Wie CMMN SWDN eine neue Sprache von Männlichkeit und Moderne entwirft

Mode war lange eine Frage der Zugehörigkeit. Heute ist sie ein Raum für Bewegung. Zwischen kulturellen Einflüssen, persönlichen Geschichten und sich wandelnden Rollenbildern entsteht eine neue Form von Ausdruck – leiser, vielschichtiger und bewusster. Kaum ein Label verkörpert diesen Wandel so präzise wie CMMN SWDN.

Die Ästhetik der Spannung

Die Entwürfe von CMMN SWDN leben von Gegensätzen. Klare Linien treffen auf fließende Materialien, klassische Silhouetten werden aufgebrochen, vertraute Formen neu interpretiert.

Es ist ein Spiel mit Balance – nicht als Kompromiss, sondern als bewusst gesetzte Spannung.

Hier wird Tailoring nicht dekonstruiert, sondern erweitert. Jacken wirken strukturiert und gleichzeitig weich, Hosen folgen keiner festen Regel mehr, sondern einer Haltung.

Mode wird zu einer offenen Form.

Kulturelle Hybridität als Ausgangspunkt

Gegründet von Saif Bakir und Emma Hedlund, bewegt sich CMMN SWDN zwischen Malmö und London – geografisch wie kulturell.

Diese Dualität ist kein Nebenaspekt, sondern der Kern der Marke.

Einflüsse aus skandinavischer Klarheit treffen auf internationale Perspektiven, persönliche Narrative auf kollektive Themen. Kollektionen greifen immer wieder Motive aus Kunst, Musik oder Alltagskultur auf und übersetzen sie in tragbare Konzepte.

Identität wird hier nicht definiert – sondern verhandelt.

Neue Männlichkeit

Ein zentrales Element der Marke ist ihr Umgang mit Männlichkeit.

CMMN SWDN entzieht sich bewusst klassischen Zuschreibungen. Stattdessen entstehen Silhouetten, die Raum lassen – für Bewegung, für Interpretation, für Individualität.

Maskuline Codes werden nicht negiert, sondern erweitert. Sie werden weicher, durchlässiger, offener.

Es geht nicht um Bruch, sondern um Entwicklung.

Materialität und Bewusstsein

Trotz aller konzeptionellen Tiefe bleibt CMMN SWDN im Kern ein Ready-to-Wear Label.

Die Stücke sind tragbar, funktional und präzise gefertigt. Stoffe spielen dabei eine zentrale Rolle: strukturierte Wollqualitäten, fließende Mischgewebe, unerwartete Oberflächen.

Diese Materialität verankert die Kollektionen im Alltag – sie macht aus Idee Realität.

Design wird fühlbar.

Jenseits von Trends

CMMN SWDN folgt keinem schnellen Rhythmus.

Statt Trends zu reproduzieren, entwickelt die Marke eine eigene visuelle Sprache – eine, die sich kontinuierlich verändert, ohne beliebig zu werden.

Das Ergebnis ist Mode, die nicht auf Aufmerksamkeit angewiesen ist, sondern auf Wahrnehmung.

Sie fordert den Blick – und belohnt ihn.

CMMN SWDN steht für eine Generation von Design, die sich nicht mehr über klare Kategorien definiert.

Zwischen Struktur und Freiheit, zwischen Herkunft und Zukunft entsteht eine neue Form von Eleganz – eine, die weniger erklärt und mehr zulässt.

Mode wird hier nicht lauter, sondern relevanter.

Zwischen Y2K-Nostalgie, Streetwear und sportlicher DNA

Die Rückkehr eines Klassikers: Mit dem Relaunch seines legendären Soccer-Sneakers knüpft Bikkembergs an seine kraftvolle Vergangenheit an und übersetzt sie in eine zeitgemäße Formsprache. Zwischen Fußballkultur, Streetwear-Ästhetik und italienischer Schneiderkunst entsteht eine Kollektion, die mehr ist als Mode – sie ist ein Statement.

Mode trifft Bewegung – eine Rückkehr zu den Wurzeln

Seit seiner Gründung durch Dirk Bikkembergs im Jahr 1986 steht das Label für eine unverkennbare Verbindung von Mode und Sport. Als Teil der legendären Antwerp Six prägte Bikkembergs früh eine Ästhetik, die körperlich, direkt und authentisch ist.

In den 1990er- und frühen 2000er-Jahren verlagerte die Marke ihre Runway-Shows bewusst aus den klassischen Modekontexten – hinein in Fußballstadien von Mailand bis Barcelona. Mode wurde hier zur Bewegung, zur Performance, zur gelebten Kultur.

