Badebekleidung, Tuniken und Accessoires waren nicht für formelle Anlässe gedacht, sondern für das Leben selbst.

Für sonnige Tage.

Für spontane Begegnungen.

Für Abenteuer.

Für die Freude, unterwegs zu sein.

Auch heute prägt diese Haltung jede Kollektion.

Pucci verkauft keine Garderobe für bestimmte Anlässe.

Pucci verkauft eine Haltung zur Welt.

Die Kunst, das Leben zu feiern

Vielleicht erklärt genau das die aktuelle Relevanz der Marke.

In einer Zeit, in der vieles komplex erscheint, suchen Menschen nach Erfahrungen, die inspirieren und neue Energie schenken. Nach Orten, Menschen und Ideen, die das Leben bereichern.

Pucci antwortet darauf mit Farbe.

Mit Leichtigkeit.

Mit Kreativität.

Und mit der Erinnerung daran, dass Luxus nicht immer still sein muss.

Vielleicht besteht moderner Luxus nicht mehr nur aus Perfektion, Exklusivität oder Besitz.

Vielleicht besteht er darin, neugierig zu bleiben.

Neue Perspektiven zu entdecken.

Sich begeistern zu lassen.

Und das Leben immer wieder als Abenteuer zu betrachten.

Mehr als ein Trend

Wer heute auf Pucci blickt, sieht deshalb mehr als Mode.

Die Marke steht für eine Haltung, die aktueller kaum sein könnte.

Für den Mut, Farbe zu bekennen.

Für die Freude am Ausdruck.

Für die Lust auf neue Erfahrungen.

Und für die Überzeugung, dass Optimismus keine Naivität ist, sondern eine bewusste Entscheidung.

Vielleicht ist das die eigentliche Botschaft hinter der Rückkehr der Farben.

Nicht die Farbe selbst verändert etwas.

Sondern das Lebensgefühl, das sie transportiert.

Pucci erinnert uns daran, dass Stil mehr sein kann als Kleidung.

Er kann Ausdruck von Lebensfreude sein.

Und genau darin liegt heute seine größte Stärke.

Wie Kiichiro Asakawa mit außergewöhnlichen Stoffen und japanischer Präzision eine neue Form von Luxus definiert

Während viele Modemarken nach Aufmerksamkeit streben, verfolgt Kiichiro Asakawa einen anderen Weg. Der Gründer des japanischen Labels ssstein hat seine Marke nicht über spektakuläre Inszenierungen aufgebaut, sondern über etwas deutlich Subtileres: Stoffe, Schnitte und die Kunst, Kleidung entstehen zu lassen, die mit jeder Bewegung an Charakter gewinnt.

Monocle bezeichnete Asakawa jüngst als „The rising Japanese fashion designer with a keen eye for fabrics“ – eine treffende Beschreibung für einen Designer, dessen Karriere von einer beinahe obsessiven Liebe zu Materialien geprägt ist.

Vom Vintage-Denim zur eigenen Designsprache

Bevor Kiichiro Asakawa sein Label ssstein gründete, beschäftigte er sich intensiv mit Vintage-Kleidung. Besonders Denim faszinierte ihn. Er zerlegte alte Jeans, analysierte ihre Konstruktion, rekonstruierte einzelne Elemente und verkaufte die Stücke über seinen Multibrand-Store Carol in Tokio.

Diese frühe Auseinandersetzung mit Schnittführung, Stoffen und Verarbeitung prägt seine Arbeit bis heute. Als Asakawa 2016 ssstein ins Leben rief, bestand die Kollektion lediglich aus wenigen Kleidungsstücken. Doch bereits damals war erkennbar, worum es ihm ging: zeitlose Silhouetten, außergewöhnliche Stoffqualitäten und eine Reduktion auf das Wesentliche.

Luxus beginnt beim Material

Im Zentrum von ssstein steht nicht das Logo, sondern die Materialität.

Asakawa arbeitet eng mit japanischen Textilherstellern zusammen, entwickelt Stoffe nach eigenen Vorgaben und produziert konsequent in Japan. Die Beziehung zu den Manufakturen ist für ihn ebenso wichtig wie das fertige Kleidungsstück.

Das Ergebnis ist eine Garderobe, die vertraut wirkt und dennoch anders ist. Klassische Hemden werden großzügiger geschnitten, Strickwaren erhalten neue Proportionen und traditionelle Tailoring-Elemente erscheinen entspannter und zeitgemäßer.