Ein prägender Moment: Ein spontanes Fitting mit dem Kapitän des italienischen Clubs FC Fossombrone führte schließlich dazu, dass Dirk Bikkembergs den Verein übernahm – und ihn zu einem kreativen Experimentierfeld zwischen Stil und Sport entwickelte.

Der Soccer-Sneaker als kulturelles Symbol

Aus dieser Haltung heraus entstand die ikonische Soccer-Linie – eine Sneaker-Kollektion, die Sport nicht nur funktional, sondern als kulturelle Erzählung versteht.

Internationale Teams wie Inter Mailand oder Málaga CF sowie Spieler wie Giorgio Chiellini oder Paolo Cannavaro trugen die Designs – und machten sie zu einem festen Bestandteil der Fußball- und Modegeschichte.

Der Soccer-Sneaker entwickelte sich dabei zu einem Signature-Piece, das die Grenzen zwischen Spielfeld und Straße mühelos überwindet.

2025: Der Relaunch einer Ikone

Mit kreativer Leitung von Lee Wood erlebt die Soccer-Linie nun ein modernes Revival. Den Auftakt machte im Juni 2025 eine aufmerksamkeitsstarke Kooperation mit Gosha Rubchinskiy, bekannt für seine Arbeit bei Yeezy.

Seine Neuinterpretation brachte eine klare Streetwear-Perspektive ein und griff die sogenannte Bloke-Core-Ästhetik auf – ein Trend, der Fußballkultur und Alltagsmode verschmelzen lässt.

Y2K trifft Gegenwart

Die neuen Modelle greifen bewusst die Designsprache der frühen 2000er-Jahre auf – ein subtiler Verweis auf das anhaltende Y2K-Revival.

Hochwertige Leder, innovative Materialien und eine neu gedachte Farbpalette definieren die Kollektion:

• Neutrale, elegante Töne für zeitlose Looks
• Markante Akzente in Himmelblau und leuchtendem Rot
• Neue Muster, Stickereien und Prints als Weiterentwicklung des Originals

Der ikonische Soccer-Sneaker bleibt dabei das Herzstück – ein Design, das sich wie ein roter Faden durch die gesamte Kollektion zieht.

Heritage, das in die Zukunft führt

Der Relaunch ist mehr als ein nostalgischer Rückblick. Er ist eine bewusste Rückkehr zur DNA der Marke – und gleichzeitig ein Schritt nach vorne.

Bikkembergs gelingt es, Vergangenheit und Gegenwart zu verbinden:
Sport trifft Stil. Bewegung trifft Ästhetik. Tradition trifft Innovation.

Oder anders gesagt: Der Soccer-Sneaker bleibt, was er immer war – ein Symbol für eine Haltung, die Mode nicht nur zeigt, sondern lebt.

Eine Kollektion zwischen Kontinenten und Kulturen

Was passiert, wenn aus einer persönlichen Begegnung eine gestalterische Haltung wird?
Mit der Bonguile Collection zeigt die österreichische Designerin Gina Drewes, wie Mode weit über Ästhetik hinauswirken kann. Für ihr Label Monkey on my Shoulder entstand eine limitierte Serie sommerlicher Unisex-Sets, die nicht nur stilistisch, sondern auch sozial Wirkung entfalten.

Ein Teil der Erlöse fließt direkt in das Bonguile Project in Mosambik – eine Vorschule, die Kindern früh Zugang zu Bildung und Gemeinschaft ermöglicht.

Ursprung in Vilankulos

Die Geschichte dieser Kollektion beginnt in Vilankulos, einer Küstenstadt in Mosambik. Während eines Aufenthalts kam Gina Drewes erstmals mit dem Bonguile Project im Stadtteil Quinto Congresso in Kontakt. Was als flüchtige Begegnung begann, entwickelte sich zu einer langfristigen Verbindung.

Getragen wird das Projekt von ParCo, einer lokal verankerten Organisation, die nachhaltige Bildungs- und Sozialprojekte initiiert. Rund 70 Kinder im Alter von drei bis fünf Jahren finden hier jährlich einen geschützten Raum für frühkindliche Bildung – inklusive erster Berührungspunkte mit der portugiesischen Sprache, die für ihren weiteren Bildungsweg entscheidend ist.

Stoff als Medium der Wertschätzung

Zurück in Europa wurde aus Erinnerung Gestaltung. Mit einem Koffer voller afrikanischer Baumwollstoffe begann ein kreativer Prozess, der nicht auf Aneignung, sondern auf Interpretation basiert.

Keine direkten Zitate – vielmehr textile Liebesbriefe.

Die Designerin übersetzt Farben, Rhythmen und Strukturen in eine eigene Formsprache. Dabei steht ein respektvoller Umgang mit kultureller Vielfalt im Mittelpunkt. Mode wird hier zum Medium, das Verbindung sichtbar macht, ohne sie zu vereinnahmen.

„Es geht nicht darum, etwas zu übernehmen, sondern etwas Eigenes daraus entstehen zu lassen und damit einen Beitrag zu leisten.“ – Gina Drewes

Design mit Haltung

Die Bonguile Collection umfasst zehn sogenannte Surfer-Sets – kombinierte Looks, die sich mühelos zwischen Alltag und Urlaub bewegen.

• luftige Baumwollstoffe
• fließende, großzügige Schnitte
• bewusst reduzierte Silhouetten
• oversized und unisex gedacht

Die Designs passen sich den Träger:innen an – nicht umgekehrt. Eine Haltung, die Freiheit und Individualität in den Mittelpunkt stellt.

Die Prints entstehen aus einem fein abgestimmten Zusammenspiel von Farbe, Struktur und Rhythmus. Jedes Set wirkt für sich, bleibt aber Teil eines größeren visuellen Narrativs.

Mode als Prozess, nicht als Moment

Statt klassischen Drop-Zyklen folgt die Kollektion einem offenen System:
Vergriffene Modelle werden durch neue ersetzt. Die Linie entwickelt sich weiter – organisch, dynamisch, lebendig.

Mode wird hier nicht als abgeschlossenes Produkt verstanden, sondern als fortlaufender Prozess.

Wirkung über das Produkt hinaus

35 Prozent des Reinerlöses fließen direkt in die Zusammenarbeit mit ParCo und unterstützen die kontinuierliche Arbeit des Bonguile Projects vor Ort.

Eine Kollektion, die zeigt, dass Mode Verantwortung übernehmen kann – leise, aber wirkungsvoll.

Über die Designerin

Seit über einem Jahrzehnt steht Gina Drewes für präzise Schnittführung, detailverliebte Verarbeitung und eine unverwechselbare Handschrift zwischen Klassik und Avantgarde. Ihre Entwürfe verbinden Vintage-Referenzen mit zeitgenössischem Design und richten sich an Menschen, die ihren eigenen Stil definieren.

Erhältlich

Die Bonguile Collection ist in der Gina-Drewes-Boutique in Velden sowie online unter
www.monkeyonmyshoulder.com erhältlich.

Eine Kollektion, die das Reisen neu denkt – mit luxuriöser Funktionalität, subtiler Eleganz und dem unverkennbaren Spirit von Louis Vuitton.

Mit der Flight Mode 2026 Collection interpretiert Louis Vuitton das Konzept des Reisens neu: als stilvolle Bewegung zwischen Orten, Atmosphären und Momenten. Inspiriert von der „Art of Travel“ vereint die Kollektion Komfort, Raffinesse und moderne Vielseitigkeit – geschaffen für eine globale, ästhetisch anspruchsvolle Generation.

Unterwegs zwischen Ästhetik und Funktion

Die Flight Mode 2026 Kollektion versteht sich nicht nur als Garderobe, sondern als Ausdruck eines Lebensgefühls. Ready-to-Wear, Lederwaren, Schuhe und Accessoires verschmelzen zu einem harmonischen Gesamtbild – funktional, aber stets elegant. Die Silhouetten wirken entspannt und zugleich präzise, gefertigt aus Materialien, die Bewegung erlauben und Leichtigkeit transportieren.

Ob in den Tälern Kaliforniens, beim Spaziergang durch urbane Parks oder entlang azurblauer Küsten – jedes Piece passt sich dem Kontext an und bleibt dennoch unverkennbar Louis Vuitton.

Materialität & Handwerkskunst

Im Zentrum stehen hochwertige Materialien und feine Details. Lederjacken im Bomberstil, Cardigans und Gilets werden aus außergewöhnlichen Ledern gefertigt und zeigen eine Bandbreite an Oberflächen – von soft und veloursartig bis hin zu glänzend und perforiert. Ergänzt werden die Looks durch Kaschmir und feine Wolle, die ein Gefühl von luxuriösem Komfort vermitteln.

Diese subtile Opulenz verkörpert eine neue Form von Understatement – leise, aber wirkungsvoll.

Denim, Leichtigkeit und Farbspiel

Ein zentrales Element ist Denim, neu interpretiert in einem ausgewaschenen Blau-Grau mit dem ikonischen Monogramm. Locker geschnittene Hosen, Jacken und fließende Kleider schaffen eine entspannte Silhouette.

Dazu gesellen sich luftige Stoffe wie Baumwollpopeline, Seidentaft und gewaschene Seide – Materialien, die Bewegung und Leichtigkeit unterstreichen. Farblich reicht die Palette von neutralen Tönen bis hin zu warmen Akzenten in Tangerine, Rose, Sand und Sienna.