Die aktuelle Kollektion zeigt diesen Ansatz besonders deutlich: Oversized-Hemden aus hochwertiger Baumwolle, leichte Kaschmir-V-Necks mit lockerer Strickstruktur und Sweatpants aus Baumwoll-Kaschmir-Mischungen verbinden Komfort mit handwerklicher Raffinesse.

Die Kraft der Zurückhaltung

In einer Branche, die sich oft über permanente Neuerfindung definiert, verfolgt Asakawa eine bemerkenswert ruhige Haltung.

Statt jede Saison eine neue Geschichte zu erzählen, verfeinert er bestehende Ideen. Seine Kollektionen entwickeln sich evolutionär statt revolutionär. Gerade diese Kontinuität macht den Reiz von ssstein aus.

Es ist Mode für Menschen, die Qualität erkennen, ohne dass sie laut kommuniziert werden muss. Die Eleganz liegt nicht im Spektakel, sondern in den Details – in der Art, wie ein Mantel fällt, wie sich ein Stoff bewegt oder wie ein Pullover über Jahre hinweg seine Form behält.

Der internationale Durchbruch

Lange galt ssstein als Geheimtipp innerhalb der japanischen Modeszene. Das änderte sich 2025, als das Label den Fashion Prize of Tokyo gewann.

Die Auszeichnung brachte Asakawa nach Paris und öffnete die Türen zu einem internationalen Publikum. Einkäufer und Brancheninsider reagierten begeistert auf die präzisen Schnitte, die entspannte Eleganz und die kompromisslose Qualität der Kollektionen.

Heute wird ssstein von rund 140 Händlern weltweit geführt – etwa 50 in Japan und weitere 90 international. Für Asakawa ist dieses Wachstum jedoch kein Selbstzweck.

Vielmehr verfolgt er weiterhin denselben Ansatz wie zu Beginn: bewusst, sorgfältig und in seinem eigenen Tempo.

Eine neue Generation japanischen Luxus

Japanische Mode hat immer wieder Designer hervorgebracht, die den internationalen Diskurs geprägt haben. Während frühere Generationen oft durch radikale Konzepte und avantgardistische Silhouetten auffielen, verkörpert Kiichiro Asakawa eine neue Form von Luxus.

Eine Form, die nicht auf Lautstärke setzt, sondern auf Präzision. Nicht auf Trends, sondern auf Beständigkeit. Nicht auf Aufmerksamkeit, sondern auf Qualität.

Vielleicht ist genau das der Grund, warum ssstein gerade jetzt weltweit Aufmerksamkeit erhält. In einer Zeit permanenter Beschleunigung wirkt Asakawas Mode wie ein Gegenentwurf – ruhig, bewusst und außergewöhnlich gut gemacht.

Weitere Informationen unter ssstein.com

Wie ein minimalistischer Bikini zum Ausdruck eines modernen Sommergefühls wird

Farben kommen und gehen. Manche bleiben länger als eine Saison, weil sie mehr transportieren als einen Trend. Candy Pink gehört in diesem Sommer dazu.

Für die aktuelle Swimwear-Kollektion von Calzedonia präsentiert Hailey Bieber den neuen Minimal Fit Bikini in einem leuchtenden Rosaton, der zwischen Verspieltheit und Selbstbewusstsein balanciert. Die Farbe wirkt leicht, optimistisch und zugleich überraschend klar – ein Ton, der die Sehnsucht nach Unbeschwertheit ebenso einfängt wie das Bedürfnis nach individueller Ausdruckskraft.

Hailey Bieber verkörpert dabei eine Ästhetik, die die Mode der Gegenwart maßgeblich prägt. Ihre Looks entstehen selten durch Übertreibung, sondern durch Reduktion. Klare Linien, mühelose Silhouetten und eine moderne Form von Lässigkeit definieren ihren Stil – und spiegeln sich auch in der aktuellen Swimwear-Kollektion von Calzedonia wider.

Im Mittelpunkt steht der Minimal Fit Bikini. Seine reduzierte Formensprache verzichtet auf überflüssige Details und setzt stattdessen auf präzise Passformen und eine zeitlose Silhouette. Candy Pink verleiht dem Design dabei eine frische Dynamik und macht den Bikini zu einem Statement, das nicht laut sein muss, um Aufmerksamkeit zu erzeugen.