Ikonische Details & neue Klassiker

Die Kollektion greift bekannte Codes des Hauses auf und interpretiert sie neu:

• Das Mahina-Motiv erscheint in eleganten Weiß- und Brauntönen
• Prints, inspiriert von Hotelschlüsseln, verweisen auf die Geschichte des ersten Luxushotels in Paris
• Der Low Key Bag überzeugt durch minimalistisches Design und handwerkliche Präzision

Besonders hervorzuheben ist die LV Sneakerina – ein dynamisches Modell, das sportliche Energie mit urbaner Eleganz verbindet und nun in neuen Varianten erscheint.

Eine neue Leichtigkeit des Reisens

Die Flight Mode 2026 Kollektion ist mehr als Mode – sie ist eine Hommage an das Reisen als kulturelle Praxis. Louis Vuitton gelingt es, Funktionalität und Luxus in Einklang zu bringen und eine Garderobe zu schaffen, die sowohl zeitlos als auch zeitgemäß ist.

Zwischen Handwerk und Konzeptkunst: Maison Margielas kreatives Labor

Im April 2026 verwandelte Maison Margiela eine Straße im Herzen von Shanghai in ein begehbares Archiv seiner radikalsten Ideen. Die Ausstellung „Artisanal: Our Creative Laboratory“ bot einen seltenen, inzwischen abgeschlossenen Einblick in die DNA eines Hauses, das Mode seit Jahrzehnten neu denkt.

Couture als Experiment: Ein offenes Archiv

Die Ausstellung, die vom 2. bis 6. April 2026 stattfand, präsentierte 58 ausgewählte Couture-Looks – erstmals gemeinsam kuratiert. Von ikonischen Anfängen bis hin zu aktuellen Entwürfen spannte sich ein erzählerischer Bogen durch die Geschichte der Artisanal-Linie.

Den Auftakt bildete das legendäre Porzellanteller-Waistcoat aus der Herbst/Winter-Kollektion 1989 – ein frühes Beispiel für Margielas dekonstruktive Handschrift. Den Abschluss markierte ein mit Bienenwachs behandeltes Kleid aus der Herbst/Winter-Show 2026, die ebenfalls in Shanghai inszeniert wurde.

Artisanal ist dabei mehr als eine Couture-Linie: Es ist das Herzstück der kreativen Praxis des Hauses. Jedes Stück wird im Pariser Atelier von Hand gefertigt – oft aus gefundenen Materialien, die durch Transformation und Experiment zu neuen Bedeutungen gelangen.

Themenräume: Dekonstruktion, Upcycling und Illusion

Die Ausstellung war nicht chronologisch, sondern thematisch aufgebaut. In offenen Containern – inspiriert von der Szenerie der FW2026 Show – wurden zentrale Konzepte des Hauses erfahrbar gemacht:

• Upcycling: Die Wiederverwertung von Materialien als kreativer Ausgangspunkt
• Dekonstruktion: Das Sichtbarmachen von Schnitt, Struktur und Prozess
• Trompe l’œil: Die spielerische Täuschung des Auges
• Archetypen: Neuinterpretationen klassischer Kleidungsformen
• Rohmaterialien: Die poetische Kraft des Unfertigen
• Transformation des Alltäglichen: Mode als Umdeutung von Realität

Diese kuratorische Entscheidung unterstrich den experimentellen Charakter von Artisanal als „Labor“ – ein Raum, in dem Ideen entstehen, scheitern und neu gedacht werden.

Teil eines größeren Narrativs: MaisonMargiela/folders

Die Ausstellung war der Auftakt eines umfassenderen Projekts: MaisonMargiela/folders. Dieses mehrteilige Format erstreckte sich über vier chinesische Städte und widmete sich jeweils einem zentralen Code des Hauses – von Anonymität über das ikonische Tabi bis hin zur Atelierpraxis.

In Shanghai begann diese Reise mit Artisanal – als Ursprung und kreativer Motor.

Mode als Denkraum

Mit „Artisanal: Our Creative Laboratory“ hat Maison Margiela einmal mehr gezeigt, dass Mode weit über Kleidung hinausgeht. Die Ausstellung – inzwischen abgeschlossen – war ein temporärer Denkraum, in dem Handwerk, Konzept und Kunst miteinander verschmolzen.

Ein flüchtiger Moment, der dennoch nachwirkt.

Wie ein Fotograf Mode neu erzählt – und dabei selbst verschwindet

Zwischen Erinnerung und Inszenierung, zwischen Modebild und kulturellem Archiv: Die Arbeiten von Leslie Zhang wirken wie visuelle Gedichte. Sie erzählen nicht nur von Kleidung, sondern von Herkunft, Identität und einer neuen, selbstbewussten Ästhetik Chinas. Und während seine Bilder laut sprechen, bleibt er selbst leise.