Die aktuellen Kampagnenbilder zeigen einmal mehr, wie eng Mode und digitale Kultur heute miteinander verbunden sind. Wenn Hailey Bieber einen Look auf ihren Kanälen präsentiert, wird daraus nicht nur ein Produktbild, sondern Teil eines globalen visuellen Dialogs über Stil, Identität und Zeitgeist.

So wird Candy Pink mehr als nur eine Trendfarbe. Es wird zum Symbol eines Sommers, der Leichtigkeit nicht als Oberflächlichkeit versteht, sondern als bewusste Entscheidung.

Saint-Tropez war nicht immer das, was man heute auf Social Media davon sieht.

Bevor der Ort zur Kulisse für Sichtbarkeit wurde, ging es dort um etwas anderes: um Tage ohne Eile, um Mittagessen, die in den Abend übergingen, um salzige Haut, verblasste Farben, Segelboote im Hafen und eine Eleganz, die nie besonders angestrengt wirkte.

Genau aus diesem Lebensgefühl heraus entstand 1971 Vilebrequin.

Der Gründer Fred Prysquel – Fotograf und Motorsportjournalist – soll seine erste Idee für eine Badehose auf einer Papiertischdecke in einem Café in Saint-Tropez skizziert haben. Inspiriert von den lockeren Surfershorts Kaliforniens entstanden Schnitte, die sich deutlich von der damals üblichen, engen Swimwear abhoben. Länger, entspannter, leichter.

Bis heute trägt die Marke etwas von dieser ursprünglichen Riviera in sich.

Nicht die laute Riviera.

Sondern jene, die nach Leinenhemden, Holzdecks und sonnengebleichten Farben aussieht.

Zwischen Bademode und Resortwear

Vielleicht liegt darin auch der Grund, warum Vilebrequin nie nur reine Swimwear geblieben ist.

Über die Jahre entwickelte sich daraus eine vollständige Sommergarderobe – mit luftigen Shirts, Resortwear, Accessoires und Kollektionen, die weniger nach „Beach Club“ wirken als nach einer bestimmten Haltung zum Sommer.

Gerade aktuelle Kollektionen zeigen das deutlich. Die Übergänge zwischen Bademode, Tailoring und Ready-to-wear werden fließender. Materialien wirken weicher, Farben zurückhaltender, Prints künstlerischer.

Magazine wie The Times Style/LUXX beschrieben zuletzt genau diese Entwicklung: weg von rein funktionaler Swimwear hin zu Stücken, die sich ebenso selbstverständlich am Strand wie beim Lunch tragen lassen. Die Idee dahinter ist weniger Inszenierung als Vielseitigkeit.

Auch die aktuellen Capsule Collections greifen diese Richtung auf. Für Summer 2026 arbeitet Vilebrequin etwa mit dem Label 3.PARADIS sowie dem französischen Künstler Fabrice Hyber zusammen – nicht als plakative Fashion-Kollaboration, sondern eher als Erweiterung einer bestimmten Bildwelt zwischen Kunst, Natur und Riviera-Kultur.

Die bestickten Modelle

Besonders interessant sind dabei die bestickten Modelle der Marke.

Sie verändern die Wirkung von Bademode vollkommen. Statt rein grafischer Prints entstehen Oberflächen mit Struktur und Tiefe – beinahe wie textile Objekte. Manche Motive wirken aus der Distanz fast gemalt, andere erinnern an mediterrane Illustrationen oder maritime Fundstücke.

Dabei geht es weniger um Luxus als Statement, sondern eher um Handwerk und Materialität. Genau das unterscheidet Vilebrequin oft von vielen anderen Brands im Resort-Bereich.

Die Stücke wollen nicht auffallen.

Aber sie haben Charakter.

La Plage

Spannend ist auch, wie stark die Marke mittlerweile über Orte funktioniert.

Mit Konzepten wie „La Plage“ oder Kooperationen mit Hotels und Resorts versucht Vilebrequin nicht nur Kleidung zu verkaufen, sondern ein bestimmtes Sommergefühl räumlich erlebbar zu machen. Pool Clubs, Cabana Spaces und temporäre Installationen greifen die Idee eines entspannten Riviera-Lifestyles auf, ohne daraus ein nostalgisches Klischee zu machen.

Vielleicht liegt genau darin die eigentliche Stärke der Marke.

Vilebrequin erzählt nicht von Urlaub als Eskapismus.

Sondern von einer Art, den Sommer wahrzunehmen.