Eine neue Bildsprache

Leslie Zhang gehört zu jener neuen Generation von Fotograf:innen, die Mode nicht nur inszenieren, sondern kulturell neu codieren. Seine Bildwelten sind durchzogen von Symbolen, Farben und Objekten, die tief in der chinesischen Alltagskultur verwurzelt sind – oft inspiriert von den 80er- und 90er-Jahren.

Zwischen üppigen Blumenarrangements, alltäglichen Gegenständen und sorgfältig komponierten Stillleben entstehen Szenen, die sich jeder schnellen Lesbarkeit entziehen. Mode wird hier nicht zum Selbstzweck, sondern Teil eines größeren Narrativs.

Zwischen Nostalgie und Gegenwart

Seine Arbeiten bewegen sich in einem Spannungsfeld zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Es ist eine Form der visuellen Nostalgie, die jedoch nie sentimental wird. Vielmehr schafft Zhang eine neue Realität – eine, in der kulturelle Erinnerung und zeitgenössische Mode miteinander verschmelzen.

Dabei entsteht eine Ästhetik, die sich bewusst von westlich geprägten Bildsprachen löst. Seine Fotografien sind keine Referenz, sondern ein eigenständiges visuelles System.

Die stille Haltung

Bemerkenswert ist nicht nur seine Bildsprache, sondern auch seine Haltung: Leslie Zhang tritt selbst kaum in Erscheinung. In einer Branche, die oft von starken Persönlichkeiten lebt, wirkt seine Zurückhaltung fast radikal.

Seine Bilder sprechen für sich – vielschichtig, emotional und offen für Interpretation. Der Fotograf bleibt im Hintergrund, als würde er bewusst Raum schaffen für das, was wirklich zählt: die Geschichte im Bild.

Leslie Zhang ist mehr als ein Modefotograf. Er ist ein visueller Erzähler, der Mode als Medium nutzt, um kulturelle Identität neu zu denken. Seine Arbeiten markieren einen Wandel – weg von global vereinheitlichten Ästhetiken hin zu einer vielstimmigen, lokal verwurzelten Bildsprache.

Seine Bilder sind laut in ihrer Symbolik, doch ihr Urheber bleibt leise.

The Art of Incense and Botanical Perfumery

Mitten im kreativen Herzen von New York entstand eine Parfummarke, die heute zu den faszinierendsten Stimmen der Nischenparfümerie zählt. Aedes de Venustas verbindet botanische Inspiration, barocke Opulenz und moderne Duftkunst zu olfaktorischen Kompositionen, die weit über klassische Parfumstrukturen hinausgehen.

Die Welt von Aedes de Venustas

Ein „Tempel der Schönheit“ in New York

Die Geschichte von Aedes de Venustas beginnt nicht als klassische Parfummarke, sondern als legendäre Parfümerie im New Yorker West Village. Die Boutique wurde von Robert Gerstner und Karl Bradl gegründet und entwickelte sich schnell zu einer der wichtigsten Adressen für avantgardistische Duftkunst.

Der Name bedeutet übersetzt „Tempel der Schönheit“ – eine passende Beschreibung für einen Ort, der Duft nicht als Accessoire versteht, sondern als kulturelle Ausdrucksform.

Viele Jahre kuratierten Gerstner und Bradl dort internationale Nischenparfums, bevor sie 2012 ihre eigene Duftkollektion lancierten. Diese erste Kreation – schlicht Signature genannt – wurde zur olfaktorischen Essenz der Boutique und markierte den Beginn einer eigenständigen Duftwelt.

Barocke Eleganz und botanische Inspiration

Die Duftästhetik von Aedes de Venustas ist unverwechselbar.
Viele der Kompositionen kreisen um seltene botanische Rohstoffe und Weihrauch – zwei Elemente, die tief in der Geschichte der Parfümerie verwurzelt sind.

Die Gründer arbeiten mit renommierten Parfümeuren zusammen und geben ihnen bewusst großen kreativen Spielraum. So entstehen moderne Duftarchitekturen, die häufig von einer einzelnen pflanzlichen Inspiration ausgehen – einer Blüte, einem Harz oder einer Landschaft.

Diese Philosophie führt zu Parfums, die gleichzeitig opulent und experimentell wirken: sinnlich, aber nie vorhersehbar.

Duft als künstlerische Zusammenarbeit

Aedes de Venustas versteht Parfum als künstlerischen Dialog zwischen Marke und Parfümeur.
Zu den kreativen Partnern gehören international renommierte „Nasen“, die mit den Gründern eng zusammenarbeiten, um komplexe Duftwelten zu entwickeln.

Viele dieser Kooperationen wurden auch ausgezeichnet. So erhielt beispielsweise Iris Nazarena den renommierten Fragrance Foundation Award als „Perfume Extraordinaire of the Year“.

Diese Anerkennung bestätigt den Anspruch der Marke: Parfum nicht nur als Produkt, sondern als olfaktorische Kunstform zu verstehen.

Ästhetik bis ins Detail

Auch die Gestaltung der Flakons folgt dieser Philosophie.
Die ikonischen Flaschen aus geriffeltem Glas verbinden klassische Eleganz mit modernen Details – etwa den charakteristischen Pfauenblau-Akzenten, die an die ursprüngliche Boutique in der Christopher Street erinnern.

Schwere Kappen, klare Linien und eine reduzierte Farbpalette unterstreichen die luxuriöse, fast architektonische Präsenz der Flakons.

Eine neue Generation von Nischendüften

Heute umfasst die Kollektion eine Reihe charakterstarker Eau de Parfums, die sich thematisch zwischen botanischer Inspiration, kulturellen Referenzen und imaginären Landschaften bewegen.

Ob mystische Weihrauchakkorde, edle Hölzer oder florale Kompositionen – jede Kreation erzählt eine eigene Geschichte und bleibt doch unverkennbar Teil der ästhetischen Welt von Aedes de Venustas.

Damit gehört die Marke zu jenen wenigen Nischenhäusern, die Parfum als sinnliche Erfahrung zwischen Kunst, Design und Kultur verstehen.

Zwischen Natur, Technologie und neuer Folklore

Mit der Fall/Winter 2026 Kollektion „Super Nature“ entwirft Nicolas Ghesquière für Louis Vuitton eine visionäre Landschaft aus Kleidung. Berge, Wälder und weite Horizonte bilden dabei nicht nur die Inspirationsquelle – sie werden selbst zum gestalterischen Prinzip.

Mode entsteht hier im Dialog mit Klima, Umgebung und Bewegung. Kleidung wird zum Ausdruck eines Lebens im Freien, geprägt von Schutz, Ausdauer und Freiheit. Das Ergebnis ist eine Kollektion, die Natur nicht imitiert, sondern sublimiert – als moderne Interpretation von Landschaft, Erinnerung und kulturellem Erbe.

Kleidung als Topografie

Die Silhouetten erinnern an Kleidung, die aus dem Leben mit der Natur heraus entstanden ist – ähnlich traditionellen Trachten, die Zugehörigkeit und Geschichte sichtbar machen. Doch statt Nostalgie entsteht eine neue Folklore für die digitale Gegenwart.

Materialien erzählen dabei von Landschaften:

• Animaliermuster, neu interpretiert auf Canvas und Denim
• Florale Lederapplikationen, die wie imaginierte Pflanzen wirken
• Strukturierte Lederoberflächen, die an Holz, Rinde oder Stein erinnern

Stoffe werden zu Collagen, die sich über den Körper legen wie geografische Karten. Jede Naht, jede Textur wirkt wie ein Fragment einer größeren Landschaft – geformt durch Erinnerungen, Bewegung und Erfahrung.

Technologie trifft Handwerk

Ein zentrales Thema der Kollektion ist das Zusammenspiel von modernster Technologie und traditionellem Savoir-faire.

Neue Materialien entstehen durch experimentelle Techniken:

• 3D-gedruckte Knöpfe, die an Mineralien erinnern
• Absätze mit Geweihformen
• vegane Felle, die neue Texturen schaffen
• Leder, das durch spezielle Gerbtechniken die Haptik von Holz annimmt

Diese Transformationen wirken fast surreal – als würde Natur durch Technologie neu entstehen. Genau hier liegt der Reiz der Kollektion: zwischen Handwerk, Innovation und Imagination.

Reisebegleiter für eine neue Welt

Als Maison mit Wurzeln im Reisegepäck-Handwerk denkt Louis Vuitton auch Accessoires als Begleiter der Bewegung.

Ein besonderes Comeback feiert die Noé Bag, deren ursprüngliche Proportionen und Farben von 1932 wieder aufgegriffen werden. Sie wirkt wie eine Zeitreise – ein tragbares Zuhause für moderne Entdecker:innen.

Schmuckstücke greifen wiederum die ikonische Formensprache der Trunks auf:

• Ohrringe
• ein Ring
• ein Collier

Alle besetzt mit den charakteristischen Nagelköpfen der Louis Vuitton Koffer, eine subtile Hommage an das Erbe der Maison. Inspiration liefert dabei auch eine Neuinterpretation von Arbeiten des Fotografen und Künstlers Man Ray.