Etwas langsamer vielleicht.
Etwas leichter.
Und mit einer Eleganz, die nicht erklärt werden muss.

Maison Margiela stellt sein visuelles Gedächtnis öffentlich – und verändert damit die Regeln von Mode, Erinnerung und Autorschaft.

Maison Margiela macht sein visuelles Archiv öffentlich zugänglich und stellt damit nicht nur die Regeln des Archivierens infrage, sondern auch die Mechanismen der Mode selbst. Zwischen digitaler Zugänglichkeit und kuratorischer Neuinterpretation entsteht ein vielschichtiger Dialog über Autorschaft, Erinnerung und die Zukunft des Hauses.

Ein radikaler Schritt in Richtung Transparenz

Maison Margiela hat sich nie über Sichtbarkeit definiert. Eher über das gezielte Spiel mit ihr. Umso bemerkenswerter ist der jüngste Schritt des Hauses: die vollständige Öffnung seines visuellen Archivs über eine frei zugängliche Dropbox. Was zunächst wie ein pragmatischer Akt der Digitalisierung wirkt, entfaltet bei näherer Betrachtung eine fast programmatische Dimension.

In einer Branche, die ihre Geschichte oft kuratiert, filtert und mythologisiert, setzt Margiela auf radikale Transparenz und lädt zugleich zur Neubewertung des eigenen Erbes ein.

Dekonstruktion als System

Die Geste passt zur DNA des Hauses. Seit der Gründung steht Margiela für Dekonstruktion, für das Sichtbarmachen von Prozessen, die andere verbergen. Nähte wurden nach außen gekehrt, Futterstoffe zu Oberflächen erhoben, das Unfertige zur Ästhetik erklärt.

Nun wird dieser Ansatz auf das Archiv selbst übertragen: Kampagnenbilder, Runway-Dokumentationen, Detailaufnahmen und visuelle Fragmente erscheinen nicht als museal geordnete Chronologie, sondern als offenes System.

Es ist weniger ein Archiv im klassischen Sinne als vielmehr ein Werkzeug – eine Einladung an Stylisten, Kuratoren, Studierende und Enthusiasten, sich ihre eigene Lesart zu erschließen.

Neue Formen der Ausstellung

Parallel dazu verdichtet sich das Jahr 2026 zu einem entscheidenden Moment für die physische Begegnung mit Margielas Werk. Mehrere Ausstellungen greifen unterschiedliche Facetten des Hauses auf und übersetzen die digitale Offenheit zurück in räumliche Erfahrung.

Während einige Institutionen den Fokus auf die frühen Jahre und konzeptionelle Modenschauen legen, widmen sich andere der Materialität: Textilien, Techniken und der stillen Radikalität handwerklicher Eingriffe.

Kuratorischer Perspektivwechsel

Auffällig ist ein Wandel im kuratorischen Ansatz:
Wo früher retrospektive Erzählungen dominierten, treten heute fragmentarische und thematische Zugänge in den Vordergrund.

Eine Ausstellung widmet sich ausschließlich der Farbe Weiß – von Atelierkitteln bis zu anonymisierten Labels. Eine andere untersucht die Beziehung zwischen Kleidung und Körper: Volumen, Verschiebung und Verhüllung.

Diese Spezialisierung spiegelt nicht nur die Vielschichtigkeit des Hauses wider, sondern auch ein verändertes Publikum – eines, das weniger lineare Geschichten sucht als Bedeutungsebenen.

Digital trifft physisch

Interessant ist die Wechselwirkung zwischen digitalem Archiv und Ausstellungspraxis. Kuratoren nutzen die Dropbox nicht nur als Recherchetool, sondern als integralen Bestandteil der Inszenierung.

Projektionen, Screens und interaktive Stationen binden das Material direkt ein und schaffen einen erweiterten Raum, in dem physische Exponate und digitale Bilder miteinander korrespondieren.

Die Grenze zwischen Original und Reproduktion bleibt bewusst unscharf – ganz im Sinne Margielas, der Authentizität stets als verhandelbare Kategorie verstand.

Ein Wendepunkt für die Modeindustrie

Auch für die Branche insgesamt markiert dieser Schritt einen möglichen Wendepunkt. In einer Zeit, in der Archive zu strategischen Assets geworden sind, wirkt Margielas Offenheit fast subversiv.

Sie unterläuft die Logik von Exklusivität und Zugriffsbeschränkung und setzt stattdessen auf kollektive Aneignung.