Eine futuristische Landschaft im Louvre

Die Präsentation der Kollektion fand in der Cour Carrée des Musée du Louvre statt. Für die Inszenierung entwarf Production Designer Jeremy Hindle eine abstrakte Landschaft – eine Art Neo-Natur, gesehen durch das Prisma der Zukunft.

Innen und Außen verschmelzen zu einer Bühne, auf der die Models wie Teil eines lebendigen pastoralen Gemäldes erscheinen. Das Setting wirkt gleichzeitig archaisch und futuristisch – eine Sci-Fi-Fabel über Mode und Natur.

Mode als Echo der Welt

Mit Super Nature zeigt Nicolas Ghesquière, dass Mode nicht nur Kleidung ist, sondern ein Spiegel unserer Beziehung zur Welt.

Die Kollektion verbindet Vergangenheit und Zukunft, Handwerk und Technologie, Natur und Imagination. Sie erzählt von Bewegung, Entdeckung und der Sehnsucht nach Verbindung – mit Landschaften, Kulturen und uns selbst.

Frühjahr/Sommer 2026 zeigt Kleidung als Präsenz, Haltung und Resonanzraum

Kleidung beschreibt eine Verfassung. Sie reagiert auf den männlichen Körper, auf Zeit, auf innere Spannung. Frühjahr/Sommer 2026 zeigt, wie sie existiert, wie sie wirkt – ohne Erklärung. Sie spricht nicht, sie verlangt keinen Konsens. Sie ist präsent, und das reicht.

Text: Nina Prehofer

Wenn Kleidung vom Körper ausgeht

Die Saison beginnt beim Körper, nicht beim Look. Ärmel verlängern sich, Hosen verlangsamen ihre Bewegung, Stoffe reagieren auf Dynamik. Silhouetten verschieben sich, kippen leicht – ohne dass sich eindeutig sagen ließe, wohin.

Labels wie Acne und MM6 zeigen diese Entwicklung mit beiläufiger Eleganz, als würde Kleidung aus reiner Beobachtung entstehen. Bei Rick Owens hingegen wird das Verhältnis von Körper und Stoff radikal interpretiert: Volumen, Schatten und Drapierungen verwandeln den Körper beinahe in eine Skulptur.

Owens’ Entwürfe wirken wie Bühnenbilder. Künstler wie A$AP Rocky oder Kanye West tragen sie nicht nur – sie erweitern damit ihre Präsenz. Kleidung wird zur Aura, die sich um den Körper legt.

Emotionen in Material und Textur

Emotion zeigt sich nicht in narrativen Gesten, sondern in Materialität. Antonio Marras stapelt Stoffe wie Erinnerungen, seine Prints wirken wie Malerei auf einer unsichtbaren Leinwand.

Moderne Stilfiguren wie Timothée Chalamet oder Harry Styles fungieren dabei als Kuratoren dieser Formen. Sie tragen Kleidung nicht nur – sie interpretieren sie. Muster und Silhouetten werden zu Erweiterungen ihrer Persönlichkeit.

Kleidung wird zum Resonanzraum.
Nicht Bühne, nicht Kostüm.

Wer sie trägt, verändert subtil den Raum und bleibt doch Teil von ihm.

Schwarz als Haltung

Schwarz bleibt zentral – jedoch nicht als Uniform. Das Label Enfants Riches Déprimés nutzt die Farbe, um Distanz zu erzeugen und Haltung zu formulieren.

Komfort wird dabei neu definiert. Nicht als reine Bequemlichkeit, sondern als Dimension der Erfahrung.

Wer diese Kleidung trägt – ob FKA twigs, Playboi Carti oder Ezra Miller – demonstriert Präsenz, ohne ein Wort zu sagen.

Der Körper spricht.
Die Kleidung antwortet.
Die Umgebung registriert.

Tradition wird neu geschrieben

Auch klassische Codes werden dekonstruiert. Burberry lockert das Erbe des Trenchcoats, verschiebt Silhouetten und löst Eleganz aus der Perfektion.

Bei Comme des Garçons entwirft Rei Kawakubo Räume für Körper, die Regeln nicht folgen. Bekanntes wird neutralisiert, neu zusammengesetzt und immer wieder in die Gegenwart übersetzt.

Kleidung wird Referenz und Experiment zugleich – ein Spiegel zwischen Erwartung und Interpretation.

Poetische Radikalität

Ironie, Provokation und Intensität sind erlaubt – aber selten plakativ. Frühjahr/Sommer 2026 interessiert sich nicht für modische Diplomatie.

Die dramatischen, punkigen Entwürfe von Enfants Riches Déprimés stehen neben der stillen Präzision von Gabe Gordon. Gemeinsam zeigen sie: Kleidung muss nicht gefallen – sie muss spürbar sein.