Gleichzeitig entsteht ein neuer Wert: Sichtbarkeit als kulturelles Kapital, das sich nicht im Besitz erschöpft, sondern im Gebrauch entfaltet.

Mode als dynamisches Gedächtnis

Die Initiative verändert auch die Art und Weise, wie Mode erinnert wird. Statt fixer Narrative entsteht ein dynamisches Gedächtnis – gespeist aus individuellen Perspektiven und Kontexten.

Die Bilder im Archiv sind nicht nur Dokumente der Vergangenheit, sondern Bausteine für zukünftige Geschichten – in Editorials, Ausstellungen und digitalen Formaten.

Ein stilles Statement

Das Projekt lässt sich als klares Statement lesen:
Mode ist kein abgeschlossenes Kapitel, sondern ein fortlaufender Dialog.

Maison Margiela öffnet nicht nur sein Archiv, sondern auch den Raum für Interpretation – und macht deutlich, dass Relevanz heute weniger aus Kontrolle entsteht als aus Zugänglichkeit.

Zwischen Intimität und Öffentlichkeit, Material und Bild entsteht eine neue Form von Luxus:
die Freiheit, Bedeutung selbst zu konstruieren.

Die Olympiasiegerin wird zur neuen House Ambassador – und verkörpert die moderne Louis Vuitton Woman.

Mit Alysa Liu gewinnt Louis Vuitton nicht nur eine Ausnahmesportlerin, sondern eine Persönlichkeit, die für Mut, Individualität und eine neue Definition von Luxus steht.

Paris, Mai 2026. Das französische Traditionshaus Louis Vuitton präsentiert die amerikanische Eiskunstlauf-Olympiasiegerin Alysa Liu als neue House Ambassador – eine Entscheidung, die den Zeitgeist perfekt trifft. Die Partnerschaft vereint sportliche Exzellenz mit modischer Ausdruckskraft und spiegelt eine moderne Vision von Weiblichkeit wider: kraftvoll, kreativ und selbstbestimmt.

Zwischen Präzision und Poesie

Mit gerade einmal 20 Jahren schrieb Alysa Liu Geschichte: Als erste Amerikanerin seit 24 Jahren gewann sie olympisches Gold im Eiskunstlauf – und das gleich doppelt. Doch es ist nicht nur ihre technische Brillanz, die fasziniert. Es ist ihre Ausstrahlung – eine Kombination aus Energie, Leichtigkeit und persönlichem Stil, der sich auch in ihrem ikonischen Look, wie etwa ihrem gestreiften Haar, manifestiert.

Diese Dualität – Stärke und Sanftheit – macht sie zur idealen Repräsentantin für Louis Vuitton. Eine Frau, die sich nicht festlegen lässt, sondern Gegensätze vereint.

Die neue Louis Vuitton Woman

„Alysa Liu verkörpert die moderne Louis Vuitton Woman – selbstbewusst, kreativ und furchtlos“, so Nicolas Ghesquière, Artistic Director der Damenkollektionen.

Und tatsächlich: Liu bringt eine frische Perspektive in die Welt des Luxus. Ihre Auftritte – etwa bei der Louis Vuitton Fall/Winter 2026 Show oder der Vanity Fair Oscar Party – zeigen ein Gespür für Stil, das sowohl verspielt als auch präzise ist. Denim-Looks treffen auf kunstvolle Stickereien, sportliche Attitüde auf Haute Couture.

Luxus liegt im Detail

Auch Alysa Liu selbst beschreibt die Verbindung zur Maison als inspirierend:

„Als Eiskunstläuferin bin ich Athletin – ich trainiere hart, ich bin schnell. Aber wenn ich performe, möchte ich zeigen, wie sanft ich sein kann.“

Diese Balance spiegelt sich auch in ihrer neuen Rolle wider. Für Liu bedeutet Luxus nicht nur Ästhetik, sondern Detailarbeit, Hingabe und Ausdruck. Werte, die sowohl im Eiskunstlauf als auch im Designprozess eine zentrale Rolle spielen.

Eine Partnerschaft mit Zukunft

Mit Alysa Liu setzt Louis Vuitton ein klares Zeichen: Die Zukunft des Luxus ist multidimensional. Sie vereint Disziplin und Kreativität, Tradition und Innovation, Stärke und Sensibilität.

Eine neue Generation tritt ins Rampenlicht – und sie ist mutiger, freier und inspirierender denn je.