Und genau darin entsteht eine poetische Radikalität.

Kleidung wird zum Filter, durch den der Mann die Welt sieht – und durch den die Welt ihn wahrnimmt.

Bei Vivienne Westwood, Antonio Marras oder Rick Owens erzählt Mode Geschichten, ohne sie auszusprechen. Sie reflektiert den Zeitgeist, ohne ihn zu erzwingen.

Kleidung als Zustand

Mode wird wieder zu einem Raumerlebnis. Sie formt Männer, ohne sie festzulegen.

Sie existiert, bevor sie interpretiert wird – und bleibt spürbar, lange nachdem man den Raum verlassen hat.

Frühjahr/Sommer 2026 ist ein Sommer der Präsenz.
Ein Sommer, der Intuition belohnt und Selbstbewusstsein verlangt.

Kleidung ist kein Accessoire mehr.
Sie ist Filter, Spiegel und Erfahrungsraum.

Kleidung als Zustand – und Zustand als Mode.

Zwischen Nachtleben und Schneiderkunst

Die österreichische Designerin Gina Drewes inszeniert mit ihrer neuen Menswear-Kollektion THE LAST DAYS OF DISCO ein spannungsreiches Spiel der Gegensätze. Clubkid-Attitüde trifft auf dandyhafte Eleganz, opulente Materialien auf klassische Schneiderkunst, expressive Statements auf subtile Raffinesse. Das Ergebnis ist eine zehnteilige Kollektion, die Mode nicht als harmonische Einheit versteht, sondern als bewussten Dialog zwischen Nachtleben und formaler Tradition.

Statt Kontraste zu glätten, werden sie bei Drewes zum ästhetischen Prinzip. Die Looks erzählen von der Energie des Clubs, von Selbstinszenierung, Individualität und der Freude am Stil – ohne dabei die präzise Handwerkskunst der klassischen Menswear aus den Augen zu verlieren.

Bouclé trifft Batwing

Im Zentrum der Kollektion steht ein Anzug aus kompaktem Multicolour-Bouclé, der architektonische Präsenz mit moderner Lässigkeit verbindet. Die weit geschnittene Hose mit strukturiertem Fall trifft auf eine kantig konstruierte Jacke mit verdeckter Knopfleiste. Volumen und Materialität verschmelzen zu einer Silhouette, die gleichzeitig präzise und ausdrucksstark wirkt.

Als bewusstes Gegengewicht setzt Drewes auf ein gelb-schwarz gemustertes Seidenhemd mit dramatischen Fledermausärmeln. Die großzügige Form bringt Bewegung und Leichtigkeit in den Look und kontrastiert die strukturierte Strenge des Bouclé-Anzugs.

Die Wirkung verändert sich je nach Styling:
Mit Beanie und Sneakers entsteht ein urbaner Streetwear-Moment. Kombiniert mit klassischen Lederschuhen verwandelt sich derselbe Look in eine moderne Interpretation dandyhafter Eleganz. Genau diese Wandelbarkeit bildet den Kern der Kollektion.

Glanz, Textur und bewusster Stilbruch

THE LAST DAYS OF DISCO lebt von luxuriösen Stoffen und überraschenden Oberflächen. Lurex für Herren erweitert das klassische Menswear-Vokabular ebenso wie Brokat mit feinem Edelweißmotiv oder ein modernes Pixelmuster in warmen Brauntönen.

Eine voluminöse Bomberjacke im Grün-Schwarz-Braunen Karomix ergänzt die Kollektion und bringt eine sportliche Note in die opulente Materialwelt. Dazu kommen Seidenhemden und farblich abgestimmte Schalkrawatten, die den dandyhaften Charakter subtil unterstreichen.

Maskuline Eleganz erscheint hier nicht als starres Regelwerk, sondern als Haltung. Mode darf inszenieren, irritieren und Freude bereiten.

Für Männer jenseits des Mainstreams

Die Kollektion richtet sich an Männer, die Stil als persönliche Entscheidung verstehen. Sie funktioniert im Nachtleben ebenso wie bei festlichen Anlässen und lässt sich – klug kombiniert – auch in den Alltag übersetzen.

Ein Clubkid kann sie tragen wie ein Dandy.
Schrill oder subtil. Expressiv oder reduziert. Immer mit Haltung.

Mit THE LAST DAYS OF DISCO führt Gina Drewes ihre gestalterische Handschrift konsequent weiter: Vintage-Referenzen treffen auf zeitgenössische Silhouetten, klassische Codes werden neu interpretiert. Die Kollektion ist kein nostalgischer Rückblick, sondern ein Statement für die Gegenwart.

Erhältlich in der Boutique von Gina Drewes in Velden sowie im Online-Shop unter: https://www.ginadrewes.com/